Categoria: Experiências

  • David Hernández Ramos (México) – Residencia compositiva junto al ensemble Awkas

    David Hernández Ramos (México) – Residencia compositiva junto al ensemble Awkas

    En 2019 el compositor mexicano David Hernández Ramos realizó en París, Francia y Berna, Suiza una residencia compositiva junto al ensemble Awkas en la que fue creada la obra «Un cuento de hadas» para flauta, saxofón, violín, violonchelo, arpa, piano y percusión.

    Awkas Ensemble y David Hernández Ramos tuvieron una primera colaboración a distancia durante el año 2016, cuando su director musical Alex Nante, le encargara a Hernández Ramos una pieza para el concierto de presentación del grupo. El resultado de dicha comisión fue la pieza «Feux d’artifice». Esta colaboración generó un profundo deseo de trabajar nuevamente en una nueva pieza para el grupo, esta vez hecha como un traje a la medida y buscando el contacto presencial para generar así un proceso de creación más estrecho. La residencia musical con Awkas Ensemble ha vuelto realidad esta segunda colaboración la cual ha dado como resultado la nueva partitura. La obra pudo ser trabajada minuciosamente con el ensamble a través de tres sesiones de ensayo exhaustivas que permitieron delinear cada detalle de la pieza para alcanzar su versión definitiva.

    Las actividades de esta estancia fueron distribuidas en cuatro partes, por un lado las tres intensas sesiones de ensayo con Awkas Ensemble sobre la nueva partitura, donde se llevó a cabo un minucioso trabajo con los ejecutantes, llegando a depurar sus respectivas partes a través del montaje de la pieza y haciendo cambios a la misma, que la volvieron mucho más precisa e idiomática. Dos de las sesiones tuvieron lugar en la ciudad de Berna en las instalaciones de la Hochschule der Künste y otra en la ciudad de París en la Cité Internationale des Arts. El estreno de la obra está pensado para ser realizado en  la ciudad de Guanajuato, México, en el marco del festival «Callejón del ruido».

    La cuarta actividad consistió en una clase magistral para los alumnos de composición del Conservatoire Régional de Boulogne-Billancourt, en el marco de la cátedra del profesor Jean-Luc Hervé. La clase giró en torno a la presentación de dos obras de David Hernández Ramos, la primera fue «Feux d’artifice» y la segunda el cuarteto de cuerdas número 2, titulado «Especialmente en abril» y que fuera estrenado en 2014 por el cuarteto Arditti en la ciudad de Monterrey. El proceso de trabajo partió desde la presentación técnica y teórica de ambas piezas, abordando aspectos como la forma, el tratamiento armónico, la sistematización de las alturas y aspectos de instrumentación aplicados a la estructura de las piezas. La clase magistral  ofrecida en el Conservatoire Régional de Boulogne-Billancourt propició un amplio intercambio de ideas y puntos de vista sobre la creación sonora actual en diferentes latitudes y realidades sociales como lo son América Latina y Europa.

    A raíz de este trabajo en residencia el compositor también ha abierto nuevas puertas para realizar la composición de una pieza para saxofón y piano para Bera Romairone, saxofonista de Awkas, así como la posibilidad del estreno mundial del trío para violín, violonchelo y piano «Poeme de l’amour non partagé» de Hernández Ramos a cargo de integrantes del mismo ensamble.

    “He tenido la fortuna de recibir en el año 2016 el reconocimiento de Ibermúsicas como ganador del segundo concurso de composición sinfónica auspiciado por el programa. En otra ocasión mi música fue ejecutada en Chile gracias al apoyo otorgado por Ibermúsicas al Ensemble Vertebrae. Esta residencia artística con Awkas es mi primera ayuda directa a una postulación de un proyecto personal y estoy especialmente satisfecho con el resultado del mismo. La posibilidad de haber podido consagrar un mes de trabajo con un grupo dedicado a la música contemporánea para la creación de una nueva obra es invaluable y ayuda a fortalecer los vínculos entre los músicos que estamos interesados en la labor casi marginal que es la creación y ejecución de la llamada música contemporánea”.

  • Festival Jazz & Blues (Brasil) – participación de Yamile Burich & Ladies (Argentina)

    Festival Jazz & Blues (Brasil) – participación de Yamile Burich & Ladies (Argentina)

    El quinteto femenino Yamile Burich & Ladies viajó a Brasil para integrar la programación del 21º Festival Jazz & Blues.

