Flor de Guayaba
Flor de Guayaba es una destacada banda de mujeres de Concepción, con 10 años de trayectoria que fusiona ritmos afrolatinos y del Caribe Colombiano. Con instrumentos de cuerdas y percusión, su propuesta destaca por su emotividad y sus composiciones vinculadas a los territorios que habitan. La banda se distingue por sus ricas armonías vocales y una puesta en escena potente e interdisciplinaria convirtiéndose en un referente de la música de raíz y de mujeres en el escenario chileno.
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Descripción
Flor de Guayaba es una destacada banda de mujeres de Concepción, con 10 años de trayectoria que fusiona ritmos afrolatinos y del Caribe Colombiano. Con instrumentos de cuerdas y percusión, su propuesta destaca por su emotividad y sus composiciones vinculadas a los territorios que habitan. La banda se distingue por sus ricas armonías vocales y una puesta en escena potente e interdisciplinaria convirtiéndose en un referente de la música de raíz y de mujeres en el escenario chileno.
Universidad de Playa Ancha
Doctor (c) en Estudios Interdisciplinarios sobre Pensamiento, Cultura y Sociedad (Universidad de Valparaíso), académico en Universidad de Playa Ancha y docente en Conservatorio Izidor Handler de Viña del Mar. Premio a la Música Nacional Presidente de la República 2021- categoría Edición Musical. Experiencia en el campo de la investigación, formación y creación en áreas musicales, del libro y gestión artística en general. Además, ha impartido docencia en la Universidad de Valparaíso y Universidad de Chile. Autor de los libros: "Armonía Moderna: Técnicas de rearmonización y modulación" desarrollo y aplicación en la música popular del siglo XX (segunda edición PUCV 2017) y coautor de “Tonada de Concierto” y otras nueve obras para guitarra sola; el legado compositivo de Ricardo Acevedo (1932-2014). Director del Centro de Investigación Musical Autónomo CIMA (www.cimach.cl) y de Ediciones Cluster. Premio Regional de Arte y Cultura 2015 CNCA Región de Arica y Parinacota.
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Descripción
Doctor (c) en Estudios Interdisciplinarios sobre Pensamiento, Cultura y Sociedad (Universidad de Valparaíso), académico en Universidad de Playa Ancha y docente en Conservatorio Izidor Handler de Viña del Mar. Premio a la Música Nacional Presidente de la República 2021- categoría Edición Musical. Experiencia en el campo de la investigación, formación y creación en áreas musicales, del libro y gestión artística en general. Además, ha impartido docencia en la Universidad de Valparaíso y Universidad de Chile. Autor de los libros: "Armonía Moderna: Técnicas de rearmonización y modulación" desarrollo y aplicación en la música popular del siglo XX (segunda edición PUCV 2017) y coautor de “Tonada de Concierto” y otras nueve obras para guitarra sola; el legado compositivo de Ricardo Acevedo (1932-2014). Director del Centro de Investigación Musical Autónomo CIMA (www.cimach.cl) y de Ediciones Cluster. Premio Regional de Arte y Cultura 2015 CNCA Región de Arica y Parinacota.
Brother ED
Brother Ed é o projeto musical autoral de Ed Rodrigues, cantor, compositor, músico e produtor independente com atuação profissional desde 1994. Sua identidade artística reúne influências do reggae roots, funk rock e da música popular brasileira, combinando letras de caráter humano e social com sonoridade contemporânea. Autodidata até os 16 anos, aprofundou sua formação musical no Centro Musical Tom Jobim, em São José do Rio Preto (SP), e no Centro Musical Voice, em São Paulo (SP). Também estudou canto e técnica vocal com o maestro Luiz Carlos Prata, em Fortaleza (CE). Ao longo de sua trajetória, participou de bandas, desenvolveu projetos autorais e realizou apresentações em diferentes formatos. Atualmente dedica-se à produção de um repertório inédito, abordando temas como empatia, respeito, esperança, justiça social e relações humanas. Entre suas composições destacam-se obras como Gentileza Gera Gentileza, Pão e Circo, Mundo, Coragem pra clarear, O saber do espelho, LPSR (música composta para seu irmão desaparecido). Seu trabalho busca unir música de qualidade, mensagens positivas e reflexão, aproximando o público por meio de canções que valorizam a consciência coletiva e as experiências da vida cotidiana. Como artista independente, Brother Ed atua em todas as etapas de seus projetos, incluindo composição, produção musical, gravação, direção artística e planejamento de lançamentos, consolidando uma carreira pautada pela autenticidade e pela criação de obras autorais.
