Autor: Ricardo Gomez Coll

La clarinetista chilena Javiera Hunfan realizará una investigación sobre la obra del clarinetista carioca Manuel Malaquías. Este proyecto, comenzará en febrero de 2025 en Río de Janeiro junto al investigador y flautista Leonardo Miranda. Después de rescatados los contenidos biográficos y musicales, se dará inicio al proceso de arreglos y creación de partituras para la grabación de un disco con 12 músicas, las cuales serán grabadas junto al conjunto Paulista Regional Jacarandá en el Mapa Studio. Manuel Malaquías fue un clarinetista de fines del siglo XIX enmarcado en un periodo histórico muy importante para la música popular brasileña. Él y otros músicos de la época fueron artífices del nacimiento del Choro.

La música popular urbana brasileña comenzó a desarrollarse con la presencia de instrumentos musicales como el piano, la guitarra y la mandolina, así como una variedad de instrumentos de viento que durante el siglo XIX la corona portuguesa y la ola de inmigrantes europeos llevaron consigo. En aquella época, la música erudita importada por los portugueses incluía polcas, schottisch, mazurcas y valses, entre otros estilos. A esto se sumó el tráfico masivo de esclavos africanos, que introdujo una rica tradición rítmica y percusiva, como el lundú, que, adaptándose a su nuevo entorno, terminó fusionándose con la cultura europea. A finales del siglo XIX, Río de Janeiro, entonces capital de Brasil, atravesaba una etapa de transformación social y cultural impulsada por la abolición de la esclavitud en 1888, la llegada de diversas influencias culturales y el avance industrial y tecnológico. Esta confluencia de factores dio inicio a una nueva era, caracterizada por la emergente figura de músicos y artistas de múltiples disciplinas. Así nació un nuevo género musical, considerado el primer género urbano genuinamente brasilero: el Choro, género instrumental, que es uno de los más importantes de la historia musical y cultural brasilera.

En ese periodo, los músicos eruditos interpretaban estos ritmos europeos refinados en salones de baile destinados exclusivamente a las clases sociales altas. No obstante, su influencia se extendió a los músicos populares y ex-esclavizados, quienes las fusionaron con los ritmos africanos y las percusiones que les eran familiares. De esta interacción surgió una nueva generación de compositores e intérpretes que interpretaban estas melodías de una manera “sentida” y “emocional”, dando origen a este término que se traduce al español como “llanto”.

Esta investigación se basa en la vida y obra inédita del compositor, clarinetista y director de banda de comienzos del siglo XX Manuel Malaquías, nacido en 1894 en Río de Janeiro, quien a pesar de haber sido olvidado o subestimado, es responsable por haber contribuido al desarrollo de la identidad cultural brasileña con más de 150 obras enmarcadas dentro del género del Choro. Grabó a partir de 1913 centenas de obras para la grabadora Edison tocando obras de su autoría y también de importantes compositores de su época como Albertino Pimentel, Candinho, Irineu de Almeida y Casemiro Rocha entre otros.

Su obra es importante, ya que se encuentra justo en un periodo de transición entre lo “europeo” y lo “brasilero”. En las 76 grabaciones encontradas, realizadas entre los años 1904 y 1914 junto al “Grupo do Malaquías”, se puede percibir cómo sus composiciones están concebidas genuinamente como “polcas”, “schottish”, “valses” e incluso “choros” donde se puede percibir la naturalidad con la que son interpretados los instrumentos considerados originalmente “europeos” y las “baixarias” (líneas de conducción de bajos de la guitarra) que son una característica esencial en la música popular brasileña, no solo dentro del Choro, sino en el Samba y en otros géneros hoy muy relevantes.

Parte de los objetivos del proyecto se cifran en comprender el contexto histórico y cultural de Malaquías para interpretarlo con mayor propiedad, grabar un CD y poder compartir estos conocimientos y contenidos con la comunidad iberoamericana para fomentar el intercambio cultural y generar mayor interés en la música brasileña fuera del territorio de Brasil.

Este proyecto de Javiera Hunfan ha sido seleccionado por Ibermúsicas en su línea de “Ayudas a compositores para residencias artísticas”, convocatoria 2024.