    Conciertos, ensayos abiertos, acciones de formación musical y presencia de artistas internacionales marcaron el tradicional Festival Jazz & Blues –edición 21– que se llevó a cabo del 22 al 29 de febrero de 2020 tanto en Guaramiranga, Ceará, un pueblo de montaña ubicado en el Macizo de Baturité, a unos 100 km de Fortaleza y en Maracanaú, en la Región Metropolitana. El quinteto argentino Yamile Burich & Ladies Jazz, realizó dos conciertos, uno en Guaramiranga y otro en Aquiraz. En el Festival, el quinteto conformado por Yamile Burich, Diana María Arias, Analía Ferronato, Patrica Grindfeld y Carolina Cohen, presentó el espectáculo «Alegría», el título del tercer álbum, lanzado en 2019.

    Ya con 21 ediciones realizadas, este Festival es una referencia de gran importancia para la de música instrumental de Ceará y de todo el nordeste brasileño. El evento ganó repercusión nacional por su calidad artística, por la popularidad de sus invitados y por el impacto cultural y socioeconómico que causa en Guaramiranga proponiendo  nuevas sonoridades, generando nuevas emociones y uniendo arte, entretenimiento, educación y desarrrollo social sustentable. Se trata de uno de los festivales más antiguos de Brasil. Desde Guaramiranga y Fortaleza sus valores y beneficios fueron expandiéndose a otros lugares de Brasil. El festival inspiró el nacimiento de varios otros eventos musicales y desarrolló un considerable público en varios puntos del país.

    A partir del año 2000, el Festival se configuró en una alternativa cultural a los carnavales tradicionales de Guaramiranga convirtiéndose en un evento plural y permitiendo una democratización del acceso a la cultura y la promoción con un fructífero intercambio entre artistas locales y extranjeros. Estas acciones significaron un hito para la ciudad, logrando retirar a Guaramiranga del común aislamiento impuesto a las ciudades del interior del país para convertirla en la Capital del Jazz & Blues, título que le fuera concedido por la Assembleia Legislativa do Ceará en 2011 en reconocimiento a la repercusión del evento.

    Considerado el principal escenario de circulación de música instrumental en Ceará, el Festival Jazz & Blues permite el intercambio entre músicos de varios estados y países, mezclando presentaciones de nombres consagrados con talentos regionales. La iniciativa posibilita el conocimiento de la producción de nuevos artistas y aproxima al gran público nuevos estilos musicales contribuyendo a la efectivización de un verdadero pluralismo cultural en la región. El Festival propicia cada año que los estudiantes de música tengan contacto con los artistas y puedan perfeccionarse musicalmente. El evento abrió muchas puertas para músicos que no encontraban espacio en el cual mostrar su trabajo, llevándolos a posicionarse en otro status de reconocimiento tanto del público como de la prensa.

    La descentralización de la cultura desde el eje Sur-sudeste de Brasil hacia el Nordeste es uno de los principales objetivos del Festival. El Festival propone una amplia programación gratuita que acerca a miles de personas la oportunidad de asistir a conciertos de renombrados artistas nacionales e internacionales invitados. De este modo traza nuevos rumbos para el desarrollo socioeconómico y cultural de Guaramiranga y del estado de Ceará. El Festival Jazz & Blues se configura, así como una iniciativa que supera las condiciones de un evento pasajero contribuyendo al desarrollo de Ceará y de Brasil, a la reducción de las desigualdades sociales, a la promoción de la inclusión cultural y a la formación de nuevos públicos.

    Otros artistas internacionales que participaron de esta edición del Festival fueron los integrantes de la banda Black Flower de Bélgica, y los artistas locales del trío Corrente de São Paulo, Nando Cordel, el pianista y compositor Amaro Freitas, una de las revelaciones del jazz brasileño reciente, Nando Aconchego de Pernambuco, Duo Mitre (dúo femenino de piano y vibráfono), el trío Anathema integrado por Antonio Carlos Bigonha, Jorge Helder y Jurim Moreira, el grupo Trinca Brasília, los paulistas del Trio Corrente, Tutuca Viana de Maranhão y Zélia Duncan, una de las cantantes más importantes de la escena brasileña en las últimas décadas quien subió al escenario del Festival acompañada por el gran violonchelista Jaques Morelenbaum. También fueron parte de la grilla los doblemente locales (por ser de Ceará) Lidia Maria, el grupo Casa do Blues, el dúo de guitarras integrado por Cristiano Pinho e Felipe Cazaux, la agrupación De Blues em Quando, el dúo de acordeón y bajo integrado por Nonato Lima e Sérgio Groove y el Quinteto Aqualtune integrado totalmente por mujeres.

