Lucho Guedes
“Alguna vez me atrajo la tentación de trasladar al castellano la música del inglés o del alemán; si hubiera ejecutado esa aventura, acaso imposible, yo sería un gran poeta, como aquel Garcilaso que nos dio la música de Italia, o como aquel anónimo sevillano que nos dio la de Roma, o como Darío, que nos dio la de Francia.” Jorge Luis Borges (El otro, el mismo) Mis composiciones son el resultado de una investigación que vengo desarrollando en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA sobre las diversas formas que la canción fue tomando a lo largo de la historia de la cultura occidental, sus incidencias sobre la literatura escrita, la retroalimentación entre ambos mundos y los géneros fronterizos en los que la división es difusa o solo parcial. El concepto de “cancionística” me permite abarcar el amplio espectro de disciplinas artísticas que incluyen el tratamiento morfológico musical de la lengua. Si bien la modernidad implica la independización de la poesía escrita con respecto a las tradiciones cancioneriles, la épica de los Aedas en la antigüedad clásica, el mester de juglaría y el romancero medieval, el siglo de oro español, el cancionero criollo decimonónico, la literatura gauchesca y los géneros populares rioplatenses del siglo XX mantienen rasgos comunes no a pesar del pasaje de la voz a la letra y de la letra a la voz sino justamente por eso. Los primeros y más evidentes son los procedimientos de versificación. Directamente orales en algunos casos y sugeridos a través de la grafía en otros, todas las variantes incluidas en la enumeración anterior implican una morfología basada en caracteres prosódicos: ritmo, métrica, rima, estructura estrófica, esquema seccional, desarrollo motívico y fraseológico, etc. Estas técnicas ya existen varios siglos antes que la propia escritura y el mundo alfabetizado las hereda del canto de las culturas ágrafas; así sucede tanto con el griego antiguo como con el castellano medieval. Pero la espiral nunca se cierra, la lírica escrita que a partir del renacimiento enriquece las formas heredadas con recursos propios del mundo escritural, reaparece siglos después en América dándole forma a los géneros musicales rioplatenses: la seguidilla define la huella y el gato y aporta la raíz del triunfo, la cuarteta octosilábica genera el cielito, la zamba y la chacarera, la décima espinela rige la payada por cifra, milonga o estilo, la octavilla provee el esquema frástico de la primera década del tango, etc. Mis canciones se inscriben en esa tradición, la forma de la composición musical está regida por la morfología del texto, operación que caracteriza la canción como género desde los primeros registros ocho siglos antes de cristo y se interrumpe recién con la industria globalizada de la segunda mitad del siglo XX a partir de la desvinculación del género con la estructura musical de su lengua madre. Otro rasgo cancioneril tradicional que mi trabajo recupera es el carácter eminentemente narrativo. Salvo ejemplos puntuales como el petrarquismo o el lied romántico, que fundaron sus estéticas en el fetiche de la cultura escrita y el descrédito de la oralidad popular, la historia de la canción está signada por el relato oral: la épica antigua y la medieval, el romancero castellano y el criollo lo prueban. La teatralidad, volcada a la comedia o el drama, son también caracteres genéricos derivados del mismo ímpetu ficcional: la tragedia y el teatro barroco, la literatura gauchesca, el sainete, el grotesco criollo, el tango y los folclores de principios del siglo XX, buscan recrear en sus composiciones los idiolectos particulares de sus personajes a través de diálogos y monólogos en los que la