Orquesta Sinfónica de Guayaquil
La Orquesta Sinfónica de Guayaquil tiene como Misión ofrecer eventos de alta calidad interpretativa, clásica, contemporánea, nacional, latinoamericana, promoviendo los valores de nuestra cultura musical, a través de la permanente gestión y difusión e involucrando día a día a la comunidad local y nacional. En los últimos años, la Orquesta Sinfónica de Guayaquil ha brillado con luz propia, llevando su música más allá de las fronteras nacionales, y recorriendo con su arte renombrados escenarios en Estados Unidos, España, Italia, Cuba, Argentina, Chile, Uruguay y Perú. También ha deleitado al público en diversas ciudades ecuatorianas, como Quito, Salinas, Manta, Guaranda, Portoviejo, Bahía de Caráquez, Ambato, Riobamba y por supuesto, en su sede, la hermosa ciudad de Guayaquil. Constituida por las cuatro familias de instrumentos musicales, la Orquesta Sinfónica de Guayaquil es la más grande del Ecuador, y en ella convergen artistas de gran renombre, cada uno en su disciplina. Todos los viernes, en el Teatro Centro Cívico, esta orquesta regala a su público un repertorio de alta calidad, abarcando desde la música clásica hasta la contemporánea, pasando por la nacional y latinoamericana. Con una visión clara, la Orquesta Sinfónica de Guayaquil se ha comprometido a promover los valores de nuestra cultura musical y a involucrar a la comunidad local y nacional, en un esfuerzo por mantener vivo el arte y la cultura en el corazón de todos los ecuatorianos.
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Descripción
La Orquesta Sinfónica de Guayaquil tiene como Misión ofrecer eventos de alta calidad interpretativa, clásica, contemporánea, nacional, latinoamericana, promoviendo los valores de nuestra cultura musical, a través de la permanente gestión y difusión e involucrando día a día a la comunidad local y nacional. En los últimos años, la Orquesta Sinfónica de Guayaquil ha brillado con luz propia, llevando su música más allá de las fronteras nacionales, y recorriendo con su arte renombrados escenarios en Estados Unidos, España, Italia, Cuba, Argentina, Chile, Uruguay y Perú. También ha deleitado al público en diversas ciudades ecuatorianas, como Quito, Salinas, Manta, Guaranda, Portoviejo, Bahía de Caráquez, Ambato, Riobamba y por supuesto, en su sede, la hermosa ciudad de Guayaquil. Constituida por las cuatro familias de instrumentos musicales, la Orquesta Sinfónica de Guayaquil es la más grande del Ecuador, y en ella convergen artistas de gran renombre, cada uno en su disciplina. Todos los viernes, en el Teatro Centro Cívico, esta orquesta regala a su público un repertorio de alta calidad, abarcando desde la música clásica hasta la contemporánea, pasando por la nacional y latinoamericana. Con una visión clara, la Orquesta Sinfónica de Guayaquil se ha comprometido a promover los valores de nuestra cultura musical y a involucrar a la comunidad local y nacional, en un esfuerzo por mantener vivo el arte y la cultura en el corazón de todos los ecuatorianos.
Yael Meyer
Yael Meyer es una consagrada artista Chilena. Su música suena en las principales radios chilenas, radios universitarias de EEUU, películas, series de TV y campañas publicitarias en diversos países. Nombrada una de las 5 artistas femeninas que conocer por la revista Rolling Stone Argentina, se ha presentado en diversos países en festivales como Lollapalooza, BIME, Sziget y SXSW. Yael es también fundadora de su propio sello y agencia de sincronizaciones KLI RECORDS, representando obras y fonogramas para cine, tv y publicidad. Destaca entre su más reciente trabajo, su participación como Music Supervisor en la película “Sayen” (Amazon Prime Video) y el documental "La Memoria Infinita" (Maite Alberdi). En 2017 recibió el Premio a la Música Nacional, Presidente de la República, categoría Editorial Musical, por su destacada trayectoria y contribución a la industria musical nacional.
