Giovanni Porfirio
Giovanni Porfirio (he/him) is a Brazilian artist whose work explores creating through acoustic instruments and electroacoustic music. He uses timber, layering, microtonality, extended techniques, temporality, and spatiality to shape his pieces, while also exploring themes related to history, philosophy, politics, and the human experience. Additionally, Giovanni developed and applies his own compositional terms, including photo-time signature and atomic harmony, to his work. He had composed for many ensembles worldwide, including the St. Louis Symphony Orchestra (USA), Mizzou Symphony Orchestra (USA), Kaizen Piano Trio (USA), Spaceship Ensemble (Netherlands), Trio Girassol (Brazil), and the Orquestra do Theatro São Pedro (Brazil). Giovanni has attended and had his pieces played in music festivals throughout Brazil, such as the Oficina de Música de Curitiba (2019), the Londrina International Festival (2019), the São Paulo Contemporary Composers Festival (2019), FIMUCA (2020), and the International Biennial for Electroacoustic Music of São Paulo (2022 and 2024). Internationally, his pieces were performed at the Gaudeamus Festival (2022, Netherlands), Écoles d'Art Américaines de Fontainebleau (2024, France), the St. Petersburg International New Music Festival (2025, Russia), and the Darmstadt Summer Course (2025, Germany). His work has been recognized by institutions globally, and he received the Sinquefield Composition Prize (2025, USA), Prix de Ravel—Prix du Jury (2024, France), Percussão Brasileira: solo instrument category (2022, Brazil), and Mizzou Professional Development Travel Awards (2025, USA). As a researcher, Giovanni analyzes music from the 20th Century, including acousmatic, orchestral, and ecomusicological pieces. His paper on “Sinfonia Apocalipse,” by Paiva Netto and Almeida Prado, explores contemporary Brazilian repertoire and 20th-century orchestral techniques. Another paper examines temporality in the string quartet “Grido" by Lachmann. Giovanni is currently working on the analysis of “Screaming Trees”, an acousmatic piece by Alex Buck. Giovanni holds a Bachelor's degree in Music Composition with an emphasis in Electroacoustic Music from the PANaroma Studio at the São Paulo State University (Brazil), where he studied with Alexandre Lunsqui and Flo Menezes, and a Master's degree in Music Composition at the University of Missouri-Columbia (USA), under the guidance of Stefan Freund and Utku Asuroglu. He is currently pursuing an Artist Diploma at the Barenboim-Said Akademie (Berlin, Germany) where he is mentored by Jörg Widmann.
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Descripción
Giovanni Porfirio (he/him) is a Brazilian artist whose work explores creating through acoustic instruments and electroacoustic music. He uses timber, layering, microtonality, extended techniques, temporality, and spatiality to shape his pieces, while also exploring themes related to history, philosophy, politics, and the human experience. Additionally, Giovanni developed and applies his own compositional terms, including photo-time signature and atomic harmony, to his work. He had composed for many ensembles worldwide, including the St. Louis Symphony Orchestra (USA), Mizzou Symphony Orchestra (USA), Kaizen Piano Trio (USA), Spaceship Ensemble (Netherlands), Trio Girassol (Brazil), and the Orquestra do Theatro São Pedro (Brazil). Giovanni has attended and had his pieces played in music festivals throughout Brazil, such as the Oficina de Música de Curitiba (2019), the Londrina International Festival (2019), the São Paulo Contemporary Composers Festival (2019), FIMUCA (2020), and the International Biennial for Electroacoustic Music of São Paulo (2022 and 2024). Internationally, his pieces were performed at the Gaudeamus Festival (2022, Netherlands), Écoles d'Art Américaines de Fontainebleau (2024, France), the St. Petersburg International New Music Festival (2025, Russia), and the Darmstadt Summer Course (2025, Germany). His work has been recognized by institutions globally, and he received the Sinquefield Composition Prize (2025, USA), Prix de Ravel—Prix du Jury (2024, France), Percussão Brasileira: solo instrument category (2022, Brazil), and Mizzou Professional Development Travel Awards (2025, USA). As a researcher, Giovanni analyzes music from the 20th Century, including acousmatic, orchestral, and ecomusicological pieces. His paper on “Sinfonia Apocalipse,” by Paiva Netto and Almeida Prado, explores contemporary Brazilian repertoire and 20th-century orchestral techniques. Another paper examines temporality in the string quartet “Grido" by Lachmann. Giovanni is currently working on the analysis of “Screaming Trees”, an acousmatic piece by Alex Buck. Giovanni holds a Bachelor's degree in Music Composition with an emphasis in Electroacoustic Music from the PANaroma Studio at the São Paulo State University (Brazil), where he studied with Alexandre Lunsqui and Flo Menezes, and a Master's degree in Music Composition at the University of Missouri-Columbia (USA), under the guidance of Stefan Freund and Utku Asuroglu. He is currently pursuing an Artist Diploma at the Barenboim-Said Akademie (Berlin, Germany) where he is mentored by Jörg Widmann.
