Con la participación de artistas de cuatro países, se llevó a cabo en Ecuador la residencia creativa Sikwanka
3 regiones, 4 artistas, 4 países, 3 talleres, 2 conciertos, 10 canciones, 1 disco es lo que implicó y lo que produjo Sikwanka, una residencia de composición musical en espacios naturales del Ecuador en la que Urián Sarmiento de Colombia, Sofía Rei de Argentina, Lucas Lessa de Uruguay y Grecia Albán de Ecuador recorrieron la sierra, la amazonía y la costa creando diez obras que posteriormente grabaron y editaron.
Para algunas comunidades de la amazonía, el sikwanka (el tucán amazónico) simboliza la capacidad de comunicarse, de hablar y de cantar, reconociendo así el poder de este animal encarnado en quien canta con voz firme, bella y clara. Para otras comunidades significa la resistencia de quién ha podido ver más allá de las generaciones humanas los cambios que ha transitado la selva.
Los logros obtenidos en esta residencia han sido tantos que se hace difícil enumerarlos:
Establecer fuertes lazos entre los artistas participantes, lazos que derivan en la formación de futuras redes de trabajo
Canalizar a través de las composiciones musicales las diferentes historias y personajes de cada una de las regiones del Ecuador a las que los residentes pudieron acceder.
Componer diez obras agrupadas según las regiones a las que refieren o que las inspiraron (Sierra: Sunfo no es menta, Pisando sobre el fango, ¿Y el arrocito?, Páramo; Amazonía: Encuentros en el Río Napo, Piatua, Sacha muchacha y Costa: Anita, Siete y ocho, Zapotal)
Vincular el proyecto de residencia a otros proyectos colectivos por medio de talleres.
Realizar tres talleres con más de cincuenta asistentes a cada uno,
Realizar dos conciertos didácticos en comunidades indígenas de Sierra y Amazonía
Realizar encuentros de intercambio con músicos locales
Grabar en un estudio profesional un disco conteniendo las diez obras musicales creadas
“El trabajo con Ibermúsicas ha representado una alta responsabilidad de gestión y compromiso con los artistas y ha sido una gran oportunidad para generar conexiones entre los países participante a través de una experiencia inolvidable”.
Desde
Cuba el Vocal Universo y su grupo viajaron a Argentina para ser parte de la
programación del Festival Sonamos Latinoamérica
“Somos una agrupación cubana, del interior del país, con más de veinte años de experiencia profesional, que hemos podido insertarnos como cuarteto en el movimiento coral internacional, gracias a la colaboración económica de diversas corporaciones de música vocal pero se nos había hecho muy difícil presentarnos junto a nuestro grupo acompañante por no contar con recursos financieros que permitieran sufragar los gastos de transporte aéreo y terrestre. Es así que Ibermúsicas viene a ser la mano esperada durante muchos años para ofrecer nuestra música cubana, con un formato diferente al solamente coral en un evento de intercambio y difusión de la diversidad de nuestros pueblos”.
Entre las múltiples actividades
realizadas por el Vocal Universo en su gira enmarcada dentro del XII Festival
Internacional de Música Popular Sonamos Latinoamérica y el VII Festival Sonamos
para los Chicos, se destacan:
Un
taller de música cubana en la
Universidad Autónoma de Entre Ríos, con demostraciones prácticas de la forma de
interpretar en la percusión sus diferentes variantes, así como la enseñanza de
los pasos fundamentales para efectuar el baile.
Un
concierto en la Casa de la
Cultura de la ciudad de Seguí, en Entre Ríos recibido con gran aceptación por
parte del público. Algunas personas aseguraron que en esta ciudad no es
frecuente la presencia de grupos de alta calidad para que los pobladores puedan
disfrutar y se mostraron con mucha energía durante toda la presentación.
Un concierto didáctico en la Escuela Santa
Lucía donde 200 niños cantaron junto al grupo canciones de autores cubanos
dedicadas a la infancia. A la vez la agrupación realizó la narración oral de un
cuento que intercalaba cada tema, describiendo un viaje de fantasía por un
pueblo lejano.
Un
concierto en el Centro Cultural El Sueñero de la ciudad de Crespo, Entre Ríos donde el grupo
compartió escenario con el grupo chileno De Patienquincha. Fue preciso
sobrepasar la programación de repertorio prevista realizando cinco bises y agregando
canciones por todos conocidas gracias al Buena Vista Social Club que ha dejado
huellas en una gran parte del mundo.
