Autor: Ricardo Gomez Coll

La Chile Big Band y el compositor Sergio Salazar (Perú) se aprestan a colaborar en una producción discográfica de carácter único, donde grabarán y publicarán un material inédito de música afro-peruana para el formato de Big Band de jazz.

Esta producción contará con cinco obras que recorrerán típicos ritmos folclóricos del Perú como el festejo, el landó y la zamacueca. También se incluirá un samba brasileño. Asimismo, la música se nutrirá de la tradición del jazz y del swing, e incorporará secciones de improvisación donde los músicos de La Chile Big Band interpretarán solos de saxofón, trompeta, piano, entre otros, logrando una mixtura única entre la música de raíz latinoamericana y la música de descendencia afroamericana.

Este trabajo será producido en el estudio Palo Quemado, a cargo de Nicolás Ríos (Chile), y será publicado en todas las plataformas de streaming. La portada será confeccionada por la talentosa diseñadora Micchela Messone (Chile).

La Chile Big Band es una orquesta profesional nacida en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile a raíz de la iniciativa de un grupo de estudiantes que buscaban promover el trabajo orquestal de la mano del jazz y la música popular. Interpretan una rica diversidad estilística donde prima el lenguaje del jazz y los arreglos latinoamericanos. Su sonoridad orquestal se ve destacada por composiciones originales tanto de sus integrantes como de su director, el maestro Carl Hammond.

Sergio Salazar es un compositor y gestor cultural peruano. Ha recibido encargos y estrenado obras en Perú, Argentina, México y Bolivia. Escribió música de raíz peruana que ha sido ejecutada en países como Perú, Bolivia y Argentina por la agrupación Afro en las Alturas. Ha recibido premios del Ministerio de Cultura de Perú, el programa Ibermúsicas y el Conservatorio Astor Piazzolla de Argentina en el marco del Festival Atemporánea 2023. Su formación académica incluye estudios en composición musical en la Universidad Nacional de La Plata. Además, ha profundizado en la música experimental a través de residencias artísticas en Italia, México y Perú, donde colaboró, estudió y trabajó con compositores y mentores de renombre. Su trabajo se enfoca en el desarrollo de proyectos multidisciplinarios que indagan sobre las tradiciones musicales étnicas del Perú, tradiciones que coexisten con la tecnología para configurar discursos narrativos que reflejan el entorno social contemporáneo.

Este proyecto ha sido ganador de la convocatoria 2024 del Programa Ibermúsicas en la línea de “Ayuda a proyectos virtuales”.

La música y docente chilena Bárbara López Silva realizará una residencia de investigación en la ciudad de Barcelona, sobre el método de enseñanza de la música que desarrolla Joan Chamorro con la Sant Andreu Jazz Band, agrupación de niñas, niños y jóvenes que tocan jazz y que se destacan por su calidad interpretativa.

Durante la residencia se realizarán entrevistas, asistencias a conciertos, grabaciones de clases y ensayos, registro de fotografías, recopilación de antecedentes históricos y metodológicos, para posteriormente, con el material reunido, realizar una creación audiovisual que será compartida en una actividad de mediación abierta a toda la comunidad donde reside la responsable del proyecto.

Bárbara López Silva inició sus estudios de pedagogía en música en el año 1998, paralelamente realizando estudios de trompeta y desde ese momento ha estado ligada a las artes musicales, ya sea en diferentes agrupaciones tales como Banda Conmoción o Peces Sexteto, entre otros, llegando a diferentes escenarios de Chile, Francia, España, Alemania, China, Brasil, Colombia, Ecuador, Uruguay, Argentina,

Bélgica y Corea.

Además al quehacer artístico, ha dado clases de música en diferentes jardines infantiles de Santiago y clases de trompeta y trombón para niños en orquestas de colegios de la capital. Se desempeña como docente de trompeta, trombón y flauta traversa en la Orquesta instrumental de niños y jóvenes de Lonquimay y en la Orquesta de Curacautín. También se dedica a componer y tocar en la banda “Música en mi jardín”. En el año 2024 realizó una pasantía a México para conocer el método de enseñanza de la maestra Leticia Gallardo, directora de la Banda Femenil Mujeres del Viento Florido, proyecto el cual también fue apoyado por Ibermúsicas.