    Evidentemente existió en esta maravillosa edición del Festival Jazz & Blues de Ceará una clara preocupación por presentar una programación respetuosa de la paridad de géneros, iniciativa a la que suscriben cada vez más festivales marcando un gesto altamente positivo y un ejemplo digno de ser imitado acorde a un momento histórico en el que la igualdad ha de ser absoluta.

    “El contacto con el grupo argentino trajo nuevas perspectivas para el festival, en el sentido de mantener un intercambio más cercano con los países vecinos de Brasil, fortaleciendo la música latinoamericana. El Jazz & Blues Festival, por ser un evento de género más específico, necesita enfoques como estos para ser desarrollado y reconocido en todo el mundo. La forma simple de acceder a la convocatoria, el servicio y la ayuda de Ibermúsicas fueron muy positivos para nosotros, que hemos estado trabajando con música durante más de 20 años”

  • Leonardo Gómez Jattin (Colombia) – Residencia en República Democrática del Congo

    Leonardo Gómez Jattin (Colombia) – Residencia en República Democrática del Congo

    Además de bajista, contrabajista, compositor, arreglador, productor musical y poeta, Leonardo Gómez Jattin es un apasionado investigador de las relaciones entre las músicas del caribe colombiano y las músicas de la costa atlántica africana. Específicamente del lazo musical que existe entre Colombia y la República Democrática del Congo.

    Ya en 2016, al ganar el Concurso Ibermúsicas de Creación de Canción, compuso su preciosa “De Palenque a Matongé” que es parte de nuestro álbum Itinerario Canción III, en la que no sólo refleja esta hermandad musical entre los dos países sino que en la letra de la canción nos cuenta con lujo de detalles la historia de este encuentro artístico que generó un gran movimiento musical y cultural en la costa colombiana. Es muy difícil escuchar esta canción sin querer ponerse a bailar y sin dejar de cantar su estribillo el día entero.

    Continuando con su trabajo de investigación y de creación en 2019 Jattin presentó ante Ibermúsicas su proyecto de residencia artística en Lubumbashi, República Democrática del Congo. En los primeros meses de 2020 el compositor viajó a África con el objetivo de crear allí, y de estrenar junto a músicos congoleños la obra Katanga.

    “Desde la llegada a Lubumbashi, República Democrática del Congo encontré una enorme conexión con los músicos locales, los lazos históricos que unen la música del caribe colombiano con la música del continente africano siguen vigentes. A pesar de esto los músicos de Lubumbashi se sorprenden por el conocimiento que tenemos en Colombia de las músicas africanas, y los colombianos nos sorprendemos por la facilidad con la que ellos se incorporan a la música colombiana”.

    Además de brindar conferencias en diversos centros culturales sobre los aportes de la cultura africana a la música de las diferentes regiones de Colombia, de encontrarse con músicos locales y de componer su obra, también realizó una grabación espontanea de piezas tradicionales colombianas en el estudio del Centre d’art Waza y dos emotivos conciertos en el Hotel Lubumbashi y en Le Boucher de la ciudad de Lubumbashi. Los músicos congoleses se mostraron interesados en continuar con este proyecto musical transcontinental, tanto en el aspecto de la composición, como el de la interpretación y producción de futuras grabaciones.

    “Esta ha sido una de las experiencias más importantes de mi vida, no sólo desde el punto de vista musical, también desde el aspecto humano, y a la hora de entender el contexto que construye una música tan importante en el desarrollo de las actuales músicas del caribe”.

    El año 2020 ha marcado el inicio de la realización de residencias de Ibermúsicas en el continente africano. La de Leonardo Gómez “Jattin de Colombia en la República Democrática del Congo y le de Mo Maiê de Brasil en Senegal han sido las dos primeras experiencias de artistas beneficiados por Ibermúsicas que viajan a África en busca de las raíces ancestrales de las músicas latinoamericanas.

     

  • Mo Maiê (Brasil) – Residencia en Senegal

    Mo Maiê (Brasil) – Residencia en Senegal

    En enero de 2020 la compositora, multi instrumentista, investigadora del universo musical transatlántico afroamerindio, educadora por medio del arte, luthier de instrumentos africanos y capoeirista brasileña Mo Maiê comenzó su Residencia Transatlântica en el Complejo Multicultural Sobobade de Toubab Jallaw, Dakar, Senegal. Este proyecto nació del encuentro de Mo Maiê con Sobobade Band, grupo musical conformado por compositores, músicos y maestros de las tradiciones musicales ancestrales del oeste africano. El objetivo de estos encuentros fue compartir vivencias sonoras transculturales, intercambios creativos y experimentaciones entre músicos de diferentes orígenes e identidades africanas y de la diáspora negra.

