Autor: Ricardo Gomez Coll

Caê Vieira es un Heldentenor, una clasificación muy particular: una voz que se sitúa entre el tenor y el barítono y que trabaja específicamente para el repertorio operístico alemán de compositores como Richard Wagner y Richard Strauss. Fue invitado por el pianista Klaus Sallmann para especializarse con él durante un periodo intensivo de cuatro meses en Berlín, Alemania.

 

Klaus Sallmann es pianista preparatorio en la Staatsoper de Berlín, uno de los teatros de ópera más renombrados del mundo, y está especializado en el repertorio wagneriano, lo que le califica como el profesional ideal para preparar al Heldentenor Caê Vieira para una carrera internacional, convirtiéndose en uno de los pocos negros sudamericanos capaces de cantar un repertorio tan difícil.

 

Caê Vieira es profesor de canto en la Universidad Federal de Río de Janeiro. Trabaja como cantante, director coral y profesor de canto y dirección. Es doctor en Dirección Coral (DMA) por la Universidad de Alabama, máster en Ciencias Religiosas por la Universidad Metodista de São Paulo, licenciado en Música – Canto por la Universidad Estatal de São Paulo (2000) y licenciado en Medicina Veterinaria por la Universidad Estatal de Londrina (1996).

 

Fue director titular de los coros de adultos de la 1ª Iglesia Presbiteriana Independiente de São Paulo entre 2001 y 2012. En el área de la dirección, tiene experiencia en Música Coral, Música Antigua y Música Sacra. En el área del canto, trabaja principalmente en Música Antigua, Lieder y ópera. También estudia pedagogía vocal y dicción, interesándose por la dicción del portugués brasileño cantado.

 

Con un historial de actividades en Brasil, Alemania y EE.UU. y debido a su dominio de seis idiomas, Caê Vieira tiene una presencia internacional en el campo de la música. Entre 2016 y 2018, fue profesor de música en la Universidad Estatal de Minot (Minot, ND, EE UU).

 

En ópera, está clasificado como Heldentenor (Tenor Heroico), con una voz metálica y un timbre rico y con cuerpo en toda la tesitura. Durante años, Caê cantó anteriormente como barítono y ha tenido en su repertorio un total de 24 papeles de compositores como Mozart, Verdi, Puccini, Bizet y Tchaikovsky. Sobre el escenario, se le ha visto como Fígaro (Rossini), Guglielmo (Mozart), Júpiter (Offenbach) y Escamillo (Bizet), entre otros. Desde 2020, ha estado explorando su nuevo rango preparando principalmente papeles wagnerianos. A principios de 2023 publicó un CD junto con la mezzosoprano Lara Cavalcanti y el pianista Silas Barbosa con los Lieder de Sigismund von Neukomm en una grabación de estreno mundial y modinhas del periodo de la independencia brasileña.

 

Caê Vieira fue ganador de la Convocatoria 2023 del Programa Ibermúsicas.de Ayuda a la circulación de profesionales de la música.

Las piezas musicales incluidas en Travesías fueron compuestas y producidas por Oksana Linde entre 1986 y 1994, en su estudio privado de San Antonio de Los Altos, Venezuela. Pertenecen al mismo período creativo de las piezas incluidas en Aquatic and Other Worlds (Buh, 2022), pero se trata de composiciones que han sido parte de momentos específicos en la trayectoria musical de Linde, razón por la cual no se incluyeron en dicho álbum.

 

Las piezas “Mundos Flotantes”, “Horizontes Lejanos” y “Arrecifes en el espacio” fueron compuestas expresamente para el espectáculo Travesía Acuastral, presentado por Linde en febrero de 1991 en la Casa Rómulo Gallegos, como parte del 3er Encuentro de la Nueva Música Electrónica, producido por Maite Galán y con la complicidad del grupo Musikautomatika (integrado por Luis Levin, Alvise Sacchi y Stefano Gramitto). Este evento constituyó un hito para la articulación de una escena de música electrónica experimental en Venezuela, para ese momento una de las más activas en Latinoamérica. Además de grandes nombres venezolanos como Miguel Noya, Beatriz Bilbao, Gerry Weil o Vinicio Adames, entre otros, participaron aquella vez artistas debutantes como Alberto Robert, Winston Borrero y Oksana Linde.