El guitarrista, compositor y productor brasileño Bernardo Ramos inicia su proceso de desarrollo técnico y artístico en la Schulich School of Music (McGill University, Montreal, Canadá), bajo la dirección del profesor John Hollenbeck.

Durante los meses de febrero y marzo, Bernardo Ramos  mantendrá reuniones periódicas con su supervisor, John Hollenbeck. En estas reuniones se tratarán temas avanzados de composición, interpretación e improvisación, dentro de la zona híbrida entre el jazz, la música contemporánea de concierto y la música brasileña. Bernardo Ramos tendrá la tarea de componer una pieza original, inspirada en las directrices de Hollenbeck. Al final de este proceso, Bernardo Ramos ofrecerá un concierto-conferencia en el auditorio de la Schulich School of Music, en el que tocará piezas seleccionadas de su obra, así como la nueva pieza, compuesta en Montreal. Como actividad adicional, asistirá a las clases colectivas regulares de su supervisor. Serán cursos de composición de jazz, improvisación y práctica de conjunto, impartidos en la Universidad McGill.

Bernardo Ramos, nacido en Río de Janeiro, Brasil, es reconocido por su formación bajo la tutela directa de los maestros Itiberê Zwarg y Hermeto Pascoal. Con más de 20 años de carrera, formó parte durante una década de la Itiberê Orquestra Família, grabó tres discos y actuó en prestigiosas salas de conciertos y festivales de toda América Latina. El artista es licenciado en guitarra clásica y máster en composición por la UFRJ. Como compositor, obtuvo reconocimiento por su colaboración con Naná Vasconcelos en la banda sonora de la producción teatral “Capitães da Areia” (2005), nominada al Premio Shell. Como instrumentista, ha actuado junto a figuras de la talla de Hermeto Pascoal, Dori Caymmi, Idriss Boudrioua, Joyce Moreno y Leny Andrade. Cofundador del grupo Bamboo, ha publicado dos álbumes originales y ha recibido reconocimiento internacional con el álbum “Gesto”, en colaboración con Joana Queiroz y Rafael Martini, publicado por Spiral Music en Japón.

Además de músico, Ramos es productor y arreglista, con proyectos notables como los álbumes “Toda pessoa pode ser Invenção”, de Fernanda Gonzaga, y “Uma maneira de dizer”, de Joana Queiroz. Su producción en el álbum “Sofia Gubaidúlina, Hermeto Pascoal e Ígor Stravinsky”, de la pianista Erika Ribeiro, fue nominada al Grammy Latino 2022 en la categoría de Mejor Álbum de Música Instrumental. Su trabajo como líder ha sido plasmado en dos discos. En 2019, el artista lanzó el álbum en solitario “Cangaço”, y en junio de 2024, “Poemas para Trío”, con Bruno Aguilar en el bajo acústico y Reinaldo Boaventura en las percusiones – ambos lanzados por Rocinante.

John Hollenbeck es un compositor de música inclasificable. Un conceptualista capaz de traducir las tradiciones del jazz y la nueva música a un lenguaje fresco, ecléctico y con visión de futuro, intelectualmente gratificante pero siempre accesible y vibrante. Un baterista y percusionista con una versatilidad lúdica y una inteligencia virtuosa. Por encima de todo, un pensador musical alérgico a la repetición, siempre buscando sorprenderse a sí mismo y a su público.

El proyecto de Bernardo Ramos ha sido seleccionado dentro de la convocatoria 2024 del Programa Ibermúsicas en la línea “Ayuda a la especialización y el perfeccionamiento artístico y técnico”.

• 13 de febrero, 16h: Masterclass en el campus de “The Manhattan School of Music”, ciudad de Nueva York, Estados Unidos

La musicóloga, dramaturgista y directora de ópera Ligiana Costa pasará 40 días trabajando junto a la dramaturga Agnés Terrier, responsable de la dramaturgística de la importante Opéra Comique de París. Durante este tiempo, Ligiana hará una presentación en la conferencia Prima de parole en la misma institución los días 12 y 13 de febrero.