mímesis realista del registro oral es central. Mis canciones adoptan esa modalidad, evitan la voz autoral y hacen hablar o pensar a los otros. Asimilan también una lógica de inferiorización de la lengua propia de las tradiciones populares cercanas a la sátira y el grotesco: la omisión de las jerarquías estilísticas y la opción por una lengua corriente. El conflicto entre alta y baja cultura es una clave ideológica de la historia argentina desde la fundación de las identidades nacionales. La diferencia de usos de la palabra entre los modelos literarios escriturales y las poéticas del habla tienen como correlato una antítesis temática no menor, la minorización no es solo formal: los géneros que optaron por representar la lengua de los otros son también los que lograron rescatar sus historias y sus perspectivas particulares, así el romancero, la gauchesca y el primer tango. Del lado opuesto, la estandarización del estilo elevado es un rasgo inseparable de la lírica autorreferencial heredada de un romanticismo adaptado forzosamente a Sudamérica. Podría seguir enumerando una serie de operaciones literarias vinculadas a la tropología y a la sintaxis específica de las formas cancioneriles y a los problemas del pasaje de la morfología lingüística al discurso melódico, entre otros. Pero el objetivo de este texto no es escribir un ensayo sino transmitir los ejes fundamentales de mi proyecto artístico de la manera más clara y resumida posible. En la Argentina la cancionística es una vacancia, un vacío naturalizado en el mundo académico. En la actualidad, tanto las escuelas de música popular como los conservatorios clásicos, las carreras tradicionales de letras y las más modernas dedicadas a la escritura creativa carecen de programas dedicados a la materia. ¿Cuál es la causa de esta omisión? No es una sola, se trata de un problema complejo y cualquier respuesta unívoca sería falsa. Sin embargo, todos los posibles acercamientos al asunto se vinculan de algún modo con un proceso característico de la modernidad en general y de la conformación de los estados americanos en particular: la legitimación e institucionalización del conocimiento escrito y el desinterés por las tradiciones orales y sus saberes y técnicas específicas. El conflicto entre letra y voz se encuentra en el origen de la división entre alta y baja cultura, una dicotomía que desde el siglo XIX rige la historia de las ideas en el Río de la Plata y que nuestro sistema educativo sigue reproduciendo aún hoy. Mi proyecto se instala en ese lugar ambiguo entre los dos mundos, lo recorre y lo expone desde todas las perspectivas posibles: guiado por la inquietud borgiana de recuperar la música particular de la lengua y el carácter originariamente narrativo de la poesía que la vincula al canto de las sociedades premodernas, su técnicas orales y sus principios ficcionales, no deja de intentar representar problemáticas actuales y cercanas a través de los recursos de la literatura realista contemporánea: la alinealidad temporal, los desfasajes entre argumento y trama, la inestabilidad del lugar de enunciación, el flujo de conciencia, etc. La canción puede ser un género literario tan primitivo como moderno: detrás de cualquier superposición armónica o subdivisión rítmica hay siempre una línea melódica, y en el origen de ese hilo sonoro hay una voz humana contando una historia en su lengua familiar, ya no alrededor de un fuego sino al volante de un taxi, en un supermercado, en la sala de un departamento de dos ambientes, en un taller o en una cama compartida, trabajando, cocinando, dialogando despreocupadamente, conversando con amigos, con los propios fantasmas o con la pantalla de una computadora.
