Categoría: Noticias generales

  • Comienza la creación de una obra musical en colaboración entre el compositor Nuno da Rocha (Portugal), el guitarrista Fabrício Mattos (Brasil) y la poeta Rishika Williams (Inglaterra – India – Nigeria)

    Comienza la creación de una obra musical en colaboración entre el compositor Nuno da Rocha (Portugal), el guitarrista Fabrício Mattos (Brasil) y la poeta Rishika Williams (Inglaterra – India – Nigeria)

    Residencia artística en Londres, Reino Unido, acogida por WGC — Worldwide Guitar Connections, para la creación de “La violación (de Besada, no lo cuentes)”, una nueva obra de Nuno da Rocha para voz y dos guitarras —eléctrica y clásica—, con texto de la poeta Rishika Williams. La obra tendrá como intérpretes al propio compositor, Nuno da Rocha, en guitarra eléctrica, al guitarrista Fabrício Mattos y a la propia autora del texto, Rishika Williams.

    El proyecto propone la creación de una obra musical en colaboración entre el compositor Nuno da Rocha (Portugal), el guitarrista Fabrício Mattos (Brasil) y la poeta Rishika Williams (Inglaterra/India/Nigeria). La composición de una obra para dos guitarras —clásica y eléctrica— y recitado, basada en una sección de un poema épico del mismo título de Williams, será un hito significativo en la trayectoria de los tres artistas, así como de WGC – Worldwide Guitar Connections, proyecto fundado en 2011 y liderado por Mattos. La obra original, aún no publicada y de más de doscientas páginas, retrata, con enorme riqueza formal, experiencias de violencia sexual sufridas por Williams cuando aún era adolescente en Nigeria.

    La adaptación musical de una sección de esta obra, realizada con gran sensibilidad y responsabilidad bajo el marco conceptual de WGC — Worldwide Guitar Connections, contribuirá a elevar la guitarra a un nivel de mayor relevancia sociocultural en el contexto de la creación artística del siglo XXI. Así, el poema de Williams pasará a habitar una nueva dimensión estética y conceptual, desde la cual las palabras saldrán aún más fortalecidas en su contexto simbólico. La obra poética de Rishika Williams aborda los bloqueos psicológicos y sociales sufridos por personas en situación de fragilidad emocional causada por traumas y violencia.

    Nuno da Rocha es compositor e intérprete portugués, con un trabajo situado entre la música contemporánea, la performance experimental y la creación interdisciplinaria. Su práctica artística explora modelos de altura no exacta, la relación entre notación, cuerpo y escucha, y el cruce entre texto, espacio y sonido. Doctorado en Composición por la Royal Academy of Music, ha colaborado con intérpretes, ensambles e instituciones en Portugal y en el extranjero.

    Fabricio Mattos es guitarrista clásico e investigador en performance musical, con una amplia carrera internacional como solista, músico de cámara y curador. Se ha presentado en Europa, América, Asia y África, y es fundador del proyecto Worldwide Guitar Connections, presentado en más de 25 países. Distinguido con varios premios, entre ellos el Julian Bream Award, es doctor (PhD) en Performance Musical por la Royal Academy of Music. Su investigación se centra en la relación entre espacio, disposición performativa y experiencia artística, cuestionando modelos históricos de performance.

    Rishika Williams es poeta y performer, y desarrolla una práctica artística que cruza la escritura y la performance vocal. Su trabajo aborda temas como diáspora, memoria, violencia e identidad fragmentada, y ha sido ampliamente publicado en antologías, revistas y ediciones independientes. Su obra fue seleccionada y distinguida en varios premios literarios en el Reino Unido. Se presenta regularmente en contextos literarios, artísticos e institucionales a nivel internacional, incluyendo eventos vinculados a las Naciones Unidas, combinando intensidad lírica con una fuerte presencia política y corporal.

    Esta propuesta fue premiada en la línea de Ayuda a artistas e investigadores para residencias del Programa Ibermúsicas, convocatoria 2025.

