Categoría: Noticias rotativas

Karmento es una artista folclórica de La Mancha, España que inició su andadura artística en el año 2012, cuando decide irse a vivir a la isla de Malta. Allí comenzó a relacionarse con músicos internacionales y empezó a escribir las canciones que conformarían su primer álbum “Mudanzas”.

A partir de 2020, con la publicación de “Este devenir”, empieza a posicionarse como uno de los grandes nombres del neofolclore español, siendo considerado este álbum como uno de los mejores de Música de Raíz del año. Su gira de presentación finalizó con más de 130 conciertos realizados.

Karmento participó en el Benidorm Fest 2023, con su canción “Quiero y duelo”, llegando a ser una de las finalistas. Ese mismo año alcanzó el título de Hija Predilecta de Castilla-La Mancha. En 2024, Karmento publicó su nuevo álbum “La Serrana”, un trabajo que ha sido considerado como uno de los mejores de 2024 para medios como Mondosonoro, Rockdelux, Efe Eme o Jenesaispop, además de ganar el Premio de la Academia de la Música a Mejor Álbum Folclórico y conseguir cuatro nominaciones en los Premios MIN.

Con el disco “La Serrana”, la artista manchega inició una nueva etapa al dar un paso hacia un folclore más vanguardista, pero manteniendo su más pura esencia. En las diez nuevas canciones que conforman este nuevo álbum, Karmento, inspirada en las mujeres de su pueblo y en su propia identidad, profundiza en su raíz serrana en un viaje emocional y narrativo que atraviesa la vida y la memoria de su pertenencia.

Esta gira de Karmento es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”, convocatoria 2025.

• 24 de abril: Facultad de ingeniería de la UNAM, Ciudad de México
• 25 de abril: Centro Cultural de España en México, Ciudad de México
• 28 de abril: Feria Internacional del libro Coahuila, Coahuila, México
• 2 de mayo: Centro Cultural de España, Ciudad de Guatemala

Desde Costa Rica, Guadalupe Urbina comienza a presentar las primeras canciones de “Ensayo + Error = Milagro”, un álbum introspectivo que recoge sus experiencias de vida y las comparte de manera sincera y abierta. A lo largo de once canciones, la cantautora costarricense aborda temas como la igualdad de género, la multiculturalidad, la accesibilidad, la niñez, la sustentabilidad ecológica y la vulnerabilidad social. Este trabajo musical representa una celebración de la diversidad cultural latinoamericana, con una narrativa personal que también resuena con temas universales.

Guadalupe Urbina es cantante, compositora e investigadora de la tradición oral de Costa Rica. Inició su carrera en los años ochenta con una serie de grabaciones de su música original. En 1988, participó en la gira de Amnistía Internacional junto a Bruce Springsteen, Sting, Tracy Chapman, Peter Gabriel y Youssou N’Dour. En 1994, recibió el Premio Gaviota del Círculo de Bellas Artes en Madrid, España. Durante las siguientes tres décadas, editó una docena de producciones discográficas y realizó innumerables presentaciones en diferentes festivales, teatros y escenarios de América, Europa y África. En 2017, recibió la declaratoria de interés cultural del Ministerio de Cultura de Costa Rica por su espectáculo “Abril Se Fue”. En 2018, recibió el reconocimiento de la Asociación de Compositores y Autores Musicales de Costa Rica por su contribución en la recopilación de tradiciones afromestizas de Guanacaste. Ese mismo año, Correos de Costa Rica conmemoró la carrera de Urbina con la emisión filatélica de estampillas postales. En 2019, la cineasta Patricia Howell (de grata memoria) realiza el documental “Los Caminos del Amor”, basado en la vida de Guadalupe Urbina, patrocinada por el Centro Costarricense de Producción Cinematográfica del Ministerio de Cultura de Costa Rica. En 2022, publica su nuevo sencillo y videoclip “La Cumbia de la Niña”, con el apoyo del Fondo de Población de las Naciones Unidas. En 2023, publica “Conjuro Sagrado”, un EP producido en colaboración con el DJ compatriota Barzo y galardonado con el VIII Premio Ibermúsicas a la Creación de Canción y en los XVIII Premios ACAM.