Ligiana Costa es licenciada en canto lírico por la Universidad de Brasilia, con especialización en canto barroco por el Real Conservatorio de La Haya (Holanda). Es licenciada en filología musical por la Facultad de Musicología de Cremona (Italia) y doctora en musicología por la Universidad de Tours (Francia) y la Universidad de Milán, con una tesis sobre la ópera barroca italiana.

Ha publicado libros de musicología por la Editora da UNESP y en 2017 realizó un posdoctorado en la USP, cuyo resultado fue el libro “El Corego”, publicado por Edusp y galardonado con el Premio Flaiano (Italia) y el Premio Jabuti en 2018.

Trabaja como dramaturgista con directores como Lisenka Heijboer Castañón, Carla Camurati, Pedro Salazar, William Pereira y Cibele Forjaz. En 2024 debutó como creadora y directora del espectáculo operístico Grão da Voz, con el sopranista Bruno de Sá, en el Teatro São Pedro de São Paulo. Ligiana es también cantante y compositora, siendo su trabajo más reciente “Sá, um oratório para a Terra”.

El proyecto de Ligiana Costa fue seleccionado en la convocatoria 2024 del Programa Ibermúsicas bajo el epígrafe “Ayuda a artistas e investigadores para residencias”.

• Del 11 de febrero al 17 de marzo en la Ópera Cómica de París

Cénit realizará el concierto “Memorias de una Historia Viviente: intervenciones sonoras sobre las memorias de las víctimas del conflicto armado en Colombia” en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) en la ciudad de Morelia, Michoacán, México, en el marco de la serie de conciertos “Viernes de Conciertos”.

Cénit Ensamble nace en 2017 por la necesidad de un grupo de músicos profesionales de la ciudad de Pereira (Colombia) de explorar la música contemporánea. Desde sus inicios, Cénit ha tenido como norte la promoción de la música nueva y de los compositores jóvenes, buscando siempre hacer conciertos, en su mayoría, con obras creadas por encargo para los diferentes proyectos que se han propuesto a lo largo de los años.

En 2023, después de la publicación del Informe Final de la Comisión para el Esclarecimiento de la Verdad, la Convivencia y la No Repetición, Cénit Ensamble quiso unirse al esfuerzo de difundir el mensaje principal de perdón contenido en este informe con la idea de contar las historias allí contenidas para que estos hechos atroces no se vuelvan a repetir.

Este proyecto ha sido ganador de la convocatoria 2024 del Programa Ibermúsicas en la línea de “Ayudas al sector musical para la circulación”.

• Viernes 7 de febrero en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Morelia, Michoacán, México.Se podrá ver y escuchar en: https://www.youtube.com/@cenitensamble9490

“Corpos Visíveis” es el primer festival latinoamericano centrado en género y diversidad. En febrero de 2025 celebrará su 4ª edición para centrarse también en la cultura indígena y negra y en la diversidad territorial e identitaria de Brasil y América Latina, conectando país y ciudad, arte y sostenibilidad, artistas y productores de cultura en una red latinoamericana.

Celebrado conjuntamente con la VII Mostra Cine Diversidade, el evento tendrá lugar entre el 17 de enero y el 22 de febrero de 2025, por primera vez de forma itinerante en la ciudad de Río de Janeiro, a lo largo de 6 días de programación, del sur al norte de la ciudad. En total, serán 8 conciertos, 10 performances, 10 DJ sets, 5 talleres, 5 charlas, incluyendo la participación de la productora chilena Ilse Farías Álvarez, en representación del Festival Udara para debatir, articular soluciones colectivas y estimular la generación de oportunidades para la internacionalización de proyectos musicales entre países latinoamericanos, teniendo en cuenta el papel de la mujer y la diversidad en el mercado creativo.

El debate abre la tercera jornada del Festival a las 11h en el Museo de Arte de Río (MAR), situado en la Praça Mauá de Río de Janeiro, y será seguido de un encuentro para crear y fortalecer redes de la economía cultural y creativa latinoamericana. Ese mismo día, el Festival llevará al escenario al bloque AGITOÊ, a la banda de maracatú Baque Mulher y al grupo de carimbó Aturiá, así como al DJ Laís Conti en los intermedios, proyecciones de videoarte y clips de la Muestra Cine Diversidade y live panting en directo con la muralista indígena Dani Ramalho.