Joan Chamorro es un músico de jazz multi instrumentista y director de la Sant Andreu Jazz Band (2006–2026), proyecto con el que ha logrado resultados sorprendentes, reflejados en más de 50 grabaciones en formato CD y 23 discos surgidos en el seno de la colección “Joan Chamorro Presenta”. Protagonizó el documental A Film About Kids and Music, dirigido por Ramon Tort. Estudió la carrera clásica de saxofón en el Conservatorio de Barcelona y, paralelamente, obtuvo el título de Grado Superior en el Taller de Músics de Barcelona. Ha impartido masterclasses en toda Cataluña, la Comunidad Valenciana y Zaragoza, así como en Stanford y Cincinnati (EE. UU.), Copenhague (Dinamarca), Ciudad de México, Querétaro y Playa del Carmen (México), Medellín (Colombia), Polonia (Universidad de Zielona Góra), Francia, Suecia,  Italia y Alemania, entre otros lugares. Durante estos 20 años al frente de la Sant Andreu Jazz Band ha recibido diversos premios y reconocimientos de relevancia. En 2026, la organización Jazz at Lincoln Center lo ha elegido para recibir en la ciudad de Nueva York el Global Citizen Award, en reconocimiento a su labor durante dos décadas al frente de la Sant Andreu Jazz Band.

Este residencia de Bárbara López Silva es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante sus línea de Ayuda a artistas e investigadores para residencias, convocatoria 2025.

• Durante el mes abril en Sant Andreu, Barcelona, España

Este proyecto traza un puente cultural entre El Salvador y Valencia, ampliado por la riqueza musical de México, Argentina, Brasil y España. A través de canciones y obras pianísticas, se configura un recorrido que refleja la diversidad de tradiciones iberoamericanas y europeas.

Música y poesía se manifiestan en textos de Alberti, Bécquer o María Guerra y compositores como Granadino, Guastavino, Villa-Lobos, Rodrigo o Falla. La presencia de compositoras como María Grever (México), Alicia Terzián (Argentina), Matilde Salvador (España) y María Teresa Oller (Valencia, España) refuerza la dimensión integradora y plural de esta propuesta que celebra la memoria compartida y la identidad cultural. La inclusión de estas compositoras junto a la poetisa María Guerra, no constituye un gesto accesorio, sino un eje fundamental que refuerza la solidez artística y conceptual del programa. Históricamente, la creación femenina ha quedado marginada en los repertorios de concierto; por ello, visibilizar estas voces implica corregir un desequilibrio y enriquecer la lectura de nuestro patrimonio musical. La propuesta defiende así un canon más justo y plural, donde la aportación de las mujeres dialoga en igualdad con la de compositores consagrados, favoreciendo una programación innovadora y culturalmente responsable.

Este proyecto adquiere una especial relevancia al enmarcarse dentro del Festival MusiQuart 2026, el Festival Internacional de Música de Quart de Poblet (Valencia, España). El festival, consolidado como una plataforma de referencia para la música de cámara y la innovación artística, ofrece el contexto idóneo para presentar un proyecto que une tradición, diversidad y proyección internacional.

En este marco, la colaboración entre el ensemble valenciano Plaerdemavida (Paloma Chiner, soprano y Pablo García-Berlanga, piano), al cual se suma el violinista salvadoreño René Hernández, se convierte en un símbolo de encuentro cultural entre Europa y Centroamérica, encarnando los valores de apertura y diálogo que definen el espíritu de MusiQuart.