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Nuevo Folclor
Nueva Trova
Descripción
“Alguna vez me atrajo la tentación de trasladar al castellano la música del inglés o del alemán; si hubiera ejecutado esa aventura, acaso imposible, yo sería un gran poeta, como aquel Garcilaso que nos dio la música de Italia, o como aquel anónimo sevillano que nos dio la de Roma, o como Darío, que nos dio la de Francia.” Jorge Luis Borges (El otro, el mismo) Mis composiciones son el resultado de una investigación que vengo desarrollando en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA sobre las diversas formas que la canción fue tomando a lo largo de la historia de la cultura occidental, sus incidencias sobre la literatura escrita, la retroalimentación entre ambos mundos y los géneros fronterizos en los que la división es difusa o solo parcial. El concepto de “cancionística” me permite abarcar el amplio espectro de disciplinas artísticas que incluyen el tratamiento morfológico musical de la lengua. Si bien la modernidad implica la independización de la poesía escrita con respecto a las tradiciones cancioneriles, la épica de los Aedas en la antigüedad clásica, el mester de juglaría y el romancero medieval, el siglo de oro español, el cancionero criollo decimonónico, la literatura gauchesca y los géneros populares rioplatenses del siglo XX mantienen rasgos comunes no a pesar del pasaje de la voz a la letra y de la letra a la voz sino justamente por eso. Los primeros y más evidentes son los procedimientos de versificación. Directamente orales en algunos casos y sugeridos a través de la grafía en otros, todas las variantes incluidas en la enumeración anterior implican una morfología basada en caracteres prosódicos: ritmo, métrica, rima, estructura estrófica, esquema seccional, desarrollo motívico y fraseológico, etc. Estas técnicas ya existen varios siglos antes que la propia escritura y el mundo alfabetizado las hereda del canto de las culturas ágrafas; así sucede tanto con el griego antiguo como con el castellano medieval. Pero la espiral nunca se cierra, la lírica escrita que a partir del renacimiento enriquece las formas heredadas con recursos propios del mundo escritural, reaparece siglos después en América dándole forma a los géneros musicales rioplatenses: la seguidilla define la huella y el gato y aporta la raíz del triunfo, la cuarteta octosilábica genera el cielito, la zamba y la chacarera, la décima espinela rige la payada por cifra, milonga o estilo, la octavilla provee el esquema frástico de la primera década del tango, etc. Mis canciones se inscriben en esa tradición, la forma de la composición musical está regida por la morfología del texto, operación que caracteriza la canción como género desde los primeros registros ocho siglos antes de cristo y se interrumpe recién con la industria globalizada de la segunda mitad del siglo XX a partir de la desvinculación del género con la estructura musical de su lengua madre. Otro rasgo cancioneril tradicional que mi trabajo recupera es el carácter eminentemente narrativo. Salvo ejemplos puntuales como el petrarquismo o el lied romántico, que fundaron sus estéticas en el fetiche de la cultura escrita y el descrédito de la oralidad popular, la historia de la canción está signada por el relato oral: la épica antigua y la medieval, el romancero castellano y el criollo lo prueban. La teatralidad, volcada a la comedia o el drama, son también caracteres genéricos derivados del mismo ímpetu ficcional: la tragedia y el teatro barroco, la literatura gauchesca, el sainete, el grotesco criollo, el tango y los folclores de principios del siglo XX, buscan recrear en sus composiciones los idiolectos particulares de sus personajes a través de diálogos y monólogos en los que la mímesis realista del registro oral es central. Mis canciones adoptan esa modalidad, evitan la voz autoral y hacen hablar o pensar a los otros. Asimilan también una lógica de inferiorización de la lengua propia de las tradiciones populares cercanas a la sátira y el grotesco: la omisión de las jerarquías estilísticas y la opción por una lengua corriente. El conflicto entre alta y baja cultura es una clave ideológica de la historia argentina desde la fundación de las identidades nacionales. La diferencia de usos de la palabra entre los modelos literarios escriturales y las poéticas del habla tienen como correlato una antítesis temática no menor, la minorización no es solo formal: los géneros que optaron por representar la lengua de los otros son también los que lograron rescatar sus historias y sus perspectivas particulares, así el romancero, la gauchesca y el primer tango. Del lado opuesto, la estandarización del estilo elevado es un rasgo inseparable de la lírica autorreferencial heredada de un romanticismo adaptado forzosamente a Sudamérica. Podría seguir enumerando una serie de operaciones literarias vinculadas a la tropología y a la sintaxis específica de las formas cancioneriles y a los problemas del pasaje de la morfología lingüística al discurso melódico, entre otros. Pero el objetivo de este texto no es escribir un ensayo sino