La realización de “Ensayo + Error = Milagro” es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a proyectos virtuales”, convocatoria 2025.”

Puentes Sonoros es una gira de la banda peruana Los Chapillacs en Colombia que busca generar un encuentro intercultural entre la cumbia peruana psicodélica y la cumbia contemporánea colombiana, a través de un conversatorio, talleres comunitarios y un concierto en espacios emblemáticos de Bogotá. El proyecto incluye un registro audiovisual profesional que servirá como material de memoria y difusión para fortalecer el diálogo iberoamericano en torno a la cumbia actual.

Los Chapillacs son una banda peruana de cumbia psicodélica fundada en 2006 en el Barrio del Solar, Arequipa. Su propuesta fusiona la cumbia peruana clásica con rock, psicodelia y mensajes ecológicos, construyendo un sonido propio que ha sido celebrado tanto en Perú como en el extranjero.

Han editado discos como Odisea Cumbia 3000 (2010), Lo bueno, Lo malo, Lo feo y Los Alaracosos Chapillacs (2021), este último publicado en vinilo por el sello español Munster Records.

Han girado por Chile, Argentina, Brasil y Europa en varias oportunidades, participando en festivales como Alhambra Monkey Week (España), Selvámonos y Trimarchi DG (Argentina).

Su música ha sido incluida en compilados internacionales como The Rough Guide to Cumbia (UK) y Beginners Guide to Cumbia (Nascente Records).

Estas presentaciones de Los Chapillacs en Colombia se hacen posibles gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, mediante su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”.

• 18 de abril: Conversatorio “Rock, cumbia y folclore: un encuentro de las músicas en la iberofonía” en Casa Kilele, Bogotá, Colombia
• 18 de abril: Talleres comunitarios de intercambio en Casa Kilele, Bogotá, Colombia
• 28 de abril: Concierto en Latino Power, Bogotá, Colombia

El joven compositor paraguayo Mateo Servián Sforza realizará estudios superiores de composición en la “Hochschule für Musik, Theater und Medien” de Hannover (Alemania), junto con el compositor estadounidense Aaron Cassidy. Durante su estadía en Hannover, además de tomar clases de composición con Aaron Cassidy, Servián Sforza tendrá la oportunidad de estrenar dos obras nuevas: el conjunto australiano Elision ejecutará una obra dentro del Festival Klangbrücken, prestigioso festival internacional que reúne a importantes artistas del ámbito de la música erudita contemporánea y el guitarrista estadounidense Seth Josel brindará un concierto dentro de la Hochschule donde ejecutará obras de los mejores estudiantes de composición, entre los cuales Servián Sforza fue seleccionado para crear una obra para guitarra eléctrica sola.

Mateo Servián Sforza, nacido en 1991 en Asunción (Paraguay), estudia composición con Marco Momi en el Conservatorio de Fermo. Del 2014 al 2020 estudió con Mario Garuti en el Conservatorio de Milano. Asimismo, ha asistido a masterclasses y seminarios de compositores como Pierluigi Billone, Alberto Posadas, Salvatore Sciarrino, Sarah Nemtsov y Michael Maierhof. Realizó asimismo estudios de piano en el Conservatorio de Roma, y, posteriormente, en el Conservatorio de Milano, donde concluyó su Máster en Piano.