Esta propuesta ha sido ganadora de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música. Del 15 al 19 de abril: Festival MusiQuart 2026, Festival Internacional de Música de Quart de Poblet, Valencia, España

HackOut! + Sofia Escamilla + Yuko Cornale es una propuesta multicultural que fusiona  jazz contemporáneo y música experimental. Se llevará a cabo a lo largo del 2026 y se divide en dos fases: la primera tendrá lugar en México durante el mes de abril donde las y los artistas se reunirán para componer en una residencia de siete días en el Instituto Italiano de Cultura, y luego harán una gira por México (Pachuca, Querétaro, Aguascalientes, Guadalajara, Estado de México y Ciudad de México). La segunda etapa consistirá en la realización de una gira por Italia en octubre del mismo año.

HackOut! es un trío sin bajo (batería, saxofón alto y guitarra eléctrica) fundado en 2019 dentro de las paredes del Conservatorio Venezze, en Rovigo (Italia). Está compuesto por Manuel Caliumi: alto sax, Luca Zennaro: guitarra y Riccardo Cocetti: batería. La música del trío busca resaltar la personalidad de cada uno de sus integrantes, explorando el equilibrio entre estructuras armónicas e improvisación radical, así como entre timbres acústicos y eléctricos.

Sofía Escamilla es una artista sonora, violonchelista y compositora, que transita entre la música académica contemporánea, la improvisación libre y la electroacústica. Su aproximación al instrumento parte de la exploración de técnicas extendidas con procesamiento digital en tiempo real superponiendo la voz y otros objetos sonoros. Su obra se sitúa además en colaboraciones multidisciplinarias (poesía, danza, teatro y artes visuales).

Yuko Cornale es performer, improvisadora, compositora y productora nacida en Bolivia y de nacionalidad italiana. Su trabajo se centra en la exploración de la voz y el uso de técnicas extendidas. Radicada en la Ciudad de México desde hace más de diez años, ha desarrollado una activa carrera dentro de la escena experimental. Su práctica artística está impulsada por la exploración de las profundidades, canalizando lo intangible y tejiendo sutiles conexiones con los mundos tanto internos como externos.

Este es uno de los tres proyectos ganadores de la primera Convocatoria Especial Ibermúsicas – Emilia-Romagna 2025.

• Lunes 13 a miércoles 15 de abril: Residencia artística, Instituto Italiano, CDMX
• Jueves 16 de abril: Concierto CENART, CDMX
• Viernes 17 y sábado 18 de abril: Residencia artística, Instituto Italiano, CDMX
• Domingo 19: Concierto de cierre de la residencia artística en Instituto Italiano de Cultura, CDMX
• Lunes 20 de abril: Concierto en Radio Nopal, CDMX
• Miércoles 22 de abril: Master class y concierto Academia de Arte de Florencia TBA, CDMX
• Jueves 23 de abril: Concierto 5 pies Luciente Sonoro, CDMX
• Viernes 24 de abril: Concierto Faro Cosmos, Secretaría de Cultura CDMX
• Sábado 25 de abril: Concierto Casa Padi, Pachuca
• Domingo 26 de abril: Concierto Venas Rotas, CDMX
• Miércoles 29 de abril: Concierto Fonoteca Nacional, CDMX
• Jueves 30 de abril: Concierto Afasia, Guadalajara
• Viernes 1ero de mayo: Concierto en Feria de San Marcos, Aguascaliente
• Sábado 2 mayo: Concierto en Museo de la Ciudad, Querétaro

Ganadora de la Convocatoria Especial Ibermúsicas – Mid Atlantic Arts 2024, la Orquesta presentará conciertos, actividades educativas e intercambios culturales en Reservas Indígenas de Minnesota y Dakota del Norte así como en salas de concierto de Nueva York, Boston, Washington D.C., Minneapolis, Grand Forks, Baltimore y Virginia.

La Gira “Sonidos de la América Oculta” de la OIANT es presentada por Ibermúsicas, Mid-Atlantic Arts, American Composers Forum & Indigenous Roots, North Dakota Museum of Arts y la Grand Forks Symphony Orchestra.