    • Agosto y septiembre en WGC — Worldwide Guitar Connections, Londres, Reino Unido.
  • El artista hip hop peruano y rapero Pedro Mo realizará una amplia gira europea

    El artista hip hop peruano y rapero Pedro Mo realizará una amplia gira europea

    El proyecto de gira de Pedro Mo a Europa busca difundir una propuesta artística que combina rap, identidad andina y activismo social. A través de métricas y flows diversos, integra samplers y sonoridades del Perú y los Andes, construyendo un puente entre la cosmovisión ancestral y las realidades urbanas contemporáneas. La gira contempla presentaciones en escenarios comunitarios y profesionales de ciudades europeas, además de talleres y encuentros con el público, fomentando el diálogo intercultural. Se proyecta como una plataforma de visibilidad para el rap peruano y una contribución al fortalecimiento de redes artísticas latinoamericanas en el exterior.

    Artista hip hop peruano y rapero desde el año 2000, aborda temáticas sociales, políticas y culturales desde la identidad andina y la marginalidad urbana. Su música ha influenciado a diferentes generaciones de raperos. Cuenta con 18 discos como MC y otros 20 como productor. Su trabajo como activista, fundando, impulsando y participando en diversos procesos organizativos a través del hip hop, es vasto. Es un educador popular multidisciplinario, siendo el sikuri, el rap y el cajón sus principales herramientas de expresión. Actualmente dirige y gestiona actividades en Yachay Punku Casa Cultura.

    Esta gira europea de Pedro Mo es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas por medio de su línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

    • 28 de agosto: Lisboa, Portugal
    • 29 de agosto: Barcelona, España
    • 3 de septiembre: Ginebra, Suiza
    • 5 de septiembre: París, Francia
    • 10 de septiembre: Köln, Alemania
    • 12 de septiembre: London, Reino Unido
    • 16 de septiembre: Hamburg, Alemania
    • 18 de septiembre: Berlin, Alemania
    • 20 de septiembre: Madrid, España
    • 25 de septiembre: Basel, Suiza
    • 27 de septiembre: Zurich, Suiza
    • 2 de octubre: Torino, Italia
    • 3 de octubre: Milano, Italia

    4 de octubre: Florencia, Italia

  • Desde México llega el podcast “Corazón de Voz”

    Desde México llega el podcast “Corazón de Voz”

    “Corazón de Voz” es una serie digital en formato podcast que recupera, celebra y proyecta la memoria de las voces femeninas en Iberoamérica. A través de cinco episodios dedicados a países Iberoamericanos como México, Panamá y Cuba, la serie entrelaza historia, testimonio y canto actual para mostrar cómo las mujeres han marcado la evolución musical, sostenido tradiciones y transformado la manera en que la voz es entendida, no sólo como instrumento, sino como fuerza identitaria, social y cultural. Al mismo tiempo compartirán el taller comunitario “Tu voz como raíz”.

    “Corazón de Voz” es un proyecto realizado por la cantante mexicana Ade Ortega, la cantante panameña Silvia La Grande y la cantante cubana Elena Barreto.

    Ade Ortega. Cantante mexicana, nacida en Zitácuaro, Michoacán. Licenciada en Ejecución Musical-Canto por la Escuela de Bellas Artes de Toluca. Intérprete de repertorio clásico y música popular. Ha complementado su formación con diversos cursos, entre ellos: Técnica vocal sobre el funcionamiento científico y tangible (2015); Actuación para cantantes; Certificación como Vocal Coach (2024) y formación en Análisis Acústico de la Voz (2024). Formó parte de la Compañía Lírica Los Metiches, un ensamble coral especializado en música mexicana del siglo XIX. Fue integrante del Coro de Cámara de la Universidad Autónoma del Estado de México. Participó como voz principal del ensamble Jazzsontitlán. Forma parte de la agrupación de jazz In Blosom Band, dirige su propio Vocal Studio y es fundadora de Ama Sing, un espacio de entrenamiento vocal funcional.