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Cantautor/Música de autor
Indie Folk & Freakfolk / New Weird America
Descripción
Yael Meyer es una consagrada artista Chilena. Su música suena en las principales radios chilenas, radios universitarias de EEUU, películas, series de TV y campañas publicitarias en diversos países. Nombrada una de las 5 artistas femeninas que conocer por la revista Rolling Stone Argentina, se ha presentado en diversos países en festivales como Lollapalooza, BIME, Sziget y SXSW. Yael es también fundadora de su propio sello y agencia de sincronizaciones KLI RECORDS, representando obras y fonogramas para cine, tv y publicidad. Destaca entre su más reciente trabajo, su participación como Music Supervisor en la película “Sayen” (Amazon Prime Video) y el documental "La Memoria Infinita" (Maite Alberdi). En 2017 recibió el Premio a la Música Nacional, Presidente de la República, categoría Editorial Musical, por su destacada trayectoria y contribución a la industria musical nacional.
Música
Francisco Catalan
Francisco J.H Catalán G. Musico, artista sonoro y compositor. Nació en Viña del Mar, Chile ( 1989)Es un multifacético interprete con una insaciable creatividad y busqueda de nuevas experiencias sonoras, además de la experimentación y continuo debate sobre la propia reinvención musical. Su trabajo comprende el uso de distintos instrumentos, tanto acústicos como electronicos, y el cruce distintos géneros musicales tanto clásicos como populares, como además de distintos posicionamientos estéticos en el Arte. Su trabajo atraviesa la música, el sonido, la escultura sonora, la visuales, la performance y el la escritura. Estudio licenciatura en música en la Universidad de Valparaiso, donde se especializa en Guitarra Eléctrica en la práctica de la música contemporánea, bajo la tutela Ismael Cortez, director de ensamble de Guitarra eléctrica, Planeta Minimal. Desde el 2016 recide en Berlín y trabaja en distintos proyectos musicales. Actualmente trabaja la improsisación libre desde la apertura Desconolial con la agrupación (Trio Desconolizante Fluido, T.D.F) y con el dúo de performance UM ( Unnumb Mind) junto a Carmen Volpe, explorando la danza, sonido y el discurso político-social. Bajo el nombre de Atono Gamori, trabaja la electronica ambient-noise, con visuales en tiempo real. Y cómo Juan León, desarrolla una trabajo bastante íntimo como cantautor enfocado en la escritura de textos existenciales, espirituales y otros que rosan el absurdo. Además participa en la Big Band Big Brassers como guitarrista y vocalista y en el dúo Tuanis de música latinoamericana, como Guitarrista, junto a Sara Fonseca. Enseña guitarra, bajo, bateria y piano en distintas escuelas de música como de forma privada. Y además como músico de sessión y productor artístico para otros músicos .Ha tocado con distintas agrupaciónes y músicos tanto en latinoamerica como en Alemánia.