transmitir los ejes fundamentales de mi proyecto artístico de la manera más clara y resumida posible. En la Argentina la cancionística es una vacancia, un vacío naturalizado en el mundo académico. En la actualidad, tanto las escuelas de música popular como los conservatorios clásicos, las carreras tradicionales de letras y las más modernas dedicadas a la escritura creativa carecen de programas dedicados a la materia. ¿Cuál es la causa de esta omisión? No es una sola, se trata de un problema complejo y cualquier respuesta unívoca sería falsa. Sin embargo, todos los posibles acercamientos al asunto se vinculan de algún modo con un proceso característico de la modernidad en general y de la conformación de los estados americanos en particular: la legitimación e institucionalización del conocimiento escrito y el desinterés por las tradiciones orales y sus saberes y técnicas específicas. El conflicto entre letra y voz se encuentra en el origen de la división entre alta y baja cultura, una dicotomía que desde el siglo XIX rige la historia de las ideas en el Río de la Plata y que nuestro sistema educativo sigue reproduciendo aún hoy. Mi proyecto se instala en ese lugar ambiguo entre los dos mundos, lo recorre y lo expone desde todas las perspectivas posibles: guiado por la inquietud borgiana de recuperar la música particular de la lengua y el carácter originariamente narrativo de la poesía que la vincula al canto de las sociedades premodernas, su técnicas orales y sus principios ficcionales, no deja de intentar representar problemáticas actuales y cercanas a través de los recursos de la literatura realista contemporánea: la alinealidad temporal, los desfasajes entre argumento y trama, la inestabilidad del lugar de enunciación, el flujo de conciencia, etc. La canción puede ser un género literario tan primitivo como moderno: detrás de cualquier superposición armónica o subdivisión rítmica hay siempre una línea melódica, y en el origen de ese hilo sonoro hay una voz humana contando una historia en su lengua familiar, ya no alrededor de un fuego sino al volante de un taxi, en un supermercado, en la sala de un departamento de dos ambientes, en un taller o en una cama compartida, trabajando, cocinando, dialogando despreocupadamente, conversando con amigos, con los propios fantasmas o con la pantalla de una computadora.
Música
Blanco teta
Grupo de no-wave post punk bonerense, conformado por Violeta García (Cello), Carola Zelaschi (Batería), Josefina Barreix (Voz) y Carlos Quebrada (Bajo). Banda que explora la voz femenina en un ámbito potente, ruidista y experimental. con dos trabajos discográficos lanzados y una alta demanda en la escena underground de Buenos Aires y el Conurbano
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No Wave
Noise Rock
New Prog / Nu Prog / Post Prog (Rock)
Descripción
Grupo de no-wave post punk bonerense, conformado por Violeta García (Cello), Carola Zelaschi (Batería), Josefina Barreix (Voz) y Carlos Quebrada (Bajo). Banda que explora la voz femenina en un ámbito potente, ruidista y experimental. con dos trabajos discográficos lanzados y una alta demanda en la escena underground de Buenos Aires y el Conurbano
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Música
ensamble f(r)actura
El ensamble f(r)actura, creado durante el año 2015, pertenece al Estudio Modular de Música Actual (EMMA) de Valparaíso y es una agrupación eminentemente variable, pudiendo interpretar obras para diversas formaciones instrumentales y mediales. Se caracteriza por una gran apertura estética y disposición a proyectos experimentales y multidisciplinarios como pueden ser la incorporación de elementos teatrales, imagen, uso de electrónica, instalación entre otros. Su repertorio está principalmente constituido por obras de compositores/ras chilenos/as y latinoamericanos/as. Tuvo su concierto inaugural en diciembre de 2015, en el Parque Cultural de Valparaíso (PCdV), ocasión en la que interpretó música de los compositores chilenos Sergio Ortega, Marcelo Peña y Lillo, Andrés González y Emanuel Ruiz. El 2016 graban su primera producción en CD junto al Consort Guitarrístico de Chile. El mismo año se adjudican un nuevo proyecto FONMUS para montar y grabar obras de compositores chilenos, entre ellos tres encargos a los compositores Remmy Canedo (Stuttgart, Alemania), Francisco Silva (Los Andes, Chile) y Felipe Pinto d’Aguiar (Valdivia, Chile). Durante el 2018, en ocasión de los 15 años del Festival Internacional Darwin Vargas, tienen la misión de interpretar las 3 obras finalistas del V Concurso de Composición dedicadas al ensamble. Ese mismo año son beneficiados por el Fondo de Coproducción del Goethe Institut, para llevar a cabo el proyecto Freund Stein / El amigo Piedra, con obras de los compositores Nikola Lutz (Alemania), Remmy Canedo (Chile-Alemania), Ana María Rodriguez (Argentina-Alemania) y Andrés González (Chile), las que son estrenadas tanto en Chile como en Alemania. Durante el año 2019 lanzan su primera producción discográfica independiente titulada f(r) con obras de compositores chilenos trabajadas durante los primeros años de trayectoria.