    Silvia A. Luzcando Lamboglia, conocida artísticamente como Silvia La Grande, es una cantante panameña descendiente de la reconocida dinastía musical Lamboglia, nieta del pianista maestro Tille Lamboglia. Ha desarrollado una sólida trayectoria como vocalista y corista en géneros como salsa, merengue, bolero,balada, bachata, socca, calipso y música criolla peruana, además de combos nacionales. Inició su carrera con el grupo Sabor Tropical, y posteriormente su proyección artística se consolidó con Samuel Archer & Caribbean Sweet Band. Formó parte de la Orquesta Salsa Roja y colaboró con agrupaciones como La Orquesta Real, Orquesta Mamey, Orquesta Garison y Feedback Project. Su trayectoria ha sido reconocida con importantes premios internacionales.

    Elena Barreto es una cantante cuya voz se construye como memoria viva, profundamente marcada por la tradición cubana, la escena del cabaret y la experiencia del exilio. Nacida en Panamá y criada en Cuba en una familia de músicos, su formación transita de la danza al canto, desarrollando una musicalidad rítmica y orgánica. Esta raíz se refleja en su dominio del bolero, el son, la rumba y la guaracha, donde el pulso interno guía su interpretación. Su trayectoria incluye su participación en el Cuarteto de Voces en Movimiento, el emblemático Cuarteto de Aida y escenarios icónicos como el Cabaret Tropicana.

    Esta propuesta fue ganadora de las convocatorias 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de “Ayuda a proyectos virtuales”.

    • Fecha de lanzamiento: a partir del 26 de agosto
  • La directora chilena Alfonsina Torrealba perfeccionará su técnica en Italia con el destacado maestro Carlos Riazuelo

    La directora chilena Alfonsina Torrealba perfeccionará su técnica en Italia con el destacado maestro Carlos Riazuelo

    La directora de orquesta chilena Alfonsina Torrealba ha sido seleccionada para realizar un programa intensivo de perfeccionamiento en Sicilia, Italia, bajo la tutela del renombrado maestro venezolano-español Carlos Riazuelo. Este hito internacional está apoyado por el programa Ibermúsicas y el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile, y servirá como preámbulo técnico para dos importantes proyectos artísticos que la directora liderará a su regreso al país.

    Durante su programa de perfeccionamiento, Torrealba trabajará en la profundización del repertorio sinfónico del romanticismo y el impresionismo con el fin de adquirir herramientas claves para abordar obras de gran complejidad técnica y expresiva. La elección del maestro Riazuelo no es casual, ya que su figura representa un puente cultural entre la tradición europea y la vivencia latinoamericana, ideal para los objetivos de la directora.

    A su regreso a Santiago, Torrealba aplicará inmediatamente los conocimientos adquiridos en dos instancias. El 12 de septiembre se presentará en el Teatro Municipal de San Joaquín junto a la Orquesta de Cuerdas de María Pinto, agrupación originaria de la comuna del mismo nombre, para interpretar la “Suite María Pinto”, obra creada y dirigida por el profesor y compositor José Miguel Cerey Jerez, cuyo propósito es rescatar la identidad local de esta localidad rural de la Región Metropolitana de Santiago.

    Torrealba también ha sido invitada al “Festival Semillero Sonoro. Orquestas iniciales de la zona centro del país”, a realizarse en la comuna de Mostazal, Región de O’Higgins. El 26 de septiembre dirigirá un ensamble orquestal conformado por integrantes de la Orquesta de La Reina, la Orquesta de la Escuela Artística de Mostazal (O’Higgins), la Orquesta Femenina Instituto Santa Marta (Curicó) y la Orquesta de Cuerdas de María Pinto. Ambas instancias buscan que la directora ponga en práctica los conocimientos adquiridos durante su estadía en Italia junto al maestro Carlos Riazuelo.

    Adicionalmente, y alineada con su compromiso de fomentar el liderazgo femenino en el podio, la directora realizará durante la segunda quincena de septiembre la actividad educativa “El Gesto de Liderar”. Esta iniciativa, abierta a la comunidad, busca transferir lo aprendido en Europa a las nuevas generaciones de mujeres directoras locales.

