Diego Lopez Catrilao
Desde los 8 añoas he tocado instrumentos musicales. Participe de la orquesta escolar y coro- Desde 2013 me inicié en la música brasileña (batucada y escuelas de samba). Especificamente en la batucada Aires de Brasil. En 2015 fui director de la Escuela de samba Kalahari. En 2017 funde y fui director de la Escuela de Samba O'vaiven por 2 años. Desde 2015 hasta la fecha me dedico a tocar Pandeirio Brasileño. En 2021 me integre al club regional de choro Sexta región hasta la actualidad. He participado en numerosos carnavales nacionales desde mi inicio en la música afrobrasiñeña. Actualmente dedicado al estudio de bandolim
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Samba
Choro
Descripción
Desde los 8 añoas he tocado instrumentos musicales. Participe de la orquesta escolar y coro- Desde 2013 me inicié en la música brasileña (batucada y escuelas de samba). Especificamente en la batucada Aires de Brasil. En 2015 fui director de la Escuela de samba Kalahari. En 2017 funde y fui director de la Escuela de Samba O'vaiven por 2 años. Desde 2015 hasta la fecha me dedico a tocar Pandeirio Brasileño. En 2021 me integre al club regional de choro Sexta región hasta la actualidad. He participado en numerosos carnavales nacionales desde mi inicio en la música afrobrasiñeña. Actualmente dedicado al estudio de bandolim
Gaitas y Tambores de San Jacinto
Conservamos la tradición musical de nuestros abuelos, parientes y ancestros. Interpretamos ritmos que pertenecen a la tradición musical de la costa Atlántica colombiana: música de bailes cantados como bullerengue, chalupa, son de negro, y mapalé -entre otros- y cumbias, porros, gaita corrida, puya, fandango, faroto, merengue, ritmos tradicionales de la música de gaita, que tal y como la conocemos hoy, es un legado cultural gestado en los pueblos de la región de los “Montes de María” ubicados en los departamentos Sucre y Bolívar. Toda esta música es testimonio de la intensa mezcla étnica y cultural ocurrida a lo largo de la historia de estos territorios donde se hibridaron los aportes culturales propios de los grupos indígenas autóctonos con los europeos y africanos, desde el siglo XVI. Las flautas caribes, existentes desde tiempos inmemoriales en los territorios colombianos y llamadas de diversas maneras según el grupo social al que pertenecen: Kuisis, Tolos, Suarras; fueron llamadas gaitas por los españoles quienes encontraron una gran similitud sonora entre estas y un instrumento de Galicia. La música de gaita se fundió con los tambores de ancestros africanos y con las décimas y versos, formas de canto traídas de la península Ibérica. Esta mezcla hace especial al tipo de música concebida allí. En ella surgió el ritmo más representativo del Caribe colombiano, el cual ha sido aceptado como propio en muchos lugares del mundo: La Cumbia, que junto a muchos otros hace parte de la gran ebullición musical y cultural de nuestro país, Colombia. Sones que van desde lo más cadencioso y ritual hasta lo más dinámico y pagano. Éste arte mestizo, esta música, continuó gestándose con devoción en la costa Atlántica, lugar de donde proviene, siendo tejedora de las relaciones humanas y sociales, que bebe largos y pausados sorbos de las fuentes de la tradición y de la cotidianeidad viva de sus creadores e interpretes. En sus pueblos, y sus fiestas en honor a santos, se daba esta comunión entre las gentes que se reunían para alabar sus dioses sincréticos. Su alma se halla en el sentir colectivo y alegre, el cual tiene su sitio privilegiado de expresión en la fiesta popular, gran ritual comunitario en donde se fortalecen y recrean las lealtades y afectos en la interacción social lúdica y estética, y se consolidan los puntos de encuentro basados en el reconocimiento de lo propio y lo ajeno. Esta tradición se encuentra viva y es fundamental dentro de la múltiple identidad regional y nacional de Colombia, es la praxis sonora de uno de los paisajes auditivos de nuestra rica diversidad cultural. El corazón del cactus se funde en la cera de abeja montuna y pluma de pato, para rasgar el aire con su canto de ave que quiere hablar, entonces la brisa lleva lejos el canto de la chuana y el tambor de cuero tensado despierta de la tierra para acudir al llamado del viento; chuira y totumo cimarrón se estremecen. Hombres y mujeres escuchan el lamento de los instrumentos que son extensión de la tierra y se congracian con la alegría del existir, en un diálogo en el que la música es expresada a través del movimiento de esa danza antigua en la que se reconocen a sí mismos, a la tierra y a la historia de su pueblo. La música de Gaitas y Tambores es de toda la costa Atlántica, sin embargo, es en el pueblo de San Jacinto Bolívar donde la gaita nació para el mundo entero hace medio siglo con el grupo “Los Gaiteros de San Jacinto” que la dieron a conocer en todo nuestro país, Europa occidental, Asia, la antigua Unión Soviética y México. Ellos fueron protagonistas de primer orden en el posicionamiento de la música tradicional y popular colombiana, a partir de la segunda mitad del siglo XX. La música es la memoria de la humanidad, es el líquido que da la vida, es el torrente que brota de la tierra, que habita en el monte y escurre todo su conocimiento en arroyos peregrinos de historia, es la lluvia pertinaz que anega nuestra alma y va y viene de tiempo en tiempo como el ritual sincrético de nuestras fiestas de pueblo; la música es un animal gigante que camina a pasos colosales entre el tiempo pasado, presente y