Categoría: Noticias generales

  • El músico-investigador y etnomusicólogo Guillermo de Llera Blanes inicia su Residencia MidiMbira: Especialización en Investigación-Creación de Instrumentos Musicales Digitales en el CIRMMT de Canadá

    El músico-investigador y etnomusicólogo Guillermo de Llera Blanes inicia su Residencia MidiMbira: Especialización en Investigación-Creación de Instrumentos Musicales Digitales en el CIRMMT de Canadá

    La residencia de especialización en investigación-creación tendrá lugar en el CIRMMT / IDMIL — McGill University, en Montreal — y estará dedicada al desarrollo, prueba y perfeccionamiento de la MidiMbira, un Instrumento Musical Digital híbrido cocreado en Mozambique y consolidado en el marco de la investigación doctoral en Etnomusicología realizada por Guillermo de Llera Blanes en la FCSH/NOVA, en Lisboa.

    El trabajo incluirá procesos de prototipado iterativo de hardware y firmware, integración de sensores y mapeos MIDI/OSC, sesiones de retroalimentación con performers, documentación técnica y audiovisual, así como talleres abiertos y una presentación pública final en el CIRMMT.

    Guillermo de Llera Blanes es un músico-investigador y etnomusicólogo español residente en Portugal. Es investigador en el INET-md desde 2018 y desarrolla su trabajo en la intersección entre tradición musical y tecnología, con especial enfoque en instrumentos híbridos e Instrumentos Musicales Digitales. La MidiMbira constituye un eje central de su recorrido reciente, articulando creación artística, investigación y documentación.

    Todo este trabajo se realizará bajo la tutoría del Prof. Marcelo M. Wanderley, investigador y profesor de tecnología musical en McGill University, director del IDMIL e investigador asociado al CIRMMT. Es una referencia internacional en el diseño y estudio de instrumentos musicales digitales y en la interacción músico-computadora.

    Las actividades públicas incluirán talleres abiertos y una presentación/concierto final en el CIRMMT. También están previstas transmisiones en directo de sesiones improvisadas con la MidiMbira y varios artistas invitados, además de la publicación de una serie de episodios en video en el canal de YouTube @GuillermodeLleraBlanes.

    Guillermo de Llera Blanes fue premiado por el Programa Ibermúsicas en la línea de Apoyo a la especialización y perfeccionamiento artístico y técnico, convocatoria 2025.

    • Del 1 de septiembre al 29 de diciembre en el CIRMMT — Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology — y en el IDMIL — Input Devices and Music Interaction Laboratory — de McGill University, en Montreal, Quebec, Canadá.
  • Desde Chile, Rock al Patio presenta “Música y Educación: una unión virtuosa”

    Desde Chile, Rock al Patio presenta “Música y Educación: una unión virtuosa”

    “Música y Educación: una unión virtuosa” es un proyecto educativo virtual impulsado por Rock al Patio, programa de la Fundación Música y Educación, que busca visibilizar el valor de la música como herramienta transversal para el aprendizaje, el desarrollo, la participación y la construcción de comunidades.

    El proyecto contempla cuatro podcasts gratuitos y una clase magistral abierta, con conversaciones junto a especialistas de distintos países de Iberoamérica. Los contenidos buscan acercar evidencia, experiencias y herramientas que permitan comprender y fortalecer el lugar de la música en la educación y la comunidad.

    Los cuatro episodios

    1. “La música importa” — José Pérez de Arce (Chile)

    Investigador, arqueomusicólogo y etnomusicólogo, quien aborda la presencia de la música en las culturas humanas, su diversidad y su dimensión social, explorando por qué la música ha acompañado a las comunidades a lo largo de la historia.

    2. “Voces de la escuela” — Camila Avella (Argentina)

    Música y educadora, fundadora de Claro de Luna, quien reflexiona sobre la música como lenguaje y su importancia en el desarrollo, el vínculo y el aprendizaje desde la primera infancia.

    3. “Beneficios en evidencia” — Adolf Murillo (España)

    Profesor e investigador de la Universitat de València, especialista en educación musical, creatividad e innovación, quien analiza qué dice la investigación sobre los aportes de la música al aprendizaje, la creatividad, la participación y el bienestar.