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Contemporánea
Descripción
El ensamble f(r)actura, creado durante el año 2015, pertenece al Estudio Modular de Música Actual (EMMA) de Valparaíso y es una agrupación eminentemente variable, pudiendo interpretar obras para diversas formaciones instrumentales y mediales. Se caracteriza por una gran apertura estética y disposición a proyectos experimentales y multidisciplinarios como pueden ser la incorporación de elementos teatrales, imagen, uso de electrónica, instalación entre otros. Su repertorio está principalmente constituido por obras de compositores/ras chilenos/as y latinoamericanos/as. Tuvo su concierto inaugural en diciembre de 2015, en el Parque Cultural de Valparaíso (PCdV), ocasión en la que interpretó música de los compositores chilenos Sergio Ortega, Marcelo Peña y Lillo, Andrés González y Emanuel Ruiz. El 2016 graban su primera producción en CD junto al Consort Guitarrístico de Chile. El mismo año se adjudican un nuevo proyecto FONMUS para montar y grabar obras de compositores chilenos, entre ellos tres encargos a los compositores Remmy Canedo (Stuttgart, Alemania), Francisco Silva (Los Andes, Chile) y Felipe Pinto d’Aguiar (Valdivia, Chile). Durante el 2018, en ocasión de los 15 años del Festival Internacional Darwin Vargas, tienen la misión de interpretar las 3 obras finalistas del V Concurso de Composición dedicadas al ensamble. Ese mismo año son beneficiados por el Fondo de Coproducción del Goethe Institut, para llevar a cabo el proyecto Freund Stein / El amigo Piedra, con obras de los compositores Nikola Lutz (Alemania), Remmy Canedo (Chile-Alemania), Ana María Rodriguez (Argentina-Alemania) y Andrés González (Chile), las que son estrenadas tanto en Chile como en Alemania. Durante el año 2019 lanzan su primera producción discográfica independiente titulada f(r) con obras de compositores chilenos trabajadas durante los primeros años de trayectoria.
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Primero soy mexicano…Si, señor!