Fundada en el año 2004 por Alejandro Iglesias Rossi y Susana Ferreres, la OIANT otorga a los instrumentos nativos de América la misma “dignidad ontológica” que a los instrumentos heredados de la tradición europea y realiza un trabajo interdisciplinario que abarca las áreas de composición, interpretación, luthería, tecnología, coreografía, escenografía y creación de máscaras, buscando así reunir las diferentes áreas del conocimiento relacionadas con la música.

Sus integrantes son a la vez creadores y ejecutantes de sus propias obras, constructores de los instrumentos que interpretan así como de las máscaras utilizadas en concierto, y presenta su trabajo interdisciplinario realizando un recorrido por la geografía sonora del continente tanto con música tradicional como con composiciones contemporáneas fusionando a los instrumentos milenarios (Mayas, Aztecas, Incas, Mochicas, Nazcas) con las tecnologías digitales.

• 14 de abril, 14h: Berklee School of Music, Boston (MA)
• 15 de abril, 19h30: Jalopy Theatre, New York City (NY)
• 16 de abril, 17h: Workshop Columbia Heights Education Campus, Bucknell University, Pennsylvania (PA)
• 17 de abril, 19h30: Concert Weiss Center Music Hall, Pennsylvania (PA)
• 18 de abril, 17h: Concierto The Wharf, District Sounds Festival!, Washington DC
• 19 de abril, 19h30: Workshop en Creative Alliance, Baltimore (MD)
• 22 de abril: Workshop en Columbia Heights Education Campus,  Washington DC
• 25 de abril: Concierto en University of Virginia, Wise, Virginia (VA)
• 30 de abril: Indigenous Roots Cultural Center, Proyecto “Recomposing America” / American Composers Forum & Indigenous Roots, Minnesota (MN)
• 3 de mayo: Concierto en North Dakota Museum of Art, Grand Forks (ND)
• 5 de mayo: Turtle Mountain Reservation / Intercambio Cultural y  Festival de Música de Cámara, “Sounds of the Prairie” (Reservaciones y escuelas de North Dakota y South Dakota)
• 6 de mayo: Intercambio Cultural y Festival de Música de Cámara, Cankdeska Cikana College
• 8 de mayo: Intercambio Cultural y Festival de Música de Cámara en Fort Totten Reservation
• 10 de mayo: Concierto OIANT + Grand Forks Symphony Orchestra, Grand Forks (ND)
• 13 de mayo: Intercambio Cultural y Concierto en Proyecto “Recomposing America” / American Composers Forum & Indigenous Roots, Minneapolis (MN)
• 14 de mayo: Conferencia y Workshop en University of Minnesota

“Allkütun kangechi” es una propuesta artístico-educativa y un proyecto de investigación que invita a una escucha desplazada desde la perspectiva del otro, de lo no humano, de lo intraducible. En talleres escolares, las y los participantes crean y exploran dispositivos de escucha expandida y producción sonora, utilizando materiales simples y elementos naturales. Se escucha a los árboles, las piedras, el viento y otras presencias invisibles, en un intento por oír más allá del paisaje. La residencia culmina en una performance sonora colectiva, donde se comparten nuevas formas de habitar el sonido e imaginar un mundo que también nos escucha.

Ana Luísa Veloso y Henrique Fernandes son los artistas/investigadores invitados a participar de la Residencia.

Ana Luísa Veloso es investigadora adjunta en el INET-md (Instituto de Etnomusicología – Centro de Estudios de Música y Danza) de la Universidad de Aveiro, Portugal, donde desarrolla el proyecto «Un enfoque de la educación musical centrado en el sonido: herramientas pedagógicas para un nuevo paradigma en la enseñanza y el aprendizaje de la música durante la infancia», financiado por la Fundación para la Ciencia y la Tecnología (FCT). También es coordinadora de la línea temática del INET-md «Performatividades digitales y tecnológicas», junto con los investigadores Alfonso Benetti y Filipe Lopes. Es doctora en Música en el área de Educación por la Universidad de Aveiro, habiendo realizado su doctorado, que concluyó en 2012, con una beca de la FCT. De 2015 a 2020 fue becaria posdoctoral en el CIPEM, un centro del INET-md en la Universidad Politécnica de Oporto. Es miembro/artista de la Asociación Sonoscopia, donde desarrolla activamente su actividad como música y guitarrista, colaborando en diversos grupos relacionados con la improvisación, la música experimental y el arte sonoro, y liderando diversas actividades y proyectos educativos con niños y adultos.