    4. “De la idea a la práctica” — Chechey González Arce (Costa Rica)

    Músico, profesor y Asesor Nacional de Educación Musical de Costa Rica, quien comparte su experiencia generando espacios de creación y participación artística para niños, niñas y jóvenes y reflexiona sobre cómo llevar la música a la práctica educativa.

    Los cuatro episodios comparten una misma idea: la música no es un complemento ni una asignatura aislada, sino una manifestación ancestral que en los inicios fue clave en la comunicación y en los rituales, hoy una herramienta transversal de la sociedad, que contrinuye al aprendizaje, la cohesión social, la creatividad, el desarrollo emocional, los vínculos, la participación y la construcción de comunidad.

    Además del ciclo de podcasts, el proyecto contempla una clase magistral abierta para ampliar la reflexión sobre el vínculo entre música, educación y comunidad.

    Rock al Patio es un programa de la Fundación Música y Educación que trabaja en la intersección entre música y educación. Con más de seis años de experiencia, ha desarrollado proyectos en más de 80 establecimientos educacionales de Chile, beneficiando a más de 75.000 estudiantes mediante talleres, formación de bandas, capacitaciones docentes, festivales y acciones de mediación cultural.

    El proyecto cuenta con la participación de Hernán Rojas Noguera, fundador de la Fundación Música y Educación; Germán Torres, director ejecutivo; Janis Stock, coordinadora general; Agustín Izquierdo Hübner, asesor pedagógico; Sandra Ruiz, encargada de Finanzas; y Flavia Saldías, encargada de Comunicaciones.

    Este proyecto se realiza gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, mediante su línea de Ayuda a proyectos virtuales, convocatoria 2025.

    • Lunes 31 de agosto: primer episodio
    • Lunes 7 de septiembre: segundo episodio
    • Lunes 14 de septiembre: tercer episodio
    • Lunes 21 de septiembre: cuarto episodio

    Los podcast estarán accesibles en: https://open.spotify.com/show/5eR4dWHrUbrr3Lx6isjU7Q?si=ctgXF4b5SOCgqMxdN9NtZQ&utm_source=whatsapp&nd=1&dlsi=ed0be409edd14c27

  • Ricardo Fonseca (Portugal) y Cau Karam (Brasil) se encontrarán en Porto Alegre para dar continuidad a “Viola Fora das Modas – De las Azores al Sur de Brasil”

    Ricardo Fonseca (Portugal) y Cau Karam (Brasil) se encontrarán en Porto Alegre para dar continuidad a “Viola Fora das Modas – De las Azores al Sur de Brasil”

    En abril de 2025, con el patrocinio del Programa Ibermúsicas, Cau Karam viajó a Portugal para estudiar viola de acero con Ricardo Fonseca. La experiencia culminó en la realización de un espectáculo en el que se presentaron composiciones autorales de ambos músicos. Un año después, nuevamente con el apoyo del Programa Ibermúsicas, Ricardo Fonseca viajará a Porto Alegre, Brasil, dando continuidad a la colaboración a través de nuevas presentaciones del proyecto. El público del sur de Brasil tendrá así la oportunidad de vivenciar el diálogo entre la viola brasileña de diez cuerdas y la viola de acero portuguesa, explorando las múltiples sonoridades del instrumento en composiciones contemporáneas que trascienden y, al mismo tiempo, hacen resonar el legado de la viola portuguesa en territorio brasileño.

    El encuentro entre violas que se separaron hace siglos, evolucionando de manera distinta en Brasil y en Portugal, permite reconocer, bajo la superficie sonora de las diferencias, una herencia cultural compartida. La colaboración entre ambos músicos, al tiempo que pone en escena los lenguajes musicales propios y tan ricos de cada país, promueve un reencuentro con el potencial de ampliar el universo sonoro y cultural de las violas en el contexto lusófono. El espectáculo abarca diez composiciones autorales, cinco de cada compositor, con los respectivos arreglos realizados por el otro, en el entrelazamiento entre la viola portuguesa y la viola brasileña.