Una
jornada de intercambio con los coordinadores del evento y sus familiares en una
velada de amistad en las márgenes del río Paraná donde se interpretaron de
manera informal, obras cubanas y latinoamericanas y fue una maravillosa ocasión
para intercambiar culturas.
Un
concierto en el Centro Cultural y de Convenciones La vieja Usina de Paraná,
Entre Ríos.
Y un
gran concierto de clausura del evento realizado con un marcado éxito en el
Centro Cultural Provincial de Santa Fe, en el que fue preciso alargar el
repertorio previsto a petición de los asistentes.
De este modo la agrupación vio cumplidos sus objetivos de llevar su propuesta en formato completo a un evento internacional, vivir en carne propia la aceptación y el cariño que despierta en el público argentino la música y la cultura cubana, compartir ideas y vivencias culturales con músicos de otros países de la región e intercambiar la música y los saberes fortaleciendo la relación afectiva y humana entre colegas de varias latitudes.
“La
relación que establecimos con los directivos de Ibermúsicas fue siempre diáfana
y de colaboración ante los disímiles obstáculos durante el proceso, llegando
siempre a una solución feliz, lo que nos hizo sentirnos agradecidos de un
programa como éste, que favorece a los que no tenemos otra oportunidad de
mostrar lo que hacemos en nuestros países del sur”.
La agrupación costarrisence Elena y la Orquesta Lunar realizó su gira “Viaje Etéreo al Sur” por diversas ciudad de Argentina y Chile
Elena y La Orquesta Lunar es una agrupación creada y dirigida por la compositora, chelista y cantante costarricense Elena Zúñiga. Sus influencias transitan entre la música académica y la música popular. Realizó estudios en el Instituto Nacional de la Música desde niña y en la Universidad de Costa Rica en Artes Musicales como chelista y educadora musical. Ella asegura que “todo inicio de creación tiene una inspiración, una motivación” y es justamente la composición, como una necesidad, la que la impulsa a tratar la voz como un elemento más trascendental y encontrar a la vez un soporte instrumental.
Viaje Etéreo es el primer material discográfico de la Orquesta, producido en el 2017. Con este álbum el grupo se aventuró a realizar una gira por Argentina y Chile. La convergencia de sonidos que se encuentran en Viaje Etéreo responden a una dinámica lúdica que Elena describe como ideas que flotan en su cabeza y ella las atrapa una a una generando una atmósfera íntima de sonoridades y paisajes con ambientaciones cercanas a rituales sonoros donde la fusión de ritmos e instrumentos se mezcla con textos poéticos y reflexiones entre vida, muerte, cosmos, naturaleza y ancestralidad.
Entre las muchas actividades realizadas en este viaje, se destacaron: “Desde nuestros ancestros hasta el siglo XXI”, una charla taller impartida en el Sindicato Argentino de Músicos exponiendo los ritmos tradicionales de las distintas regiones de Costa Rica como el Bolero (Valle Central), el Calypso (Caribe), el Vals y el Pasillo (Valle Central); un concierto en el Teatro Xirgu UNTREF con la presencia como invitada de Marianela Villalobos, cantante costarricense residente en Argentina y dedicada al tango; un concierto en el auditorio de Radio Nacional Córdoba; un taller de canto basado en las herramientas pedagógicas de Murray Schafer en el Sindicato de Músicos de Córdoba; un slam de poesía holofónica también en el Sindicato de Músicos de Córdoba, un concierto en Casa Marma, casa de arte de la cantante, pianista y compositora Ana Archetti en la Plata, Provincia de Buenos Aires; un encuentro artístico con la cantante Deborah Dixon, también costarricense y residente en Argentina desde hace muchos años; clases magistrales en Escuelas de Cochamó y Río Puelo, región de Los Lagos, Chile y conciertos con la Orquesta Sinfónica Juvenil de Cochamó.