A Folha Blues Band
.A banda iniciou suas atividades em 1983 e atuou até 1988, foram 5 anos tocando músicas autorais e covers. Basicamente suas apresentações se deram nos festivais Blumenália, em Blumenau. A banda entra em inatividade e retona em 2017, mantendo em sua formação original Cláudio Romero (voz e guitarra), Luiz Alberto Koehler (guitarra) e Charles Schwanke (baixo). Em 2017 a banda se reagrupa e incorpora dois novos integrantes: Victor Dalferth (teclados) e Andrew Junkes (bateria). Essa é a formação atual. No repertório músicas autorais, inclusive com o lançamento, em 2022, de um álbum de blues autoral chamado “Voltando para o Sul” disponível em todos os “streamings”. A banda mantém também um trabalho de covers, fortemente baseado na banda inglesa The Rolling Stones. Inclusive tem show em tributo a banda inglesa. Mas tocam também músicas de B.B. King, Eric Clapton, The Faces, Santana, John Lennon, George Harrison, Tom Petty, entre outros. A banda já se apresentou em 93 shows na região do Vale do Itajaí no Estado de Santa Catarina e tem uma linda história na cena blues e rock’n’roll da região.
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Chicago Blues / City Blues / Urban Blues
British Blues & Blues Rock
British Blues & Blues Rock
Descripción
.A banda iniciou suas atividades em 1983 e atuou até 1988, foram 5 anos tocando músicas autorais e covers. Basicamente suas apresentações se deram nos festivais Blumenália, em Blumenau. A banda entra em inatividade e retona em 2017, mantendo em sua formação original Cláudio Romero (voz e guitarra), Luiz Alberto Koehler (guitarra) e Charles Schwanke (baixo). Em 2017 a banda se reagrupa e incorpora dois novos integrantes: Victor Dalferth (teclados) e Andrew Junkes (bateria). Essa é a formação atual. No repertório músicas autorais, inclusive com o lançamento, em 2022, de um álbum de blues autoral chamado “Voltando para o Sul” disponível em todos os “streamings”. A banda mantém também um trabalho de covers, fortemente baseado na banda inglesa The Rolling Stones. Inclusive tem show em tributo a banda inglesa. Mas tocam também músicas de B.B. King, Eric Clapton, The Faces, Santana, John Lennon, George Harrison, Tom Petty, entre outros. A banda já se apresentou em 93 shows na região do Vale do Itajaí no Estado de Santa Catarina e tem uma linda história na cena blues e rock’n’roll da região.