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Contemporánea
Solistas
Free Jazz / Avant-Garde (Jazz)
Cantautor/Música de autor
Descripción
Francisco J.H Catalán G. Musico, artista sonoro y compositor. Nació en Viña del Mar, Chile ( 1989)Es un multifacético interprete con una insaciable creatividad y busqueda de nuevas experiencias sonoras, además de la experimentación y continuo debate sobre la propia reinvención musical. Su trabajo comprende el uso de distintos instrumentos, tanto acústicos como electronicos, y el cruce distintos géneros musicales tanto clásicos como populares, como además de distintos posicionamientos estéticos en el Arte. Su trabajo atraviesa la música, el sonido, la escultura sonora, la visuales, la performance y el la escritura. Estudio licenciatura en música en la Universidad de Valparaiso, donde se especializa en Guitarra Eléctrica en la práctica de la música contemporánea, bajo la tutela Ismael Cortez, director de ensamble de Guitarra eléctrica, Planeta Minimal. Desde el 2016 recide en Berlín y trabaja en distintos proyectos musicales. Actualmente trabaja la improsisación libre desde la apertura Desconolial con la agrupación (Trio Desconolizante Fluido, T.D.F) y con el dúo de performance UM ( Unnumb Mind) junto a Carmen Volpe, explorando la danza, sonido y el discurso político-social. Bajo el nombre de Atono Gamori, trabaja la electronica ambient-noise, con visuales en tiempo real. Y cómo Juan León, desarrolla una trabajo bastante íntimo como cantautor enfocado en la escritura de textos existenciales, espirituales y otros que rosan el absurdo. Además participa en la Big Band Big Brassers como guitarrista y vocalista y en el dúo Tuanis de música latinoamericana, como Guitarrista, junto a Sara Fonseca. Enseña guitarra, bajo, bateria y piano en distintas escuelas de música como de forma privada. Y además como músico de sessión y productor artístico para otros músicos .Ha tocado con distintas agrupaciónes y músicos tanto en latinoamerica como en Alemánia.
Música
Lumazul
.Lumazul es el proyecto musical de la cantautora ecuatoriana Carla Darquea que desde el 2018 empezó su carrera como solista. Desde entonces ha participado en varios conciertos y festivales, como el festival de cantautoras Sonora y el ciclo de conciertos Barranco. En 2019 emprendió la "Gira Mochilera" un viaje personal y musical a través de Sudamérica, con presentaciones en Bolivia y Argentina. El año 2020 propició un espacio de creatividad en el que Carla Darquea compuso 6 temas que harán parte de su tercer disco Chulla Llucha que se publicará en el año 2024. En 2021 retomó los escenarios en vivo en Quito y la Ciudad de México. Este año además fue el lanzamiento de su primer EP Ahangkar. A principios de 2022 lanzó dos singles y su segundo EP Atman que junto con su primer EP son parte de un disco doble llamado Ahangkar-Atman que expresan la dualidad del ser.
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Cantautor/Música de autor
(Early) Pop Rock & Power Pop
Música Andina
Descripción
.Lumazul es el proyecto musical de la cantautora ecuatoriana Carla Darquea que desde el 2018 empezó su carrera como solista. Desde entonces ha participado en varios conciertos y festivales, como el festival de cantautoras Sonora y el ciclo de conciertos Barranco. En 2019 emprendió la "Gira Mochilera" un viaje personal y musical a través de Sudamérica, con presentaciones en Bolivia y Argentina. El año 2020 propició un espacio de creatividad en el que Carla Darquea compuso 6 temas que harán parte de su tercer disco Chulla Llucha que se publicará en el año 2024. En 2021 retomó los escenarios en vivo en Quito y la Ciudad de México. Este año además fue el lanzamiento de su primer EP Ahangkar. A principios de 2022 lanzó dos singles y su segundo EP Atman que junto con su primer EP son parte de un disco doble llamado Ahangkar-Atman que expresan la dualidad del ser.