“La oportunidad de recibir la Ayuda a la Movilidad de Músicos del Programa Ibermúsicas ha sido un gran primer paso para extender el trabajo auto gestivo que hemos construido. Además ha significado un escalón de motivación para iniciar nuevos procesos de composición, nuevo material discográfica y marcar un alto perfil que nos permita crecer en otras latitudes y así poder compartir el arte producido en nuestro pequeño contiene centroamericano. Esta gira “Viaje Etéreo al Sur” nos ha dejado mucha organización colectiva, mucha disciplina en los procesos y mucha experiencia en las gestiones con personas e instituciones; humildad en el compartir, en las escucha de nuevas formas de pensamiento y diferencias culturales; fuerza en el equipo, compromiso y responsabilidad por lo propio. De verdad agradecemos mucho a Ibermúsicas por su apoyo y credibilidad en nuestro trabajo”.
La cantautora Magdalena Matthey realizó junto
a su cuarteto su primera gira por Cuba
Magdalena Matthey forma parte de un destacado conjunto de excelentes compositoras mujeres aparecidas en Chile entre los años noventa y los dos mil, quienes aportaron un contundente salto de calidad musical y poética dentro del ámbito de la canción de autor de su país. Si bien su entrada a la música profesional fue por la vía del folclore (al ganar ese apartado del Festival de Viña 1995 con su canción “María Leonor Lucía”), a lo largo de sus muchos discos ha ido tendiendo puentes hacia todas las músicas de Latinoamérica incorporando también colores y sonidos traídos de más lejos.
Con una reconocida trayectoria en su país, donde ha obtenido importantes premios como compositora e intérprete, su carrera internacional la ha llevado por escenario de Brasil, Perú, Argentina, México, Francia y ahora Cuba. Su disco “Afuera” fue editado en Europa por el sello Connecting & Cultures.
La gira cubana comenzó con presentaciones en dos emblemáticos sitios de La Habana dedicados a la música de trova: La Peña de las Tres Tazas y La Casa de la Bombilla Verde. Continuó en la ciudad de Matanzas en La Peña de Rey Montalvo y tuvo su broche de oro con una celebrada presentación en el ya mítico Festival de Trova Cubana Longina en la Ciudad de Santa Clara
El cuarteto realizó todos los conciertos con gran participación del público cubano y latinoamericano. Las actividades de prensa se centraron en promocionar al grupo y a la música chilena y su relación con los y las artistas cubanos. Los miembros del grupo participaron además activamente de conciertos realizados por sus colegas en centros culturales de La Habana y de Santa Clara que formaron parte de la programación del festival Longina. Todo esto fomentó el intercambio de experiencias, libros y discos, ampliando el alcance de la producción discográfica independiente y fortaleciendo los vínculos entre músicos y gestores de toda la región.
Con el objetivo de fomentar una circulación de músicos más fluida entre Chile y Cuba, Magdalena y los músicos se centraron también en dialogar con productores, coordinadores de centros culturales y programadores de diversas salas para comparar experiencias de apoyo gubernamental y privada a la movilidad de artistas en la región. Se establecieron compromisos de apoyo logístico para la organización de giras artísticas de músicos cubanos en Chile. “El trabajo con IBERMÚSICAS ha significado un gran apoyo. Desde los inicios tuvimos una comunicación fluida con los representantes del programa. Gracias a esto hemos podido cumplir todos los objetivos que nos propusimos al presentar el proyecto”.
El dúo de artistas brasileños
integrado por Lívia Nestrovski & Fred Ferreira realizó una extensa gira
recorriendo escenarios de Colombia, Cuba, México, Italia, Francia, España y
Portugal
Clásico y contemporáneo, popular y académico, de Brasil y del mundo,
tan experimental como acogedor, el recorrido musical trazado por Lívia &
Fred es sutil, inesperado e inspirado. Con canciones de Kurt Weill, Zé Miguel
Wisnik, Benjamin Britten, Arrigo Barnabé, Maurice Ravel, Milton Nascimento y
nombres de las nuevas generaciones, el dúo construye narrativas y multiplica
afectos.
“El aporte de pasajes es, posiblemente, el punto crucial para el inicio de una gran gira. Este patrocinio nos brindó agilidad en las negociaciones y fue un gran estímulo para los contratantes, haciendo que de forma inmediata muchos conciertos se confirmasen. El patrocinio de Ibermúsicas representó para nosotros una sólida estructura de apoyo para la ampliación de nuestras redes profesionales. Más allá del aporte financiero, ligarse a una institución internacional de renombre agrega valor simbólico a las negociaciones, lo que también abre nuevas puertas y a la vez autentifica la confianza en nuestro trabajo”.