    Nacida en Santiago de Chile, Alfonsina Torrealba es intérprete, música y docente. Comenzó su carrera como directora de orquesta en 2016, desarrollando un estilo fresco, juvenil y diverso que ha allanado un camino para su carrera en Chile y Europa.

    Se ha mostrado como una directora competente y profesional, capaz de inspirar y desarrollar un repertorio complejo, variado e interesante, elevando el interés de la comunidad en la música clásica y llevando a la orquesta a un nivel de calidad superior. En su trabajo destacan la Orquesta Joven de Curacaví, la Orquesta de Cuerdas de María Pinto, la Orquesta Joven de La Reina, la Orquesta de Flautas de Panguipulli, el Coro Presbiteriano San Esteban y el coro de la UAX.

    Es fundadora del estudio remoto TorreMar Music Studio y ha colaborado como directora en la Berklee College of Music, además de participar como soprano del coro de cámara Amalthea. Fue destacada durante 2025 por las revistas Voyage LA, Bold Journey, Canvas Rebel y Shoutout LA.

    Alfonsina Torrealba ha sido ganadora de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayuda a la Especialización y el Perfeccionamiento Artístico y Técnico.

    • Del 24 de agosto y el 2 de septiembre: Programa de perfeccionamiento en la ciudad de Catania, Italia
    • 12 de septiembre: “Suite María Pinto” de José Miguel Cerey Jerez, concierto de la Orquesta de Cuerdas de María Pinto en Teatro Municipal de San Joaquín, Santiago de Chile
    •  26 de septiembre:  “Festival Semillero Sonoro. Orquestas iniciales de la zona centro del país”, Mostazal, Región de O’Higgins, Chile
  • La investigadora brasileña Marina Cananda presenta el primer episodio de “Rutas Sonoras: Diálogos entre las escenas underground de Brasil y Argentina”

    La investigadora brasileña Marina Cananda presenta el primer episodio de “Rutas Sonoras: Diálogos entre las escenas underground de Brasil y Argentina”

    Rutas Sonoras es un proyecto de investigación musical y creación audiovisual dedicado a mapear, analizar y conectar las escenas independientes y underground de Brasil y Argentina. Desde una perspectiva crítica, centrada en la cultura, la identidad latinoamericana, los hibridismos, la autogestión y la producción musical emergente, el proyecto busca comprender las dinámicas estéticas y de circulación que definen el presente de la música independiente en ambos países.

    El resultado será una serie audiovisual de 4 episodios, publicada de manera abierta y gratuita en las plataformas de Radio Color, un espacio de curaduría musical especializado en música latinoamericana contemporánea.

    Marina Cananda es investigadora, curadora musical, investigadora independiente y creadora de la plataforma Radio Color, dedicada a la difusión de la música independiente de América Latina desde el año 2020. Desarrolla trabajos de crítica musical, investigación cultural y creación de contenidos sobre escenas alternativas, hibridismos sonoros, identidad latinoamericana y resistencia cultural. Se desempeña como guionista, presentadora y responsable de la investigación del proyecto Rutas Sonoras.

    Lucas Barrionuevo es editor audiovisual con experiencia en narrativas musicales, documentales y piezas para redes sociales. Es responsable del montaje, la identidad visual, el tratamiento de sonido, la corrección de color y la finalización de los episodios de la serie.

    Bruno Pilia es el colaborador argentino del proyecto. Músico e investigador independiente de la escena underground argentina. Colabora en la etapa de captación de material de referencia, mapeo preliminar y relevamiento de bandas, colectivos y espacios culturales de Buenos Aires, aportando soporte contextual a la investigación.

    El primer episodio se titula “Cartografías del under argentino: un mapa vivo de la escena actual”, y los siguientes serán: “Hibridismos sonoros: fusiones, cruces y estéticas emergentes”, “Autogestión y cooperación: cómo se sostienen las escenas” y “Diálogos Brasil-Argentina: puentes, tensiones y resonancias”.