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Reggae Fusion & Bhangramuffin
(Roots) Reggae
Rap Rock, Rapcore & Funk Metal
Descripción
Brother Ed é o projeto musical autoral de Ed Rodrigues, cantor, compositor, músico e produtor independente com atuação profissional desde 1994. Sua identidade artística reúne influências do reggae roots, funk rock e da música popular brasileira, combinando letras de caráter humano e social com sonoridade contemporânea. Autodidata até os 16 anos, aprofundou sua formação musical no Centro Musical Tom Jobim, em São José do Rio Preto (SP), e no Centro Musical Voice, em São Paulo (SP). Também estudou canto e técnica vocal com o maestro Luiz Carlos Prata, em Fortaleza (CE). Ao longo de sua trajetória, participou de bandas, desenvolveu projetos autorais e realizou apresentações em diferentes formatos. Atualmente dedica-se à produção de um repertório inédito, abordando temas como empatia, respeito, esperança, justiça social e relações humanas. Entre suas composições destacam-se obras como Gentileza Gera Gentileza, Pão e Circo, Mundo, Coragem pra clarear, O saber do espelho, LPSR (música composta para seu irmão desaparecido). Seu trabalho busca unir música de qualidade, mensagens positivas e reflexão, aproximando o público por meio de canções que valorizam a consciência coletiva e as experiências da vida cotidiana. Como artista independente, Brother Ed atua em todas as etapas de seus projetos, incluindo composição, produção musical, gravação, direção artística e planejamento de lançamentos, consolidando uma carreira pautada pela autenticidade e pela criação de obras autorais.
Flow de Raíz
Desde el 2018 el proyecto Flow de Raíz busca desarrollar la fusión de las artes tradicionales de Chile con la cultura urbana contemporánea. Agrupando artistas y exponentes tanto de la música como de la danza, diseño de arte, fotografía y realización audiovisual, potencian lo que hoy surge como un estilo musical nuevo con raíces profundas arraigadas en la tradición folclórica, su evidente mestizaje, y la fusión de la música urbana actual, creando una identidad rítmica, visual y estética que no ha dejado de expandirse con el pasar de los años.
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Trap & Drill
Reggaetón & Latin Rap
Folclor
Folclor Fusión
Descripción
Desde el 2018 el proyecto Flow de Raíz busca desarrollar la fusión de las artes tradicionales de Chile con la cultura urbana contemporánea. Agrupando artistas y exponentes tanto de la música como de la danza, diseño de arte, fotografía y realización audiovisual, potencian lo que hoy surge como un estilo musical nuevo con raíces profundas arraigadas en la tradición folclórica, su evidente mestizaje, y la fusión de la música urbana actual, creando una identidad rítmica, visual y estética que no ha dejado de expandirse con el pasar de los años.