La presencia de Ilse Farías Álvarez en el festival, se hace posible gracias al apoyo de Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la programación musical”, convocatoria 2024.

• 1 de febrero en el Museo de Arte de Río (MAR), Praça Mauá, 5 – Saúde, Río de Janeiro – RJ, 20081-240

El proyecto consiste en un programa de perfeccionamiento técnico e interpretativo en el contrabajo, con un enfoque especializado en el tango, bajo la guía del profesor Ariel Eberstein, destacado músico y pedagogo radicado en Europa.

Este programa, que se desarrollará durante seis meses, incluirá el estudio profundo de técnicas interpretativas, repertorio para ensamble y solista del tango, explorando tanto obras clásicas argentinas como piezas chilenas del género.

El objetivo principal es dominar la versatilidad técnica del contrabajo en el tango y desarrollar un discurso sonoro propio. También busca contribuir al desarrollo de la comunidad musical chilena del tango mediante la adquisición y posterior transmisión de conocimientos avanzados en el género.

David Alexis Torrejón Cifuentes es un contrabajista y bajista eléctrico chileno con experiencia en la interpretación de música popular y clásica. Ha formado parte de diversos proyectos musicales, incluyendo su participación en el programa Internacional Ethno World, implementado por Junesses Musicales Internationa (JMI), explorando la música tradicional de distintas culturas. Su enfoque artístico actual se centra en el tango, tanto en su práctica interpretativa como en la investigación del repertorio chileno y argentino, buscando conectar estas experiencias de una misma corriente.

David Alexis Torrejón Cifuentes ha sido ganador de la línea de “Ayuda a la especialización y el perfeccionamiento artístico y técnico” del Programa Ibermúsicas, convocatoria 2024.

• Enero a julio. Estudio del profesor Ariel Eberstein, Bruselas, Bélgica

Travesías permite reencontrarnos nuevamente con el trabajo de quien ya es una artista esencial. El impacto que tuvo Aquatic and other worlds, ubicó a Oksana Linde rápidamente en el lugar que merece como una artista poseedora de un estilo personal profundamente evocativo. Travesías continúa con el trabajo de sacar a la luz uno de los archivos musicales más fascinantes de la música electrónica producida en Latinoamérica.

Las piezas musicales incluidas en Travesías fueron compuestas y producidas por Oksana Linde entre 1986 y 1994, en su estudio privado de San Antonio de Los Altos, Venezuela. Pertenecen al mismo período creativo de las piezas incluidas en Aquatic and Other Worlds (Buh, 2022), pero se trata de composiciones que han sido parte de momentos específicos en la trayectoria musical de Linde, razón por la cual no se incluyeron en dicho álbum.

Las piezas “Mundos Flotantes”, “Horizontes Lejanos” y “Arrecifes en el espacio” fueron compuestas expresamente para el espectáculo Travesía Acuastral, presentado por Linde en febrero de 1991 en la Casa Rómulo Gallegos, como parte del 3er Encuentro de la Nueva Música Electrónica, producido por Maite Galán y con la complicidad del grupo Musikautomatika (integrado por Luis Levin, Alvise Sacchi y Stefano Gramitto). Este evento constituyó un hito para la articulación de una escena de música electrónica experimental en Venezuela, para ese momento una de las más activas en Latinoamérica. Además de grandes nombres venezolanos como Miguel Noya, Beatriz Bilbao, Gerry Weil o Vinicio Adames, entre otros, participaron aquella vez artistas debutantes como Alberto Robert, Winston Borrero y Oksana Linde.

Fueron diez en total las piezas presentadas por Linde, algunas de ellas contaron con la participación de Aimé Tillett en oboe y Elisa Ochoa en flauta. Fue el primer y único concierto que realizó la artista, las dificultades para llevar a escena la compleja manipulación de diversos sintetizadores en vivo, sumado a diversos desperfectos técnicos, la disuadieron de volver a repetir la experiencia. Esta recopilación rescata tres de las grabaciones realizadas por Linde, previas a la presentación en vivo y que, como todas las grabaciones incluidas en este álbum, provienen de antiguas cintas de casete que la artista almacenó por años y que se han digitalizado y restaurado para la presente edición.