    Inicialmente autodidacta, Ricardo Fonseca toca guitarra clásica y eléctrica desde los 13 años, y comenzó a presentarse en vivo a los 17. Se formó en viola clásica en el Conservatorio Regional de Palmela. En el año 2000 comenzó a dedicarse al bandolín, al cavaquinho y a las violas portuguesas: amarantina, beiroa, braguesa, campaniça, toeira y viola da terra. Integró diversos proyectos de world music y actualmente brinda clases de enseñanza de cordófonos portugueses en distintos puntos del país a la vez que produce talleres de difusión y enseñanza de estos instrumentos. El álbum “Todo este chão…” es su primer y contiene obras instrumentales originales.

    Compositor, guitarrista y violero, bisnieto y nieto de maestros, Cau Karam nació en Pelotas, pero vivió desde niño en Porto Alegre. Comenzó como autodidacta. En el año 2000 fue preseleccionado en el Proyecto Rumos Musicales (Tendencias y Vertientes de la Producción Brasileña Actual), de Itaú Cultural. En junio de 2004, su proyecto de grabación del primer CD fue seleccionado por Funproarte (Fondo de Apoyo al Arte de la Municipalidad de Porto Alegre). Su trayectoria, centrada en la guitarra, dio como resultado la grabación de dos álbumes, obteniendo el primero de ellos dos Premios Açorianos, a Mejor Disco y Mejor Compositor de música instrumental, en 2006. En 2025, con el apoyo de Ibermúsicas, realizó en Portugal estudios de la viola tradicional portuguesa, acercándose al repertorio, las afinaciones y la técnica de la viola de alambre en su contexto de origen, con el fin de expandir los límites sonoros de su música, en el diálogo entre el cancionero tradicional portugués y la música contemporánea. En el mismo año, fue seleccionado por la convocatoria Fumproarte para la grabación de un álbum con su tercer trabajo autoral, con composiciones para viola.

    Este proyecto de colaboración entre Ricardo Fonseca y Cau Karam fue apoyado en dos oportunidades por Ibermúsicas. En 2024, contó con el apoyo de Brasil en la línea de Apoyo a la especialización y perfeccionamiento artístico y técnico, y en 2025, con el apoyo de Portugal en la línea de Apoyo a la Circulación de Profesionales de la Música. Entre el 31 de agosto y el 12 de septiembre, Porto Alegre e, Brasil  

  • Comienza en Minas Gerais la Residencia Artística Musical “América Latina Entrelazada – Un Puente Sonoro entre Naciones” que propone un encuentro entre la viola caipira mineira y el joropo venezolano

    Comienza en Minas Gerais la Residencia Artística Musical “América Latina Entrelazada – Un Puente Sonoro entre Naciones” que propone un encuentro entre la viola caipira mineira y el joropo venezolano

    Entre finales de agosto y septiembre de 2026, las sierras de Minas Gerais serán el escenario de un intercambio sonoro histórico. La segunda edición de la Residencia Artística Musical “América Latina Entrelazada” promueve el encuentro entre las tradiciones rítmicas brasileñas y la riqueza del joropo venezolano. Liderado por la cantora e investigadora Nádia Campos, el proyecto recibe al reconocido cantautor venezolano José Delgado, acompañado por los maestros brasileños João Arruda y Carlinhos Ferreira.

    La Residencia Artística Musical “América Latina Entrelazada” propone un intercambio de tres semanas entre músicos brasileños y venezolanos en el Estudio Ventamoinho, en Caldas, Minas Gerais, un lugar rodeado de naturaleza que favorece la profundización creativa. El foco de esta edición es el diálogo entre las tradiciones rítmicas de Minas Gerais y el joropo venezolano, utilizando instrumentos como la viola caipira y el cuatro.

    La programación incluye:

    • Estudio intensivo e intercambio de ritmos e instrumentos de ambos países.
    • Composición y grabación en estudio de una música inédita, fusionando los estilos individuales de los artistas.
    • Ensayos intensivos para el espectáculo de cierre y producción de registro audiovisual.
    • Acciones en espacios culturales de la comunidad.

    Los artistas participantes son:

    Nádia Campos (Brasil): cantora, multiinstrumentista e investigadora de raíces musicales latinoamericanas, con una carrera internacional consolidada que incluye circulaciones por Brasil, América Latina y Europa. Con cuatro álbumes grabados, su obra es la personificación del intercambio propuesto, celebrando la “brasilidad profunda y las raíces latinas”. Como ideadora y coordinadora general de la residencia, ejerce la función de anfitriona, evidenciando el liderazgo femenino y el protagonismo de las mujeres en la producción cultural. Además de su labor artística, Nádia es responsable de la conducción de las acciones educativas y performances interactivas junto a comunidades en situación de vulnerabilidad.