Sus composiciones han sido interpretadas en importantes festivales dedicados a la música contemporánea, como los Darmstädter Ferienkurse y la temporada de conciertos Out of the Ordinary de Constanza (Alemania), el Festival Impuls de Graz (Austria), el Festival Milano Musica de Milano y el Festival Mondi Sonori de Trento (Italia), la Trobada de Percussió de Pollença (España), la temporada de conciertos del Centro Cultural Recoleta (Argentina) y del Núcleo de Música Nueva de Montevideo (Uruguay), el Festival MusicAhora de La Serena y el Festival de Música Contemporánea del Instituto de Música UC de Santiago (Chile), además de las Jornadas de Música Nueva de Asunción (Paraguay).

Recibió en dos ocasiones el Premio de Composición del Programa Ibermúsicas, en los años 2021 y 2022, además de la Mención de Honor en el Premio Nacional de Música del Paraguay en su edición 2023.

Ha enseñado como profesor invitado en el Conservatorio «Franco Vittadini» de Pavia (Italia). Asimismo, ha brindado seminarios y workshops en el Conservatorio Nacional del Paraguay y en la Universidad Nacional de Asunción.

Aaron Cassidy es compositor, director de orquesta, profesor, productor discográfico y autor. Durante más de 25 años, su trabajo como compositor se ha centrado en el desarrollo de notaciones de tablatura innovadoras que priorizan los aspectos físicos, corporales y mecánicos de la producción sonora musical. Ha creado una práctica de notación gráfica multicolor que permite representar acciones coreográficas multidimensionales en un espacio de notación simple y no estratificado. A la vez ha explorado nuevas formas de trabajar con lo que él denomina ritmo «no geométrico», desvinculando las características rítmicas fundamentales de velocidad y duración de la regularidad de la notación de pulsos y tiempos, conservando el carácter funcional y el impacto evocador de la métrica y la síncopa.

Ensamble Elision es el principal conjunto de nueva música de Australia, un “supergrupo” internacional cuyos 17 miembros incluyen a algunos de los músicos más destacados del mundo.

El conjunto ha centrado su práctica en explorar y expandir las posibilidades musicales, forjando una reputación internacional mediante la interpretación de una estética compleja y virtuosamente desafiante, un instrumental único y el trabajo en formas artísticas interdisciplinarias, ofreciendo modelos inspiradores de colaboración e innovación.

Seth Josel se ha convertido en uno de los pioneros instrumentales más destacados de su generación. Tras obtener su Licenciatura en Música en la Manhattan School of Music, Seth Josel se matriculó en la Universidad de Yale, donde obtuvo los títulos de Maestría en Música, Maestría en Artes Musicales y Doctorado en Artes Musicales. Entre sus profesores se encuentran Manuel Barrueco y Eliot Fisk.

Ha recibido numerosos premios y distinciones, entre ellas una beca Fulbright-Hays del gobierno de los Estados Unidos y el Estipendio Artístico de la Akademie Schloss Solitude de Stuttgart. Ha colaborado y asesorado estrechamente con compositores como Mauricio Kagel, Helmut Lachenmann, Tristan Murail y James Tenney. Ha realizado conciertos por toda Europa, así como en Estados Unidos, Canadá, Israel y Japón, y ha sido artista invitado de importantes orquestas y conjuntos.

Esta estancia de especialización de Mateo Servián Sforza en Alemania es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la especialización y el perfeccionamiento artístico y técnico”, convocatoria 2025.

• De abril a julio: Hochschule für Musik, Theater und Medien, Hannover, Alemania
• 16 de abril: Ensamble Elision en el Festival Klangbrücken
• 19 de junio: concierto de Seth Josel en la Hochschule

El podcast Melodrama Guaraní, producido por la soprano paraguaya Cristina Vera-Díaz, con la colaboración del músico argentino Mario Daniel Martínez y el periodista musical argentino Boris Laures, es un viaje musical a través de la historia, concebido como una serie de tres episodios audiovisuales que acercan al público contemporáneo la vida y obra de tres compositores de distintas épocas profundamente influenciados por la cultura guaraní: Domenico Zipoli, Antônio Carlos Gomes y José Asunción Flores.