Espirales
El quinteto "Espirales", fundado en el año 2023, reúne a cinco graduados con Título de Oro de la Universidad de las Artes de Cuba, que logran desenvolverse a la perfección en diferentes estilos musicales, por lo que se encuentran influencias disímiles en su repertorio que hacen alusión a la música de concierto cameral, la música cubana, el jazz y el World Music. Sus integrantes: Rodrigo García (Pianista / Director musical), Tania Haase (Violinista / Vocalista) Olivia Rodríguez (Contrabajista), Jesús Estrada y Alejandro Aguiar (Percusionistas), poseen una amplia experiencia nacional e internacional al formar parte y/o protagonizar proyectos con todas estas influencias, que aportan a "Espirales" un estilo único en la interpretación de la música cubana actual. Todos son fundadores de Espirales, y como profesionales dedicados a la enseñanza han diseñado juntos un programa de introducción y desarrollo donde brindan información actualizada sobre la música y cultura cubanas. Espirales se ha presentado en varios e importantes escenarios en Cuba, destacando sus participaciones en prestigiosos eventos como el "Festival Internacional Jazz Plaza”, festival de música de concierto "Habana Clásica”, festival de música popular y jazz cubano “Varadero – Josone 2024”. Han realizado conciertos y talleres por diferentes ciudades de los Estados Unidos (Chicago, New York, Boston, Vermont, Wisconsin, Miami), España (León y Madrid), Suiza, Rumanía, México y también han impartido clases magistrales acercando la música cubana y sus raíces a la visión de la música de concierto, exponiendo en su mayoría, un programa de compositores jóvenes cubanos. En 2025 lanzan su primer álbum como agrupación titulado "En busca de un espacio"
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Música de Cámara
Contemporánea
Son
Descripción
El quinteto "Espirales", fundado en el año 2023, reúne a cinco graduados con Título de Oro de la Universidad de las Artes de Cuba, que logran desenvolverse a la perfección en diferentes estilos musicales, por lo que se encuentran influencias disímiles en su repertorio que hacen alusión a la música de concierto cameral, la música cubana, el jazz y el World Music. Sus integrantes: Rodrigo García (Pianista / Director musical), Tania Haase (Violinista / Vocalista) Olivia Rodríguez (Contrabajista), Jesús Estrada y Alejandro Aguiar (Percusionistas), poseen una amplia experiencia nacional e internacional al formar parte y/o protagonizar proyectos con todas estas influencias, que aportan a "Espirales" un estilo único en la interpretación de la música cubana actual. Todos son fundadores de Espirales, y como profesionales dedicados a la enseñanza han diseñado juntos un programa de introducción y desarrollo donde brindan información actualizada sobre la música y cultura cubanas. Espirales se ha presentado en varios e importantes escenarios en Cuba, destacando sus participaciones en prestigiosos eventos como el "Festival Internacional Jazz Plaza”, festival de música de concierto "Habana Clásica”, festival de música popular y jazz cubano “Varadero – Josone 2024”. Han realizado conciertos y talleres por diferentes ciudades de los Estados Unidos (Chicago, New York, Boston, Vermont, Wisconsin, Miami), España (León y Madrid), Suiza, Rumanía, México y también han impartido clases magistrales acercando la música cubana y sus raíces a la visión de la música de concierto, exponiendo en su mayoría, un programa de compositores jóvenes cubanos. En 2025 lanzan su primer álbum como agrupación titulado "En busca de un espacio"
ANTROPOCENO
Antropoceno es un proyecto ambientalista de Lua Viana que utiliza un enfoque antropofágico para subvertir las influencias extranjeras y crear una fusión entre los ritmos tradicionales de la música brasileña, grabaciones de la naturaleza y técnicas de rock/metal experimental. Lua se inspira en la filosofía de autores indígenas como Ailton Krenak para defender una realineación ontológica con la naturaleza como necesidad inmediata ante el cambio climático. Mediante la recuperación de tecnologías ancestrales desarrolladas por culturas afroindígenas que permanecieron conectadas al planeta como forma de resistencia al colonialismo, Lua desafía las cosmovisiones antropocéntricas que ven la selva como un mero recurso.
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Black Metal
Dream Pop & Shoegaze
Afrobrasileiro
Descripción
Antropoceno es un proyecto ambientalista de Lua Viana que utiliza un enfoque antropofágico para subvertir las influencias extranjeras y crear una fusión entre los ritmos tradicionales de la música brasileña, grabaciones de la naturaleza y técnicas de rock/metal experimental. Lua se inspira en la filosofía de autores indígenas como Ailton Krenak para defender una realineación ontológica con la naturaleza como necesidad inmediata ante el cambio climático. Mediante la recuperación de tecnologías ancestrales desarrolladas por culturas afroindígenas que permanecieron conectadas al planeta como forma de resistencia al colonialismo, Lua desafía las cosmovisiones antropocéntricas que ven la selva como un mero recurso.