    José Delgado (Venezuela): reconocido cantautor venezolano con 18 años de carrera solista y ocho discos publicados, destacado por la fusión vanguardista de ritmos tradicionales caribeños con jazz, rock y world music. Virtuoso del cuatro venezolano y de la guitarra, Delgado aporta al proyecto una sólida experiencia técnica y creativa, esencial para la investigación instrumental de la residencia. Su trayectoria trasciende los escenarios: es fundador de la productora A Pedal y Bomba y creador de proyectos de impacto social orientados a la neurodiversidad, lo que alinea su participación con los criterios de inclusión y diversidad del programa.

    João Arruda (Brasil): músico, violeiro y productor musical, propietario del Estudio Ventamoinho, donde brinda la infraestructura técnica de grabación, edición y masterización para el proyecto. Su experiencia en la viola caipira —uno de los instrumentos más emblemáticos de la cultura minera— es el punto crucial para encontrar diálogos sonoros con el cuatro venezolano. Arruda participa activamente como instrumentista y compositor, habiéndose involucrado intensamente en el proceso creativo desde la primera edición de la residencia, donde coautoró canciones que exploran los puntos de contacto entre las culturas latinoamericanas.

    Carlinhos Ferreira (Brasil): maestro percusionista que representa la fuerza rítmica de la música tradicional brasileña. Su participación es fundamental para establecer el diálogo entre las complejas células rítmicas venezolanas, como el joropo, y las variadas expresiones percusivas de Brasil, incluyendo el congado, el moçambique y el batuque. Con amplia experiencia en intercambios culturales, Carlinhos garantiza que la fusión musical sea técnica y culturalmente auténtica, asegurando que la residencia responda a la influencia extranjera con una base sólida de la música de Minas Gerais.

    América Latina Entrelazada es un proyecto ganador de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayuda a instituciones para residencias

    • 30 de agosto: Inicio de la residencia en el Estudio Ventamoinho, Pocinhos do Rio Verde, Caldas, Minas Gerais, Brasil.
    • 7 de septiembre: Presentación especial en el Festival Pedra Branca de Violas e Sonhos, en Caldas, Minas Gerais, Brasil.
    • 19 y 20 de septiembre: Acciones educativas y exhibiciones comentadas en el Ponto de Cultura Instituto Bateia, en Diamantina, Minas Gerais, Brasil.
  • Comienza la creación de una obra musical en colaboración entre el compositor Nuno da Rocha (Portugal), el guitarrista Fabrício Mattos (Brasil) y la poeta Rishika Williams (Inglaterra – India – Nigeria)

    Comienza la creación de una obra musical en colaboración entre el compositor Nuno da Rocha (Portugal), el guitarrista Fabrício Mattos (Brasil) y la poeta Rishika Williams (Inglaterra – India – Nigeria)

    Residencia artística en Londres, Reino Unido, acogida por WGC — Worldwide Guitar Connections, para la creación de “La violación (de Besada, no lo cuentes)”, una nueva obra de Nuno da Rocha para voz y dos guitarras —eléctrica y clásica—, con texto de la poeta Rishika Williams. La obra tendrá como intérpretes al propio compositor, Nuno da Rocha, en guitarra eléctrica, al guitarrista Fabrício Mattos y a la propia autora del texto, Rishika Williams.

    El proyecto propone la creación de una obra musical en colaboración entre el compositor Nuno da Rocha (Portugal), el guitarrista Fabrício Mattos (Brasil) y la poeta Rishika Williams (Inglaterra/India/Nigeria). La composición de una obra para dos guitarras —clásica y eléctrica— y recitado, basada en una sección de un poema épico del mismo título de Williams, será un hito significativo en la trayectoria de los tres artistas, así como de WGC – Worldwide Guitar Connections, proyecto fundado en 2011 y liderado por Mattos. La obra original, aún no publicada y de más de doscientas páginas, retrata, con enorme riqueza formal, experiencias de violencia sexual sufridas por Williams cuando aún era adolescente en Nigeria.