Domenico Zipoli (Italia, 1688 – Argentina, 1726), protagonista del Barroco Guaraní en el corazón de las Misiones Jesuíticas de los siglos XVII y XVIII, a 300 años de su fallecimiento.

Antônio Carlos Gomes (Brasil, 1836 – 1896), de quien se evocan los 190 años de su nacimiento a través de su ópera Il Guarany, estrenada y consagrada en el Teatro alla Scala de Milán.

José Asunción Flores (Paraguay, 1904 – Argentina, 1972), creador de la Guarania, género musical que alcanza una proyección sinfónica internacional con la histórica grabación de la Guarania Sinfónica realizada en la Unión Soviética en 1968/69 bajo la dirección del maestro Yuri Ahronovitch.

El proyecto articula investigación histórica, interpretación musical, entrevistas, narración y registro audiovisual, integrando grabaciones realizadas en locaciones patrimoniales del Paraguay reflejando la naturaleza transnacional del legado cultural guaraní. El resultado final es un producto sonoro y visual de alta calidad, editado y optimizado para su difusión en plataformas digitales.

Cristina Vera-Díaz es soprano lírica, productora musical, profesora de canto, investigadora paraguaya, directora coral y presidenta de la Fundación Promúsica.

Mario Daniel Martínez es tenor y guitarrista barroco argentino, profesor de Armonía, Contrapunto y Canto en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral. Está especializado en música antigua.

Boris Laures es periodista musical, productor y director escénico argentino. Realizó estudios musicales en el Conservatorio Julián Aguirre, formación en periodismo especializado y estudios de Dirección Escénica en el Teatro Colón de Buenos Aires.

La realización deI Melodrama Guaraní es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, a través de su línea de “Ayuda a proyectos virtuales”, convocatoria 2025.

• Enlace al video: https://youtu.be/KDc_La9-VmY

Hasta el 22 de abril estará abierta la licitación para contratar servicios profesionales capaces de desarrollar un diagnóstico regional con enfoque interseccional y comparativo.

En el Espacio Cultural Iberoamericano, la falta de información sistematizada y comparable sobre la participación de las mujeres en la gestión cultural continúa siendo un desafío para el diseño de políticas públicas y estrategias basadas en evidencia. Frente a este escenario, los programas Iberescena, Ibermuseos e Ibermúsicas se unieron para impulsar el proyecto “Cartografía de género en la gestión cultural iberoamericana: tejiendo equidad”, una iniciativa que busca generar un diagnóstico regional con enfoque de género interseccional.

El proyecto fue seleccionado en la III Convocatoria de Proyectos de la Cooperación Iberoamericana de la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB), que apoya iniciativas orientadas a promover la equidad entre hombres y mujeres. Su objetivo es identificar brechas, desafíos y oportunidades en torno a la participación de las mujeres en el sector. A través de este estudio, se busca comprender su rol dentro de la arquitectura cultural iberoamericana, así como los espacios en los que están presentes y aquellos en los que su participación sigue siendo limitada o inexistente.

La iniciativa busca también analizar las condiciones laborales, trayectorias profesionales y niveles de responsabilidad de las mujeres en la gestión cultural, incorporando variables como edad, pertenencia étnica, situación migrante, discapacidad o autopercepción de género. Asimismo, se propone relevar información sobre ingresos y posicionamiento laboral, con el fin de visibilizar la cultura como un sector estratégico para la generación de empleo de calidad y el desarrollo sostenible.

Como resultado, se espera elaborar un informe regional que reúna evidencia cuantitativa y cualitativa, aportando insumos clave para el diseño e implementación de políticas públicas, programas y acciones orientadas a fortalecer la igualdad de género en el ámbito cultural.

En este marco, se abre una licitación para contratar servicios profesionales capaces de desarrollar este diagnóstico regional preliminar sobre la situación laboral de las mujeres en la gestión cultural iberoamericana. La propuesta seleccionada trabajará en coordinación con un Comité Técnico de Seguimiento, integrado por representantes de los Programas impulsores y aliados estratégicos, asegurando la incorporación transversal de un enfoque de género interseccional, no discriminación y multiculturalidad.