Pablo Garibay
Guitarrista mexicano laureado —nacional e internacionalmente—, ha obtenido primeros lugares en más de quince destacados certámenes como los Francisco Tárrega y Julián Arcas en España, René Bartoli en Francia, Manuel M. Ponce, en México, JoAnn Falletta en Estados Unidos, y en Alemania en los Concursos Internacionales de Gevelsberg y Aachen. Garibay es considerado uno de los instrumentistas más notables de su generación. Concluyó sus estudios en la UNAM y en la Hochschule für Musik Franz Liszt en Weimar, Alemania. Su desempeño sobresaliente le valió la Medalla al Mérito Universitario Gabino Barreda otorgada por la UNAM. Asimismo, fue distinguido con el Premio Nacional de la Juventud, que recibió de manos del Presidente de México en 2002. Como solista, ha sido invitado por las principales agrupaciones orquestales de México, entre ellas la OFUNAM —con la que realizó su primera gira europea—, la Orquesta Sinfónica Nacional, las Filarmónicas de Búfalo y de la Ciudad de México, la Evgeny Svetlanov Symphony Orchestra en Moscú, la Bundesjugendorchester de Alemania, la Virginia Symphony Orchestra, los Salzburg Chamber Soloists de Austria y la Orquesta Juvenil Eduardo Mata. Ha colaborado con directores de gran prestigio como Leo Brouwer, Clément Nonciaux, Damian Iorio, Roberto Beltrán-Zavala, Lavard Skou Larsen, Jan Latham-König, JoAnn Falletta, Natanael Espinoza, Jesse Levine, Juan Carlos Lomónaco, Iván López Reynoso, Gustavo Rivero Weber, Gordon Campbell, Donato Cabrera, Joan Pagès, Armando Pesqueira, Jesús Medina, José Areán, Samuel Pascoe, Gabriela Díaz Alatriste y Wolfgang Bozic. Estrenó en México la Cantata de Perugia para guitarra, coro y orquesta, dirigida por Leo Brouwer, su autor. Fue también solista de la Dortmunder Philharmoniker de Alemania, dirigida por Gabriel Feltz, y en la Sala Tchaikovsky de Moscú bajo la batuta de Damian Iorio, interpretando el Concierto del Sur de Manuel M. Ponce. En 2024, presentó en ese mismo recinto el célebre Concierto de Aranjuez, dirigido por Clément Nonciaux. Garibay estrenó el Concierto del Sur en Sudáfrica y ofreció el estreno mundial de Zimmergramm, obra comisionada al compositor mexicano Enrico Chapela por la Deutsche Welle, durante el Beethovenfest de Bonn (Alemania). También realizó la primera audición mundial de El árbol de la vida de Hebert Vázquez con la Filarmónica de la Ciudad de México, y de las obras Interregno (2019) y El tañido de aire (2025) del mismo autor, junto con el ensamble NOMAD y Norio Sato en el Tokyo Opera City Recital Hall. Asimismo, estrenó de Tomás Barreiro su Concierto Dórico. En noviembre de 2025 estrenó mundialmente el Tercer Concierto para Guitarra y Orquesta de Eduardo Angulo, en la Grand Hall del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, con la Russian Philharmonie bajo la batuta de Stanislav Malyshev. El sonido de su guitarra ha resonado en escenarios tan prestigiosos como la Sala Nezahualcóyotl de la Ciudad de México, la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, la Sala Tchaikovsky de Moscú, el Parco della Música en Roma, la Beethovenhalle de Bonn, la Philharmonie de Hannover, el Tokyo Opera City Recital Hall en Japón, el Meraner Musikfestival en Italia, Teatro Nacional de Belgrado en Serbia entre muchas otras.. Recientemente realizó para NAXOS la primera grabación mundial de El árbol de la vida, junto a la OJUEM dirigida por Gustavo Rivero Weber, dentro del disco del mismo título. En 2023 produjo e interpretó el álbum Sound Dreams junto al ensamble NOMAD, grabado en el Tokyo Opera City Recital Hall. En 2025 se publicó el disco 2 Latitudes, que incluye el Concierto del Sur de Ponce y el Concierto No. 1 Op. 99 de Castelnuovo-Tedesco, con la OJUEM dirigida por Gustavo Rivero Weber, bajo el sello URTEXT. Otras de sus grabaciones han sido editadas por Naxos, Urtext, RTV de España y Fleur de Son Classics (EE. UU.).Fue becario del Programa de Creadores Escénicos con Trayectoria del FONCA. Actualmente, Pablo Garibay es profesor en el portal www.guitarlabonline.com y se dedica al concertismo, la producción y la grabación.