“Inicialmente el proyecto
había sido postulado para realizar actividades en Colombia y México, pero, al
enterarnos de la posibilidad de expandir el proyecto hacia otros países de
América Latina y también de Europa, fue posible, dentro del mismo presupuesto
inicial, extender la gira. De las dos presentaciones inicialmente confirmadas
en dos países, fueron finalmente realizadas diecinueve en siete países de dos
continentes, además de diecinueve actividades educativas (workshops, talleres)
y de la participación en una gran feria de negocios de la música, Mapas Mercado
Cultural, en Tenerife, Islas Canarias, España”.
Los talleres y workshops brindados tuvieron como eje las Técnicas de
Improvisación vocal para un Canto Creativo. En ellos, a través de la
exploración de diferentes técnicas y lenguajes de improvisación vocal se compartieron
herramientas para la profundización de las relaciones entre voz, interpretación
y performance. Los participantes fueron invitados a investigar sus propias
potencias expresivas en diferentes contextos, ampliando el uso de sus voces en
tanto instrumentos con una infinita capacidad de creación.
“Al final de cuatro meses de
viaje ininterrumpido, podemos decir que se trató de un gran paso en nuestra
carrera internacional, que fue posible gracias al apoyo y patrocinio de
Ibermúsicas”.
El 3 de enero de 2015 se realizó la fiesta patronal de la
comunidad de afro descendientes de Kamba Cuá en honor a San Baltazar, protector
de los negros. El encuentro tuvo lugar en el Club 6 de enero en pleno corazón
de la comunidad a 10 km de Asunción.
Con danzas, tambores, artistas invitados y comidas típicas
la comunidad reivindicó sus raíces y rindió honor a San Baltazar, el integrante
negro de los Tres Reyes Magos, escogido como patrono de la comunidad. La fiesta
exalta la cultura y los valores de la comunidad afro descendiente, un grupo
tradicionalmente subvalorado o discriminado en Paraguay.
La gente de Kamba Cuá se considera descendiente de los cerca de 400 lanceros negros que acompañaron junto a sus familias al prócer uruguayo José Gervasio Artigas en su exilio hacia Paraguay en 1820. También existía población negra en Paraguay, descendientes de los llegados como esclavos desde Nigeria, Guinea y El Congo aunque históricamente la población negra allí nunca fue muy numerosa. Hacia finales del período colonial, la población afroparaguaya rondaba el 11% de la población total, la mitad de ellos, concentrándose en Asunción, la capital del país.
El apoyo de Ibermúsicas consistió en la ayuda otorgada para
los gastos de movilidad de la comparsa “Corazón Lubolo” quienes viajaron desde
Uruguay para ser parte de los festejos. De este modo dos naciones se unieron
para compartir su acervo cultural afroamericano y el patrimonio cultural
inmaterial que forma parte del folclore de ambos países hermanos.
En la tarde previa al evento central, se realizó un
encuentro de intercambio de ritmos entre los integrantes del grupo San Baltazar
y los integrantes de la Comparsa Corazón Lubolo.
Bajo la dirección del maestro Roberto Sargadoy la comparsa
Corazón Lubolo realizó su espectáculo tradicional de candombe que narró la
historia del estilo desde la llegada de los primeros africanos a las costas de
América hasta nuestros días. El espectáculo incluyó música y danza con los
personajes típicos del candombe como el Gramillero, la Mama Vieja y el
Escobillero.
Participaron del encuentro: La cantante Lilian Romero y
bandoneonistas, Dúo Folclórico Mogelos-Torales, Grupo de chamamé Noemí Oviedo,
Grupo homenaje a Catalino Arguello, Dúo cómico Cariñito y Floripóm, Los
hermanos Bogarín requintistas, Grupo Juvenil Folclórico Verbena, Grupo
Folklórico Los Basalduas, Grupo Folkórico PcD Visual Génesis, Grupo Bailable
los Cinco del Ritmo, Grupo Corazón Lubolo desde Durazno, Uruguay, Grupo
Infantil Juvenil San Baltazar de Kamba Cua, Elenco principal del grupo
tradicional San Baltazar de Kamba Cua.
Gracias a este encuentro el grupo logró un fortalecimiento y
consolidación del legado afro de la comunidad, trabajar en la conservación y transmisión
de la cultura afro descendiente, difundir sus
tradiciones y costumbres entre la población paraguaya valorizando el
folclore de la comunidad.