El llamado, dirigido a cualquier país iberoamericano, estará abierto hasta el 22 de abril. Posteriormente, las propuestas serán evaluadas entre el 23 y el 30 de abril, y la adjudicación se realizará entre el 4 y el 8 de mayo. Los términos de referencia de la licitación están disponibles en el sitio web de la SEGIB.

La Chile Big Band y el compositor Sergio Salazar (Perú) se aprestan a colaborar en una producción discográfica de carácter único, donde grabarán y publicarán un material inédito de música afro-peruana para el formato de Big Band de jazz.

Esta producción contará con cinco obras que recorrerán típicos ritmos folclóricos del Perú como el festejo, el landó y la zamacueca. También se incluirá un samba brasileño. Asimismo, la música se nutrirá de la tradición del jazz y del swing, e incorporará secciones de improvisación donde los músicos de La Chile Big Band interpretarán solos de saxofón, trompeta, piano, entre otros, logrando una mixtura única entre la música de raíz latinoamericana y la música de descendencia afroamericana.

Este trabajo será producido en el estudio Palo Quemado, a cargo de Nicolás Ríos (Chile), y será publicado en todas las plataformas de streaming. La portada será confeccionada por la talentosa diseñadora Micchela Messone (Chile).

La Chile Big Band es una orquesta profesional nacida en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile a raíz de la iniciativa de un grupo de estudiantes que buscaban promover el trabajo orquestal de la mano del jazz y la música popular. Interpretan una rica diversidad estilística donde prima el lenguaje del jazz y los arreglos latinoamericanos. Su sonoridad orquestal se ve destacada por composiciones originales tanto de sus integrantes como de su director, el maestro Carl Hammond.

Sergio Salazar es un compositor y gestor cultural peruano. Ha recibido encargos y estrenado obras en Perú, Argentina, México y Bolivia. Escribió música de raíz peruana que ha sido ejecutada en países como Perú, Bolivia y Argentina por la agrupación Afro en las Alturas. Ha recibido premios del Ministerio de Cultura de Perú, el programa Ibermúsicas y el Conservatorio Astor Piazzolla de Argentina en el marco del Festival Atemporánea 2023. Su formación académica incluye estudios en composición musical en la Universidad Nacional de La Plata. Además, ha profundizado en la música experimental a través de residencias artísticas en Italia, México y Perú, donde colaboró, estudió y trabajó con compositores y mentores de renombre. Su trabajo se enfoca en el desarrollo de proyectos multidisciplinarios que indagan sobre las tradiciones musicales étnicas del Perú, tradiciones que coexisten con la tecnología para configurar discursos narrativos que reflejan el entorno social contemporáneo.

Este proyecto ha sido ganador de la convocatoria 2024 del Programa Ibermúsicas en la línea de “Ayuda a proyectos virtuales”.

La música y docente chilena Bárbara López Silva realizará una residencia de investigación en la ciudad de Barcelona, sobre el método de enseñanza de la música que desarrolla Joan Chamorro con la Sant Andreu Jazz Band, agrupación de niñas, niños y jóvenes que tocan jazz y que se destacan por su calidad interpretativa.

Durante la residencia se realizarán entrevistas, asistencias a conciertos, grabaciones de clases y ensayos, registro de fotografías, recopilación de antecedentes históricos y metodológicos, para posteriormente, con el material reunido, realizar una creación audiovisual que será compartida en una actividad de mediación abierta a toda la comunidad donde reside la responsable del proyecto.

Bárbara López Silva inició sus estudios de pedagogía en música en el año 1998, paralelamente realizando estudios de trompeta y desde ese momento ha estado ligada a las artes musicales, ya sea en diferentes agrupaciones tales como Banda Conmoción o Peces Sexteto, entre otros, llegando a diferentes escenarios de Chile, Francia, España, Alemania, China, Brasil, Colombia, Ecuador, Uruguay, Argentina,

Bélgica y Corea.