Ver detallesPablo Garibay
Música de Cámara
Solistas
Descripción
Guitarrista mexicano laureado —nacional e internacionalmente—, ha obtenido primeros lugares en más de quince destacados certámenes como los Francisco Tárrega y Julián Arcas en España, René Bartoli en Francia, Manuel M. Ponce, en México, JoAnn Falletta en Estados Unidos, y en Alemania en los Concursos Internacionales de Gevelsberg y Aachen. Garibay es considerado uno de los instrumentistas más notables de su generación. Concluyó sus estudios en la UNAM y en la Hochschule für Musik Franz Liszt en Weimar, Alemania. Su desempeño sobresaliente le valió la Medalla al Mérito Universitario Gabino Barreda otorgada por la UNAM. Asimismo, fue distinguido con el Premio Nacional de la Juventud, que recibió de manos del Presidente de México en 2002. Como solista, ha sido invitado por las principales agrupaciones orquestales de México, entre ellas la OFUNAM —con la que realizó su primera gira europea—, la Orquesta Sinfónica Nacional, las Filarmónicas de Búfalo y de la Ciudad de México, la Evgeny Svetlanov Symphony Orchestra en Moscú, la Bundesjugendorchester de Alemania, la Virginia Symphony Orchestra, los Salzburg Chamber Soloists de Austria y la Orquesta Juvenil Eduardo Mata. Ha colaborado con directores de gran prestigio como Leo Brouwer, Clément Nonciaux, Damian Iorio, Roberto Beltrán-Zavala, Lavard Skou Larsen, Jan Latham-König, JoAnn Falletta, Natanael Espinoza, Jesse Levine, Juan Carlos Lomónaco, Iván López Reynoso, Gustavo Rivero Weber, Gordon Campbell, Donato Cabrera, Joan Pagès, Armando Pesqueira, Jesús Medina, José Areán, Samuel Pascoe, Gabriela Díaz Alatriste y Wolfgang Bozic. Estrenó en México la Cantata de Perugia para guitarra, coro y orquesta, dirigida por Leo Brouwer, su autor. Fue también solista de la Dortmunder Philharmoniker de Alemania, dirigida por Gabriel Feltz, y en la Sala Tchaikovsky de Moscú bajo la batuta de Damian Iorio, interpretando el Concierto del Sur de Manuel M. Ponce. En 2024, presentó en ese mismo recinto el célebre Concierto de Aranjuez, dirigido por Clément Nonciaux. Garibay estrenó el Concierto del Sur en Sudáfrica y ofreció el estreno mundial de Zimmergramm, obra comisionada al compositor mexicano Enrico Chapela por la Deutsche Welle, durante el Beethovenfest de Bonn (Alemania). También realizó la primera audición mundial de El árbol de la vida de Hebert Vázquez con la Filarmónica de la Ciudad de México, y de las obras Interregno (2019) y El tañido de aire (2025) del mismo autor, junto con el ensamble NOMAD y Norio Sato en el Tokyo Opera City Recital Hall. Asimismo, estrenó de Tomás Barreiro su Concierto Dórico. En noviembre de 2025 estrenó mundialmente el Tercer Concierto para Guitarra y Orquesta de Eduardo Angulo, en la Grand Hall del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, con la Russian Philharmonie bajo la batuta de Stanislav Malyshev. El sonido de su guitarra ha resonado en escenarios tan prestigiosos como la Sala Nezahualcóyotl de la Ciudad de México, la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, la Sala Tchaikovsky de Moscú, el Parco della Música en Roma, la Beethovenhalle de Bonn, la Philharmonie de Hannover, el Tokyo Opera City Recital Hall en Japón, el Meraner Musikfestival en Italia, Teatro Nacional de Belgrado en Serbia entre muchas otras.. Recientemente realizó para NAXOS la primera grabación mundial de El árbol de la vida, junto a la OJUEM dirigida por Gustavo Rivero Weber, dentro del disco del mismo título. En 2023 produjo e interpretó el álbum Sound Dreams junto al ensamble NOMAD, grabado en el Tokyo Opera City Recital Hall. En 2025 se publicó el disco 2 Latitudes, que incluye el Concierto del Sur de Ponce y el Concierto No. 1 Op. 99 de Castelnuovo-Tedesco, con la OJUEM dirigida por Gustavo Rivero Weber, bajo el sello URTEXT. Otras de sus grabaciones han sido editadas por Naxos, Urtext, RTV de España y Fleur de Son Classics (EE. UU.).Fue becario del Programa de Creadores Escénicos con Trayectoria del FONCA. Actualmente, Pablo Garibay es profesor en el portal www.guitarlabonline.com y se dedica al concertismo, la producción y la grabación.