    Mo Maiê trabaja habitualmente sobre la transversalidad de las artes especialmente en las áreas de la música, la literatura, el video y la performance, conectando ancestralidad, arte de la tierra, nueva tecnologías e inclusión social. Mineira radicada en Bahía es realizadora de la Revista “Terreiro de Griôs” * y de la “Escola Ateliê Nomad Djalô”, ambos trabajos enfocados en la investigación y la educación por el arte a través de la afrocentricidad y la valoración de las culturas originarias. Ha realizado viajes por África, Oriente Medio, Asia y Europa investigando sus músicas y sus manifestaciones culturales y ha llevado adelante múltiples iniciativas, montajes de espectáculos y encuentros colaborativos en su país, siempre en torno a las temáticas que forman parte de su arte y de su vida.

    Esta residencia se inscribe dentro de un amplio proyecto transcultural que conecta una red creativa y experimental de saberes entre músicos, artistas, educadores, productores y comunidades de Brasil y de África posibilitando que la música trascienda su función de mero entretenimiento para acercar realidades culturales que poseen raíces ancestrales comunes que van mucho más allá del ámbito musical expandiendo sus potencialidades y beneficios hacia un ámbito socio-cultural-educacional y reverberando tanto en tierras latinoamericanas como en tierras africanas.

    Resulta digno de destacar que Mo Maiê siendo mujer y música fue recibida en ambientes musicales compuestos en forma casi exclusiva por hombres. El simple hecho de que una mujer haya sido parte de esta propuesta señala una transformación dentro del panorama musical actual, transformación que parte de la propia fuerza interna de las mujeres conectadas por un movimiento femenino de concientización, visibilidad y reconocimiento. Esta experiencia de intercambio cultural es también un antídoto contra el mal, la violencia y la colonización y marca un camino de restauración y reaproximación entre músicos de un lado y otro del océano Atlántico.

    La Residencia Transatlântica celebró el encuentro entre la diversidad del universo musical brasileño y el universo musical afro-mandengue, que representa una parte del continente africano. mostrando una vez más los intensos movimientos de intercambio e hibridaciones que caracterizan los caminos de la música a través de los territorios africanos y de la diáspora negra. La residencia aconteció fundamentalmente en el complejo multicultural Sobobade, situado en Toubab Jallaw, uma pequeña villa de pescadores de Grande Dakar. Creado y dirigido por el multi-artista haitiano Gerard Chenet, Sobobade es reconocido internacionalmente como un espacio de artes, turismo y ecología en el que desde hace más de treinta años se realizan festivales, residencias e intercambios estimulando conexión y creando redes de apoyo entre artistas de todo el mundo. El grupo musical Sobodabe reside en este complejo. Está integrado por músicos africanos de Senegal, Guine Conakri, Mali y Gambia. Tocan instrumentos tradicionales del oeste africano  como Saba, Tama, Kora, Ngoni, Bolon y Balafón.

    Durante su residencia la artista realizó cuatro importantes producciones: el álbum Bambalá, grabado en Dakar y que refleja una propuesta de creación de un repertorio autoral original. El disco será publicado muy pronto en diferentes plataformas internacionales de streaming, la colección Transatlântica, una compilación con la participación de temas de compositores de Brasil, Senegal, Guinea, Mali, Angola, Mozambique, Sudáfrica y Estados Unidos reuniendo a músicos de distintos orígenes que trabajan sobre las raíces musicales africanas y afrodescendientes, la publicación literaria «Transatlântica, O Livro de Areia», que se encuentra en proceso de finalización y la creación de «Podcast Transatlântica . África do Oeste 2020», una colección de más de 60 videos para ser vistos en Youtube.

    En el transcurso de su residencia Mo Maiê tomó clases de kora, balafón, percusión, danzas y luthería con maestros de Gambia, Mali, Guinea y Senegal. Brindó conciertos en festivales y encuentros de música africana. A su vez impartió talleres sobre samba de roda y otras músicas de su país.