futuro del alma humana. A partir de la década de los años 80, su auge fue aumentando el interés de los habitantes de esta región por recuperar su historia, rescatando sus valores ancestrales y populares, de este proceso se consolidan los festivales de gaita en San Jacinto Bolívar y Ovejas Sucre. Gracias a esto la investigación sobre las antiguas fuentes, que durante mucho tiempo estuvo olvidada, tomó gran relevancia. De este proceso han surgido escuelas de gaita y agrupaciones de músicos como GAITAS Y TAMBORES DE SAN JACINTO, que día a día continúan la labor de defender y enriquecer su memoria y valores ancestrales, difundiendo esta música a nivel nacional e internacional. En la música que interpretamos llevamos el recuerdo grato de los grandes maestros que conformaron este grupo, algunos de ellos, nuestros parientes y amigos. Ellos fueron: Toño Fernández, Catalino Parra, Juan y José Lara, Nolasco Mejía, Mañe Mendoza, Toño García, Gabriel Torregrosa, Nicolás Hernández, Juancho Fernández, Eliécer Meléndez, los hermanos Pedro, José y Víctor Yepes, entre otros. Con su talento y afecto por la música nos legaron esta tradición, que hoy en día es uno de los pilares fundamentales de la diversidad cultural de nuestro país. GAITAS Y TAMBORES de SAN JACINTO también recoge la tradición musical de los maestros Andrés Landero y Adolfo Pacheco Anillo, sanjacinteros exponentes de la llamada música de acordeón o vallenato sabanero, que han hecho un aporte fundamental a la consolidación de una identidad “costeña” ligada a este género musical, reconocida en todo el mundo. Nos identificamos con las formas musicales tradicionales, a partir de las cuales recreamos a nivel rítmico y melódico, nuestras composiciones y el repertorio tradicional de la música de gaita. Nuestro apego por las tradiciones populares se constituye en el lugar desde el cual aportamos sentido al mundo y a la vida, invocando las raíces primigenias de la esencia musical y reivindicando la gestación y desarrollo de nuestra música a lo largo de la historia mestiza de nuestro país. De esta manera, el legado indígena y el aporte negro y español se funden en una expresión estética que se crea y recrea en el ritual antiguo y presente de la fiesta de gaitas y tambores. GAITAS Y TAMBORES DE SAN JACINTO ha sido ganador de los siguientes festivales: Festival Autóctono de Gaitas de San Jacinto Bolívar primer puesto 2006 en años anteriores ocupando lugares como segundo y tercer puesto Festival de la Costa Atlántica en Turbaco Bolívar; primer puesto Festival Nacional de Gaitas Ovejas Sucre, tercer puesto en el año 1995 Festival Nacional Autóctono de Gaitas San Jacinto Bolívar, primer puesto 2013 Festival Nacional Autóctono de Gaitas San Jacinto Bolívar, segundo puesto 2018 En el año 2019 participamos del Festival Madambé en Quito Ecuador. En el año de 2001 se grabó el CD “Homenaje a los Gaiteros de San Jacinto”, donde se incluyen canciones como: “La Hamaca Grande” y “El Mochuelo” de Adolfo Pacheco, “La Pava Congona” de Andrés Landero, “Candelaria”, “La Maestranza” y “Zoila” de Toño Fernández. También de grandes maestros como Toño García y Juancho Fernández. En el año 2005 la segunda producción discográfica titulada Tengo Amores con la gaita. 2009, Mi novia se llama cumbia En abril del año 2013 fuimos invitados por la embajada al primer festival de tambores por la paz del mundo realizado en la cuidad del Cairo Egipto.
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Folclor
Cumbia
Descripción
Conservamos la tradición musical de nuestros abuelos, parientes y ancestros. Interpretamos ritmos que pertenecen a la tradición musical de la costa Atlántica colombiana: música de bailes cantados como bullerengue, chalupa, son de negro, y mapalé -entre otros- y cumbias, porros, gaita corrida, puya, fandango, faroto, merengue, ritmos tradicionales de la música de gaita, que tal y como la conocemos hoy, es un legado cultural gestado en los pueblos de la región de los “Montes de María” ubicados en los departamentos Sucre y Bolívar. Toda esta música es testimonio de la intensa mezcla étnica y cultural ocurrida a lo largo de la historia de estos territorios donde se hibridaron los aportes culturales propios de los grupos indígenas autóctonos con los europeos y africanos, desde el siglo XVI. Las flautas caribes, existentes desde tiempos inmemoriales en los territorios colombianos y llamadas de diversas maneras según el grupo social al que pertenecen: Kuisis, Tolos, Suarras; fueron llamadas gaitas por los españoles quienes encontraron una gran similitud sonora entre estas y un instrumento de Galicia. La música de gaita se fundió con los tambores de ancestros africanos y con las décimas y versos, formas de canto traídas de la península Ibérica. Esta mezcla hace especial al tipo de música concebida allí. En ella surgió el ritmo más representativo del Caribe colombiano, el cual ha sido aceptado como propio en muchos lugares del mundo: La Cumbia, que junto a muchos otros hace parte de la gran ebullición musical y cultural de nuestro país, Colombia. Sones que van desde lo más cadencioso y ritual hasta lo más dinámico y pagano. Éste arte mestizo, esta música, continuó gestándose con devoción en la costa Atlántica, lugar de donde proviene, siendo tejedora de las relaciones humanas y sociales, que bebe largos y pausados sorbos de las fuentes de la tradición y de la cotidianeidad viva de sus creadores e interpretes. En sus pueblos, y sus fiestas en honor a santos, se daba esta comunión entre las gentes que se