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Música
Orquesta Filarmónica de Boca del Río
La Orquesta Filarmónica de Boca del Río es una institución comprometida con la excelencia musical, la difusión del repertorio sinfónico y el fortalecimiento del tejido cultural en nuestra comunidad y más allá. Desde su fundación en 2014, ha consolidado un modelo artístico innovador, integrando la tradición musical con propuestas contemporáneas y multidisciplinarias. A través de una programación de alto nivel, proyectos educativos y colaboraciones con destacados artistas nacionales e internacionales, la Orquesta Filarmónica de Boca del Río se posiciona como un referente musical en México y América Latina. La visión de la OFBR ha permitido acercar a la orquesta a otras disciplinas como la Literatura y el Teatro dando como resultado interesantes propuestas de conciertos en los que se ha contado con la presencia de escritores mexicanos de mayor prestigio en el siglo XXI como es el caso de Juan Villoro y Jorge Volpi. La orquesta no solo se distingue por su excelencia musical al colaborar con solistas y directores de renombre internacional, destacando los reconocidos violinistas Midori, Joshua Bell y Eugene Drucker, el pianista Philippe Entremont, y Directores Invitados como Tito Muñoz entre otros, sino que al mismo tiempo impulsa el diverso talento musical del país. El dinamismo de la orquesta también ha llevado a compartir escenario con grandes exponentes de la música tradicional veracruzana como el grupo Tlen Huicani, así como la colaboración con grandes compositores mexicanos como Gabriela Ortiz y Arturo Márquez, con ello OFBR reafirma su compromiso de posicionar la música sinfónica mexicana y latinoamericana en el panorama internacional. A lo largo de su existencia la OFBR ha destacado por integrar a toda la comunidad de Veracruz y Boca del Río al proponer también proyectos y actividades educativas que benefician a infancias y juventudes en situación vulnerable. De esta manera el impacto de la OFBR no es sólo en la sala de conciertos, sino que atraviesa barreras para acercar la música a la sociedad.
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Descripción
La Orquesta Filarmónica de Boca del Río es una institución comprometida con la excelencia musical, la difusión del repertorio sinfónico y el fortalecimiento del tejido cultural en nuestra comunidad y más allá. Desde su fundación en 2014, ha consolidado un modelo artístico innovador, integrando la tradición musical con propuestas contemporáneas y multidisciplinarias. A través de una programación de alto nivel, proyectos educativos y colaboraciones con destacados artistas nacionales e internacionales, la Orquesta Filarmónica de Boca del Río se posiciona como un referente musical en México y América Latina. La visión de la OFBR ha permitido acercar a la orquesta a otras disciplinas como la Literatura y el Teatro dando como resultado interesantes propuestas de conciertos en los que se ha contado con la presencia de escritores mexicanos de mayor prestigio en el siglo XXI como es el caso de Juan Villoro y Jorge Volpi. La orquesta no solo se distingue por su excelencia musical al colaborar con solistas y directores de renombre internacional, destacando los reconocidos violinistas Midori, Joshua Bell y Eugene Drucker, el pianista Philippe Entremont, y Directores Invitados como Tito Muñoz entre otros, sino que al mismo tiempo impulsa el diverso talento musical del país. El dinamismo de la orquesta también ha llevado a compartir escenario con grandes exponentes de la música tradicional veracruzana como el grupo Tlen Huicani, así como la colaboración con grandes compositores mexicanos como Gabriela Ortiz y Arturo Márquez, con ello OFBR reafirma su compromiso de posicionar la música sinfónica mexicana y latinoamericana en el panorama internacional. A lo largo de su existencia la OFBR ha destacado por integrar a toda la comunidad de Veracruz y Boca del Río al proponer también proyectos y actividades educativas que benefician a infancias y juventudes en situación vulnerable. De esta manera el impacto de la OFBR no es sólo en la sala de conciertos, sino que atraviesa barreras para acercar la música a la sociedad.