 

Fueron diez en total las piezas presentadas por Linde, algunas de ellas contaron con la participación de Aimé Tillett en oboe y Elisa Ochoa en flauta. Fue el primer y único concierto que realizó la artista, las dificultades para llevar a escena la compleja manipulación de diversos sintetizadores en vivo, sumado a diversos desperfectos técnicos, la disuadieron de volver a repetir la experiencia. Esta recopilación rescata tres de las grabaciones realizadas por Linde, previas a la presentación en vivo y que, como todas las grabaciones incluidas aquí, provienen de antiguas cintas de casete que la artista almacenó por años y que se han digitalizado y restaurado para esta edición.

 

El nombre “Travesía Acuastral”, remite a la imaginación surrealista que estimuló mucha de la producción de la artista, en particular a la idea de estados de la materia que no tienen límites entre sí, que pueden transmutar, como en las imágenes de un sueño. Estas ideas de formas extraordinarias de percibir la realidad, conectaron en algún momento con ciertas tendencias de meditación alternativa como el Reiki, una técnica que forma parte de las terapias de energía, y que consiste en transferir energía universal a un paciente mediante las manos. Linde se empezó a interesar por este tipo de terapias a mediados de los 80, pocos años después de las fuertes afecciones a su salud que derivaron en el abandono de su trabajo como investigadora química.

 

Fue Julio César González, un famoso maestro sanador venezolano, quien, al conocer el talento de Linde, le pidió componer algunas piezas para ser utilizadas en sesiones de meditación. El interés de la artista se hizo mayor al asistir a una conferencia de un discípulo de la mundialmente conocida sanadora espiritual y empresaria Barbara Ann Brennan y de descubrir también la técnica de sanación de Dasihara Narada. El resultado fueron siete composiciones, de las cuales esta compilación rescata cuatro: “Luciérnagas en los manglares”, “Estrellas I” y “II” y “Kerepakupai vena”. Esta última hace referencia a dos palabras de la comunidad indígena Pemón, del sureste venezolano, que significa Salto Ángel, nombre que lleva una famosa cascada, conocida por ser la más alta del mundo, y que está ubicada en el estado de Bolívar, Venezuela. En tal sentido, el nombre remite también a otro de los tópicos favoritos de Linde: el agua. Para mediados de los 90 la artista ya se había desvinculado del Reiki.

 

“Sahara” es una de las últimas piezas grabadas por Linde y data de 1994, poco antes de vender todos sus equipos electrónicos, aquejada por diversos problemas económicos y de salud. Se trata de una de las piezas más extensas de la autora, donde los acordes permiten un desarrollo climático y de marcados motivos, quizá inspirada en el legado del compositor impresionista Claude Debussy, de gran influencia en la música para cine y en la electrónica espacial de artistas como Isao Tomita.

 

Travesías permite reencontrarnos nuevamente con el trabajo de quien ya es una artista esencial. El impacto que tuvo Aquatic and other worlds, ubicó a Oksana Linde rápidamente en el lugar que merece como una artista poseedora de un estilo personal profundamente evocativo. Travesías continúa con el trabajo de sacar a la luz uno de los archivos musicales más fascinantes de la música electrónica producida en Latinoamérica.

 

A1 Luciérnagas en los manglares (2:29)

A2 Mundos flotantes (4:35)

A3 Horizontes lejanos (3:34)

A4 Arrecifes del espacio (1:41)

A5 Estrellas I (3:00)

B1 Sahara (9:34)

B2 Kerepakupai vena (2:58)

B3 Estrellas II (2:58)

 

Todas las piezas compuestas y producidas por Oksana Linde. Producción, compilación y notas por Luis Alvarado Masterizado por Alberto Cendra en Garden Lab Audio. Foto de portada por Elisa Ochoa Linde. Arte y diseño por Gonzalo de Montreuil. Mastering por Alberto Cendra en Garden Lab Audio.

 

Este álbum ha sido posible gracias al Programa Ibermúsicas mediante sus ayudas a proyectos en modalidad virtual.

 

• Ver en: https://youtu.be/X8YXOL8m7Js

“Fantasía Sinfónica: La historia del Tango” es la obra de Lucas Querini que obtuvo el primer premio en el concurso iberoamericano de composición propuesto por Uruguay por medio de la CIATyC (Comisión Interministerial de Apoyo al Tango y al Candombe en Uruguay) de los Ministerios de Educación y Cultura, Relaciones Exteriores y Turismo de dicho país junto al Programa Ibermúsicas.