reunían para alabar sus dioses sincréticos. Su alma se halla en el sentir colectivo y alegre, el cual tiene su sitio privilegiado de expresión en la fiesta popular, gran ritual comunitario en donde se fortalecen y recrean las lealtades y afectos en la interacción social lúdica y estética, y se consolidan los puntos de encuentro basados en el reconocimiento de lo propio y lo ajeno. Esta tradición se encuentra viva y es fundamental dentro de la múltiple identidad regional y nacional de Colombia, es la praxis sonora de uno de los paisajes auditivos de nuestra rica diversidad cultural. El corazón del cactus se funde en la cera de abeja montuna y pluma de pato, para rasgar el aire con su canto de ave que quiere hablar, entonces la brisa lleva lejos el canto de la chuana y el tambor de cuero tensado despierta de la tierra para acudir al llamado del viento; chuira y totumo cimarrón se estremecen. Hombres y mujeres escuchan el lamento de los instrumentos que son extensión de la tierra y se congracian con la alegría del existir, en un diálogo en el que la música es expresada a través del movimiento de esa danza antigua en la que se reconocen a sí mismos, a la tierra y a la historia de su pueblo. La música de Gaitas y Tambores es de toda la costa Atlántica, sin embargo, es en el pueblo de San Jacinto Bolívar donde la gaita nació para el mundo entero hace medio siglo con el grupo “Los Gaiteros de San Jacinto” que la dieron a conocer en todo nuestro país, Europa occidental, Asia, la antigua Unión Soviética y México. Ellos fueron protagonistas de primer orden en el posicionamiento de la música tradicional y popular colombiana, a partir de la segunda mitad del siglo XX. La música es la memoria de la humanidad, es el líquido que da la vida, es el torrente que brota de la tierra, que habita en el monte y escurre todo su conocimiento en arroyos peregrinos de historia, es la lluvia pertinaz que anega nuestra alma y va y viene de tiempo en tiempo como el ritual sincrético de nuestras fiestas de pueblo; la música es un animal gigante que camina a pasos colosales entre el tiempo pasado, presente y futuro del alma humana. A partir de la década de los años 80, su auge fue aumentando el interés de los habitantes de esta región por recuperar su historia, rescatando sus valores ancestrales y populares, de este proceso se consolidan los festivales de gaita en San Jacinto Bolívar y Ovejas Sucre. Gracias a esto la investigación sobre las antiguas fuentes, que durante mucho tiempo estuvo olvidada, tomó gran relevancia. De este proceso han surgido escuelas de gaita y agrupaciones de músicos como GAITAS Y TAMBORES DE SAN JACINTO, que día a día continúan la labor de defender y enriquecer su memoria y valores ancestrales, difundiendo esta música a nivel nacional e internacional. En la música que interpretamos llevamos el recuerdo grato de los grandes maestros que conformaron este grupo, algunos de ellos, nuestros parientes y amigos. Ellos fueron: Toño Fernández, Catalino Parra, Juan y José Lara, Nolasco Mejía, Mañe Mendoza, Toño García, Gabriel Torregrosa, Nicolás Hernández, Juancho Fernández, Eliécer Meléndez, los hermanos Pedro, José y Víctor Yepes, entre otros. Con su talento y afecto por la música nos legaron esta tradición, que hoy en día es uno de los pilares fundamentales de la diversidad cultural de nuestro país. GAITAS Y TAMBORES de SAN JACINTO también recoge la tradición musical de los maestros Andrés Landero y Adolfo Pacheco Anillo, sanjacinteros exponentes de la llamada música de acordeón o vallenato sabanero, que han hecho un aporte fundamental a la consolidación de una identidad “costeña” ligada a este género musical, reconocida en todo el mundo. Nos identificamos con las formas musicales tradicionales, a partir de las cuales recreamos a nivel rítmico y melódico, nuestras composiciones y el repertorio tradicional de la música de gaita. Nuestro apego por las tradiciones populares se constituye en el lugar desde el cual aportamos sentido al mundo y a la vida, invocando las raíces primigenias de la esencia musical y reivindicando la gestación y desarrollo de nuestra música a lo largo de la historia mestiza de nuestro país. De esta manera, el legado indígena y el aporte negro y español se funden en una expresión estética que se crea y recrea en el ritual antiguo y presente de la fiesta de gaitas y tambores. GAITAS Y TAMBORES DE SAN JACINTO ha sido ganador de los siguientes festivales: Festival Autóctono de Gaitas de San Jacinto Bolívar primer puesto 2006 en años anteriores ocupando lugares como segundo y tercer puesto Festival de la Costa Atlántica en Turbaco Bolívar; primer puesto Festival Nacional de Gaitas Ovejas Sucre, tercer puesto en el año 1995 Festival Nacional Autóctono de Gaitas San Jacinto Bolívar, primer puesto 2013 Festival Nacional Autóctono de Gaitas San Jacinto Bolívar, segundo puesto 2018 En el año 2019 participamos del Festival Madambé en Quito Ecuador. En el año de 2001 se grabó el CD “Homenaje a los Gaiteros de San Jacinto”, donde se incluyen canciones como: “La Hamaca Grande” y “El Mochuelo” de Adolfo Pacheco, “La Pava Congona” de Andrés Landero, “Candelaria”, “La Maestranza” y “Zoila” de Toño Fernández. También de grandes maestros como Toño García y Juancho Fernández. En el año 2005 la segunda producción discográfica titulada Tengo Amores con la gaita. 2009, Mi novia se llama cumbia En abril del año 2013 fuimos invitados por la embajada al primer festival de tambores por la paz del mundo realizado en la cuidad del Cairo Egipto.