El nombre “Travesía Acuastral”, remite a la imaginación surrealista que estimuló mucha de la producción de la artista, en particular a la idea de estados de la materia que no tienen límites entre sí, que pueden transmutar, como en las imágenes de un sueño. Estas ideas de formas extraordinarias de percibir la realidad, conectaron en algún momento con ciertas tendencias de meditación alternativa como el Reiki, una técnica que forma parte de las terapias de energía, y que consiste en transferir energía universal a un paciente mediante las manos. Linde se empezó a interesar por este tipo de terapias a mediados de los 80, pocos años después de las fuertes afecciones a su salud que derivaron en el abandono de su trabajo como investigadora química.

Fue Julio César González, un famoso maestro sanador venezolano, quien, al conocer el talento de Linde, le pidió componer algunas piezas para ser utilizadas en sesiones de meditación. El interés de la artista se hizo mayor al asistir a una conferencia de un discípulo de la mundialmente conocida sanadora espiritual y empresaria Barbara Ann Brennan y de descubrir también la técnica de sanación de Dasihara Narada. El resultado fueron siete composiciones, de las cuales esta compilación rescata cuatro: “Luciérnagas en los manglares”, “Estrellas I” y “II” y “Kerepakupai vena”. Esta última hace referencia a dos palabras de la comunidad indígena Pemón, del sureste venezolano, que significa Salto Ángel, nombre que lleva una famosa cascada, conocida por ser la más alta del mundo, y que está ubicada en el estado de Bolívar, Venezuela. En tal sentido, el nombre remite también a otro de los tópicos favoritos de Linde: el agua.

“Sahara” es una de las últimas piezas grabadas por Linde y data de 1994, poco antes de vender todos sus equipos electrónicos, aquejada por diversos problemas económicos y de salud. Se trata de una de las piezas más extensas de la autora, donde los acordes permiten un desarrollo climático y de marcados motivos, quizá inspirada en el legado del compositor impresionista Claude Debussy, de gran influencia en la música para cine y en la electrónica espacial de artistas como Isao Tomita.

Esta compilación se publica a través de Buh Records en una edición limitada de 500 copias. Compilación y notas por Luis Alvarado. Masterizado por Alberto Cendra en Garden Lab Audio. Arte y diseño por Gonzalo de Montreuil. Foto de portada por Elisa Ochoa Linde. Este álbum es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas.

Ricardo De León creció en La Peña, Santiago de Veraguas, inmerso en las ricas tradiciones musicales rurales de Panamá. Desde joven, se sintió cautivado por la guitarra y, especialmente, por su amada mejoranera, un instrumento de cuerdas propio del folclore local. Posteriormente, se trasladó a la Ciudad de Panamá, donde abrazó la vibrante, y a veces intensa, vida de un músico moderno, destacándose en géneros como el jazz, el reggae y una amplia gama de ritmos latinos.

Aunque su formación académica es sólida, Ricardo se siente igualmente cómodo improvisando en los escenarios más sencillos. Como hábil improvisador y multiinstrumentista, aporta un estilo único y personal a la guitarra, interpretando con destreza las diversas tradiciones musicales que ha encontrado en su camino.

Ricardo De León ha sido ganador de la línea de apoyo del Programa Ibermúsicas “Ayudas a la movilidad de músicas y músicos”, convocatoria 2024.

• 30 de enero: Festival Square, Braga, Barcelos, Portugal
• 6 de febrero: Clase magistral con el maestro David Murgada, Barcelona, España
• 7 de febrero: Taller de música panameña y la influencia europea en el Conservatorio de Igualada, Catalunya, España
• 9 de febrero:- Intercambio cultural y conciertos en Cádiz, España
• 13 de febrero: Intercambio cultural y conciertos en Madrid, España

La cantautora brasileña Jadsa participará en el Festival Square – Mapping the Atlantic, presentando su showcase. Será la primera actuación internacional de su carrera. Basado en la conexión entre los continentes que bordean el Atlántico (África, América y Europa), Square celebra la diversidad creando un lugar de encuentro para los talentos emergentes y las nuevas tendencias musicales de esos territorios. Basado en el trabajo en red, el programa de Square se desarrollará en colaboración con diversos agentes, editores, promotores y festivales que trabajan en todo el espectro musical de los tres continentes.