    La adaptación musical de una sección de esta obra, realizada con gran sensibilidad y responsabilidad bajo el marco conceptual de WGC — Worldwide Guitar Connections, contribuirá a elevar la guitarra a un nivel de mayor relevancia sociocultural en el contexto de la creación artística del siglo XXI. Así, el poema de Williams pasará a habitar una nueva dimensión estética y conceptual, desde la cual las palabras saldrán aún más fortalecidas en su contexto simbólico. La obra poética de Rishika Williams aborda los bloqueos psicológicos y sociales sufridos por personas en situación de fragilidad emocional causada por traumas y violencia.

    Nuno da Rocha es compositor e intérprete portugués, con un trabajo situado entre la música contemporánea, la performance experimental y la creación interdisciplinaria. Su práctica artística explora modelos de altura no exacta, la relación entre notación, cuerpo y escucha, y el cruce entre texto, espacio y sonido. Doctorado en Composición por la Royal Academy of Music, ha colaborado con intérpretes, ensambles e instituciones en Portugal y en el extranjero.

    Fabricio Mattos es guitarrista clásico e investigador en performance musical, con una amplia carrera internacional como solista, músico de cámara y curador. Se ha presentado en Europa, América, Asia y África, y es fundador del proyecto Worldwide Guitar Connections, presentado en más de 25 países. Distinguido con varios premios, entre ellos el Julian Bream Award, es doctor (PhD) en Performance Musical por la Royal Academy of Music. Su investigación se centra en la relación entre espacio, disposición performativa y experiencia artística, cuestionando modelos históricos de performance.

    Rishika Williams es poeta y performer, y desarrolla una práctica artística que cruza la escritura y la performance vocal. Su trabajo aborda temas como diáspora, memoria, violencia e identidad fragmentada, y ha sido ampliamente publicado en antologías, revistas y ediciones independientes. Su obra fue seleccionada y distinguida en varios premios literarios en el Reino Unido. Se presenta regularmente en contextos literarios, artísticos e institucionales a nivel internacional, incluyendo eventos vinculados a las Naciones Unidas, combinando intensidad lírica con una fuerte presencia política y corporal.

    Esta propuesta fue premiada en la línea de Ayuda a artistas e investigadores para residencias del Programa Ibermúsicas, convocatoria 2025.

    • Agosto y septiembre en WGC — Worldwide Guitar Connections, Londres, Reino Unido.
  • El artista hip hop peruano y rapero Pedro Mo realizará una amplia gira europea

    El artista hip hop peruano y rapero Pedro Mo realizará una amplia gira europea

    El proyecto de gira de Pedro Mo a Europa busca difundir una propuesta artística que combina rap, identidad andina y activismo social. A través de métricas y flows diversos, integra samplers y sonoridades del Perú y los Andes, construyendo un puente entre la cosmovisión ancestral y las realidades urbanas contemporáneas. La gira contempla presentaciones en escenarios comunitarios y profesionales de ciudades europeas, además de talleres y encuentros con el público, fomentando el diálogo intercultural. Se proyecta como una plataforma de visibilidad para el rap peruano y una contribución al fortalecimiento de redes artísticas latinoamericanas en el exterior.

    Artista hip hop peruano y rapero desde el año 2000, aborda temáticas sociales, políticas y culturales desde la identidad andina y la marginalidad urbana. Su música ha influenciado a diferentes generaciones de raperos. Cuenta con 18 discos como MC y otros 20 como productor. Su trabajo como activista, fundando, impulsando y participando en diversos procesos organizativos a través del hip hop, es vasto. Es un educador popular multidisciplinario, siendo el sikuri, el rap y el cajón sus principales herramientas de expresión. Actualmente dirige y gestiona actividades en Yachay Punku Casa Cultura.