Henrique Fernandes es un artista sonoro y contrabajista centrado en la creación experimental, la construcción de instrumentos y las actuaciones colaborativas. Miembro fundador de Sonoscopia, un colectivo artístico con sede en Oporto, Portugal dedicado al desarrollo de proyectos interdisciplinares que exploran las posibilidades sonoras y visuales de los objetos, el espacio y la experiencia artística compartida.

Las actividades incluyen:

• talleres escolares y comunitarios, que surgen como un espacio en el que los niños, los jóvenes y los miembros de la comunidad crean sus propios dispositivos de escucha y desarrollan recorridos de exploración y experimentación sonora que puedan dialogar con el territorio, con la idea de la memoria colectiva y la imaginación de un futuro más sostenible
• laboratorios artísticos y de investigación, donde dialogan los participantes, investigadores y artistas en la intersección de perspectivas y diferentes formas de pensar y crear. 
• la performance colectiva final, como un momento de restitución a la comunidad, en el que se devuelven al público los hallazgos, construidos e imaginados.

Este proyecto de Tsonami Arte Sonoro ha sido ganador de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de “Ayuda a instituciones para residencias”.

• Del 13 de abril al 5 de mayo en Tsonami Arte Sonoro, Valparaíso, Chile

Esta residencia artística se llevará a cabo en Tokio y tendrá como institución anfitriona a la legendaria Kohno Guitar, responsable de algunas de las innovaciones más importantes en la construcción de guitarras clásicas en las últimas décadas. Por primera vez en su historia, Kohno Guitar invita a un guitarrista a realizar una residencia artística presencial en sus instalaciones, y es un honor para los países latinoamericanos que este reconocimiento tenga como invitado al brasileño Fabricio Mattos.

Fabricio Mattos es un músico profundamente comprometido con la búsqueda de nuevos caminos para la performance musical en el siglo XXI. Fundador del innovador WGC – Worldwide Guitar Connections, Mattos se ha presentado regularmente en todo el mundo, estrenando decenas de obras para guitarra clásica y realizando giras por los cinco continentes en los últimos años, además de trabajar también de manera habitual como director creativo en diversos proyectos de performance en vivo y de video. Mattos es asimismo ganador de varios premios, entre ellos el prestigioso “Julian Bream Prize”, otorgado por el célebre guitarrista británico Julian Bream, y en 2023 se convirtió en el primer latinoamericano de la historia en obtener un doctorado (PhD) en Performance Musical por la legendaria Royal Academy of Music, en Londres.

Actividades a realizar:

Documental: grabado en las instalaciones de Kohno Guitar, en Tokio, durante marzo y abril de 2026. Estreno previsto para junio de 2026.

Recital – Conferencia: titulado A Journey through Rhythm, contará con 30 minutos de exposición oral sobre danzas características de diversas regiones de Brasil, seguidos de una performance de 30 minutos de danzas brasileñas para guitarra solista. Fecha y lugar a confirmar.

Recital (video): grabado en las instalaciones de Kohno Guitar, en Tokio, durante abril de 2026. Estreno previsto para junio de 2026.

Recital (en vivo): en este recital solista, próximo al final de la residencia artística, Fabricio Mattos alternará el uso de tres guitarras representativas de las tres generaciones de Kohno Guitar (Kohno, Sakurai y Kimishima). El repertorio elegido reflejará parte de la producción musical de los países iberoamericanos de los siglos XX y XXI, incluyendo aspectos culturales e históricos. El programa propuesto será: Castillos de España, de Federico Moreno Torroba; Suite das Amazonas, de Salomão Habib (obra dedicada a Fabricio Mattos); y Suite Sudamericana, de Fabiano Borges (obra dedicada a Fabricio Mattos).