Música
STAGE of the ARTS – México
. Formada en 2018, STAGE of the ARTS-México es una compañía de teatro y ópera dedicada a crear espectáculos originales, fomentar el desarrollo humano, y hacer consultoría estratégica. Su directora artística, Yuriria Fanjul www.yuririafanjul.com es una artista representada por la agencia de Management Mojo Global Arts, Los Ángeles California www.mojo.film Su primera producción, Camille Claudel (2019-2021) presentada en los teatros La Capilla, en la Sala Xavier Villaurrutia CCB-INBAL, el Teatro Benito Juárez y el Festival Teatro a Una Sola Voz, fue nominada por World Stage Design como Mejor Escenografía; por la ACPT (Agrupación de Críticos y Periodistas Teatrales) como Mejor monólogo y Mejor diseño de iluminación, y por Confabulario-La Jornada como una de las tres mejores obras del 2019. Su segunda co-producción fue la ópera Dido y Eneas de Henry Purcell (2019-2020) una producción original del Festival IM.PULSO Música Escena Verano UNAM 2019 y co-producida por STAGE of the ARTS-México para el Festival del Centro Histórico del a CDMX en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris para primavera 2020. En 2022 la compañía desarrolló su tercer espectáculo, una obra de teatro comunitario en la frontera norte de México, Stay in Mexico -Ópera 360º , una original ópera multimedia que se llevó a cabo en mayo 2022 en el muro fronterizo de Tijuana, BC, involucrando a 30 migrantes, una orquesta, un coro y un video en 360º. Para 2024 y 2025 STAGE of the ARTS –México se dispone a crear dos obras más, Lady Óscar Salomé, una obra unipersonal original sobra la vida y obra del dramaturgo Oscar Wilde escrita e interpretada por Yuriria Fanjul, y La ópera de los monstruos, una ópera original para público de 5 a 12 años con títeres diseñada junto con la Compañía Flotante (Argentina-Perú). STAGE of the ARTS –México es un equipo de profesionales del teatro, la música, la danza y la ópera que imparte talleres y asesorías individuales tanto para profesionales del las artes escénicas como para personas que quieran incursionarse en técnicas teatrales para mejorar su comunicación en público, hacer trabajo comunitario, adquirir habilidades de liderazgo, etc.
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Opera
Descripción
. Formada en 2018, STAGE of the ARTS-México es una compañía de teatro y ópera dedicada a crear espectáculos originales, fomentar el desarrollo humano, y hacer consultoría estratégica. Su directora artística, Yuriria Fanjul www.yuririafanjul.com es una artista representada por la agencia de Management Mojo Global Arts, Los Ángeles California www.mojo.film Su primera producción, Camille Claudel (2019-2021) presentada en los teatros La Capilla, en la Sala Xavier Villaurrutia CCB-INBAL, el Teatro Benito Juárez y el Festival Teatro a Una Sola Voz, fue nominada por World Stage Design como Mejor Escenografía; por la ACPT (Agrupación de Críticos y Periodistas Teatrales) como Mejor monólogo y Mejor diseño de iluminación, y por Confabulario-La Jornada como una de las tres mejores obras del 2019. Su segunda co-producción fue la ópera Dido y Eneas de Henry Purcell (2019-2020) una producción original del Festival IM.PULSO Música Escena Verano UNAM 2019 y co-producida por STAGE of the ARTS-México para el Festival del Centro Histórico del a CDMX en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris para primavera 2020. En 2022 la compañía desarrolló su tercer espectáculo, una obra de teatro comunitario en la frontera norte de México, Stay in Mexico -Ópera 360º , una original ópera multimedia que se llevó a cabo en mayo 2022 en el muro fronterizo de Tijuana, BC, involucrando a 30 migrantes, una orquesta, un coro y un video en 360º. Para 2024 y 2025 STAGE of the ARTS –México se dispone a crear dos obras más, Lady Óscar Salomé, una obra unipersonal original sobra la vida y obra del dramaturgo Oscar Wilde escrita e interpretada por Yuriria Fanjul, y La ópera de los monstruos, una ópera original para público de 5 a 12 años con títeres diseñada junto con la Compañía Flotante (Argentina-Perú). STAGE of the ARTS –México es un equipo de profesionales del teatro, la música, la danza y la ópera que imparte talleres y asesorías individuales tanto para profesionales del las artes escénicas como para personas que quieran incursionarse en técnicas teatrales para mejorar su comunicación en público, hacer trabajo comunitario, adquirir habilidades de liderazgo, etc.