 

Fantasía Sinfónica es una obra inspirada en el vasto universo sonoro que ofrece el tango como música tradicional argentina. En un contexto sinfónico que incluye al bandoneón como representante de este acervo cultural, la música toma vuelo evocando los gestos típicos, los paisajes, personajes, intérpretes, compositores y poetas que han nutrido a esta expresión artística a lo largo de los años. Organizada en doce escenas, la obra discurre a partir de las variaciones de un tema principal que muta en cada una de ellas en función del espíritu de cada evocación.

 

Así, la música nos transporta desde los paisajes gauchescos de la pampa hasta el suburbio porteño, donde los ritmos de los afrodescendientes se mezclan con las músicas europeas de la oleada inmigratoria de principios de siglo en una mixtura tan elegante como canyengue. El primer clímax se logra recordando la edad de oro, en el bandoneón mayor de Buenos Aires Aníbal Troilo, en La Yumba de Osvaldo Pugliese y en el piano de Horacio Salgán. Las últimas escenas están destinadas a homenajear las ideas del genio renovador de Astor Piazzolla, que luego reaparecen en la escena dedicada a la obra del contemporáneo Fernando Otero. La escena final es una oda vibrante dedicada a los miles de artistas que en estos tiempos gritan “¡Vuelve el Tango!”, porque nunca se fue, porque siempre está llegando.

 

Escena I: Cantor y Guitarra

Escena II: Pampeana

Escena III: Mate

Escena IV: Tocá Tangó

Escena V: Valsecito

Escena VI: Donde el barro se subleva…

Escena VII: Canyengue (a Anibal Troilo)

Escena VIII: Yumba (a Osvaldo Pugliese)

Escena IX: Revolucionario (a Astor Piazzolla)

Escena X: Umpa-Umpa (a Horacio Salgán)

Escena XI: Tango X (a Fernando Otero)

Escena XII: Vuelve el Tango (a la Máquina Tanguera)

 

Fantasía Sinfónica tuvo su estreno internacional en Bogotá, Colombia los días 20 de abril en el Auditorio Fabio Lozano y 21 de abril en el Auditorio León de Greiff por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia dirigida por el maestro Juan Pablo Valencia Heredia y con la participación solista del bandoneonista Giovanni Parra. En julio del 2023 tuvo su estreno nacional realizado por la Orquesta Sinfónica de Rosario, Argentina, dirigida por el maestro Javier Más en el Teatro “El Círculo” de Rosario con la participación solista del bandoneonista Danilo Cernotto.

 

Lucas Querini es un pianista y compositor argentino. Radicado en la ciudad de Rosario, desarrolla una intensa labor musical como artista y docente, interesándose especialmente en vincular la tradición académica con las músicas de raíz folclórica de su país. Se formó en piano y composición en la Universidad Nacional de Rosario y ha estudiado música popular con los principales referentes de Argentina y Brasil. Desarrolla una amplia actividad profesional vinculándose tanto con artistas de música popular como de música académica. Ha realizado cinco giras internacionales, ofreciendo conciertos en Alemania, Francia, Bélgica, Holanda, Suiza, Dinamarca y España. Premiado en certámenes nacionales e internacionales como compositor y arreglador, ha estrenado música con la Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario, la Orquesta Sinfónica Provincial de Santa Fe, la Orquesta de Cámara Municipal de Rosario, la Orquesta Sinfónica Juvenil Kayen de Tierra del Fuego y una gran cantidad de ensambles y formaciones del país y del exterior. Es docente titular de la cátedra de Piano de la carrera Música Popular en la Universidad Nacional del Litoral.

https://www.youtube.com/@LucasQuerini

 

 

La agrupación de choro argentina Mistura & Manda, a través de su proyecto de formación “Choro Parceiro Argentina” propone el 4to Ciclo anual de “Prácticas de choro” destinadas a músicos/as que deseen conocer o profundizar sus conocimientos en este hermoso género musical instrumental típicamente carioca. Con la coordinación de un plantel de músicos/as de trayectoria en el género, se llevarán a cabo diez prácticas de choro con una frecuencia mensual.