“Hemos encontrado en Iberúsicas una organización
abierta, inclusiva y dinámica, donde una comunidad sencilla como la nuestra
pudo ser beneficiada de este valioso proyecto que ha fomentado la identidad
afrodescendiente regional”
Puerto Candelaria celebró sus 15 años de existencia, con un enorme número de actividades diversas desde el 16 de junio de 2015 al 16 de junio de 2016. Un año de grandes conciertos, grabaciones, colaboraciones, premiaciones, homenajes y fiestas que hicieron de esta celebración un gran suceso en la carrera de la agrupación colombiana reconocida por que ha cruzado las fronteras llevando su Cumbia Rebelde a diferentes escenarios del mundo, varios de los mas importantes festivales de Jazz y World Music, así como festivales alternativos de rock y festivales de músicas tradicionales y folclóricas. La agrupación es fundadora de ritmos contradictorios tales como la Cumbia Rebelde y Jazz a lo Colombiano.
Sus cinco producciones
discográficas incluida un DVD en vivo, representan un documento fundamental
para la música y la cultura de su generación: “Kolombian Jazz” (2002), “Llegó la Banda”(2006), “Vuelta Canela”(2010), “Cumbia Rebelde”(2011) y “Amor y Deudas”(DVD-2014) son los discos en los que Los
Candelarios han plasmado su recorrido.
El objetivo de Puerto Candelaria
para esta gira fue llegar a nuevos públicos, seguir ganando seguidores al sur
del continente y poder compartir experiencias con diferentes músicos y
agrupaciones. Realizaron un total de siete conciertos abarcando cuatro países
diferentes: Paraguay, Argentina, Uruguay y Brasil; países que han sido clave en
su carrera. A la par de los conciertos realizaron varios talleres formativos y
clases maestras que permitieron tener mas contacto y cercanía con el sector
musical en cada una de estas ciudades y países. También visitaron diferentes
medios de comunicación en cada país con el fin de hacer mayor promoción y
contacto con personas que no pudieron asistir a los conciertos, pero que
lograron escuchar su música a través de emisoras culturales y comerciales.
Establecieron relaciones más cercanas para futuras colaboraciones con artistas
como: Los Kachiporros y Kitapena de Asunción, N de Ramírez de Formosa, Viento
Norte de Resistencia y La Bomba de Tiempo de Buenos Aires.
“Gracias a
esta gira apoyada por Ibermusicas logramos vincularnos con la Red Arpa que
funciona entre Paraguay y Argentina para fortalecer los circuitos de
circulación entre ambos países, además de establecer mayor conexión con los
miembros de la Red de Managers de MMF-Latam en Argentina. Siempre el gran
obstáculo para las giras de los artistas en el mundo tiene que ver con la
compra de los tiquetes aéreos, y este apoyo que está haciendo Ibermusicas hace
algunos años a los artistas y agrupaciones sin duda ha generado una mayor
activación de la circulación internacional de artistas de Iberoamérica entre
nuestros países. Agradecemos y aplaudimos esta importante labor y apoyo que le
brindan a las agrupaciones para así hacer viable la circulación de músicas
entre nuestros países. Sentimos que es un apoyo real, desinteresado
políticamente y con muy buenas intenciones para con el sector cultural
musical en general. Gracias a este apoyo pudimos visitar 4 países en dos
semanas, establecer relaciones importantes con artistas, gestores y promotores
en diferentes países y ayudamos a la formación de nuevos públicos en
Iberoamérica”.
Pauchi
Sasaki es una artista interdisciplinaria que integra la composición musical, el
performance y el uso de nuevas tecnologías. Su trabajo está vinculado también a
proyectos de cine, danza, teatro e instalaciones. Sasaki es una violinista de
formación clásica que se inició en el ámbito musical desde muy pequeña. Se
recibió de periodista en 2004 y paralelamente estudió Música Andina en el
Centro de Música y Danza donde indagó sus conocimientos sobre violín andino. Al
obtener el bachiller de periodismo, ingresó al Graduate School of Business en
ESAN. Durante 2005 tomó clases de violín judío con Alicia Svigals para luego
estudiar música clásica del norte de India en el Ali Akbar College of Music en
San Rafael, California. En 2009 regresó a Perú para estudiar composición con el
maestro César Bolaños hasta el 2011. Un año más tarde regresa a Estados Unidos
para estudiar música electrónica en Mills College hasta el 2014.