    Esta gira europea de Pedro Mo es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas por medio de su línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

    • 28 de agosto: Lisboa, Portugal
    • 29 de agosto: Barcelona, España
    • 3 de septiembre: Ginebra, Suiza
    • 5 de septiembre: París, Francia
    • 10 de septiembre: Köln, Alemania
    • 12 de septiembre: London, Reino Unido
    • 16 de septiembre: Hamburg, Alemania
    • 18 de septiembre: Berlin, Alemania
    • 20 de septiembre: Madrid, España
    • 25 de septiembre: Basel, Suiza
    • 27 de septiembre: Zurich, Suiza
    • 2 de octubre: Torino, Italia
    • 3 de octubre: Milano, Italia

    4 de octubre: Florencia, Italia

  • Desde México llega el podcast “Corazón de Voz”

    Desde México llega el podcast “Corazón de Voz”

    “Corazón de Voz” es una serie digital en formato podcast que recupera, celebra y proyecta la memoria de las voces femeninas en Iberoamérica. A través de cinco episodios dedicados a países Iberoamericanos como México, Panamá y Cuba, la serie entrelaza historia, testimonio y canto actual para mostrar cómo las mujeres han marcado la evolución musical, sostenido tradiciones y transformado la manera en que la voz es entendida, no sólo como instrumento, sino como fuerza identitaria, social y cultural. Al mismo tiempo compartirán el taller comunitario “Tu voz como raíz”.

    “Corazón de Voz” es un proyecto realizado por la cantante mexicana Ade Ortega, la cantante panameña Silvia La Grande y la cantante cubana Elena Barreto.

    Ade Ortega. Cantante mexicana, nacida en Zitácuaro, Michoacán. Licenciada en Ejecución Musical-Canto por la Escuela de Bellas Artes de Toluca. Intérprete de repertorio clásico y música popular. Ha complementado su formación con diversos cursos, entre ellos: Técnica vocal sobre el funcionamiento científico y tangible (2015); Actuación para cantantes; Certificación como Vocal Coach (2024) y formación en Análisis Acústico de la Voz (2024). Formó parte de la Compañía Lírica Los Metiches, un ensamble coral especializado en música mexicana del siglo XIX. Fue integrante del Coro de Cámara de la Universidad Autónoma del Estado de México. Participó como voz principal del ensamble Jazzsontitlán. Forma parte de la agrupación de jazz In Blosom Band, dirige su propio Vocal Studio y es fundadora de Ama Sing, un espacio de entrenamiento vocal funcional.

    Silvia A. Luzcando Lamboglia, conocida artísticamente como Silvia La Grande, es una cantante panameña descendiente de la reconocida dinastía musical Lamboglia, nieta del pianista maestro Tille Lamboglia. Ha desarrollado una sólida trayectoria como vocalista y corista en géneros como salsa, merengue, bolero,balada, bachata, socca, calipso y música criolla peruana, además de combos nacionales. Inició su carrera con el grupo Sabor Tropical, y posteriormente su proyección artística se consolidó con Samuel Archer & Caribbean Sweet Band. Formó parte de la Orquesta Salsa Roja y colaboró con agrupaciones como La Orquesta Real, Orquesta Mamey, Orquesta Garison y Feedback Project. Su trayectoria ha sido reconocida con importantes premios internacionales.

    Elena Barreto es una cantante cuya voz se construye como memoria viva, profundamente marcada por la tradición cubana, la escena del cabaret y la experiencia del exilio. Nacida en Panamá y criada en Cuba en una familia de músicos, su formación transita de la danza al canto, desarrollando una musicalidad rítmica y orgánica. Esta raíz se refleja en su dominio del bolero, el son, la rumba y la guaracha, donde el pulso interno guía su interpretación. Su trayectoria incluye su participación en el Cuarteto de Voces en Movimiento, el emblemático Cuarteto de Aida y escenarios icónicos como el Cabaret Tropicana.

    Esta propuesta fue ganadora de las convocatorias 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de “Ayuda a proyectos virtuales”.

    • Fecha de lanzamiento: a partir del 26 de agosto
  • La directora chilena Alfonsina Torrealba perfeccionará su técnica en Italia con el destacado maestro Carlos Riazuelo

    La directora chilena Alfonsina Torrealba perfeccionará su técnica en Italia con el destacado maestro Carlos Riazuelo

    La directora de orquesta chilena Alfonsina Torrealba ha sido seleccionada para realizar un programa intensivo de perfeccionamiento en Sicilia, Italia, bajo la tutela del renombrado maestro venezolano-español Carlos Riazuelo. Este hito internacional está apoyado por el programa Ibermúsicas y el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile, y servirá como preámbulo técnico para dos importantes proyectos artísticos que la directora liderará a su regreso al país.