Además al quehacer artístico, ha dado clases de música en diferentes jardines infantiles de Santiago y clases de trompeta y trombón para niños en orquestas de colegios de la capital. Se desempeña como docente de trompeta, trombón y flauta traversa en la Orquesta instrumental de niños y jóvenes de Lonquimay y en la Orquesta de Curacautín. También se dedica a componer y tocar en la banda “Música en mi jardín”. En el año 2024 realizó una pasantía a México para conocer el método de enseñanza de la maestra Leticia Gallardo, directora de la Banda Femenil Mujeres del Viento Florido, proyecto el cual también fue apoyado por Ibermúsicas.

Joan Chamorro es un músico de jazz multi instrumentista y director de la Sant Andreu Jazz Band (2006–2026), proyecto con el que ha logrado resultados sorprendentes, reflejados en más de 50 grabaciones en formato CD y 23 discos surgidos en el seno de la colección “Joan Chamorro Presenta”. Protagonizó el documental A Film About Kids and Music, dirigido por Ramon Tort. Estudió la carrera clásica de saxofón en el Conservatorio de Barcelona y, paralelamente, obtuvo el título de Grado Superior en el Taller de Músics de Barcelona. Ha impartido masterclasses en toda Cataluña, la Comunidad Valenciana y Zaragoza, así como en Stanford y Cincinnati (EE. UU.), Copenhague (Dinamarca), Ciudad de México, Querétaro y Playa del Carmen (México), Medellín (Colombia), Polonia (Universidad de Zielona Góra), Francia, Suecia,  Italia y Alemania, entre otros lugares. Durante estos 20 años al frente de la Sant Andreu Jazz Band ha recibido diversos premios y reconocimientos de relevancia. En 2026, la organización Jazz at Lincoln Center lo ha elegido para recibir en la ciudad de Nueva York el Global Citizen Award, en reconocimiento a su labor durante dos décadas al frente de la Sant Andreu Jazz Band.

Este residencia de Bárbara López Silva es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante sus línea de Ayuda a artistas e investigadores para residencias, convocatoria 2025.

• Durante el mes abril en Sant Andreu, Barcelona, España

Este proyecto traza un puente cultural entre El Salvador y Valencia, ampliado por la riqueza musical de México, Argentina, Brasil y España. A través de canciones y obras pianísticas, se configura un recorrido que refleja la diversidad de tradiciones iberoamericanas y europeas.

Música y poesía se manifiestan en textos de Alberti, Bécquer o María Guerra y compositores como Granadino, Guastavino, Villa-Lobos, Rodrigo o Falla. La presencia de compositoras como María Grever (México), Alicia Terzián (Argentina), Matilde Salvador (España) y María Teresa Oller (Valencia, España) refuerza la dimensión integradora y plural de esta propuesta que celebra la memoria compartida y la identidad cultural. La inclusión de estas compositoras junto a la poetisa María Guerra, no constituye un gesto accesorio, sino un eje fundamental que refuerza la solidez artística y conceptual del programa. Históricamente, la creación femenina ha quedado marginada en los repertorios de concierto; por ello, visibilizar estas voces implica corregir un desequilibrio y enriquecer la lectura de nuestro patrimonio musical. La propuesta defiende así un canon más justo y plural, donde la aportación de las mujeres dialoga en igualdad con la de compositores consagrados, favoreciendo una programación innovadora y culturalmente responsable.

Este proyecto adquiere una especial relevancia al enmarcarse dentro del Festival MusiQuart 2026, el Festival Internacional de Música de Quart de Poblet (Valencia, España). El festival, consolidado como una plataforma de referencia para la música de cámara y la innovación artística, ofrece el contexto idóneo para presentar un proyecto que une tradición, diversidad y proyección internacional.