    El presente proyecto cuenta con el apoyo del Programa Ibermúsicas a través de su línea de “Ayuda a proyectos virtuales”, convocatoria 2025.

    • Ver videos a partir del 18 de agosto en: @radio.color
  • Con conciertos, clases magistrales y conferencias Elena Ortega, Victoria Velasco y Ana María Gandasegui llevarán desde España a Costa Rica todo su saber sobre La Guitarra Española y la Casa Manuel Contreras

    Con conciertos, clases magistrales y conferencias Elena Ortega, Victoria Velasco y Ana María Gandasegui llevarán desde España a Costa Rica todo su saber sobre La Guitarra Española y la Casa Manuel Contreras

    Esta propuesta busca difundir la historia y evolución de la guitarra española, dada su importancia en la cultura de muchos países y su influencia en diferentes géneros musicales. El proyecto se compone de una conferencia, un concierto de guitarra y clases magistrales, siendo todas las actividades abiertas al público.

    La propuesta está dirigida a los alumnos de la Sede del Atlántico de la Universidad de Costa Rica, así como a todas aquellas personas interesadas en la guitarra española y su historia. Es por ello que el acceso será abierto al público.

    La conferencia Victoria Velasco y Ana María Gandasegui abordará una visión histórica de la Guitarra Española, el desarrollo del instrumento desde sus antecedentes históricos y un amplio recorrido por la historia de Guitarras Manuel Contreras, uno de los talleres de construcción más emblemáticos y reconocidos de Madrid.

    El concierto de Elena Ortega ilustrará todo lo expuesto en la conferencia. La concertista tocará con una Guitarra Contreras para que el público pueda escuchar de primera mano el sonido característico de este taller. El repertorio se compondrá de piezas de diferentes estilos, incluyendo no sólo la música española de Turina o Tárrega sino también música latinoamericana, de raíces orientales o con influencia de géneros más modernos como el jazz. Se podrá observar así la versatilidad del instrumento, mostrando todo su potencial y sirviendo de vehículo para crear lazos con otras culturas.

    Elena Ortega es una destacada guitarrista de Madrid, especializada en música española pero con gran interés en la relación del género clásico con otras músicas de raíz popular, como el flamenco.

    • Del 17 al 21 de agosto: San Pedro Sula y Tegucigalpa, Honduras
    • 26 de agosto: Concierto Elena Ortega
    • 27 de agosto: Clases magistrales Elena Ortega
    • 28 de agosto: Conferencia Guitarras Manuel Contreras
    • 2 de septiembre: Encuentro de Guitarra Iberoamericana 2026, Sede del Atlántico, PPAM, Universidad de Costa Rica
    • Del 10 al 12 de septiembre: Ciudad de Guatemala y Antigua, Guatemala
  • El Linden Trío, de Portugal, se presentará en Salvador de Bahía con su proyecto “Un grano de arena en el universo”

    El Linden Trío, de Portugal, se presentará en Salvador de Bahía con su proyecto “Un grano de arena en el universo”

    Versátil e informado, el Linden Trio, trío de saxofón, guitarra y guitarra portuguesa, se inscribe dentro de la música instrumental en la subcategoría del etno-jazz. Esta denominación traduce la fusión entre la música tradicional y contemporánea de culturas lusófonas con la libertad y sofisticación del jazz, dando como resultado un lenguaje sonoro propio, rico en timbres y texturas. Sus conciertos, a la vez accesibles y audaces, revelan un elevado dominio técnico de los instrumentos y una curiosidad constante por la experimentación.

    Este espectáculo es más que música: es una propuesta artística que cruza fronteras y provoca pensamiento. Inspirado en la escritura de Mia Couto, reúne repertorios tradicionales del espacio lusófono con la música contemporánea y la improvisación, creando un lenguaje nuevo y profundamente expresivo. El público no solo asiste: participa, graba, interviene, transforma. Es un espacio de creación colectiva, donde artistas y espectadores construyen juntos. Un grano de arena en el universo es una plataforma de diálogo, experimentación y conciencia crítica, donde la música se convierte en voz, cuerpo e idea.