Cristina García Banegas
Organista, directora orquestal y coral nacida en Montevideo. Ocupó el cargo de Profesor de la Cátedra de Órgano en la Escuela Universitaria de Música de Montevideo desde el año 1985 hasta finales del año 2019; creadora y Directora artística del Festival Internacional de Órgano del Uruguay (1987), creadora y Directora del Ensemble Vocal e Instrumental De Profundis (1987), Directora de la Selección coral del Colegio Inglés (1989), creadora del proyecto “Los Niños de tu Ciudad” (Intendencia Municipal de Montevideo, 2008) y actual directora de “DeProfunditos” dentro del Museo de Arte Precolombino e indígena (M.A.P.I). Junto a este Museo consolida un nuevo proyecto desde el año 2016: “Festival de Musicología y Música Colonial Italo-Iberoamericana”.
Ver detallesCristina García Banegas
Barroca
Contemporánea
Descripción
Organista, directora orquestal y coral nacida en Montevideo. Ocupó el cargo de Profesor de la Cátedra de Órgano en la Escuela Universitaria de Música de Montevideo desde el año 1985 hasta finales del año 2019; creadora y Directora artística del Festival Internacional de Órgano del Uruguay (1987), creadora y Directora del Ensemble Vocal e Instrumental De Profundis (1987), Directora de la Selección coral del Colegio Inglés (1989), creadora del proyecto “Los Niños de tu Ciudad” (Intendencia Municipal de Montevideo, 2008) y actual directora de “DeProfunditos” dentro del Museo de Arte Precolombino e indígena (M.A.P.I). Junto a este Museo consolida un nuevo proyecto desde el año 2016: “Festival de Musicología y Música Colonial Italo-Iberoamericana”.
NÓTT
NÓTT nació a mediados del 2016, cuando tres colegas se encontraron con un mismo fin, y, decidieron juntas emprender el movimiento. Su nombre lo tomaron de la diosa nórdica de la noche, una mujer fuerte de ideas claras y objetivas, que odiaba las actitudes rosas, pero siempre muy solidaria, impulsaba el esfuerzo de las personas, intentando que éstas supieran hasta dónde eran capaces de llegar, llevando al extremo sus capacidades. Así nació NOTT, un movimiento electrónico con el único propósito de fomentar la presencia femenina en un escenario gobernado por hombres. A través de workshops, showcases, podcasts, un programa de radio online y un networking en Latinoamérica, NOTT ha podido incentivar y visibilizar proyectos femeninos de Colombia y América Latina. En su primer aniversario llevó a cabo un taller gratuito de remezcla digital en el MAMM, a principios de 2018, fue elegido por la plataforma Boiler Room para realizar su segunda versión de los eventos OFFCAMERA, en el cual se hicieron talleres, conversatorios y conciertos en el Parque Explora y el cual cerró con una fiesta con invitadas especiales como Orieta Chrem de Perú y Feralucia. En su segundo aniversario NOTT tuvo como invitada a la talentosa artista mexicana Demian Litch, con la cual se llevó a cabo un workshop sobre Ableton Live y síntesis de audio. NOTT también maneja otros canales de difusión, como su serie de podcasts, su sello que nació el año pasado con el álbum “Montañas” de Lu Zero, y el programa de radio mensual que tiene en Internet Public Radio, en donde constantemente tiene invitadas nacionales. Además de haber realizado workshops y showcases, y haber participado en conversatorios en otras ciudades del país, NOTT este año contó con un stage en el prestigioso BAUM fest en la ciudad de Bogotá, el cual tuvo una instalación de video y un line up completamente femenino y en su mayoría latinoamericano con invitadas como Valesuchi, Sol Ortega, Eli Iwasa y con una gran invitada internacional desde Berlín, Virginia. Este año para su tercer aniversario, NOTT sacó segundo lanzamiento en su sello, un lindo compilado con tracks de varias mujeres colombianas y latinoamericanas, con participación de artistas como Magdalena, Aleja Sanchez, Kriss Salas, Nerea, Valesuchi y sus fundadoras Andrea Arias, Marea y Julianna. En el 2020 NÓTT Records lanza su 3era entrega; un EP de remixes de algunos tracks del primer álbum de Lu Zero, llamado 'BRECHA', en el que participan artistas de Colombia. En este mismo año, NÓTT también participa en la convocatoria de la Alcaldía de Medellín llamada Medellín Creativa, en la cual comparte conocimientos y aprendizajes con un grupo de marcas artísticas de la ciudad. En la actualidad, NÓTT expande su grupo de trabajo con las lideres Marea y Andrea Arias, e invita a formar parte a 4 artistas colombianas (Polinne Moth, Lina de Heks, Mich y la venezolana Coal), quienes con su apoyo logran lanzar el último release y 4ta entrega del sello. Un compilado llamado ALDUNA, que incluye 25 tracks de artistas de países de América Latina como: Colombia, Venezuela, Paraguay, Brasil, Argentina, y Chile. Este compilado logra ser distribuido en todas las plataformas de música digital y está a la venta en su perfil de Bandcamp. Así mismo, celebran el 5to aniversario del proyecto junto al actual crew y una artista Bogotona de vieja data, en el club que siempre les abre las puertas de Medellín: Calle 9+1.