 

Mistura & Manda es un grupo de músicos argentinos dedicado con exclusividad al choro desde hace 20 años. A partir de 2020 suman a su actividad musical la tarea de difundir y enseñar el género musical a través de su iniciativa Choro Parceiro Argentina, un proyecto que cuenta con el aval institucional de la Escola Portátil de Música – EPM Rio de Janeiro.

 

Desde el año 2004 y de manera ininterrumpida, Mistura & Manda ha brindado una gran cantidad de presentaciones en todo tipo de salas y para diversos públicos, pasando por prestigiosas salas de concierto, universidades, festivales, bares, centros culturales, institutos de idiomas, radios, casas de música en vivo, entre otros. Han sido seleccionados reiteradamente para la programación de los “Bares Notables” por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

 

En 2011 editaron su primer CD “Choro Vivo” en el que quedó registrado parte de su trabajo de arreglos, interpretación y composición dentro del género.

 

Realizaron varias presentaciones en la Embajada de Brasil, la cual otorgó al grupo una carta de apoyo institucional. Siendo beneficiarios de un apoyo de Ibermúsicas en 2015, presentaron al año siguiente su segundo disco “Lloros” (choros de compositores argentinos) en la “Casa do Choro” de Río de Janeiro y en la Escola Portátil de Música de Río de Janeiro con gran aceptación por parte de renombrados músicos cariocas y del público especializado.

 

Este segundo disco fue dedicado a compositores argentinos que incursionaron en el choro, demostrando los estrechos lazos culturales existentes entre las capitales de ambos países desde la década del 20´ en adelante. El trabajo reúne obras de grandes maestros como Atahualpa Yupanqui, Eduardo Falú, Horacio Salgán, Oscar Alemán, Roberto Grela, Juan Falú, Rudi Flores y composiciones de Gabriel Trucco, Esteban Ibañez y Sebastián Luna, integrantes de Mistura & Manda. Esta producción, que cuenta con invitados de la talla de Juan Falú, Rudi y Nini Flores, y del Trío Turuna (Brasil) fue elegida por el diario Página 12 como uno de los 10 mejores discos del año 2016. En 2018, parte de este material fue presentado junto a la Orquesta de Cámara del Congreso de la Nación, con arreglos especialmente escritos para la ocasión por grandes arregladores cariocas (Mauricio Carrilho, Paulo Aragao, Pedro Paes, Jayme Vignoli).

 

En 2019 realizaron una presentación en Buenos Aires junto a dos referentes del género como Mauricio Carrilho y Paulo Aragao, y comienzaron, el ciclo de conciertos “Vibraciones” por los 15 años de trayectoria del grupo, contando con invitados especiales como Andrés Pilar, Noelia Moncada, Rudi Flores, Rogerio Souza y Juan Falú.

 

En 2020 crean el proyecto “Choro Parceiro Argentina”, espacio de formación para músicos/as de la región, sumando a la saxofonista Magalí Carballo como integrante del plantel docente. Obtuvieron la Beca Formadores 2021, otorgada por el Fondo Nacional de las Artes (FNA) y han llevado adelante el ciclo anual de Prácticas de Choro durante 2022, 2023 y 2024.

 

En la convocatoria 2024 del Programa Ibermúsicas, recibieron el Premio Especial Brasil/Ibermúsicas otorgado por la FUNARTE (Fundación Nacional de Arte) de Brasil, sumando así otro merecido reconocimiento a su labor, esta vez otorgado desde la máxima institución gubernamental de cultura del país de origen del choro. Este premio especial del Programa Ibermúsicas en colaboración directa con FUNARTE, pretende mapear ya la vez reconocer, las iniciativas que se dedican a la difusión, investigación y enseñanza de las músicas de Brasil, en cualquier lugar del mundo y fuera del territorio nacional.

 

• Desde el domingo 9 de marzo, siempre de 17h a 19h30 y durante 9 domingos más hasta el mes de diciembre en “Bar de Fondo”, Julián Álvarez 1200, Palermo, Buenos Aires, Argentina
• Inscripciones en: @choroparceiro_argentina

Entre el 16 y el 21 de junio Bogotá vibrará al ritmo del tango. Tango para Músicos es un programa de formación que está pensado para músicos, ensambles, arregladores y compositores de todos los niveles que deseen perfeccionar su arte y conectar con la comunidad tanguera internacional.