Música
Ana Seara
Nacida en Coimbra, Ana Seara es una de las compositoras portuguesas más destacadas de la actualidad. Ganadora del 1º y 2º Premio en el Concurso Internacional de Composición de Póvoa de Varzim, nominada al 1º Premio para Jóvenes Compositores en el Festival de Verbier 2013, también fue 'Joven Compositora en Residencia' en la Casa da Música 2014. De las dos últimas temporadas, destacan los estrenos de la “Sinfonia (Des)Concertante”, con motivo del 25º aniversario de la Orquesta Sinfónica Portuguesa, la Ópera “Até Que A Morte Nos Separe”, en el OperaFest Lisboa, la orquestación de 3 Canciones Heroicas de Fernando Lopes-Graça, por encargo de Festa do Avante, y las Residencias Artísticas en los Estudios Victor Córdon y la Fundación Gulbenkian. Sus obras han sido estrenadas por Orquestra Gulbenkian, Orquestra Sinfónica Casa da Música, Remix Ensemble, Orquestra Metropolitana de Lisboa, Teatro Nacional de S. Carlos, Queen Elisabeth Music Chapel, Fundación Albéniz, Grand Théâtre de la Ville de Luxemburgo, Theatreakademie August Everding, Festival d'Aix-en-Provence, entre otros. Desarrolla diversos proyectos paralelos, particularmente con jóvenes músicos, tanto a nivel pedagógico como en la creación de música para niños y jóvenes instrumentistas y coristas. Es la fundadora y directora artística del Capdeville Ensemble. Ana también es profesora en la Escola Superior de Música de Lisboa, en el Grado en Composición, Grado en Tecnologías Musicales y Máster en Didáctica – Composición.
Ver detallesAna Seara
Contemporánea
Descripción
Nacida en Coimbra, Ana Seara es una de las compositoras portuguesas más destacadas de la actualidad. Ganadora del 1º y 2º Premio en el Concurso Internacional de Composición de Póvoa de Varzim, nominada al 1º Premio para Jóvenes Compositores en el Festival de Verbier 2013, también fue 'Joven Compositora en Residencia' en la Casa da Música 2014. De las dos últimas temporadas, destacan los estrenos de la “Sinfonia (Des)Concertante”, con motivo del 25º aniversario de la Orquesta Sinfónica Portuguesa, la Ópera “Até Que A Morte Nos Separe”, en el OperaFest Lisboa, la orquestación de 3 Canciones Heroicas de Fernando Lopes-Graça, por encargo de Festa do Avante, y las Residencias Artísticas en los Estudios Victor Córdon y la Fundación Gulbenkian. Sus obras han sido estrenadas por Orquestra Gulbenkian, Orquestra Sinfónica Casa da Música, Remix Ensemble, Orquestra Metropolitana de Lisboa, Teatro Nacional de S. Carlos, Queen Elisabeth Music Chapel, Fundación Albéniz, Grand Théâtre de la Ville de Luxemburgo, Theatreakademie August Everding, Festival d'Aix-en-Provence, entre otros. Desarrolla diversos proyectos paralelos, particularmente con jóvenes músicos, tanto a nivel pedagógico como en la creación de música para niños y jóvenes instrumentistas y coristas. Es la fundadora y directora artística del Capdeville Ensemble. Ana también es profesora en la Escola Superior de Música de Lisboa, en el Grado en Composición, Grado en Tecnologías Musicales y Máster en Didáctica – Composición.