Ver detallesNÓTT
Electronic Body Music
Chicago House & Garage House
Acid House
Descripción
NÓTT nació a mediados del 2016, cuando tres colegas se encontraron con un mismo fin, y, decidieron juntas emprender el movimiento. Su nombre lo tomaron de la diosa nórdica de la noche, una mujer fuerte de ideas claras y objetivas, que odiaba las actitudes rosas, pero siempre muy solidaria, impulsaba el esfuerzo de las personas, intentando que éstas supieran hasta dónde eran capaces de llegar, llevando al extremo sus capacidades. Así nació NOTT, un movimiento electrónico con el único propósito de fomentar la presencia femenina en un escenario gobernado por hombres. A través de workshops, showcases, podcasts, un programa de radio online y un networking en Latinoamérica, NOTT ha podido incentivar y visibilizar proyectos femeninos de Colombia y América Latina. En su primer aniversario llevó a cabo un taller gratuito de remezcla digital en el MAMM, a principios de 2018, fue elegido por la plataforma Boiler Room para realizar su segunda versión de los eventos OFFCAMERA, en el cual se hicieron talleres, conversatorios y conciertos en el Parque Explora y el cual cerró con una fiesta con invitadas especiales como Orieta Chrem de Perú y Feralucia. En su segundo aniversario NOTT tuvo como invitada a la talentosa artista mexicana Demian Litch, con la cual se llevó a cabo un workshop sobre Ableton Live y síntesis de audio. NOTT también maneja otros canales de difusión, como su serie de podcasts, su sello que nació el año pasado con el álbum “Montañas” de Lu Zero, y el programa de radio mensual que tiene en Internet Public Radio, en donde constantemente tiene invitadas nacionales. Además de haber realizado workshops y showcases, y haber participado en conversatorios en otras ciudades del país, NOTT este año contó con un stage en el prestigioso BAUM fest en la ciudad de Bogotá, el cual tuvo una instalación de video y un line up completamente femenino y en su mayoría latinoamericano con invitadas como Valesuchi, Sol Ortega, Eli Iwasa y con una gran invitada internacional desde Berlín, Virginia. Este año para su tercer aniversario, NOTT sacó segundo lanzamiento en su sello, un lindo compilado con tracks de varias mujeres colombianas y latinoamericanas, con participación de artistas como Magdalena, Aleja Sanchez, Kriss Salas, Nerea, Valesuchi y sus fundadoras Andrea Arias, Marea y Julianna. En el 2020 NÓTT Records lanza su 3era entrega; un EP de remixes de algunos tracks del primer álbum de Lu Zero, llamado 'BRECHA', en el que participan artistas de Colombia. En este mismo año, NÓTT también participa en la convocatoria de la Alcaldía de Medellín llamada Medellín Creativa, en la cual comparte conocimientos y aprendizajes con un grupo de marcas artísticas de la ciudad. En la actualidad, NÓTT expande su grupo de trabajo con las lideres Marea y Andrea Arias, e invita a formar parte a 4 artistas colombianas (Polinne Moth, Lina de Heks, Mich y la venezolana Coal), quienes con su apoyo logran lanzar el último release y 4ta entrega del sello. Un compilado llamado ALDUNA, que incluye 25 tracks de artistas de países de América Latina como: Colombia, Venezuela, Paraguay, Brasil, Argentina, y Chile. Este compilado logra ser distribuido en todas las plataformas de música digital y está a la venta en su perfil de Bandcamp. Así mismo, celebran el 5to aniversario del proyecto junto al actual crew y una artista Bogotona de vieja data, en el club que siempre les abre las puertas de Medellín: Calle 9+1.
Música
Armando Rosales
ARMANDO ROSALES 1987, Estudió en Diseño Gráfico de la Universidad del Zulia en el año 2010 y terminó el programa educativo de Soma en 2016, además de formar parte del Art & Law Program fall 2019 en la APP Cornell en Nueva York. Su trabajo fluctúa entre lo consciente y lo intuitivo como herramientas para cuestionar la relación entre lo intimo, lo institucional y lo político, valiéndose de lo esculltorico y lo instalativo explora nociones de forma y síntesis desde de lo material, lo sonoro y lo performático. Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 2015.
Ver detallesArmando Rosales
Solistas
Contemporánea
Descripción
ARMANDO ROSALES 1987, Estudió en Diseño Gráfico de la Universidad del Zulia en el año 2010 y terminó el programa educativo de Soma en 2016, además de formar parte del Art & Law Program fall 2019 en la APP Cornell en Nueva York. Su trabajo fluctúa entre lo consciente y lo intuitivo como herramientas para cuestionar la relación entre lo intimo, lo institucional y lo político, valiéndose de lo esculltorico y lo instalativo explora nociones de forma y síntesis desde de lo material, lo sonoro y lo performático. Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 2015.
Oficina Tambores de Encontro
Tambores de Encontro – Conexões rítmicas entre Brasil e Uruguai, com o objetivo de apresentar algumas possibilidades de aplicação dos ritmos desenvolvidos em ambos países, contando suas referências histórias, fundamentos básicos, e pontos de intersecção entre eles. As professoras Natalia Gularte, Debora Saraiva e Verônica Orkidia conduzirão a oficina trazendo os ritmos das manifestações do candombe uruguaio e da música afrobrasileira.
Ver detallesOficina Tambores de Encontro
Afrobrasileiro
Candombe
Descripción
Tambores de Encontro – Conexões rítmicas entre Brasil e Uruguai, com o objetivo de apresentar algumas possibilidades de aplicação dos ritmos desenvolvidos em ambos países, contando suas referências histórias, fundamentos básicos, e pontos de intersecção entre eles. As professoras Natalia Gularte, Debora Saraiva e Verônica Orkidia conduzirão a oficina trazendo os ritmos das manifestações do candombe uruguaio e da música afrobrasileira.