La
música de Sasaki integra técnicas provenientes del violín ayacuchano, judío y
asiático para mezclarlas con armonías experimentales electroacústicas que están
estrechamente vinculadas al espacio donde se presenta.
Del 26 de Marzo
al 11 de Mayo la compositora llevó adelante su residencia artística en el CMMAS,
Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (Morelia, Michoacán, México)
en el marco del convenio entre Ibermúsicas y el CMMAS. Su objetivo
durante la residencia fue crear una instalación multimedia interactiva, que
entrelace en un mismo concepto disciplinas diversas como la programación para
el desarrollo de mecanismos interactivos, el arte sonoro, la composición notada
y el video arte.
La obra “Vientos/Paracas” explora
la dicotomía de los sonidos y espacios figurativos e imaginados. En el primer
movimiento “Vientos” se observa el espacio figurativo del desierto Paracas,
ubicado al sur de Lima, acompañado por el sonido de la reinterpretación de las
dinámicas de viento del lugar a través de una composición notada para 4
violines. El paisaje es intervenido por la aparición de la performer vistiendo
un vestido de parlantes que interactúa con el espacio sonoro y visual del
encuadre.
En contraposición al primer
movimiento, cuyas imágenes muestran paisajes abiertos, luminosos y extendidos,
el segundo movimiento “Paracas” oscurece totalmente el espacio de la
instalación con una imagen en negro, denotando el ingreso a un espacio
subjetivo e imaginado. En este movimiento, el diseño de la interactividad
permite que los visitantes generen un rastro visual y sonoro al moverse dentro
de este espacio neutro. Los sonidos emitidos (vientos grabados en el desierto
de Paracas) responden a la presencia de los visitantes y también a las
condiciones climáticas reales del espacio Paracas.
“La ayuda de
Ibermúsicas fue anunciada en Noviembre del 2015 y desde entonces me
han sucedido muchas cosas positivas. He ingresado a procesos de
selección por invitación, lo que es muy
difícil ya que son procesos a los cuales uno no puede aplicar individualmente.
Me invitaron a aplicar al Rolex Mentor and Protegé Initiative, siendo elegida
por el compositor Philip Glass como su protegida durante 2016-2017. También me
invitaron a postular a una residencia en el Goethe Institut de Salvador Bahia
en Brasil, y finalmente me seleccionaron para la temporada Octubre-Noviembre
del 2017. Asimismo, he recibido la invitación del American Composers Orchestra
para escribir una comisión para orquesta de cuerdas y electrónica, la cual será
estrenada el próximo Diciembre en el Carnegie Hall. Ellos me pidieron
específicamente escribir algo dentro del marco de mi proyecto GAMA, del cual
“Vientos/Paracas” forma parte”
“Para mí ha
sido muy significativo formar parte del programa Ibermúsicas, ya que me acerca
a los procesos creativos de nuestra región. Generalmente mi trabajo se ha
desarrollado en Perú y en los Estados Unidos en donde estudié mi maestría, y
por primera vez he tenido la oportunidad de ir a México y aprehender su cultura
e interactuar con sus artistas. Creo que el apoyo de Ibermúsicas fomenta la
construcción de una identidad artística y debate regional, lo cual tiene
indiscutiblemente un impacto directo e indirecto en el desarrollo de nuestras
sociedades, ya sea en lo político, lo cultural, lo económico e histórico”.
Sixto Silgado nació en Colombia
en 1939. Desde niño aprendió el arte de la música de gaita de manos de su
padre, Román Silgado, de quien heredó gran parte de su inédito repertorio y el
estilo de las tierras bajas vecinas de la zona norte de los Montes de María,
pobladas en su mayoría por descendientes de esclavos africanos. El estilo de
Paíto es herencia de estas tradiciones y hoy él es uno de los últimos
exponentes de la música de “gaita negra”. Viaja junto a sus hijos con el grupo
Gaiteros de Punta Brava manteniendo vivo el tesoro de la música tradicional a
la que se dedican.
Agricultor, carpintero y músico,
Paíto es uno de los pocos artistas tradicionales que abren su mente a nuevas
tendencias musicales. Los Gaiteros de Punta Brava combinan los ritmos propios
de la gaita, como el merengue y el porro, con el vallenato, el vals, el
currulao y en ocasiones sonidos del rock and roll.