Studio Azul Multimedios
Descripción
studio azul multimedios es
INDIEPROJECT
Un espacio de visualización y profesionalización de la música independiente Festival Indieproject es un proyecto que nació de la necesidad de crear espacios para bandas que no tienen cabida en los circuitos musicales regionales. Ya llevamos 7 ediciones y tiene la necesidad de expandirse en grande, generar espacios y redes para los músicos regionales del estilo indie. Indieproject partió de la necesidad de generar un espacio donde las bandas puedan tocar y generar redes entre los mismos músicos. Es sabido que la región de Coquimbo es cuna de grandes bandas y músicos, pero no hay escenarios constantes donde puedan mostrar su música. Ante este escenario tan funesto, decidimos desarrollar un festival que más que un simple festival fuese un concurso. Nuestro primer festival fue realizado el año 2013 y hasta la fecha tenemos 10 festivales realizados con enfoque regional, donde tocan bandas y solistas que viven en la región. Es de vital importancia para nosotros la profesionalización de las bandas y solistas, es por esto que para poder tocar pedimos que las bandas tengan discos y/o ep recientes, que sus redes sociales estén constantatemente actualizadas y que sus plataformas de streaming este con su música reciente. Indieproject nunca se ha cerrado al ámbito musical, creemos fuertemente en el trabajo entre entidades de diferente tipo y la creación de una red de trabajo en conjunto. Es por eso que nuestro slogan es “entre todos armamos escena”. #EntreTodosArmamosEscena Es por esto que en todas nuestras versiones hemos incluido otras disciplinas complemetarias a la musica, quienes a través de ferias con expositores de las áreas de diseño de vestuario, diseño de merch, diseño gráfico, fotografía, audiovisual, ilustración, quienes han podido visibiliar y vender sus productos y servicios, siendo una parte importante de la cadena de la industria creativa de la región de Coquimbo. Otro punto importante donde apuntamos como Festival Indieproject es la de ser un punto de profesionalización del ecosistema creativo de la región de Coquimbo, es por ello que hemos desarrollado varios talleres y workshops de profesionalización constante. Han venido importantes expositores a desarrollar talleres y workshop, por ejemplo Barry Sage, ingeniero en sonido y productor. Es conocido por su trabajo con artistas como The Rolling Stones, New Order, Madness, Boy George, The Pet Shop Boys, en España y Sudamérica con artistas como Los Ronaldos, La Oreja de Van Gogh, Melon Diesel, Nicole, Solar, Upa, Calandria entre muchos otros , con quien desarrollamos talleres de grabación, homestudio y un taller working progress donde las bandas y solistas entregaban un single para que Barry les diera directrices de trabajo, recomendaciones desde la producción musical y detalles para lograr un buen trabajo. Otro tallerista que vino a nuestro festival es Felipe Arriagada, músico y director del sello Armatoste y de POTQ Magazine, quien vino a hacer un taller sobre medios y prensa, como comunicar de mejor forma tu Juan Manuel Méndez, Fundador y Director en Insular Records, nos entregó una clase magistral de cómo enfrentar el estudio de grabación, tips, datos, recomendaciones de qué hacer y no hacer al momento de entrar al estudio a grabar tu disco y/o single.
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Descripción
Un espacio de visualización y profesionalización de la música independiente Festival Indieproject es un proyecto que nació de la necesidad de crear espacios para bandas que no tienen cabida en los circuitos musicales regionales. Ya llevamos 7 ediciones y tiene la necesidad de expandirse en grande, generar espacios y redes para los músicos regionales del estilo indie. Indieproject partió de la necesidad de generar un espacio donde las bandas puedan tocar y generar redes entre los mismos músicos. Es sabido que la región de Coquimbo es cuna de grandes bandas y músicos, pero no hay escenarios constantes donde puedan mostrar su música. Ante este escenario tan funesto, decidimos desarrollar un festival que más que un simple festival fuese un concurso. Nuestro primer festival fue realizado el año 2013 y hasta la fecha tenemos 10 festivales realizados con enfoque regional, donde tocan bandas y solistas que viven en la región. Es de vital importancia para nosotros la profesionalización de las bandas y solistas, es por esto que para poder tocar pedimos que las bandas tengan discos y/o ep recientes, que