Musiclaje Ritmos sustentables
Shanti Nadjmabadi Gestora cultural/Fundadora de Musiclaje Su instrumento principal es la creatividad y la danza. Nació en Estados Unidos y desde pequeña mostró gran interés por las artes y las tradiciones, participando en obras de teatro en su escuela primaria. A los 9 años emigra a Iran, país donde estudia la danza autóctona persa durante sus 3 años de residencia. Luego viaja a Venezuela donde se radica por más de 20 años, estudiando y aprendiendo sobre las danzas folclóricas y latinoamericanas. En el año 2016 se desempeñó como administradora y gestora cultural, organizando eventos, talleres y fiestas folclóricas para el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas. En el año 2018 decide emigrar a Chile, país donde reside actualmente. Estudia historia, música y danza afro chilena con la escuela Aluna Tambó de Arica y participa en el cuerpo de baile de Túmbala Comparsa. Fundadora del proyecto artístico-ambiental llamado Musiclaje – Ritmos Sustentables, quien junto al músico, bajista y compositor venezolano Dionisio López buscan concientizar a través de la música y las tradiciones el impacto que genera la basura en nuestro ecosistema. Actualmente confeccionan instrumentos musicales con la reutilización de materiales reciclados en el Centro de Creación Concepción, lugar donde dictan talleres de música, educación ambiental y aporta en la escena musical componiendo e interpretando canciones con grandes artistas de Venezuela, Chile y Colombia.
Ver detallesMusiclaje Ritmos sustentables
Folclor Fusión
Afro
Descripción
Shanti Nadjmabadi Gestora cultural/Fundadora de Musiclaje Su instrumento principal es la creatividad y la danza. Nació en Estados Unidos y desde pequeña mostró gran interés por las artes y las tradiciones, participando en obras de teatro en su escuela primaria. A los 9 años emigra a Iran, país donde estudia la danza autóctona persa durante sus 3 años de residencia. Luego viaja a Venezuela donde se radica por más de 20 años, estudiando y aprendiendo sobre las danzas folclóricas y latinoamericanas. En el año 2016 se desempeñó como administradora y gestora cultural, organizando eventos, talleres y fiestas folclóricas para el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas. En el año 2018 decide emigrar a Chile, país donde reside actualmente. Estudia historia, música y danza afro chilena con la escuela Aluna Tambó de Arica y participa en el cuerpo de baile de Túmbala Comparsa. Fundadora del proyecto artístico-ambiental llamado Musiclaje – Ritmos Sustentables, quien junto al músico, bajista y compositor venezolano Dionisio López buscan concientizar a través de la música y las tradiciones el impacto que genera la basura en nuestro ecosistema. Actualmente confeccionan instrumentos musicales con la reutilización de materiales reciclados en el Centro de Creación Concepción, lugar donde dictan talleres de música, educación ambiental y aporta en la escena musical componiendo e interpretando canciones con grandes artistas de Venezuela, Chile y Colombia.
Juan Martin Medina
Juan Martín Medina es musico instrumentista, compositor, arreglador, docente y productor. Ejecuta más de 20 instrumentos: Flauta traversa, saxos, percusión, guitarra, charango, clarinete, acordeón, aerófonos andinos, teclados, etc. Sus especialidades son la flauta traversa y el saxo, con un profundo conocimiento de las músicas regionales de su país. Estudió en Córdoba en los institutos la Colmenta y Collegium. Luego en Buenos Aires en la Escuela Provincial de Música popular de Avellaneda, donde se especializó en Flauta Folklore. Actualmente se encuentra abocado a su carrera solista, con dos discos editados en Argentina y México: "Soy Medina" (2013) y "En el Sendero" (2015). Este último fue nominado a los premios Gardel 2016 en el rubro “Nuevo Artista de Folklore” Con este proyecto ha realizado presentaciones en Argentina, México y USA en escenarios como Festival de folklore de Cosquín (2013), San Vicente Jazz Festival (2013), Festival Mundial del Choripán (2014), Cultural Center Key Biscayne (Florida, USA, 2013 y 2014), Foro del Tejedor (México DF 2013 y 2014), Rojo Café (Guadalajara 2014), Museo de Culturas Populares (Coyoacán, México DF), Foro Coyoacanense (DF), etc. Desde el año 2008 hasta la actualidad alterna su residencia alterna entre Argentina en México debido a que integra la agrupación de la artista mexicana Julieta Venegas , cumpliendo el rol de multiinstrumentista (flauta, saxo, clarinete, acordeon, teclados y percusión) y ocupandose de la dirección musical entre 2011 y 2013. Entre 1989 y el 2008 ha sido miembro estable de las agrupaciones de : Peteco Carabajal, Los Nocheros, Chango Spasiuk, Cuti y Roberto Carabajal, Minino Garay, Jorge Buenfil, etc. Participó también en los conciertos de artistas como Oscar Chavez (Auditorio Nacional 2011, México), Divididos(Obras 1993), Los Auténticos Decadentes (gira México 2012), César Isella, La Chacarerata Santiagueña, Loli Molina, entre otros. Grabó cerca de 100 discos con artistas nacionales e internacionales, algunos de los cuales fueron de vital importancia en sus carreras, como el "UNPLUGGED MTV" de Julieta Venegas; o "SIGNOS" de Los Nocheros. Formó parte de la comisión redactora de la ley de la música (Argentina), aprobada en el 2013, por la cual se creó el Instituto Nacional de la Música. Como docente, desarrolló el programa de la materia "saxo folklore" para la carrera de saxofonista en la Escuela Provincial Leopoldo Marechal, Dirección de educación de la provincia de Buenos Aires, dictando la materia desde el 2006 hasta su ida a México. En los últimos años se dedicó a desarrollar proyectos conceptuales musicales históricos, en su mayoría junto al periodista Mariano Saravia. Compuso y produjo la obra “Padre de la patria” junto al cantautor mendocino Gustavo Maturano, dedicada al período de gobernador en Mendoza del Gral. José de San Martín. Compuso junto a Jorge Luis Carabajal y Mariano J.Medina la obra “Juan Bautista Bustos, el escondido de la historia” que relata la vida y obra del caudillo y gobernador de la provincia de Córdoba. Participó como disertante en la Feria Internacional del Libro de Antropología e Historia 2020, del INAH (México), exponiendo sobre “Música popular argentina: su rol en la construcción de la identidad argentina”