Artículo académico: escrito en inglés y portugués, este artículo retratará la experiencia de Fabricio Mattos en esta residencia y ofrecerá un breve recorrido histórico por las tres generaciones de luthiers de Kohno Guitar, así como una discusión sobre el concepto de “tradición” y un abordaje de las perspectivas futuras de la compañía. Este trabajo será presentado a revistas especializadas o publicaciones musicales en Brasil y en el exterior a partir de junio de 2026.

Esta residencia de Fabricio Mattos en Japón es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, a través de la línea de “Apoyo a artistas e investigadores para residencias”, convocatoria 2025.

• 10 de abril: recital-conferencia, Embajada de Brasil en Tóquio, “Brazilian Dances”. Tokio, Japón
• 11 de abril: grabación de video-recital, Kohno Guitar Workshop. Tokio, Japón
• 14 de abril: recital-conferencia, HSNU, “Brazilian Dances”. Taipei, Taiwán
• 15 de abril: concierto con las flautistas Yi-Hsuan Chen y Shu-Chun Chiang, Universidad de Taipei (incluye un estreno mundial del compositor taiwanés Ming-Jui Liu). Taipei, Taiwán
• 16 de abril: grabación de la nueva obra de Ming-Jui Liu, con Yi-Hsuan Chen. Taipei, Taiwán
• 17 de abril: recital-conferencia, Universidad de Taipei, “Brazilian Dances”. Taipei, Taiwán
• 19 de abril: recital solista, Kurosawa Gakki. Tokio, Japón.
• 24 de abril: taller online de So Kimishima con profesores y alumnos del Curso de Luthería de la UFPR, mediado por mí. Tokio, Japón
• 26 de abril: recital solista, Muse. Nagoya, Japón
• 29 de abril: invitado especial, dúo con Toru Kobayashi. Tokio, Japón

Tanto el documental como el recital en video estarán alojados en el sitio web del WGC – Worldwide Guitar Connections: www.wgconnections.com

La Que Sabe es un concierto-ritual que propone una experiencia artística inmersiva, integrando música original, guitarra flamenca, canto, poesía y performance ritual. El proyecto se inspira en la sabiduría ancestral y en los ciclos naturales de la vida, afirmando la música como un lenguaje de encuentro, escucha y transformación, capaz de crear puentes entre culturas, territorios y comunidades.

Creado y compuesto por Maria João Machado (Portugal), con composición de guitarra y arreglos de Fernanda de Córdoba (Argentina), La Que Sabe reúne en escena a tres artistas de trayectorias distintas y complementarias: Maria João Machado (voz), Fernanda de Córdoba (guitarra flamenca y voz) y José Ausina (percusión y voz). Esta diversidad artística constituye un valor central del proyecto, enriqueciendo la propuesta musical y performática y reforzando su dimensión intercultural y colaborativa.

El concierto articula referencias del flamenco, del folclore latinoamericano y de la poesía contemporánea, creando un lenguaje propio que dialoga simultáneamente con la tradición y con la creación actual.

Cada presentación es concebida como un ritual contemporáneo, en el que el público es invitado a una escucha activa y a una experiencia sensible, adaptada al espacio, al momento y al contexto cultural que acoge el espectáculo. El concierto-ritual abre así un espacio de interacción sutil y de diálogo vivo entre artistas, público y territorio.

En 2026, La Que Sabe realizará una gira internacional que contempla Colombia, Brasil y Argentina, afirmando su vocación iberoamericana y promoviendo el intercambio cultural entre diferentes países y comunidades.

Esta circulación internacional es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, en colaboración con la Dirección General de las Artes del Ministerio de Cultura, Juventud y Deporte de Portugal, a través de la línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música” del Programa Ibermúsicas, convocatoria 2025.

• 04 de abril: Rincón Andaluz, Buenos Aires, Argentina
• 11 de abril: Instituto Arcano, São Paulo, Brasil