Música
Profesor
.Luis Peláez García. Perteneciente a una distinguida familia de músicos ejecutantes y compositores sudcalifornianos, inició estudios de música a la edad de 8 años en la Escuela Nacional de Música de la U.N.A.M. en la especialidad de violín bajo la enseñanza del Mtro. Cruz Rojas Carranco, formando parte de diversos grupos orquestales sinfónicos y de cámara con los cuales ha recorrido prácticamente todo el país. Entre sus alumnos destacan los que han obtenido primeros y segundos lugares en concursos nacionales de estas especialidades con los mejores comentarios de la crítica académica musical. Estudió la licenciatura en comunicación y relaciones públicas en la Universidad del Valle de México y cursó la maestría en Ciencias de la Educación, su experiencia como director de orquesta la ha adquirido en el Sistema Nacional de Fomento Musical en cursos especiales con prestigiados maestros como el estadounidense Leen Mac. Lein y mexicanos como Guillermo Salvador y Francisco Savín. Desde el año 2000 y a la fecha, Luis Peláez ha participado en diversos encuentros con directores de orquesta teniendo importantes intervenciones a nivel nacional. Es fundador de la Orquesta Sinfónica de la Escuela de Música del Estado la primera en su tipo en la entidad. Ha sido un gran impulsor de la actividad musical en Baja California Sur desde su llegada a la Escuela de Música en el año de 1999 generando importantes cambios estructurales, administrativos y académicos al interior de esta Institución. Ha dirigido diversas orquestas representadas por músicos de los estados de Sinaloa, Sonora, Baja California, Nayarit, Coahuila, Tlaxcala y Perú. También ha sido director huésped de las orquestas sinfónicas Infantil y Juvenil de México, la Orquesta Sinfónica de Zapopan, la Orquesta Sinfónica “Carlos Chávez” de la ciudad de México, la Orquesta del Encuentro Nacional de Orquestas Juveniles y la Orquesta Sinfónica del Conservatorio del Puebla. Bajo la dirección del Mtro. Domenico Pierini realizó estudios de especialización en violín y música de cámara en la Escuela de Música “Il Trillo” en Florencia, Italia habiendo interactuado como único latinoamericano con músicos de Francia, Turquía y China participando como invitado en el 10º Festival Internacional de Orquestas Juveniles Europeas organizado por la Academia “San Felice” de Florencia ha participado como invitado especial en la Convención de Asociaciones de Maestros de Música del Estado de Texas, EE.UU. En el año 2011 dirigió a la Orquesta Sinfónica del Encuentro Nacional de Orquestas en un concierto realizado en el Palacio de Bellas Artes y este año ha sido seleccionado para dirigir la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Puebla dentro del Encuentro Nacional de Directores organizado por Conaculta. Actualmente es catedrático de la Universidad Autónoma de Baja California Sur, Director de Área en el Instituto Sudcaliforniano de Cultura y docente del nivel secundaria por parte de la Secretaría de Educación Pública. Su principal objetivo es seguir impulsando entre los niños y jóvenes la utilización positiva del tiempo libre además de contribuir con el desarrollo cultural del Estado, fomentando entre las nuevas generaciones de sudcalifornianos el gusto por la música.