El grupo original se formó en
1969 en Cartagena, Colombia, con la unión de Sixto Silgado y el tambolero
Encarnación Tovar.
La Gaita Negra
La gaita colombiana es un
aerófono de soplo típicamente colombiano, de su costa caribe y de origen
indígena. Se usan de a pares ejecutadas cada una por un instrumentista
distinto: la gaita hembra, que tiene 5 orificios y lleva la línea melódica y la
gaita macho que sólo tiene un hueco o dos y se toca junto a la maraca siendo su
función la de hacer un acompañamiento que va duplicando algunas notas de la
melodía.
La gaita negra se utiliza en
diferentes ritmos musicales englobados en la denominación “música de
gaita”: gaita instrumental, porro, cumbia, merengue y puya, entre otros.
Se le atribuye su característica sonora a los materiales con los que está hecha: corazón de cactus, con el que se hace la flauta, cera de abeja montuna y carbón vegetal para la cabeza, y pluma de pato para la boquilla. Su estructura cónica hace que la presión del aire produzca, además, un sonido único de este instrumento. Se le llama gaita por la similitud de su sonido con el de las gaitas de pico de España.
Las gaitas son de unos 70 a 80
centímetros de largo, longitud definida tradicionalmente por la longitud del
brazo del artesano constructor. Luego los orificios se hacen con una distancia
entre ellos medida por el ancho de los dos dedos más la mitad del ancho del
pulgar. Se hacen de un cactus (selenicereus grandiflorus) al que se le
quitan las espinas y se le saca el centro, humedeciéndolo primero y luego
perforándolo con una varilla de hierro. El tallo del cactus es más grueso en
uno de sus extremos, este irá arriba acoplado con la cabeza de cera de abejas
que lleva la pieza de pluma de ave. Aunque el instrumento es levemente cónico por
fuera, su perforación es cilíndrica. La cabeza del instrumento, se hace de cera
de abejas con polvo de carbón para evitar que la cera se derrita con la
temperatura alta, lo que también le da a la cabeza su característico color
negro.
Gira
por tres ciudades del sur
Con el apoyo de Ibermúsicas Paíto
y los Gaiteros de Punta Brava realizaron una gira por tres ciudades del Cono
Sur: Lima, Buenos Aires y Santiago de Chile. No sólo realizaron conciertos en
vivo sino también clases magistrales. La motivación para realizar esta gira fue
la de dar a conocer a la comunidad musical del sur del
continente la música desarrollada en la región Caribe colombiana a través
de la obra y la presencia de Sixto Silgado Paíto y sus
hijos.
Mediante esta gira la agrupación
logró fortalecer los canales de circulación para músicos tradicionales en los
países visitados, fomentar los procesos de formación en torno a la música
colombiana en países de Latinoamérica, generar espacios de discusión y diálogo
en torno al conocimiento de la música tradicional campesina y fortalecer el
proyecto musical para las nuevas generaciones.
“El trabajo
con Ibermusicas ha representado una importante oportunidad de promover la
música colombiana en los países de Iberoamérica, en especial las músicas de
raíz de carácter campesino como la que presentamos con Paíto y los Gaiteros de
Punta Brava, esta visita permitirá nuevos canales de circulación para la música
colombiana en la cual podremos fortalecer la amplia gama de manifestaciones
musicales que tenemos en Colombia.”
MISTURA & MANDA es un grupo
de cuatro músicos argentinos dedicados al choro carioca, el primer género
musical propiamente brasileño nacido en la ciudad de Río de Janeiro alrededor
de 1870 y que fuera la música instrumental emblemática de Brasil anterior a la
bossa nova y a la MPB.
El choro entre dos ciudades
Los estilos musicales urbanos,
surgidos en las grandes ciudades sudamericanas durante el siglo XIX, han tenido
elementos constitutivos semejantes: música de salón venida de Europa con la
colonización y posteriormente con la inmigración mezclados con tipos musicales
propios de cada ciudad, además del importante componente afro-americano.
Es así que el choro carioca y el
tango rioplatense han abrevado en fuentes similares, y, profundizando un poco
en sus raíces y en el resultado sonoro, se encuentran características
sorprendentemente similares.