 

Contará con clases intensivas durante una semana en la Universidad de los Andes, en Bogotá, con los destacados maestros argentinos Paulina Fain, Exequiel Mantega, Pablo Jaurena, Ignacio Varchausky, Sebastián Henríquez, Guillermo Rubino. Juan Villarreal y con el bandoneonista colombiano Giovanni Parra.

 

Este proyecto ha sido premiado por Ibermúsicas en su línea de “Ayuda a la programación musical”, convocatoria 2024.

 

• Más información en https://musica.uniandes.edu.co/tango/ y en tangoparamusicos@uniandes.edu.co

El proyecto consiste en una residencia artística de tres semanas con el Quasars Ensemble. Durante este periodo, Igor Maia compondrá una nueva obra titulada “Tempo, Terra, Trama” para un conjunto de ocho músicos. La nueva obra se centrará en el concepto del tiempo, explorando enfoques amerindios, reflexionando sobre la relatividad y el paso del tiempo. La obra se estrenará en un concierto en el Pequeño Estudio de Conciertos de la Radio Eslovaca. Además, el compositor dará una conferencia y un taller en la Academia de Artes Escénicas de Bratislava.

 

Igor Maia: compositor y director de orquesta nacido en Campinas (1988), es profesor adjunto de composición en la UFMG desde 2019. Es doctor en composición por el King’s College de Londres (Inglaterra). Premiado en varios concursos, sus obras han sido interpretadas en festivales y conciertos en Europa, América y Japón.

 

Quasars Ensemble: fundado en 2008, este grupo eslovaco es reconocido por su programación innovadora, que combina música clásica contemporánea con obras poco comunes de épocas pasadas. Conocido por valorizar a los compositores eslovacos y colaborar con compositores de renombre, el conjunto ha actuado en diversos festivales como el Otoño de Varsovia y el Ostrava Days, así como en lugares emblemáticos como Flagey en Bruselas y Gasteig en Múnich.

 

• 17 de febrero al 9 de marzo: Residencia Quasars Ensemble, Bratislava, Eslovaquia
• 5 de marzo: concierto con Quasars Ensemble en la Sala de Conciertos de la Radio Eslovaca, Bratislava, Eslovaquia

El proyecto de La Negra MeXa consiste en realizar una estancia de residencia con tres maestros acordeoneros tradicionales del caribe colombiano para la especialización y perfeccionamiento del acordeón diatónico. Esta residencia se enfocará en abordar los ritmos y géneros pertenecientes a las músicas de acordeón tradicionales de esta región como son la Cumbia, el Porro y el Vallenato. Dichos talleres se llevarán a cabo en Valledupar, Cesar y en San Jacinto, Bolívar en Colombia. Esta especialización consta de talleres personalizados, donde se abordarán las técnicas de ejecución, interpretación, arreglos y composición.

 

Los talleres – residencias se realizarán con los maestros Carmelo Torres y Yeison Landero en San Jacinto y con el maestro Andrés “el Turco” Gil en Valledupar desde el mes de mayo al mes de agosto del 2025.

 

Finalmente se realizará la grabación con el productor Juan Manuel Pacheco de un EP resultante de este proceso que será presentado en concierto tanto en Colombia como en México.

 

Acordeonista y rapera, La Negra MeXa realizó su formación musical en la Escuela de Música Tradicional Mexicana y la Escuela de Música Vallenata de Colombia. Ha formado parte de grupos como “Revuelta de las Semillas”, “Mecapal” y actualmente forma parte del colectivo “Corroncha Son” con quien se ha presentado en diversos escenarios nacionales e internacionales en México, España, Francia, Italia, Suiza, Londres y Brasil. Realiza diversas colaboraciones con músicos y agrupaciones en México y Colombia. Fue becaria de los Programas Fomento a Proyectos Culturales y de Coinversión 2017, del FONCA, México, Residencia Artísticas 2019 del FONCA-Ministerios de Cultura, México-Colombia y Programa de Reciprocidad para Extranjeros 2019-2021.

Este nuevo proyecto de La Negra MeXa ha sido premiado por Ibermúsicas en la línea de “Ayuda a la especialización y el perfeccionamiento artístico y técnico”, convocatoria 2024.