Leo Garcia
Radicado em Florianópolis – SC desde 1997, Leo Garcia é natural de Porto Alegre – RS, Brasil, 1964, e é músico profissional desde 1986. Entre 1980 e 1984, ainda em sua cidade natal, teve aulas particulares com o professor/guitarrista Francisco Silva (Zezé/Clube do Guitarrista Gaúcho), e aulas de Teoria Musical e Percepção Auditiva na Escola de Música da OSPA (Orquestra Sinfônica de Porto Alegre). Depois de intensa atuação como músico e professor no cenário musical gaúcho, onde dividiu o palco com nomes como Adriana Calcanhoto, entre outros, passou a residir em Portugal. Vivendo em Lisboa entre 1989 a 1996, desenvolveu atividades como instrumentista e professor, tendo estudado improvisação de guitarra jazz com grandes guitarristas residentes em Portugal. Lecionou no Centro de Artes Interpretativas de Trafaria, em cursos subsidiados pela Comunidade Européia (CE) . Seu trabalho autoral concentra-se na área de Música Instrumental, tendo várias de suas composições premiadas em festivais. Destaca-se a primeira colocação no I Festival de Música do SESC-SC, com sua composição Bom Tempo. Graduou-se em música pela UDESC (Universidade Estadual de Santa Catarina) em 2004, e a partir de 2006 trabalhou como professor naquela Universidade, onde lecionou nas discioplinas de Harmonia, Contraponto, Arranjo, Improvisação e Prática de Conjunto, por oito anos. Já dividiu o palco com talentos como Yamandu Costa e João Bosco, e gravou com Oswaldo Montenegro, entre outros. Em 2008 e 2010 gravou dois álbuns com suas composições, com o quarteto Coringas. Em 2018 produziu e gravou o álbum "Imagens", com seu grupo Leo Garcia Quarteto, onde atua principalmente ao piano. Em julho de 2018, participou como professor do 3º Academia Jazz Festival, em Saracinesco, onde apresentou as músicas de seu novo álbum, em um grupo formado por renomados músicos italianos. Esta foi a sua quarta turnê pela Itália, país com o qual estabeleceu uma forte conexão e onde tem trabalhado com músicos de diversas nacionalidades.
Ver detallesLeo Garcia
Instrumental / Jazz Brasileiro
MPB
Descripción
Radicado em Florianópolis – SC desde 1997, Leo Garcia é natural de Porto Alegre – RS, Brasil, 1964, e é músico profissional desde 1986. Entre 1980 e 1984, ainda em sua cidade natal, teve aulas particulares com o professor/guitarrista Francisco Silva (Zezé/Clube do Guitarrista Gaúcho), e aulas de Teoria Musical e Percepção Auditiva na Escola de Música da OSPA (Orquestra Sinfônica de Porto Alegre). Depois de intensa atuação como músico e professor no cenário musical gaúcho, onde dividiu o palco com nomes como Adriana Calcanhoto, entre outros, passou a residir em Portugal. Vivendo em Lisboa entre 1989 a 1996, desenvolveu atividades como instrumentista e professor, tendo estudado improvisação de guitarra jazz com grandes guitarristas residentes em Portugal. Lecionou no Centro de Artes Interpretativas de Trafaria, em cursos subsidiados pela Comunidade Européia (CE) . Seu trabalho autoral concentra-se na área de Música Instrumental, tendo várias de suas composições premiadas em festivais. Destaca-se a primeira colocação no I Festival de Música do SESC-SC, com sua composição Bom Tempo. Graduou-se em música pela UDESC (Universidade Estadual de Santa Catarina) em 2004, e a partir de 2006 trabalhou como professor naquela Universidade, onde lecionou nas discioplinas de Harmonia, Contraponto, Arranjo, Improvisação e Prática de Conjunto, por oito anos. Já dividiu o palco com talentos como Yamandu Costa e João Bosco, e gravou com Oswaldo Montenegro, entre outros. Em 2008 e 2010 gravou dois álbuns com suas composições, com o quarteto Coringas. Em 2018 produziu e gravou o álbum "Imagens", com seu grupo Leo Garcia Quarteto, onde atua principalmente ao piano. Em julho de 2018, participou como professor do 3º Academia Jazz Festival, em Saracinesco, onde apresentou as músicas de seu novo álbum, em um grupo formado por renomados músicos italianos. Esta foi a sua quarta turnê pela Itália, país com o qual estabeleceu uma forte conexão e onde tem trabalhado com músicos de diversas nacionalidades.