Jadsa es una cantautora cuyo trabajo incluye en su repertorio canciones que honran a los Orixás y a la fe Candomblecista. Al cantar sobre la espiritualidad africana desde una perspectiva positiva, construye una narrativa que se aleja de la noción racista que estigmatiza las manifestaciones religiosas no cristianas, especialmente las expresiones de la cultura negra.

Jadsa es de Salvador de Bahía. Es cantante, compositora, guitarrista, productora y directora musical. Comenzó su carrera profesional colaborando en bandas sonoras para el Teatro Vila Velha de Salvador-BA. Sus principales referencias artísticas incluyen la MPB, el samba, el rock, el trip hop, el reggae y el neo-soul. En 2015 lanzó el EP «Godê». Con su primer álbum, «Olho de Vidro», publicado en marzo de 2021, Jadsa recibió dos nominaciones al Premio Multishow, en las categorías de «artista revelación» y «álbum del año». Ese mismo año, fue nombrada por CNN Brasil como una de las mujeres que cambiaron el rostro de la música brasileña.

Esta gira de Jadsa se hace posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”, convocatoria 2024.

• 29 de enero, Plaza del Festival – Cartografiando el Atlántico, Guimarães, Portugal

Celebrando la lengua portuguesa, la cultura urbana y la contra-colonización, Terra do Rap tendrá lugar en diferentes partes de Río de Janeiro.

En 2025, Terra do Rap celebra 12 años de resistencia como único festival de cultura urbana en lengua portuguesa, y mapeará los suburbios de Río de Janeiro, junto con el proyecto “Meu Bairro, Minha Língua” (Mi barrio, mi lengua) con actividades e intervenciones gratuitas en el Norte, Oeste y Centro de Río de Janeiro, ofreciendo una programación alternativa durante la estación más calurosa del año.

Una iniciativa de la incubadora de culturas de la calle Reprodutora (Ritmo E Poesia Produtora), creación del rapero y productor Vinícius Terra, Terra do Rap 2025 tiene lugar junto con la Caravana “Meu Bairro, Minha Língua” y la grabación de la segunda temporada de la serie del mismo nombre para la plataforma Globoplay, que reúne diferentes proyectos para reconectar los países de habla portuguesa a través de la estética de la cultura urbana, celebrando el “verano de la contra-colonización”.

“Verano en Errejota” será un verano urbano de valorización de las expresiones artísticas de una región poderosa y decisiva en la cultura de la ciudad. Reunirá múltiples acciones en diferentes fechas, entre ellas tutorías e inmersiones para nuevos artistas, batallas de MC, conciertos, arte urbano y la Caravana “Mi Barrio “Mi barrio, mi lengua”.

La Inmersión Terra do Rap tendrá lugar del 28 de enero al 1 de febrero en el Centro de Música Carioca Artur da Távola, en Tijuca. Será el primer encuentro de negocios musicales centrado en la cultura urbana, que ofrecerá actuaciones musicales de nuevos artistas y tutorías con actores del mercado entre los países de lengua portuguesa.

El 4 de febrero se anunciarán los 10 artistas seleccionados, y el 8 de febrero (sábado) habrá mentorías online con programadores y curadores de festivales internacionales. Las solicitudes para la Inmersión estarán abiertas del 2 al 15 de enero, y el anuncio de los 20 candidatos seleccionados está previsto para el 19 de enero. El Festival Terra do Rap se clausurará los días 15 y 16 de febrero (sábado y domingo) en la Arena Carioca Jovelina Pérola Negra, en Pavuna.

El proyecto presentado por el Festival Terra do Rap fue seleccionado en la línea “Apoyo a la programación musical” del Programa Ibermúsicas para la invitación de los artistas portugueses Tristany Mundu, António Brito Guterres y Mynda Guevara.

• Del 28 de enero al 1 de febrero: Inmersión Terra do Rap en el Centro da Música Carioca Artur da Távola, Tijuca, Río de Janeiro, Brasil.

• 15 y 16 de febrero: Festival Terra do Rap en la Arena Carioca Jovelina Pérola Negra, Pavuna, Río de Janeiro, Brasil