Celebrando la lengua portuguesa, la cultura urbana y la contra-colonización, Terra do Rap tendrá lugar en diferentes partes de Río de Janeiro.

 

En 2025, Terra do Rap celebra 12 años de resistencia como único festival de cultura urbana en lengua portuguesa, y mapeará los suburbios de Río de Janeiro, junto con el proyecto “Meu Bairro, Minha Língua” (Mi barrio, mi lengua) con actividades e intervenciones gratuitas en el Norte, Oeste y Centro de Río de Janeiro, ofreciendo una programación alternativa durante la estación más calurosa del año.

 

Una iniciativa de la incubadora de culturas de la calle Reprodutora (Ritmo E Poesia Produtora), creación del rapero y productor Vinícius Terra, Terra do Rap 2025 tiene lugar junto con la Caravana “Meu Bairro, Minha Língua” y la grabación de la segunda temporada de la serie del mismo nombre para la plataforma Globoplay, que reúne diferentes proyectos para reconectar los países de habla portuguesa a través de la estética de la cultura urbana, celebrando el “verano de la contra-colonización”.

 

“Verano en Errejota” será un verano urbano de valorización de las expresiones artísticas de una región poderosa y decisiva en la cultura de la ciudad. Reunirá múltiples acciones en diferentes fechas, entre ellas tutorías e inmersiones para nuevos artistas, batallas de MC, conciertos, arte urbano y la Caravana “Mi Barrio “Mi barrio, mi lengua”.

 

El proyecto presentado por el Festival Terra do Rap fue seleccionado en la línea “Apoyo a la programación musical” del Programa Ibermúsicas para la invitación de los artistas portugueses Tristany Mundu, António Brito Guterres y Mynda Guevara.

 

• 15 y 16 de febrero: Festival Terra do Rap en la Arena Carioca Jovelina Pérola Negra, Pavuna, Río de Janeiro, Brasil

La residencia de Caio Facó en Paredes, Portugal, incluirá conciertos y grabaciones de una nueva obra para clarinete bajo solo y otra para clarinete bajo y cuarteto de cuerdas. Además, el compositor impartirá una clase magistral de composición para jóvenes compositores en el Conservatorio de Paredes.

 

Durante esta residencia, Caio Facó asesorará artísticamente a Frederic Cardoso en la grabación de un disco para clarinete bajo solo con obras de compositores brasileños (Germán Gras, Lauro Pecktor, Fernando Emboaba, Bruno Angelo, Harry Crowl y Levy Oliveira).

 

Caio Facó (Brasil, 1992) es un compositor de renombre internacional, ganador de numerosos premios y encargos, cuyo catálogo de obras abarca desde música solista hasta música orquestal a gran escala. Su obra se ha relacionado con movimientos anticolonialistas y temas del Sur Global.

 

Su música ha sido interpretada por la Orquestra Sinfônica de São Paulo (Brasil), International Contemporary Ensemble (EE.UU.), Voxes Contemporánea (Argentina), Orquestra Filarmônica de Minas Gerais (Brasil), Mivos Quartet (EE.UU.), Ensemble CEPROMUSIC (México); y los artistas Emmanuel Pahud (Suiza), Jiajia Li (China), Emmanuele Baldini (Italia), Erzhan Kulibaev (España). También ha trabajado con la Orquesta de Cámara de Valdivia (Chile) y el MPMP Ensemble (Portugal) como compositor residente y fue becario de Ibermúsica.

 

Facó fue el primer compositor invitado del Cuarteto de Cuerdas de la OSESP y ha ganado premios en concursos internacionales como el Concurso de la Orquesta Metropolitana de Lisboa (Portugal), el Festival Bienal de Música Brasileña Contemporánea, el Concurso Internacional de Compositores (Bosnia y Herzegovina) y, durante tres años consecutivos, fue galardonado en el Festival Tinta Fresca (el concurso de composición más importante de Brasil).

 

Facó obtuvo sus diplomas de posgrado en la Universidad Federal de Rio Grande do Sul: Doctorado – 2022; Máster – 2018. Actualmente vive en Bahrein, donde trabaja como profesor de música en el Politécnico de Bahrein.

 

La residencia de Caio Facó es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas.