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Descripción
.Luis Peláez García. Perteneciente a una distinguida familia de músicos ejecutantes y compositores sudcalifornianos, inició estudios de música a la edad de 8 años en la Escuela Nacional de Música de la U.N.A.M. en la especialidad de violín bajo la enseñanza del Mtro. Cruz Rojas Carranco, formando parte de diversos grupos orquestales sinfónicos y de cámara con los cuales ha recorrido prácticamente todo el país. Entre sus alumnos destacan los que han obtenido primeros y segundos lugares en concursos nacionales de estas especialidades con los mejores comentarios de la crítica académica musical. Estudió la licenciatura en comunicación y relaciones públicas en la Universidad del Valle de México y cursó la maestría en Ciencias de la Educación, su experiencia como director de orquesta la ha adquirido en el Sistema Nacional de Fomento Musical en cursos especiales con prestigiados maestros como el estadounidense Leen Mac. Lein y mexicanos como Guillermo Salvador y Francisco Savín. Desde el año 2000 y a la fecha, Luis Peláez ha participado en diversos encuentros con directores de orquesta teniendo importantes intervenciones a nivel nacional. Es fundador de la Orquesta Sinfónica de la Escuela de Música del Estado la primera en su tipo en la entidad. Ha sido un gran impulsor de la actividad musical en Baja California Sur desde su llegada a la Escuela de Música en el año de 1999 generando importantes cambios estructurales, administrativos y académicos al interior de esta Institución. Ha dirigido diversas orquestas representadas por músicos de los estados de Sinaloa, Sonora, Baja California, Nayarit, Coahuila, Tlaxcala y Perú. También ha sido director huésped de las orquestas sinfónicas Infantil y Juvenil de México, la Orquesta Sinfónica de Zapopan, la Orquesta Sinfónica “Carlos Chávez” de la ciudad de México, la Orquesta del Encuentro Nacional de Orquestas Juveniles y la Orquesta Sinfónica del Conservatorio del Puebla. Bajo la dirección del Mtro. Domenico Pierini realizó estudios de especialización en violín y música de cámara en la Escuela de Música “Il Trillo” en Florencia, Italia habiendo interactuado como único latinoamericano con músicos de Francia, Turquía y China participando como invitado en el 10º Festival Internacional de Orquestas Juveniles Europeas organizado por la Academia “San Felice” de Florencia ha participado como invitado especial en la Convención de Asociaciones de Maestros de Música del Estado de Texas, EE.UU. En el año 2011 dirigió a la Orquesta Sinfónica del Encuentro Nacional de Orquestas en un concierto realizado en el Palacio de Bellas Artes y este año ha sido seleccionado para dirigir la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Puebla dentro del Encuentro Nacional de Directores organizado por Conaculta. Actualmente es catedrático de la Universidad Autónoma de Baja California Sur, Director de Área en el Instituto Sudcaliforniano de Cultura y docente del nivel secundaria por parte de la Secretaría de Educación Pública. Su principal objetivo es seguir impulsando entre los niños y jóvenes la utilización positiva del tiempo libre además de contribuir con el desarrollo cultural del Estado, fomentando entre las nuevas generaciones de sudcalifornianos el gusto por la música.
Paula Hofmann
Actriz titulada de Duoc UC y artista escénica interdisciplinaria. Desde hace catorce años desarrollo una investigación centrada en el cuerpo como vehículo de expresión, tanto en el teatro como en disciplinas vinculadas con la danza, la performance y la composición musical. Mi práctica se enfoca principalmente en el teatro físico y experimental, integrando herramientas provenientes de la danza contemporánea, las técnicas somáticas, la creación sonora y el trabajo performativo. Durante cinco años formé parte de la compañía de teatro físico CUERPOLÍMITE, participando en procesos de creación y circulación internacional en países como Egipto, Jordania, Corea del Sur, Costa Rica y España. Actualmente desarrollo mi trabajo de manera independiente y colaboro con Colectivo CK, Proyecto Amarelté, Compañía Oxymoro y el Festival Internacional Kinissis. En los últimos cuatro años he profundizado en la composición musical para danza y teatro, ampliando mi práctica hacia la creación de paisajes sonoros y música electrónica experimental. A través de mi proyecto autoral E L F I C A, investigo la relación entre sonido, cuerpo, memoria, paisaje y percepción mediante el uso de la voz, instrumentos acústicos, sintetizadores y herramientas digitales. Mi trayectoria también integra la pedagogía, a través de seminarios y prácticas físicas vinculadas con las técnicas somáticas, la presencia escénica y el autocuidado. Este cruce entre cuerpo, sonido y creación constituye el eje de una búsqueda artística en permanente desarrollo, orientada a expandir las posibilidades sensibles de la música y las artes escénicas.