Presentación artística que busca mantener viva la Identidad de los mexicanos, por medio de las raíces musicales, expresiones fundamentales de nuestra esencia cultural. Interpretando canciones Rancheras muy representativas de diversos estados, costumbristas y del dominio público, Rocío Arrieta recorre con su voz, las regiones más reconocidas de nuestro inmenso país, acompañada por pistas musicales de mariachi y banda, para mostrar parte de la diversidad musical que enriquece nuestra vasta cultura y conforma precisamente, NUESTRA IDENTIDAD. Rocío Arrieta busca con éste trabajo, hacer vibrar las fibras más profundas en cada mexicano y despertar el orgullo adormecido por las circunstancias adversas que vivimos, y con el público extranjero, compartir la belleza y riqueza de todo lo que somos como nación, con toda su pasión por nuestra tierra y el deseo de que sea tan grande como puede ser, gracias al corazón colectivo de todos sus habitantes, enlazados por lo que tenemos en común: PRIMERO, SOY MEXICANO… SÍ SEÑOR¡¡¡
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Ranchera
Descripción
Presentación artística que busca mantener viva la Identidad de los mexicanos, por medio de las raíces musicales, expresiones fundamentales de nuestra esencia cultural. Interpretando canciones Rancheras muy representativas de diversos estados, costumbristas y del dominio público, Rocío Arrieta recorre con su voz, las regiones más reconocidas de nuestro inmenso país, acompañada por pistas musicales de mariachi y banda, para mostrar parte de la diversidad musical que enriquece nuestra vasta cultura y conforma precisamente, NUESTRA IDENTIDAD. Rocío Arrieta busca con éste trabajo, hacer vibrar las fibras más profundas en cada mexicano y despertar el orgullo adormecido por las circunstancias adversas que vivimos, y con el público extranjero, compartir la belleza y riqueza de todo lo que somos como nación, con toda su pasión por nuestra tierra y el deseo de que sea tan grande como puede ser, gracias al corazón colectivo de todos sus habitantes, enlazados por lo que tenemos en común: PRIMERO, SOY MEXICANO… SÍ SEÑOR¡¡¡
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Música
Ana Paula Segurola, clavecinista
Organista, clavecinista y fortepianista. Concertista y docente. Licenciada en Organo en la Facultad de Artes de la Universidad de la República, Uruguay. Licenciada en Clave en la Universidad Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina. Ha asistido a master-classes con destacados especialistas en música renacentista y barroca. Ex-becaria de la Fundación Mercedes Olivera y del Centro Cultural de Música (Uruguay), y de la Académie musicale de Villecroze (Francia), se ha perfeccionado en Francia con Ilton Wjuniski e Huguette Dreyfus. Además de su actividad como solista, ha participado en la producción de óperas barrocas, ha tocado junto a la Orquesta General San Martín dirigida por el Maestro Mario Benzecry, e integra grupos de cámara en Uruguay y Argentina. En 2010 y 2012 ha realizado giras por Suiza, Alemania, Inglaterra y Finlandia, con el auspicio de la Cancilleria Argentina. Se ha presentado en conciertos y en festivales internacionales en América y Europa. Ha presentado numerosas obras del patrimonio musical latinoamericano en primera audición. Del trabajo conjunto con Gabriel Schebor (laúdes y guitarras) nació el CD “Pour ung plaisir”, además de la colaboración en los CDs “Dar Luz”, “Spanische Volkslieder” (de la serie “Raras partituras” producida por la Biblioteca Nacional Argentina), y varios registros fonográficos del Centro Cultural de España en Montevideo y del Festival de la Cultura de Potosí, entre otros. El presente proyecto, para el cual se solicita la ayuda a la movilidad de Ibermúsicas, consiste en la participación en el “Festival Internacional de Música Colonial Brasileira e Música Antiga” de Fuiz de Fora (Minas Gerais, Brasil) en 2020. La propuesta consiste en la realización de conciertos como solista y como camarista, con repertorio original del Renacimiento y del Barroco.
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Renacentista
Barroca
Descripción
Organista, clavecinista y fortepianista. Concertista y docente. Licenciada en Organo en la Facultad de Artes de la Universidad de la República, Uruguay. Licenciada en Clave en la Universidad Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina. Ha asistido a master-classes con destacados especialistas en música renacentista y barroca. Ex-becaria de la Fundación Mercedes Olivera y del Centro Cultural de Música (Uruguay), y de la Académie musicale de Villecroze (Francia), se ha perfeccionado en Francia con Ilton Wjuniski e Huguette Dreyfus. Además de su actividad como solista, ha participado en la producción de óperas barrocas, ha tocado junto a la Orquesta General San Martín dirigida por el Maestro Mario Benzecry, e integra grupos de cámara en Uruguay y Argentina. En 2010 y 2012 ha realizado giras por Suiza, Alemania, Inglaterra y Finlandia, con el auspicio de la Cancilleria Argentina. Se ha presentado en conciertos y en festivales internacionales en América y Europa. Ha presentado numerosas obras del patrimonio musical latinoamericano en primera audición. Del trabajo conjunto con Gabriel Schebor (laúdes y guitarras) nació el CD “Pour ung plaisir”, además de la colaboración en los CDs “Dar Luz”, “Spanische Volkslieder” (de la serie “Raras partituras” producida por la Biblioteca Nacional Argentina), y varios registros fonográficos del Centro Cultural de España en Montevideo y del Festival de la Cultura de Potosí, entre otros. El presente proyecto, para el cual se solicita la ayuda a la movilidad de Ibermúsicas, consiste en la participación en el “Festival Internacional de Música Colonial Brasileira e Música Antiga” de Fuiz de Fora (Minas Gerais, Brasil) en 2020. La propuesta consiste en la realización de conciertos como solista y como camarista, con repertorio original del Renacimiento y del Barroco.