Música
Senau
Senau nace en Medellín con una pregunta simple: ¿qué pasa cuando juntas todo lo que te formó? Su música recorre épocas y geografías sin mapa fijo; el Caribe que baila, los Andes que meditan, el rock que sacudió generaciones, la música que reescribió el presente y cambiará el pasado. No buscan representar un género ni una era, sino ese momento exacto en que todo converge y algo nuevo aparece. Senau construye un sonido que es tan latinoamericano como universal, tan de hoy como de siempre. La banda ha desarrollado su carrera con una cadencia de lanzamientos sostenida de aproximadamente un sencillo o EP cada 4 a 6 semanas. Su EP "Rosado Café" (julio de 2026) superó los 5.000 oyentes mensuales en Spotify, consolidando a México como su mercado principal, seguido de Colombia, Argentina, España y Chile.
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(Early) Pop Rock & Power Pop
Descripción
Senau nace en Medellín con una pregunta simple: ¿qué pasa cuando juntas todo lo que te formó? Su música recorre épocas y geografías sin mapa fijo; el Caribe que baila, los Andes que meditan, el rock que sacudió generaciones, la música que reescribió el presente y cambiará el pasado. No buscan representar un género ni una era, sino ese momento exacto en que todo converge y algo nuevo aparece. Senau construye un sonido que es tan latinoamericano como universal, tan de hoy como de siempre. La banda ha desarrollado su carrera con una cadencia de lanzamientos sostenida de aproximadamente un sencillo o EP cada 4 a 6 semanas. Su EP "Rosado Café" (julio de 2026) superó los 5.000 oyentes mensuales en Spotify, consolidando a México como su mercado principal, seguido de Colombia, Argentina, España y Chile.
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Música
Maxi Miliano
Maxi Miliano es el nombre artístico de Maximiliano Porciúncula Bertoche, pianista, compositor y arreglista uruguayo. Su actividad artística se desarrolla principalmente en torno al piano y la composición, con especial interés por el timbre, la resonancia, el color sonoro, el silencio y la creación de atmósferas. Formado en el Conservatorio Musical del Uruguay “Vicente Pablo”, ha participado como pianista en diversos proyectos y espacios culturales de Uruguay, incluyendo presentaciones en la Sala Zitarrosa, el Teatro Solís y el Palacio Taranco. Como compositor y arreglista ha desarrollado obras para piano, coro y conjunto instrumental, explorando el diálogo entre lenguajes de tradición clásica y recursos contemporáneos. También desarrolla la curaduría de sus propios recitales, concebidos como propuestas integrales en las que la selección y articulación del repertorio, el espacio y la experiencia de escucha forman parte de la propuesta artística. Su trabajo busca generar experiencias de escucha sensibles y contemplativas, donde la música funciona como un medio de exploración de la percepción, la memoria y el espacio.
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Contemporánea
Vocal/Coral
Descripción
Maxi Miliano es el nombre artístico de Maximiliano Porciúncula Bertoche, pianista, compositor y arreglista uruguayo. Su actividad artística se desarrolla principalmente en torno al piano y la composición, con especial interés por el timbre, la resonancia, el color sonoro, el silencio y la creación de atmósferas. Formado en el Conservatorio Musical del Uruguay “Vicente Pablo”, ha participado como pianista en diversos proyectos y espacios culturales de Uruguay, incluyendo presentaciones en la Sala Zitarrosa, el Teatro Solís y el Palacio Taranco. Como compositor y arreglista ha desarrollado obras para piano, coro y conjunto instrumental, explorando el diálogo entre lenguajes de tradición clásica y recursos contemporáneos. También desarrolla la curaduría de sus propios recitales, concebidos como propuestas integrales en las que la selección y articulación del repertorio, el espacio y la experiencia de escucha forman parte de la propuesta artística. Su trabajo busca generar experiencias de escucha sensibles y contemplativas, donde la música funciona como un medio de exploración de la percepción, la memoria y el espacio.