Ver detallesPaula Hofmann
Descripción
Actriz titulada de Duoc UC y artista escénica interdisciplinaria. Desde hace catorce años desarrollo una investigación centrada en el cuerpo como vehículo de expresión, tanto en el teatro como en disciplinas vinculadas con la danza, la performance y la composición musical. Mi práctica se enfoca principalmente en el teatro físico y experimental, integrando herramientas provenientes de la danza contemporánea, las técnicas somáticas, la creación sonora y el trabajo performativo. Durante cinco años formé parte de la compañía de teatro físico CUERPOLÍMITE, participando en procesos de creación y circulación internacional en países como Egipto, Jordania, Corea del Sur, Costa Rica y España. Actualmente desarrollo mi trabajo de manera independiente y colaboro con Colectivo CK, Proyecto Amarelté, Compañía Oxymoro y el Festival Internacional Kinissis. En los últimos cuatro años he profundizado en la composición musical para danza y teatro, ampliando mi práctica hacia la creación de paisajes sonoros y música electrónica experimental. A través de mi proyecto autoral E L F I C A, investigo la relación entre sonido, cuerpo, memoria, paisaje y percepción mediante el uso de la voz, instrumentos acústicos, sintetizadores y herramientas digitales. Mi trayectoria también integra la pedagogía, a través de seminarios y prácticas físicas vinculadas con las técnicas somáticas, la presencia escénica y el autocuidado. Este cruce entre cuerpo, sonido y creación constituye el eje de una búsqueda artística en permanente desarrollo, orientada a expandir las posibilidades sensibles de la música y las artes escénicas.
PAOLA BRUNNER
Paola Brunner, conocida artísticamente como La Negra Brunner, es una artivista ecuatoriana nacida en Quito y criada en Esmeraldas. Su obra fusiona arte y activismo para reivindicar el afromestizaje y combatir la discriminación racial y de género. Paola Brunner es una cantante, actriz, locutora, comunicadora social, diseñadora, productora, activista y madre soltera. Su nombre artístico, "La Negra", refleja su voluntad de dignificar su ascendencia afrodescendiente. A través de su arte, aborda temas como la identidad, la resistencia cultural y la lucha contra los estigmas sociales. Su obra incluye música, teatro y poesía, y ha sido reconocida tanto en Ecuador como en el extranjero.
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Descripción
Paola Brunner, conocida artísticamente como La Negra Brunner, es una artivista ecuatoriana nacida en Quito y criada en Esmeraldas. Su obra fusiona arte y activismo para reivindicar el afromestizaje y combatir la discriminación racial y de género. Paola Brunner es una cantante, actriz, locutora, comunicadora social, diseñadora, productora, activista y madre soltera. Su nombre artístico, "La Negra", refleja su voluntad de dignificar su ascendencia afrodescendiente. A través de su arte, aborda temas como la identidad, la resistencia cultural y la lucha contra los estigmas sociales. Su obra incluye música, teatro y poesía, y ha sido reconocida tanto en Ecuador como en el extranjero.
Ayofemmi
Ayofemmi é uma cantora e compositora da zona sul de São Paulo que transita entre o trap, R&B, pop e funk, construindo uma identidade sonora potente e autêntica. Sua música carrega influências de grandes nomes do entretenimento global, unindo performance, presença de palco e mensagens que exaltam a liberdade feminina, emocional e espiritual. Com um repertório marcante e contemporâneo, Ayofemmi representa a força criativa das periferias, levando ao público uma experiência vibrante, dançante e cheia de personalidade.
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Funk brasileiro
Trap & Drill
Descripción
Ayofemmi é uma cantora e compositora da zona sul de São Paulo que transita entre o trap, R&B, pop e funk, construindo uma identidade sonora potente e autêntica. Sua música carrega influências de grandes nomes do entretenimento global, unindo performance, presença de palco e mensagens que exaltam a liberdade feminina, emocional e espiritual. Com um repertório marcante e contemporâneo, Ayofemmi representa a força criativa das periferias, levando ao público uma experiência vibrante, dançante e cheia de personalidade.
Música
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