    Durante su programa de perfeccionamiento, Torrealba trabajará en la profundización del repertorio sinfónico del romanticismo y el impresionismo con el fin de adquirir herramientas claves para abordar obras de gran complejidad técnica y expresiva. La elección del maestro Riazuelo no es casual, ya que su figura representa un puente cultural entre la tradición europea y la vivencia latinoamericana, ideal para los objetivos de la directora.

    A su regreso a Santiago, Torrealba aplicará inmediatamente los conocimientos adquiridos en dos instancias. El 12 de septiembre se presentará en el Teatro Municipal de San Joaquín junto a la Orquesta de Cuerdas de María Pinto, agrupación originaria de la comuna del mismo nombre, para interpretar la “Suite María Pinto”, obra creada y dirigida por el profesor y compositor José Miguel Cerey Jerez, cuyo propósito es rescatar la identidad local de esta localidad rural de la Región Metropolitana de Santiago.

    Torrealba también ha sido invitada al “Festival Semillero Sonoro. Orquestas iniciales de la zona centro del país”, a realizarse en la comuna de Mostazal, Región de O’Higgins. El 26 de septiembre dirigirá un ensamble orquestal conformado por integrantes de la Orquesta de La Reina, la Orquesta de la Escuela Artística de Mostazal (O’Higgins), la Orquesta Femenina Instituto Santa Marta (Curicó) y la Orquesta de Cuerdas de María Pinto. Ambas instancias buscan que la directora ponga en práctica los conocimientos adquiridos durante su estadía en Italia junto al maestro Carlos Riazuelo.

    Adicionalmente, y alineada con su compromiso de fomentar el liderazgo femenino en el podio, la directora realizará durante la segunda quincena de septiembre la actividad educativa “El Gesto de Liderar”. Esta iniciativa, abierta a la comunidad, busca transferir lo aprendido en Europa a las nuevas generaciones de mujeres directoras locales.

    Nacida en Santiago de Chile, Alfonsina Torrealba es intérprete, música y docente. Comenzó su carrera como directora de orquesta en 2016, desarrollando un estilo fresco, juvenil y diverso que ha allanado un camino para su carrera en Chile y Europa.

    Se ha mostrado como una directora competente y profesional, capaz de inspirar y desarrollar un repertorio complejo, variado e interesante, elevando el interés de la comunidad en la música clásica y llevando a la orquesta a un nivel de calidad superior. En su trabajo destacan la Orquesta Joven de Curacaví, la Orquesta de Cuerdas de María Pinto, la Orquesta Joven de La Reina, la Orquesta de Flautas de Panguipulli, el Coro Presbiteriano San Esteban y el coro de la UAX.

    Es fundadora del estudio remoto TorreMar Music Studio y ha colaborado como directora en la Berklee College of Music, además de participar como soprano del coro de cámara Amalthea. Fue destacada durante 2025 por las revistas Voyage LA, Bold Journey, Canvas Rebel y Shoutout LA.

    Alfonsina Torrealba ha sido ganadora de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayuda a la Especialización y el Perfeccionamiento Artístico y Técnico.

    • Del 24 de agosto y el 2 de septiembre: Programa de perfeccionamiento en la ciudad de Catania, Italia
    • 12 de septiembre: “Suite María Pinto” de José Miguel Cerey Jerez, concierto de la Orquesta de Cuerdas de María Pinto en Teatro Municipal de San Joaquín, Santiago de Chile
    •  26 de septiembre:  “Festival Semillero Sonoro. Orquestas iniciales de la zona centro del país”, Mostazal, Región de O’Higgins, Chile
  • La investigadora brasileña Marina Cananda presenta el primer episodio de “Rutas Sonoras: Diálogos entre las escenas underground de Brasil y Argentina”

    La investigadora brasileña Marina Cananda presenta el primer episodio de “Rutas Sonoras: Diálogos entre las escenas underground de Brasil y Argentina”

    Rutas Sonoras es un proyecto de investigación musical y creación audiovisual dedicado a mapear, analizar y conectar las escenas independientes y underground de Brasil y Argentina. Desde una perspectiva crítica, centrada en la cultura, la identidad latinoamericana, los hibridismos, la autogestión y la producción musical emergente, el proyecto busca comprender las dinámicas estéticas y de circulación que definen el presente de la música independiente en ambos países.