    “A partir de esta experiencia realizada con el apoyo de Ibermúsicas pude vivir uno de los momentos más importantes y transformadores en mi carrera como música profesional, compositora, investigadora y educadora por medio del arte. Además de posibilitar ahondar en mis estudios sobre música mandengue con maestros griôs* de fuerte tradición cultural del oeste africano, la residencia nos posibilitó registrar trabajos de compositores y músicos africanos extremadamente talentosos, generando un denso repertorio con mucho potencial de poder tocar la sensibilidad de un amplio y diverso público alrededor del mundo. Otro factor importante fue contar con la posibilidad de viajar hasta Mali, la cuna de la cultura mandengue y compartir vivencias con músicos y griôs* extraordinarios, ampliando así las redes de conexión y contacto realizando a la vez verdaderos y transformadores intercambios artísticos y culturales”.

    El año 2020 ha marcado el inicio de la realización de residencias de Ibermúsicas en el continente africano. La de Mo Maiê de Brasil en Senegal y la de Leonardo Gómez Jattin de Colombia en la República Democrática del Congo, han sido las dos primeras experiencias de artistas beneficiados por Ibermúsicas que viajan a África en busca de las raíces ancestrales de las músicas latinoamericanas.

    *  griôs: voz africana que designa a maestros portadores y custodios de los saberes, historias y valores culturales ancestrales de una comunidad.

  • Dakel Percusión (Chile) – Gira por México

    Dakel Percusión (Chile) – Gira por México

    En el año 2008 en Santiago de Chile bajo el movimiento de la percusión docta nace Dakel, un grupo de jóvenes percusionistas que, conscientes de la riqueza de su disciplina que apuestan a la integración de las artes para acercar a la gente a la música de cámara ejecutada con instrumentos de percusión.

    “Nuestra propuesta, dentro de la percusión de cámara, fusiona todas las percusiones étnicas y del mundo pero su hilo conductor es la marimba”.

    En el mes de agosto de 2015, con el apoyo de Ibermúsicas, realizaron un viaje a México para presentarse en el “9º Noveno Festival de Marimbas de Tabasco” y a la vez brindar conciertos en la Biblioteca Vasconcellos y en la Capilla de San Cayetano del Distrito Federal.

    Para Dakel la marimba es un instrumento central en su propuesta sonora y dado que Tabasco constituye un sitio de referencia mundial en la fabricación, proyección e interpretación de este instrumento, presentarse allí fue algo enormemente significativo.

    “A nuestra llegada notamos la importancia del festival y lo trascendente de la marimba, muy importante para la tradición musical de México y en especial de esta zona de Villahermosa, Tabasco. Medios de comunicación, prensa escrita y radio nos abordaron con expectación y difundieron nuestra visita en reiteradas ocasiones. Nuestra primera presentación tuvo aceptación inmediata, y notamos que nuestra presencia se transformaba en un acontecimiento relevante para el festival, lo que se hizo notar en la recepción del publico. El cierre del Festival marcó un acontecimiento interesante, por la fusión de las músicas y participación de todos los músicos invitados como parte del repertorio del concierto”.

    A continuación el grupo Dakel se dirigió a la cuidad de México para realizar dos conciertos junto al marimbista mexicano Javier Nandayapa Velasco en el auditorio de la biblioteca Vasconcellos y la parroquia de San Cayetano. Con una enorme aceptación de público y críticas.

    El final de la gira estuvo marcado por la visita a algunos lugares históricos mayas.

    “Creemos haber alcanzado con creces nuestros objetivos: 1. Recepción de nuestro trabajo: llegar a la gente de forma especial con un montaje musical de calidad. 2. Conexión de redes: interacción con nuestros anfitriones e invitados internacionales del festival, generando nuevos proyectos y posibilidades de participación en actividades realizadas por los mismos músicos en sus países y también el nuestro. 3. Experiencia musical: siendo México el país de las marimbas, tener la posibilidad de vivenciar su música de manera directa, presenciando y participando con las agrupaciones locales, se transforma en una experiencia única que de alguna forma marca procesos dentro de nuestra trayectoria como grupo”.

  • David Gómez Cano (Colombia) – Residencia en Universidad Nacional de Córdoba (Argentina)

    David Gómez Cano (Colombia) – Residencia en Universidad Nacional de Córdoba (Argentina)

    Entre Agosto y Diciembre de 2015 en Córdoba, Argentina  el joven compositor colombiano realizó su residencia artística particular con con el maestro José Halac, magister de la Universidad Nacional de Córdoba. Además de las asesorías semanales con el maestro, realizó una exposición de su para la cátedra de composición en la Universidad Nacional de Córdoba y una constante investigación técnico-práctica en materias de música por computador y ritmos afrocolombianos.