Ver detallesJuan Martin Medina
Nuevo Folclor
Folclor Fusión
Chacarera
Zamba
Descripción
Juan Martín Medina es musico instrumentista, compositor, arreglador, docente y productor. Ejecuta más de 20 instrumentos: Flauta traversa, saxos, percusión, guitarra, charango, clarinete, acordeón, aerófonos andinos, teclados, etc. Sus especialidades son la flauta traversa y el saxo, con un profundo conocimiento de las músicas regionales de su país. Estudió en Córdoba en los institutos la Colmenta y Collegium. Luego en Buenos Aires en la Escuela Provincial de Música popular de Avellaneda, donde se especializó en Flauta Folklore. Actualmente se encuentra abocado a su carrera solista, con dos discos editados en Argentina y México: "Soy Medina" (2013) y "En el Sendero" (2015). Este último fue nominado a los premios Gardel 2016 en el rubro “Nuevo Artista de Folklore” Con este proyecto ha realizado presentaciones en Argentina, México y USA en escenarios como Festival de folklore de Cosquín (2013), San Vicente Jazz Festival (2013), Festival Mundial del Choripán (2014), Cultural Center Key Biscayne (Florida, USA, 2013 y 2014), Foro del Tejedor (México DF 2013 y 2014), Rojo Café (Guadalajara 2014), Museo de Culturas Populares (Coyoacán, México DF), Foro Coyoacanense (DF), etc. Desde el año 2008 hasta la actualidad alterna su residencia alterna entre Argentina en México debido a que integra la agrupación de la artista mexicana Julieta Venegas , cumpliendo el rol de multiinstrumentista (flauta, saxo, clarinete, acordeon, teclados y percusión) y ocupandose de la dirección musical entre 2011 y 2013. Entre 1989 y el 2008 ha sido miembro estable de las agrupaciones de : Peteco Carabajal, Los Nocheros, Chango Spasiuk, Cuti y Roberto Carabajal, Minino Garay, Jorge Buenfil, etc. Participó también en los conciertos de artistas como Oscar Chavez (Auditorio Nacional 2011, México), Divididos(Obras 1993), Los Auténticos Decadentes (gira México 2012), César Isella, La Chacarerata Santiagueña, Loli Molina, entre otros. Grabó cerca de 100 discos con artistas nacionales e internacionales, algunos de los cuales fueron de vital importancia en sus carreras, como el "UNPLUGGED MTV" de Julieta Venegas; o "SIGNOS" de Los Nocheros. Formó parte de la comisión redactora de la ley de la música (Argentina), aprobada en el 2013, por la cual se creó el Instituto Nacional de la Música. Como docente, desarrolló el programa de la materia "saxo folklore" para la carrera de saxofonista en la Escuela Provincial Leopoldo Marechal, Dirección de educación de la provincia de Buenos Aires, dictando la materia desde el 2006 hasta su ida a México. En los últimos años se dedicó a desarrollar proyectos conceptuales musicales históricos, en su mayoría junto al periodista Mariano Saravia. Compuso y produjo la obra “Padre de la patria” junto al cantautor mendocino Gustavo Maturano, dedicada al período de gobernador en Mendoza del Gral. José de San Martín. Compuso junto a Jorge Luis Carabajal y Mariano J.Medina la obra “Juan Bautista Bustos, el escondido de la historia” que relata la vida y obra del caudillo y gobernador de la provincia de Córdoba. Participó como disertante en la Feria Internacional del Libro de Antropología e Historia 2020, del INAH (México), exponiendo sobre “Música popular argentina: su rol en la construcción de la identidad argentina”
Delta Ouji
Soy un artista audiovisual, cantautor y productor de musica electronica que trabaja de manera independiente y tambien como parte del colectivo artistico Rayo Seco Discos; He trabajado en bandas sonoras para producciones independientes, colaborado con artistas de Estados Unidos, España y Japon, y produje/dirigi el arte visual del nuevo album de la cantante japonesa MIKUROMIKA
Ver detallesDelta Ouji
Discopop / Post-Disco
Electropop
Electronic Body Music
Descripción
Soy un artista audiovisual, cantautor y productor de musica electronica que trabaja de manera independiente y tambien como parte del colectivo artistico Rayo Seco Discos; He trabajado en bandas sonoras para producciones independientes, colaborado con artistas de Estados Unidos, España y Japon, y produje/dirigi el arte visual del nuevo album de la cantante japonesa MIKUROMIKA
COSO