    Esta serie de conciertos del Linden Trio en Brasil es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, por medio de su línea de ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

    • 12 de agosto: Taller de guitarra portuguesa (Auditorio de la EMUS) y masterclass de saxofón (sala 102), Salvador de Bahía
    • 13 de agosto: Taller de composición colaborativa (Auditorio de la EMUS) y mesa redonda (Auditorio de la EMUS), Salvador de Bahía
    • 15 de agosto: Laboratorio de música electrónica y de composición (sala 102), Salvador de Bahía
    • 16 al 20 de agosto: Ensayos del Linden Trio (sala 102), Salvador de Bahía
    • 21 de agosto: Concierto en el auditorio de la EMUS – Escuela de Música de la UFBA, Salvador de Bahía
    • 22 de agosto: Concierto en la comunidad, Salvador de Bahía
  • Jazz de Barro: Un Viaje Musical que Fusiona la Tradición Ecuatoriana con el Jazz Internacional realiza una gira por Estados Unidos

    Jazz de Barro: Un Viaje Musical que Fusiona la Tradición Ecuatoriana con el Jazz Internacional realiza una gira por Estados Unidos

    El cuarteto ecuatoriano Jazz de Barro llevará su propuesta musical innovadora y su fusión de jazz con los ritmos y danzas tradicionales de Ecuador a escenarios de renombre en Estados Unidos. La gira ofrecerá conciertos en diversas ciudades del país, consolidando la proyección internacional de la agrupación y llevando un mensaje único de la riqueza cultural ecuatoriana.

    Formado en 2014 en Cuenca, Ecuador, Jazz de Barro es reconocido por su habilidad para mezclar la música ecuatoriana vernácula con influencias del jazz, explorando sonidos nuevos a través de la improvisación, la armonía expandida y la polirritmia. El cuarteto está compuesto por Su Terry (Saxo), Cristhian Torres (Contrabajo-Bajo), Pedro Ortiz (Batería) y Lucas Bravo (Piano-Teclados), quienes, con formación académica y jazzística, logran una propuesta musical única que ha capturado la atención del público tanto en Ecuador como a nivel internacional.

    Durante esta gira, Jazz de Barro presentará su más reciente trabajo discográfico Apu, así como su primer álbum Festejo de Capizhca. Estos álbumes reflejan el compromiso de la banda con la preservación y evolución de la música ecuatoriana, al tiempo que buscan romper fronteras y expandir el concepto de jazz dentro de un contexto cultural diverso.

    Su enfoque no solo ha tenido un impacto en la escena local, sino que también ha atraído la atención internacional, en parte debido a la participación de Su Terry, una talentosa saxofonista estadounidense que aporta una perspectiva única al grupo. Esta combinación multicultural ha permitido a Jazz de Barro llevar su propuesta tanto a públicos académicos como populares.

    Esta gira de Jazz de Barro por los Estados Unidos se hace posible gracias al apoyo de Ibermúsicas mediante su línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

    • 14 de agosto: South Park Festival, Pittsburgh, PA
    • 15 de agosto: Con Alma Jazz Club, Pittsburgh, PA
    • 20 de agosto: Smalls Jazz Club, New York City, NY
    • 21 de agosto: Dear Head Inn, Delaware Water Gap, PA
  • Llega una nueva edición del Festival de Arte Dule de Panamá con invitados de Chile y de Canadá

    Llega una nueva edición del Festival de Arte Dule de Panamá con invitados de Chile y de Canadá

    El proyecto Sonidos de Abiayala busca reconocer y difundir la riqueza sonora, musical y cultural de los pueblos originarios y de raíz de América, comprendida en su sentido ancestral como Abiayala. Se concibe como un espacio vivo de encuentro entre tradición y contemporaneidad, donde la música se presenta como vehículo de transmisión de saberes, memoria histórica y cosmovisiones que reflejan la relación sagrada entre las comunidades y la naturaleza.