Música
Palo Mango
Palo Mango es un proyecto musical originario de México que nace con el propósito de elevar cantos para cuidar la tierra, la naturaleza y conectar con el corazón y la conciencia, resultando un tejido entre la música ancestral y el folk acústico contemporáneo. A través de una instrumentación orgánica —liderada por el tambor, las guitarras, flautas y cantos sagrados—, el dueto crea una experiencia en vivo íntima, ceremonial y de alta vibración. Su propuesta se alinea de manera natural con el movimiento global de música medicina, festivales conscientes y espacios de sanación holística. Con letras que celebran a la Tierra y al espíritu, Palo Mango invita a la audiencia a un viaje de introspección, canto en coro, danza consciente y celebración de la vida. Trayectoria Discográfica y Evolución La agrupación comenzó a trazar su camino formal con el lanzamiento del álbum "Ceremonia de Cosecha" (2019), un trabajo que capturó la esencia más pura de sus círculos de canto originales. Tras un periodo de maduración y conexión con nuevas comunidades de medicina en territorio mexicano, el proyecto dio un salto definitivo en su proyección digital con el aclamado EP "De Regreso Al Corazón" (2023). De este material se desprende su pieza más emblemática hasta la fecha, "Hiri Canaro", una canción que se convirtió de manera orgánica en un himno de los círculos de sanación alrededor de Iberoamérica y el mundo, acumulando cientos de miles de reproducciones en plataformas y expandiendo su audiencia a rincones internacionales de forma completamente independiente. Fieles a su exploración natural, el dueto expandió su discografía con sencillos potentes como "Camino Blanco" (2021), el lanzamiento de su EP "Agua Y Viento" (2024) —del cual destacan temas con alta carga poética como "Atl" y "Tocando Tierra"— Actualmente presentan los primeros sencillos de su próximo álbum como el corte "Navegante" y “La Fuerza del Agua”, consolidando su sonido característico: una instrumentación acústica minimalista, de un impacto emocional y ceremonial expansivo. Escenarios y Proyección Internacional Palo Mango se distingue por entregar un directo de formato ligero (light footprint) pero de profunda conexión acústica. Esto les ha permitido presentarse con versatilidad en múltiples formatos: desde retiros de medicina holística, festivales de yoga y ecovillas, hasta escenarios dedicados a la World Music y la música de raíz, donde el público abraza el respeto por las tradiciones acústicas latinoamericanas.
Ver detallesPalo Mango
Folclor Fusión
Descripción
Palo Mango es un proyecto musical originario de México que nace con el propósito de elevar cantos para cuidar la tierra, la naturaleza y conectar con el corazón y la conciencia, resultando un tejido entre la música ancestral y el folk acústico contemporáneo. A través de una instrumentación orgánica —liderada por el tambor, las guitarras, flautas y cantos sagrados—, el dueto crea una experiencia en vivo íntima, ceremonial y de alta vibración. Su propuesta se alinea de manera natural con el movimiento global de música medicina, festivales conscientes y espacios de sanación holística. Con letras que celebran a la Tierra y al espíritu, Palo Mango invita a la audiencia a un viaje de introspección, canto en coro, danza consciente y celebración de la vida. Trayectoria Discográfica y Evolución La agrupación comenzó a trazar su camino formal con el lanzamiento del álbum "Ceremonia de Cosecha" (2019), un trabajo que capturó la esencia más pura de sus círculos de canto originales. Tras un periodo de maduración y conexión con nuevas comunidades de medicina en territorio mexicano, el proyecto dio un salto definitivo en su proyección digital con el aclamado EP "De Regreso Al Corazón" (2023). De este material se desprende su pieza más emblemática hasta la fecha, "Hiri Canaro", una canción que se convirtió de manera orgánica en un himno de los círculos de sanación alrededor de Iberoamérica y el mundo, acumulando cientos de miles de reproducciones en plataformas y expandiendo su audiencia a rincones internacionales de forma completamente independiente. Fieles a su exploración natural, el dueto expandió su discografía con sencillos potentes como "Camino Blanco" (2021), el lanzamiento de su EP "Agua Y Viento" (2024) —del cual destacan temas con alta carga poética como "Atl" y "Tocando Tierra"— Actualmente presentan los primeros sencillos de su próximo álbum como el corte "Navegante" y “La Fuerza del Agua”, consolidando su sonido característico: una instrumentación acústica minimalista, de un impacto emocional y ceremonial expansivo. Escenarios y Proyección Internacional Palo Mango se distingue por entregar un directo de formato ligero (light footprint) pero de profunda conexión acústica. Esto les ha permitido presentarse con versatilidad en múltiples formatos: desde retiros de medicina holística, festivales de yoga y ecovillas, hasta escenarios dedicados a la World Music y la música de raíz, donde el público abraza el respeto por las tradiciones acústicas latinoamericanas.
Música
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