Artista independiente y productor musical. Trompetista y tecladista. Fundador del proyecto grupal de música experimental "Condimento para Monje", arreglador ,teclados y fx en banda "Ultraterreno" desde 2016 a 2019. En 2017 se vincula a la plataforma Marea – Área de Movimiento haciendo la música en vivo de la obra "temblorosura" y desde ese momento trabajo en residencias de creación y jams de danza contemporánea. Creador del proyecto Planeta Urdi , proyecto personal desarrollado en Buenos Aires que abarcó tanto mùsica para teatro ( obra “Que te he hecho para que me trates así” de Analuz Kallsten) como mùsica experimental, presentado en exposiciones de artes plásticas y en centros culturales como El Cántaro (CABA), Teatro de la estación (Fisque Menuco). Realizo la grabación e intervención de poemas de poetas regionales en colaboración con la revista local Sinestesia. Presentado en el encuentro de poetas “Conversaciones de otoño 2016” y en la Radio local “Antena Libre”. De manera continua trabajo con diferentes propuestas escénicas contemporáneas independientes en Fiske Menuco y en CABA. Forma parte de Rayo Seco Discos, un Sello y Productora de gestión colectiva y colaborativa que se interesa particularmente en la música contemporánea, experimental y el arte sonoro patagónico. Rayo Seco tiene como objetivo autogestionar, producir y difundir proyectos ligados a conceptos de estéticas experimentales en lo que respecta a artes visuales y arte sonoro. Apoya y promueve el desarrollo de músicos independientes de la Patagonia mediante la organización de conciertos, grabación de Discos y Videos. El sello genera fechas y eventos diversos en torno la escena sonora contemporánea y desarrollamos propuestas pedagógicas desde 2017 y trabaja en colaboración con proyectos y espacios culturales locales autogestivos e independientes. Desarrolla proyectos propios musicales y de arte sonoro en diferentes formatos y produce junto a Claudia Brito el ciclo de música experimental “Para el Placer Bailable y Quietable” que ya lleva 10 ediciones en Fisque Menuco en dos espacios autogestivos e independientes “Casa que arde” durante el año y ediciones de verano en una chacra al aire libre. Actualmente trabaja en la producción de la segunda edición del festimultiforme, un festival de música experimental y arte sonoro y en el desarrollo del proyecto “Callejeando Mundos” concierto ambulante en (con PROYECTOCOSO). Loa proyectos actuales en los que viene trabajando son PROYECTOCOSO una propuesta sonora y performática con propuestas urbanas y para sitios específicos. Este proyecto se interesa por lo transdiciplinar , la experimentación , la improvisación y se nutre trabajando con colegas de otras disciplinas descubriendo nuevos modos de manera continua y CONDIMENTO PARA MONJE : Grupo mutante que experimenta con la música , el cual aborda la improvisación como una herramienta importante para los procesos creativos y las presentaciones en vivo.
Ver detallesCOSO
Tech House
Eurotrance & Vocal Trance
Acid House
Descripción
Artista independiente y productor musical. Trompetista y tecladista. Fundador del proyecto grupal de música experimental "Condimento para Monje", arreglador ,teclados y fx en banda "Ultraterreno" desde 2016 a 2019. En 2017 se vincula a la plataforma Marea – Área de Movimiento haciendo la música en vivo de la obra "temblorosura" y desde ese momento trabajo en residencias de creación y jams de danza contemporánea. Creador del proyecto Planeta Urdi , proyecto personal desarrollado en Buenos Aires que abarcó tanto mùsica para teatro ( obra “Que te he hecho para que me trates así” de Analuz Kallsten) como mùsica experimental, presentado en exposiciones de artes plásticas y en centros culturales como El Cántaro (CABA), Teatro de la estación (Fisque Menuco). Realizo la grabación e intervención de poemas de poetas regionales en colaboración con la revista local Sinestesia. Presentado en el encuentro de poetas “Conversaciones de otoño 2016” y en la Radio local “Antena Libre”. De manera continua trabajo con diferentes propuestas escénicas contemporáneas independientes en Fiske Menuco y en CABA. Forma parte de Rayo Seco Discos, un Sello y Productora de gestión colectiva y colaborativa que se interesa particularmente en la música contemporánea, experimental y el arte sonoro patagónico. Rayo Seco tiene como objetivo autogestionar, producir y difundir proyectos ligados a conceptos de estéticas experimentales en lo que respecta a artes visuales y arte sonoro. Apoya y promueve el desarrollo de músicos independientes de la Patagonia mediante la organización de conciertos, grabación de Discos y Videos. El sello genera fechas y eventos diversos en torno la escena sonora contemporánea y desarrollamos propuestas pedagógicas desde 2017 y trabaja en colaboración con proyectos y espacios culturales locales autogestivos e independientes. Desarrolla proyectos propios musicales y de arte sonoro en diferentes formatos y produce junto a Claudia Brito el ciclo de música experimental “Para el Placer Bailable y Quietable” que ya lleva 10 ediciones en Fisque Menuco en dos espacios autogestivos e independientes “Casa que arde” durante el año y ediciones de verano en una chacra al aire libre. Actualmente trabaja en la producción de la segunda edición del festimultiforme, un festival de música experimental y arte sonoro y en el desarrollo del proyecto “Callejeando Mundos” concierto ambulante en (con PROYECTOCOSO). Loa proyectos actuales en los que viene trabajando son PROYECTOCOSO una propuesta sonora y performática con propuestas urbanas y para sitios específicos. Este proyecto se interesa por lo transdiciplinar , la experimentación , la improvisación y se nutre trabajando con colegas de otras disciplinas descubriendo nuevos modos de manera continua y CONDIMENTO PARA MONJE : Grupo mutante que experimenta con la música , el cual aborda la improvisación como una herramienta importante para los procesos creativos y las presentaciones en vivo.
20017 Resultados – Página 965 de 2002