    El objetivo principal de su residencia fue escribir música para cuerdas frotadas y medios electrónicos, haciendo uso de algunos elementos representativos de las músicas de los pueblos iberoamericanos.

    El resultado final fue la composición de cuatro obras:

    • “Transmisión acústica de un mensaje púrpura”. Pieza para viola sola con utilización de elementos representativos del folclore colombiano abstrayendo los ritmos de tambora de la cumbia y el fandango, contextualizándolos en la estética planteada por la obra.
    • “Preguntas microcósmicas con respuestas folcloelectrónicas”. Composición para pista y viola (medios
      electrónicos e instrumento). En esta pieza se destaca un fuerte contraste entre secciones generando así un juego de entramados rítmicos a macro escala que es hilado por el procesamiento electrónico del patrón base del ritmo de son corrido colombiano. Todo ello llevado a los niveles de abstracción que
      corresponden a la estética que propone la pieza en sí misma.
    • “Ideas variables para un músico que viaja” donde la improvisación (fundamental en las músicas folclóricas) es decisiva; pero no bajo unos patrones estrictos sino con unas ideas de libre interpretación que son expuestas en el escrito que configura la guía de la pieza.
    • “Vibración cósmica / realidad paralela”. Obra para orquesta de cuerdas frotadas con un uso constante de ritmos del interior colombiano y del son corrido colombiano. El juego tímbrico y rítmico que se genera en la pieza expone una realidad paralela a la del público que aprecia la obra cuando ésta se interpreta.

  • Felicia Morales (Chile) – Gira por México

    Felicia Morales (Chile) – Gira por México

    Felicia Morales es una de las artistas jóvenes más llamativas de la escena chilena actual. Toca el cello y el piano desde los cinco años. Si bien se dedica a la música pop, está formada en la música clásica por influencia de sus padres, ambos músicos. Cuando alguien le pide que elija entre el cello y el piano dice que le gustan los dos y cuando alguien le pide que elija entre pop y clásico, dice que le gustan los dos.

    Como cellista participa en las bandas de casi todos sus colegas de la movida pop chilena y a la vez lleva adelante su carrera como solista. Además es peluquera y tiene su propio y particularísimo salón, el “Salón Felicia” en su departamento de la ciudad de Providencia que comparte con sus amadas gatas Lilú y Nutella.

    Es una artista serena que no busca destacarse en el escenario sino que cifra su energía en la música y el sonido aún frente a públicos numerosos y fervorosos como los del Vive Latino o el Lollapalooza.

    Durante un tiempo abandonó su ciudad natal de Concepción para residir en Santiago con el fin de estudiar Ingeniería en Sonido en la Universidad porque le interesaba abordar la música desde el lugar técnico del sonido. A la vez ha realizado cursos de decenas de cosas distintas: cerámica, pintura, ballet, cocina, estética integral y hasta lenguaje de señas. Lo justifica diciendo que “me gusta aprender cosas”.

    En 2015 aplicó a las convocatorias del Programa Ibermúsicas siendo elegida para realizar un viaje a México con el fin de presentarse junto a su banda en el Festival Neutral en cuya programación figuraron artistas de gran renombre en la escena alternativa latinoamericana. El viaje a Ciudad de México tuvo lugar entre el 23 de Junio y el 26 de Junio de 2016.

    El día previo a la realización del festival brindó una serie de actividades promocionales con diferentes medios de comunicación mexicanos que ayudaron a difundir la información sobre el Festival Neutral y sobre la propuesta musical de Felicia. Ésta nutrida agenda posibilitó una mayor proyección de su trabajo llegando a audiencias que no conocían su proyecto. El día sábado 25 de junio se realizó el festival en el foro Indierocks de la colonia Roma de la Ciudad de México. Felicia ofreció un repertorio que incluyó material de sus dos discos ya editados.

    Este viaje le permitió visitar México por tercera vez y consolidar aún más su carrera allí ya que para los músicos de América Latina, México se ha convertido en una de las mejores plazas artísticas y en un punto de referencia en sus carreras para proyectar su obra hacia el resto del continente.

    A partir de esta visita a México, Felicia Morales inició conversaciones para volver al año siguiente y cristalizó un show que ya ha sido agregado a la agenda como parte fundamental del cartel del mismo Festival Neutral pero en su versión chilena. También se abrieron las puertas para participar en circuítos europeos. El haber sido beneficiarios del Programa Ibermúsicas y haber sido artistas programados en la agenda del Festival Neutral son antecedentes de gran importancia para ser invitados a festivales en Europa.