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Música
Fabián Huerta García
Fabián Huerta es un compositor, músico y educador musical mexicano, cuenta con una licenciatura en contrabajo. sus composiciones son variadas y van desde el pop, bossa nova, música regional mexicana, hasta el jazz y la música clásica contemporánea.
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Contemporánea
Fusion / Jazz Rock
Descripción
Fabián Huerta es un compositor, músico y educador musical mexicano, cuenta con una licenciatura en contrabajo. sus composiciones son variadas y van desde el pop, bossa nova, música regional mexicana, hasta el jazz y la música clásica contemporánea.
Monstruos del Mañana
Somos una banda de rock tropical psicodélico. En 2018 estrenamos nuestro primer disco de larga duración, Tenquén. Nos hemos presentado con este material en ocho estados de la república mexicana, y en Estados Unidos. Nuestra música busca fusionar distintos estilos de música popular latinoamericana, con la finalidad de hacer al público bailar mientras los llevamos por un viaje introspectivo a través de elementos propios de la música psicodélica, y con letras que tratan temas de soledad, o la ansiedad con la cual vivimos en la era actual, digital, y globalizada.
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Psychedelic / Acid Rock & Psychedelia
Folclor Fusión
Descripción
Somos una banda de rock tropical psicodélico. En 2018 estrenamos nuestro primer disco de larga duración, Tenquén. Nos hemos presentado con este material en ocho estados de la república mexicana, y en Estados Unidos. Nuestra música busca fusionar distintos estilos de música popular latinoamericana, con la finalidad de hacer al público bailar mientras los llevamos por un viaje introspectivo a través de elementos propios de la música psicodélica, y con letras que tratan temas de soledad, o la ansiedad con la cual vivimos en la era actual, digital, y globalizada.
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Música
PULQUERÍA TAMARINDO
Pulquería tamarindo ES UN PROYECTO DE CANCIONES COMPUESTAS, leTRA Y MÚSICA, POR Pina González. Boleros, rancheras, joropo, vals y cumbia son algunos de los ritmos abordados, delineando de esta manera, un mapa de nuestra identidad latinoamericana.
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Descripción
Pulquería tamarindo ES UN PROYECTO DE CANCIONES COMPUESTAS, leTRA Y MÚSICA, POR Pina González. Boleros, rancheras, joropo, vals y cumbia son algunos de los ritmos abordados, delineando de esta manera, un mapa de nuestra identidad latinoamericana.