En este marco, la colaboración entre el ensemble valenciano Plaerdemavida (Paloma Chiner, soprano y Pablo García-Berlanga, piano), al cual se suma el violinista salvadoreño René Hernández, se convierte en un símbolo de encuentro cultural entre Europa y Centroamérica, encarnando los valores de apertura y diálogo que definen el espíritu de MusiQuart.

Esta propuesta ha sido ganadora de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música. Del 15 al 19 de abril: Festival MusiQuart 2026, Festival Internacional de Música de Quart de Poblet, Valencia, España

HackOut! + Sofia Escamilla + Yuko Cornale es una propuesta multicultural que fusiona  jazz contemporáneo y música experimental. Se llevará a cabo a lo largo del 2026 y se divide en dos fases: la primera tendrá lugar en México durante el mes de abril donde las y los artistas se reunirán para componer en una residencia de siete días en el Instituto Italiano de Cultura, y luego harán una gira por México (Pachuca, Querétaro, Aguascalientes, Guadalajara, Estado de México y Ciudad de México). La segunda etapa consistirá en la realización de una gira por Italia en octubre del mismo año.

HackOut! es un trío sin bajo (batería, saxofón alto y guitarra eléctrica) fundado en 2019 dentro de las paredes del Conservatorio Venezze, en Rovigo (Italia). Está compuesto por Manuel Caliumi: alto sax, Luca Zennaro: guitarra y Riccardo Cocetti: batería. La música del trío busca resaltar la personalidad de cada uno de sus integrantes, explorando el equilibrio entre estructuras armónicas e improvisación radical, así como entre timbres acústicos y eléctricos.

Sofía Escamilla es una artista sonora, violonchelista y compositora, que transita entre la música académica contemporánea, la improvisación libre y la electroacústica. Su aproximación al instrumento parte de la exploración de técnicas extendidas con procesamiento digital en tiempo real superponiendo la voz y otros objetos sonoros. Su obra se sitúa además en colaboraciones multidisciplinarias (poesía, danza, teatro y artes visuales).

Yuko Cornale es performer, improvisadora, compositora y productora nacida en Bolivia y de nacionalidad italiana. Su trabajo se centra en la exploración de la voz y el uso de técnicas extendidas. Radicada en la Ciudad de México desde hace más de diez años, ha desarrollado una activa carrera dentro de la escena experimental. Su práctica artística está impulsada por la exploración de las profundidades, canalizando lo intangible y tejiendo sutiles conexiones con los mundos tanto internos como externos.

Este es uno de los tres proyectos ganadores de la primera Convocatoria Especial Ibermúsicas – Emilia-Romagna 2025.

• Lunes 13 a miércoles 15 de abril: Residencia artística, Instituto Italiano, CDMX
• Jueves 16 de abril: Concierto CENART, CDMX
• Viernes 17 y sábado 18 de abril: Residencia artística, Instituto Italiano, CDMX
• Domingo 19: Concierto de cierre de la residencia artística en Instituto Italiano de Cultura, CDMX
• Lunes 20 de abril: Concierto en Radio Nopal, CDMX
• Miércoles 22 de abril: Master class y concierto Academia de Arte de Florencia TBA, CDMX
• Jueves 23 de abril: Concierto 5 pies Luciente Sonoro, CDMX
• Viernes 24 de abril: Concierto Faro Cosmos, Secretaría de Cultura CDMX
• Sábado 25 de abril: Concierto Casa Padi, Pachuca
• Domingo 26 de abril: Concierto Venas Rotas, CDMX
• Miércoles 29 de abril: Concierto Fonoteca Nacional, CDMX
• Jueves 30 de abril: Concierto Afasia, Guadalajara
• Viernes 1ero de mayo: Concierto en Feria de San Marcos, Aguascaliente
• Sábado 2 mayo: Concierto en Museo de la Ciudad, Querétaro