    En el mismo festival conoció e intercambió experiencias con músicos latinoamericanos residentes en México como Algodón Egipcio y Silva de alegría, lo que también se tradujo en la generación de redes que permitirán concretar a corto plazo nuevas visitas tanto a ese país como a otros puntos del continente.

    “La ayuda de Ibermúsicas fue fundamental en mi presentación en el festival Neutral de Ciudad de Mexico y probablemente no hubiera podido participar si no fuera por este fondo. Tocar en Mexico para un artista latinoamericano es un paso fundamental en la internacionalizacion de su carrera principalmente debido al tamaño del mercado mexicano como a la repercusión que tiene tanto en otros países de habla hispana como en el mismo vecino Estados Unidos. En palabras mas generales, siempre salir del país y enfrentarse a nuevas audiencias, a distintos medios y a su vez nuevas formas de trabajo genera un aprendizaje y una maduración importante de la carrera artística de cualquier músico y desde ese punto de vista el trabajo junto a Ibermúsicas fue pieza central en todo este proceso”.

  • Javier Nandayapa Velasco (México) – Gira latinoamericana

    Javier Nandayapa Velasco (México) – Gira latinoamericana

    La marimba es el instrumento musical emblemático de Chiapas. Javier Nandayapa Velasco pertenece a una alta estirpe chiapaneca de marimbistas y luthiers de marimbas. Es hijo del legendario maestro Zeferino Nandayapa, reconocido como uno de los más grandes exponentes de la marimba y uno de lo músicos más importantes que Chiapas dio al mundo.

    Javier Nandayapa Velasco inició sus actividades musicales en 1989 con la “Marimba Nandayapa” al lado de su padre y hermanos, participando en todas las grabaciones, conciertos y giras internacionales que ésta agrupación realizó hasta el año 2011. 

    Hoy Javier Nandayapa Velasco es reconocido a nivel mundial por su capacidad de interpretar en la marimba repertorios que combinan la música tradicional mexicana con piezas de célebres compositores como Astor Piazzolla, Richard Galliano, Jesús Martínez, entre otros. Nandayapa ha dedicado su vida a mostrar la versatilidad de la marimba como instrumento de concierto.

    Gracias a la ayuda de Ibermúsicas Javier Nandayapa Velasco llevó adelante entre abril y diciembre de 2015 una extensa gira latinoamericana realizando veintitrés conciertos, doce clínicas y seis clases maestras en dieciocho ciudades de Perú, Brasil, Argentina, Chile y Uruguay.

    “El apoyo brindado por Ibermúsicas, ha sido una experiencia maravillosa, ya que me permitió abrir nuevos horizontes y nuevos contactos muy importantes en mi carrera. Asimismo, el poder reconectar lazos con colegas con los que hacía tiempo que no nos encontrábamos. Me resultó muy importante el poder tocar con numerosos estudiantes y músicos profesionales. Una de las cuestiones más importantes de mi proyecto fue la amplia difusión de la música y tradición musical en la ejecución de la marimba en México y Centroamérica, además de reforzar los lazos con la marimba latinoamericana, mostrando el amplio repertorio de compositores latinoamericanos”.

    www.javiernandayapa.com.mx

  • Maró (Perú) – Primer Concurso de Composición de Canción Popular

    Maró (Perú) – Primer Concurso de Composición de Canción Popular

    Haber ganado el Primer Concurso de Composición de Canción Popular de Ibermúsicas, fue para mí muy gratificante. Yo estaba recuperándome de un serio problema de salud y la noticia del premio me llenó de motivación y esperanza para continuar en este mágico y sanador camino de la música.

    La unidad técnica de Ibermúsicas, representada por Fernando Tomasenia, Ricardo Gómez Coll y Micaela Gurevich me apoyaron en cada paso, desde la entrega de documentos hasta la culminación de mi proyecto musical.

    Enterarme de la producción de un disco conteniendo una canción de cada uno de los ganadores fue muy emocionante, también trabajar con Juan Bernabé en la mezcla y masterización de mi canción “Pinceladas”, que ahora forma parte de “Itinerario Canción I”. Escuchar el disco, disfrutar de la esencia de cada canción y poder representar a mi país al ser parte de esta importante producción fue una hermosa experiencia.

    Estoy muy agradecida con Ibermúsicas por el apoyo que me ha brindado, ya que la obtención de este premio, permitió concretar mi segunda producción discográfica titulada “Pinceladas”, cuyo lanzamiento será a fines de mayo. El trabajo que hace Ibermúsicas al fomentar el desarrollo de la música en Iberoamérica es importante y valioso.