Argentina durante bastante tiempo
no fue ajena a la diversidad y riqueza del choro brasileño. Es música que se
tocó y se bailó con asiduidad entre las décadas de 1920 y 1950. En aquellos
años la “Orquesta Típica” tocaba tango y “La Jazz”, como se le llamaba, tocaba
además del género que le daba nombre, música brasileña, incluyendo choros.
Varios músicos de fuste de aquellos años frecuentaron el género y también
compusieron choros: Horacio Salgán, Roberto Grela, Oscar Alemán, entre otros.
Este hecho es desconocido en la actualidad por la gran mayoría de los músicos
brasileños especializados en la materia y por el público en general.
A partir de esta historia musical
hermanada, MISTURA & MANDA se ha
propuesto reencontrar ese “eslabón perdido” de la vida musical
argentino-brasileña y ha realizado un trabajo de búsqueda de partituras y
arreglos que culminó con la grabación de un disco dedicado exclusivamente a los
grandes compositores argentinos que frecuentaron el género. Además de los antes
mencionados, el disco incluye obras de compositores populares del folclore
argentino como Eduardo Falú, Juan Falú, Rudi Flores y Atahualpa Yupanqui. Este
trabajo se completó con la grabación de choros originales compuestos por los
integrantes del grupo y ha generado tanto interés en Río de Janeiro, que
reconocidos músicos cariocas han viajado a Buenos Aires para participar en la
grabación de algunos temas.
En la fuente de origen
En mayo de 2016, con el apoyo
IBERMÚSICAS, Gabriel María Trucco (flautista y pianista), Juan Esteban Ibañez
(guitarrista), Sebastián Javier Luna (mandolinista) y Hector Ariel Malerba
(percusionista) viajaron desde Buenos Aires a Río de Janeiro para compartir su
música con los maestros y los amantes del choro carioca presentańdose en el 7mo
Festival Nacional de Choro. Allí el grupo llevó el material de su disco
“Lloros, choros de compositores argentinos”. El trabajo reúne una destacada
selección de composiciones de grandes músicos del folclore, el tango y el jazz,
que dejaron su sello con acierto y maestría en el vasto universo del choro
brasileño.
El 7 de mayo realizaron dos conciertos didácticos en la Escola Portatil de Música, institución dedicada a la enseñanza musical a través del lenguaje del choro, situada en la UNI RIO. Los días 9 y 10 de mayo realizaron sendos conciertos en Casa do Choro, donde se presentó el cd “Lloros”. En ambos conciertos tocaron como invitados los brasileros Jayme Vignoli en cavaquinho, Paulo Aragao en guitarra de 8 cuerdas y Marcilio Lopes en mandolina, todos ellos profesores de la Escola Portatil.
Un punto alto del camino
El objetivo principal fue dar a
conocer composiciones en estilo “choro” de grandes artistas argentinos del
folclore compuestas a partir de la década del 40; como así también presentar obras propias más
actuales, todas ellas reunidas en el cd “Lloros”. A su vez, mostrar los rasgos
distintivos de cada autor y dar un breve contexto geográfico e histórico.
Se dieron a conocer estas obras a
un público especializado que desconocía su existencia. Además se pudo
introducir a este público en lo más representativo de la música argentina de
mayor calidad logrando captar el interés por las composiciones presentadas en
vivo y por los géneros representativos de cada autor.
Gracias a este viaje se abrieron
para MISTURA & MANDA posibilidades de futuras presentaciones en Río de
Janeiro. La agrupación tendió redes con artistas de primera línea del choro
como Luciana Rabello, Cristovao Bastos, Mauricio Carrilho, Yamandu Costa, Paulo
Aragao, Joao Camarero, Luis Flavio Alcofra (Agua de Moringa), entre muchos
otros.
El trabajo con IBERMÚSICAS hizo
posible para MISTURA & MANDA la concreción de un deseo que se venía
gestando desde hacía varios años: la presentación de un CD en Río de Janeiro y
especialmente en Casa do Choro, con público brasileño especializado y grandes
maestros del género asistiendo a los conciertos lo que significó un gran reconocimiento
a una tarea constante y comprometida iniciada en el año 2004.
Para MISTURA & MANDA toda la
experiencia vivida a partir de esta ayuda representó un punto muy alto en su
carrera musical y además sentó las bases para nuevos encuentros, invitaciones y
colaboraciones con artistas brasileños en ambas ciudades.