    A través de conciertos, talleres, grabaciones y espacios de diálogo, Sonidos de Abiayala pretende generar procesos de aprendizaje y sensibilización intercultural, ofreciendo al público experiencias artísticas transformadoras que valoren la diversidad cultural, la igualdad de género, la inclusión de las infancias y la sustentabilidad ecológica.

    Desde hace 13 años el Festival de Arte Dule es una iniciativa de diferentes organizaciones indígenas de Panamá y el apoyo de voluntarios, profesionales, amigos y amigas indígenas como no indígenas.

    Programado a realizarse en el mes de agosto, en el marco del Día Internacional de los Pueblos Indígenas; en diferentes localidades académicas y culturales de la Ciudad Capital. Convoca a artistas representativos de los pueblos nativos locales y extranjeros; con una propuesta variada: presentaciones artísticas en tarima, exposiciones de artes visuales, pintura, artesanía, gastronomía, literatura, danzas tradicionales y elementos informativos con pertinencia cultural de los pueblos indígenas.

    El Festival de Arte Dule ha sido ganador de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayudas a la Programación Musical para propiciar la invitación de Sandra Cristina Wroblewsk desde Toronto Canadá, como expositora y representante del Indigenous International Music Summit y de Anklaje Band, representantes de la etnofusión desde Chile.

    • Del 13 al 15 de agosto: Ciudad de Panamá
  • El violista Djonathan Inácio da Silva inicia su gira por Brasil “Viola de arco en las márgenes del Atlántico: un descubrimiento del repertorio iberoamericano”

    El violista Djonathan Inácio da Silva inicia su gira por Brasil “Viola de arco en las márgenes del Atlántico: un descubrimiento del repertorio iberoamericano”

    La gira es un proyecto de circulación artística que integra conciertos y actividades pedagógicas en Brasil. La propuesta se centra en la difusión del repertorio iberoamericano para viola, con especial destaque de obras de compositores portugueses y brasileños, muchas de ellas en estreno en Brasil.

    Además de los recitales, el proyecto incluye clases magistrales de viola y música de cámara en todas las ciudades visitadas, promoviendo el intercambio cultural y pedagógico entre el intérprete y estudiantes locales. La colaboración con pianistas brasileños refuerza el intercambio artístico, permitiendo que el diálogo cultural tenga lugar tanto en el escenario como durante el proceso de preparación de los conciertos.

    Djonathan Inácio da Silva es un violista portugués que inició sus estudios musicales en el proyecto social Música Para Todos, en Oporto, y obtuvo la licenciatura en viola en la Escuela Superior de Música y Artes del Espectáculo (ESMAE), con la máxima calificación.

    Actualmente estudia en la Universität für Musik und darstellende Kunst Wien (mdw), en Viena, en la clase de Wolfgang Klos, y desarrolla estudios paralelos con Maxim Rysanov. Se ha destacado en proyectos solistas y de música de cámara.

    Se dedica a la promoción de la música portuguesa e iberoamericana para viola, un área central tanto en su trayectoria artística como en este proyecto.

    Esta gira es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, mediante su línea de Ayuda a la Circulación de Profesionales de la Música, convocatoria 2025.

    • 11 de agosto: Recital de viola y piano y clase magistral de viola y música de cámara, Departamento de Música del Instituto de Artes de la Unicamp, Campinas, Brasil.
    • 12 y 13 de agosto: Recital de viola y piano y clase magistral de viola y música de cámara, Instituto de Artes de la Universidad Estadual Paulista «Júlio de Mesquita Filho» (UNESP), São Paulo, Brasil.
    • 18 y 19 de agosto: Recital de viola y piano y clase magistral de viola y música de cámara, Departamento de Música de la Universidad Federal de Minas, Belo Horizonte, Brasil.
    • 24 y 25 de agosto: Recital de viola y piano y clase magistral de viola y música de cámara, Conservatorio Pernambucano de Música, Recife, Brasil.