    Alegría, motivación, aprendizaje y emociones intensas son palabras que resumen mi experiencia que comenzó al ganar este premio y culmina con “Itinerario Canción I”,un conjunto de canciones lleno de esencias, matices y colores de Iberoamérica.

    BREVE RESEÑA ARTÍSTICA

    Soy Maró (María del Rosario Gallegos Salazar) nací en Arequipa, Perú, soy cantautora, y siento que mis canciones, además de expresar emociones, ideas y puntos de vista  sobre la vida y el camino lleno de experiencias por el que todos los seres humanos andamos, debe contribuir al mismo tiempo a generar reflexión y emociones en las personas, motivando el descubrimiento de ellas mismas y del mundo. La música ha actuado en mí de una manera positiva y sanadora, y yo solo pretendo ser el puente para que actúe también de la misma manera en otras personas. La música tiene espíritu, está viva y nos utiliza como instrumento para plasmarse, una vez que a través de mis composiciones se materializa ya deja de pertenecerme y pertenece a cada uno de los que la escuchan.

    En el 2010 gané el Primer Lugar en el Concurso Regional de Canto ULAC en Arequipa, en el 2011 fui finalista del IV Festival Claro, y en el 2014 gané el Primer Concurso de Composición de Canción Popular de Ibermúsicas.

    En el 2013 publico mi primer disco titulado «Cómo Saber» donde la música y las palabras se unen para darle una dimensión distinta a los sentimientos, a las emociones y a las reflexiones sobre la vida y el amor. Destacan los temas «Dueña de su soledad»,«Dibújate en el sol», «Soñando con la colina», «Vuelve a mí», entre otros.

    Mi segundo disco denominado «Pinceladas» (2017), contiene canciones donde la poesía de las letras y la riqueza de los ritmos invitan a la reflexión sobre la vida, a la búsqueda de un camino propio, un llamado al despertar del alma por sobre lo rutinario y lo convencional. Este último trabajo fue grabado gracias al apoyo de Ibermúsicas y tuvo como productor musical al reconocido músico Chano Díaz Límaco, destacado director musical del documental de música peruana «Sigo Siendo».

    El lanzamiento  de este nuevo material discográfico será a fines de mayo del 2017 y presenta temas como «Camino», «Princesa y Bruja», «Pinceladas», «Canta Corazón»,  entre otros.

  • Luminiscencia Litoraleña (Uruguay) – Gira por Portugal

    Luminiscencia Litoraleña (Uruguay) – Gira por Portugal

    “Invitamos a recorrer el litoral del Uruguay a través de su música y sus paisajes. Un concierto  audiovisual compuesto en base a la interacción y ejecución en vivo de música instrumental original de proyección folclórica y el trabajo audiovisual sobre paisajes visuales y sonoros registrados a lo largo del Río Uruguay y sus alrededores. Un poema audiovisual capaz de transportarnos por el litoral del país, representando nuestro punto de vista y escucha, reflexionando sobre cómo el ser humano interactúa con el medio ambiente y la tecnología, tomando como hilo conductor esta finita fuente de vida que se encuentra cada vez más descuidada; llamada Río Uruguay”.

    Luminiscenica Litoraleña está integrada por Sebastián Segarra y Matías Romero en guitarras, composición y arreglos, y Marco Colasso y Juan Pablo Colasso en visuales. Entre los cuatro artistas llevan adelante un espectáculo de paisajes sonoros y visuales.

    En junio de 2016 viajaron a Portugal para ofrecer una charla y un concierto en el reconocido Palacio de Ajuda de la ciudad de Lisboa.

    Tras la presentación en Lisboa el grupo logró estrechar lazos con algunos organizadores de eventos de world music. La trascendencia del viaje y la posibilidad de difusión del proyecto ha hecho que Luminiscencia sea invitado a participar del reconocido festival Música de la Tierra a realizarse en Montevideo y en Buenos Aires.

    La ayuda otorgada por Ibermúsicas ha significado “la posibilidad de presentar nuestro concierto ante un público nuevo y diferente ha puesto a prueba nuestra propuesta artística ayudándonos a darnos cuenta de qué contenidos del  espectáculo son entendidos o no por un público de diferente ámbito cultural, haciendo que cambiemos y mejoremos el espectáculo que pretende ser una propuesta conceptual y de llegada directa ante cualquier público. A nivel técnico logramos poner a prueba nuestros equipos de viaje y amoldar sin problemas el espectáculo a diferentes situaciones técnicas que surgieron de imprevisto”.