sus redes sociales estén constantatemente actualizadas y que sus plataformas de streaming este con su música reciente. Indieproject nunca se ha cerrado al ámbito musical, creemos fuertemente en el trabajo entre entidades de diferente tipo y la creación de una red de trabajo en conjunto. Es por eso que nuestro slogan es “entre todos armamos escena”. #EntreTodosArmamosEscena Es por esto que en todas nuestras versiones hemos incluido otras disciplinas complemetarias a la musica, quienes a través de ferias con expositores de las áreas de diseño de vestuario, diseño de merch, diseño gráfico, fotografía, audiovisual, ilustración, quienes han podido visibiliar y vender sus productos y servicios, siendo una parte importante de la cadena de la industria creativa de la región de Coquimbo. Otro punto importante donde apuntamos como Festival Indieproject es la de ser un punto de profesionalización del ecosistema creativo de la región de Coquimbo, es por ello que hemos desarrollado varios talleres y workshops de profesionalización constante. Han venido importantes expositores a desarrollar talleres y workshop, por ejemplo Barry Sage, ingeniero en sonido y productor. Es conocido por su trabajo con artistas como The Rolling Stones, New Order, Madness, Boy George, The Pet Shop Boys, en España y Sudamérica con artistas como Los Ronaldos, La Oreja de Van Gogh, Melon Diesel, Nicole, Solar, Upa, Calandria entre muchos otros , con quien desarrollamos talleres de grabación, homestudio y un taller working progress donde las bandas y solistas entregaban un single para que Barry les diera directrices de trabajo, recomendaciones desde la producción musical y detalles para lograr un buen trabajo. Otro tallerista que vino a nuestro festival es Felipe Arriagada, músico y director del sello Armatoste y de POTQ Magazine, quien vino a hacer un taller sobre medios y prensa, como comunicar de mejor forma tu Juan Manuel Méndez, Fundador y Director en Insular Records, nos entregó una clase magistral de cómo enfrentar el estudio de grabación, tips, datos, recomendaciones de qué hacer y no hacer al momento de entrar al estudio a grabar tu disco y/o single.
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Centro d Artes de Aljustrel
O Centro d Artes surgiu da reabilitação do espaço onde funcionou durante anos o Lar da 3ª idade da Santa Casa da Misericórdia de Aljustrel, um edifício histórico que albergou, originalmente, a administração da empresa belga que explorou a mina de Aljustrel. A infraestrutura tem três pisos, cada qual com as suas valências específicas. O piso 0, que acolhe também o NAVA – Núcleo de Artes Visuais de Aljustrel, dispõe de um espaço para exposições temporária, que consiste em três zonas contíguas, e zona de ateliês, com três divisões para desenvolvimento de atividades relacionadas com as artes plásticas e, mais crescentemente, com prototipagem rápida, dispondo de impressoras 3D, corte laser e vinil. No pátio traseiro, num anexo, existe um espaço para ateliês de escultura. O piso 1 recebe a denominada Residência de Artistas, onde pessoas de várias origens podem pernoitar enquanto desenvolvem os seus projetos artísticos nos ateliês. O piso tem nove quartos, com capacidade para alojar 32 pessoas. Existe também uma sala de convívio e uma divisão com uma kitchenette para apoio.
Ver detallesCentro d Artes de Aljustrel
Descripción
O Centro d Artes surgiu da reabilitação do espaço onde funcionou durante anos o Lar da 3ª idade da Santa Casa da Misericórdia de Aljustrel, um edifício histórico que albergou, originalmente, a administração da empresa belga que explorou a mina de Aljustrel. A infraestrutura tem três pisos, cada qual com as suas valências específicas. O piso 0, que acolhe também o NAVA – Núcleo de Artes Visuais de Aljustrel, dispõe de um espaço para exposições temporária, que consiste em três zonas contíguas, e zona de ateliês, com três divisões para desenvolvimento de atividades relacionadas com as artes plásticas e, mais crescentemente, com prototipagem rápida, dispondo de impressoras 3D, corte laser e vinil. No pátio traseiro, num anexo, existe um espaço para ateliês de escultura. O piso 1 recebe a denominada Residência de Artistas, onde pessoas de várias origens podem pernoitar enquanto desenvolvem os seus projetos artísticos nos ateliês. O piso tem nove quartos, com capacidade para alojar 32 pessoas. Existe também uma sala de convívio e uma divisão com uma kitchenette para apoio.
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