La pianista y compositora Heloísa Fernandes regresa a Estados Unidos en su primera visita desde la grabación de su aclamado álbum para piano solo, Faces, realizada en 2015 en Chicago. Presenta su nuevo cuarteto con un programa recién compuesto – Sonho das águas – y concluirá su visita con actuaciones en solitario y un regreso a PianoForte Studio en Chicago para grabar un nuevo álbum en solista.

 

«La historia», dice de Sonho das águas, «se contará en fotogramas o capítulos, que reflejan momentos de observación y reflexión sobre la belleza, la inmensidad y la vida que existe en el Amazonas.»

 

«El año 2024 comenzó con un fuerte deseo de crear nuevo material para una nueva familia musical – el cuarteto – para que juntos pudiéramos contar la historia que ocurrió dentro de mí después de vivir un momento importante en mi vida. Tuve una experiencia muy conmovedora a finales de 2023, cuando viajé al Amazonas por primera vez para un concierto y me encontré cara a cara con la inmensidad de la selva y sus numerosos ríos. Fue transformador ver tanta belleza».

 

Así comenzó su búsqueda para contar una historia musical inspirada en la Amazonia, la mayor selva tropical del mundo, que sustenta una biodiversidad sin igual, habitada por innumerables pueblos indígenas, atravesada por varios ríos, entre ellos el río Amazonas, el mayor y más caudaloso del mundo.

 

«Unos meses después de empezar a trabajar en las composiciones, una noche tuve un sueño en el que me lanzaba a las aguas de un río caudaloso y lo sentía todo perfectamente, como si estuviera realmente en él: la temperatura, el movimiento del agua, el río llevándome, el entorno con la selva… en definitiva, todo el ambiente y sus sensaciones. Me desperté feliz y absolutamente convencida de que iba por buen camino».

 

«La naturaleza siempre ha estado presente en mis composiciones, en cierto modo», señala, »porque soy brasileña y vivo en un país que abastece al mundo con sus bosques y ríos. La historia que contamos hoy con este cuarteto es una reflexión y también un grito al mundo sobre la importancia de la Amazonia para el planeta, como fuente de vida y la necesidad de su preservación».

 

«Espero que consigamos nuestro objetivo de honrar a la Amazonía a través de la música, despertando los sentidos de la gente para que sienta y piense en la importancia de la vida».

 

El cuarteto está formado por Heloísa Fernandes (piano), Toninho Carrasqueira (flauta), Sidiel Vieira (bajo) y Ari Colares (percusión). Actuarán en Maryland, las Islas Vírgenes, Pensilvania y California. Heloísa tocará en solitario en Ann Arbor y Chicago antes de entrar en el estudio de Chicago para grabar su próximo álbum.

 

Esta gira de Heloísa Fernández cuenta con el apoyo del Programa Ibermúsicas y Mid Atlantic Arts.

 

 

• 30 de enero, 19:30: Concierto en cuarteto. The Mansion at Strathmore, North Bethesda, Maryland
• 1 de febrero, 19:00: Concierto en cuarteto. Performing Arts Forum, Prior-Jollek Hall – Antilles School Campus. Thomas, Islas Vírgenes Estadounidenses
• 4 de febrero, 19.00: Concierto en cuarteto. Sociedad de las Américas, Nueva York
• 6 de febrero, 19.30: Concierto en cuarteto. Williams Centre for the Performing Arts, Lafayette College, Easton, Pensilvania
• 7 de febrero, 19:30: Concierto en cuarteto. Auditorio Decker, Daniel Z. Gibson Centre for the Arts, Washington College, Chestertown, Maryland
• 11 de febrero, 19:30: Concierto en cuarteto. Sala de conciertos del Centro Weis, Universidad de Bucknell, Lewisburg, Pensilvania
• 13, 14 y 15 de febrero, 19:30: Concierto en cuarteto. Vanderhoef Studio Theatre, Mondavi Center for the Performing Arts, Universidad de California en Davis, California
• 21 de febrero, 19:30. Concierto de piano solo. Sala de conciertos Kerrytown. Ann Arbor, Michigan
• 23 de febrero, 19:00 Concierto de piano solo presentado por el Centro Cultural Latino de Chicago en el Epiphany Center for the Arts. Chicago, Illinois