    El resultado será una serie audiovisual de 4 episodios, publicada de manera abierta y gratuita en las plataformas de Radio Color, un espacio de curaduría musical especializado en música latinoamericana contemporánea.

    Marina Cananda es investigadora, curadora musical, investigadora independiente y creadora de la plataforma Radio Color, dedicada a la difusión de la música independiente de América Latina desde el año 2020. Desarrolla trabajos de crítica musical, investigación cultural y creación de contenidos sobre escenas alternativas, hibridismos sonoros, identidad latinoamericana y resistencia cultural. Se desempeña como guionista, presentadora y responsable de la investigación del proyecto Rutas Sonoras.

    Lucas Barrionuevo es editor audiovisual con experiencia en narrativas musicales, documentales y piezas para redes sociales. Es responsable del montaje, la identidad visual, el tratamiento de sonido, la corrección de color y la finalización de los episodios de la serie.

    Bruno Pilia es el colaborador argentino del proyecto. Músico e investigador independiente de la escena underground argentina. Colabora en la etapa de captación de material de referencia, mapeo preliminar y relevamiento de bandas, colectivos y espacios culturales de Buenos Aires, aportando soporte contextual a la investigación.

    El primer episodio se titula “Cartografías del under argentino: un mapa vivo de la escena actual”, y los siguientes serán: “Hibridismos sonoros: fusiones, cruces y estéticas emergentes”, “Autogestión y cooperación: cómo se sostienen las escenas” y “Diálogos Brasil-Argentina: puentes, tensiones y resonancias”.

    El presente proyecto cuenta con el apoyo del Programa Ibermúsicas a través de su línea de “Ayuda a proyectos virtuales”, convocatoria 2025.

    • Ver videos a partir del 18 de agosto en: @radio.color
  • Con conciertos, clases magistrales y conferencias Elena Ortega, Victoria Velasco y Ana María Gandasegui llevarán desde España a Costa Rica todo su saber sobre La Guitarra Española y la Casa Manuel Contreras

    Con conciertos, clases magistrales y conferencias Elena Ortega, Victoria Velasco y Ana María Gandasegui llevarán desde España a Costa Rica todo su saber sobre La Guitarra Española y la Casa Manuel Contreras

    Esta propuesta busca difundir la historia y evolución de la guitarra española, dada su importancia en la cultura de muchos países y su influencia en diferentes géneros musicales. El proyecto se compone de una conferencia, un concierto de guitarra y clases magistrales, siendo todas las actividades abiertas al público.

    La propuesta está dirigida a los alumnos de la Sede del Atlántico de la Universidad de Costa Rica, así como a todas aquellas personas interesadas en la guitarra española y su historia. Es por ello que el acceso será abierto al público.

    La conferencia Victoria Velasco y Ana María Gandasegui abordará una visión histórica de la Guitarra Española, el desarrollo del instrumento desde sus antecedentes históricos y un amplio recorrido por la historia de Guitarras Manuel Contreras, uno de los talleres de construcción más emblemáticos y reconocidos de Madrid.

    El concierto de Elena Ortega ilustrará todo lo expuesto en la conferencia. La concertista tocará con una Guitarra Contreras para que el público pueda escuchar de primera mano el sonido característico de este taller. El repertorio se compondrá de piezas de diferentes estilos, incluyendo no sólo la música española de Turina o Tárrega sino también música latinoamericana, de raíces orientales o con influencia de géneros más modernos como el jazz. Se podrá observar así la versatilidad del instrumento, mostrando todo su potencial y sirviendo de vehículo para crear lazos con otras culturas.

    Elena Ortega es una destacada guitarrista de Madrid, especializada en música española pero con gran interés en la relación del género clásico con otras músicas de raíz popular, como el flamenco.

    • Del 17 al 21 de agosto: San Pedro Sula y Tegucigalpa, Honduras
    • 26 de agosto: Concierto Elena Ortega
    • 27 de agosto: Clases magistrales Elena Ortega
    • 28 de agosto: Conferencia Guitarras Manuel Contreras
    • 2 de septiembre: Encuentro de Guitarra Iberoamericana 2026, Sede del Atlántico, PPAM, Universidad de Costa Rica
    • Del 10 al 12 de septiembre: Ciudad de Guatemala y Antigua, Guatemala