Karina Galicia
Cantante, compositora y arreglista mexicana originaria de la ciudad de Puebla. Egresada de la Licenciatura en Estudios de Jazz del Centro de Estudios de Jazz de la Universidad Veracruzana. Dentro de su formación académica se encuentran El Conservatorio de Música del Estado de Puebla así como parte del nivel Técnico en Música de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. Ha tomado clases con distintos maestros dentro del ámbito de jazz nacional e internacional tales como Miguel Zenon, Alex Mercado e Iraida Noriega. Así como de compositores como David Aguilar y Mauricio Díaz. La música de Karina Galicia representa una experiencia musical que nombra “Cancionero del Nuevo Milenio”. Un balance de soul jazz,canción mexicana y letras contundentes. Esta exploración por los nuevos límites de la canción nace desde su inserción en la escuela de Jazz en Xalapa Veracruz y ha ido perfeccionándose hasta hoy en día. Karina Galicia habla sobre su contexto y sus alrededores, desafía las formas tradicionales de la canción de autor y deja un marca que perdura por su crudeza, su honestidad y su belleza. Ha participado dentro de distintas agrupaciones musicales como líder, instrumentista, compositora, cantante o colaboradora, en Xalapa Veracruz y Puebla. Dentro de sus producciones discográficas más sobresalientes se encuentra el disco “Para ser Libre” de la agrupación Hilvana en la que formaba parte así cómo su EP Miedo producido por Miguel Inzunza en el 2019. Ganadora de la beca “Fomento a Proyectos Culturales y Coinversiones 2015” del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes así como artista seleccionada dentro de la programación del Sistema de Teatros de la Ciudad de México 2020 para presentar su producción “Cancionero del Nuevo Milenio”. Músico seleccionado que dentro del Taller avanzado de ejecutantes de Jazz organizado por CENART y De Quinta Producciones en conjunto con New York All Stars 2016 y 2018. Actualmente se encuentra dentro del Taller de Composición de la Sociedad de Autores y Compositores de México.
Ver detallesKarina Galicia
Neo Soul / Nu Soul
Urban Soul / Pop (Nu R&B I)
Descripción
Cantante, compositora y arreglista mexicana originaria de la ciudad de Puebla. Egresada de la Licenciatura en Estudios de Jazz del Centro de Estudios de Jazz de la Universidad Veracruzana. Dentro de su formación académica se encuentran El Conservatorio de Música del Estado de Puebla así como parte del nivel Técnico en Música de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. Ha tomado clases con distintos maestros dentro del ámbito de jazz nacional e internacional tales como Miguel Zenon, Alex Mercado e Iraida Noriega. Así como de compositores como David Aguilar y Mauricio Díaz. La música de Karina Galicia representa una experiencia musical que nombra “Cancionero del Nuevo Milenio”. Un balance de soul jazz,canción mexicana y letras contundentes. Esta exploración por los nuevos límites de la canción nace desde su inserción en la escuela de Jazz en Xalapa Veracruz y ha ido perfeccionándose hasta hoy en día. Karina Galicia habla sobre su contexto y sus alrededores, desafía las formas tradicionales de la canción de autor y deja un marca que perdura por su crudeza, su honestidad y su belleza. Ha participado dentro de distintas agrupaciones musicales como líder, instrumentista, compositora, cantante o colaboradora, en Xalapa Veracruz y Puebla. Dentro de sus producciones discográficas más sobresalientes se encuentra el disco “Para ser Libre” de la agrupación Hilvana en la que formaba parte así cómo su EP Miedo producido por Miguel Inzunza en el 2019. Ganadora de la beca “Fomento a Proyectos Culturales y Coinversiones 2015” del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes así como artista seleccionada dentro de la programación del Sistema de Teatros de la Ciudad de México 2020 para presentar su producción “Cancionero del Nuevo Milenio”. Músico seleccionado que dentro del Taller avanzado de ejecutantes de Jazz organizado por CENART y De Quinta Producciones en conjunto con New York All Stars 2016 y 2018. Actualmente se encuentra dentro del Taller de Composición de la Sociedad de Autores y Compositores de México.
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Karina Galicia – Miedo (Video Oficial)
Yo sí te besé – Karina Galicia & Sergio Ponce (Video Oficial)
Lloviendo Adentro (SALUD MENTAL) – Karina Galicia (Video Oficial)
Corazón – Karina Galicia, Abraham GÜ, Benjamín Garibay (Video Lyric Oficial)
Como si no supieras lo que pasa – Karina Galicia ft Immasoul
FUEGA – Karina Galicia x Alaíde x Hieva (Video Oficial)
Música
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