Categoría: Noticias generales

Como parte de la programación oficial, la destacada artista chilena Gatajazz y el dúo ROCAMADOUR han sido seleccionados para presentarse en los esperados MIM Showcases. Este espacio está estratégicamente diseñado para que los proyectos musicales de Iberoamérica resuenen con fuerza ante programadores, sellos y medios de comunicación internacionales, promoviendo el descubrimiento de nuevos talentos y la exportación de la música chilena.

Aportando directamente a esta visión estructural y al desarrollo de entornos laborales dignos, Tania Meza, Directora del Sello Trigal y de Marejada, formará parte del panel clave: Conversatorio: Espacios Seguros para Todos los Sentires: Género, Neurodivergencia y Diversidad LGBTIQIA+. Su participación busca fortalecer la implementación de protocolos de seguridad integrales, asegurando que todas las identidades puedan crear, trabajar y desarrollarse en total libertad y con plenas garantías de respeto a su integridad.

El Encuentro Mujer, Disidencia, Música y Territorio está consolidado como un espacio clave de articulación y formación para la cadena de valor de la música, se destaca por ser una plataforma que visibiliza a las mujeres y disidencias en la música, al tiempo que apuesta firmemente por la creación de espacios seguros para el desarrollo de un ecosistema más diverso, igualitario y humano.

La presencia de esta comitiva en este importante espacio de intercambio iberoamericano es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas y del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile.

• Del 7 al 10 de octubre en la Ciudad de Panamá

El proyecto busca rescatar, reimaginar y difundir el folklore latinoamericano y caribeño a través de la creación y producción de repertorio contemporáneo creado por mujeres. A partir de la obra Llamado, de la compositora cubana Paula Piñeiro, inspirada en los tambores batá y en la espiritualidad yoruba, se realizó una producción audiovisual que une el trabajo de artistas de Cuba y de Costa Rica.

Piñeiro se inspira en la tradición yoruba de Cuba, particularmente en los cantos dedicados a Elegguá, orisha guardián de los caminos y mediador entre lo humano y lo divino. Dentro de esta cosmovisión, Elegguá es invocado al inicio de los rituales, pues abre los canales de comunicación entre el mundo humano y el espiritual. Estos cantos afrocubanos se caracterizan por estructuras de llamado y respuesta, y una compleja polirritmia articulada por los tambores batá: iyá, itótele y okónkolo.

A partir de este entramado sonoro, el fagot asume el papel de la voz guía, evocando el canto dedicado a Elegguá, mientras que los tambores batá sostienen los interludios dancísticos que activan el movimiento y la energía ritual.

Participan de este proyecto: Paula Piñeiro (Cuba), compositora; Natasha Pizarro (Costa Rica), fagotista y directora del proyecto; José María Piedra (Costa Rica), percusionista; Iván Horton (Costa Rica), director y realizador audiovisual y Jorge Molina (Cuba), director y productor audiovisual.

Este proyecto fue seleccionado en la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayuda a proyectos virtuales.

• 10 de julio: estreno oficial en plataformas

Tras diez años de música y caminos compartidos, “Menguante” es una gira que más que un recorrido geográfico, representa un viaje interior. La luna menguante simboliza el paso del tiempo, el cierre de un ciclo que nos prepara para el nacimiento de otro.

El espectáculo “Menguante” de Elena y la Orquesta Lunar reúne material reciente junto con algunas canciones de su primer disco, que hacía varios años no interpretaban en vivo. La serie de conciertos iniciará en San José, Costa Rica y continuará en julio con una gira por el norte de Argentina, con conciertos  y actividades en Córdoba, Santiago del Estero y Tucumán.

Elena y La Orquesta Lunar es una agrupación costarricense fundada y dirigida en 2016 por la compositora, cantante y violonchelista Elena Zúñiga Escobar. La música de esta orquesta propone una fusión con una identidad sonora única dentro de la música latinoamericana contemporánea. Su propuesta transita el género mundo fusión, integrando sonidos del folclore latinoamericano y costarricense junto con influencias del jazz y ritmos de raíz africana en sus percusiones. Todo esto se entrelaza a través de una instrumentación variada de violonchelo, violín, piano, percusiones, arpa, bajo, voces y cuatro venezolano.

Esta gira argentina de “Elena y la Orquesta Lunar” es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”, convocatoria 2025.

• 3 de julio, 14h: Taller Taller de música Afrocaribeña – Casa de Cultura de Villa Allende, Córdoba, Argentina
• 4 de julio:  Concierto en Teatro Comedia, Córdoba, Argentina
• 5 de julio: Encuentro con el Indio Froylán, Santiago del Estero, Argentina
• 8 de julio: Grabación de podcast para Cultura Caníbal, Santiago del Estero, Argentina
• 10 de julio, 17h: Intercambio de gestión cultural – Citá Abasto
• 11 de julio, 20h: Concierto en Centro Cultural Virla (Julio Cultural), Tucumán, Argentina

Afonso Cabral (Lisboa, 1986) ha sido una presencia constante en la escena musical lisboeta durante los últimos 15 años, ya sea con sus You Can’t Win, Charlie Brown, como integrante de las bandas de Bruno Pernadas, Minta & The Brook Trout o Mais Alto!, o como compositor de canciones para otros intérpretes. En este último campo, se destacan “Perto”, interpretada por la fadista Cristina Branco, y también “Anda Estragar-me os Planos”, escrita junto a Francisca Cortesão para el Festival da Canção 2018, en la voz de Joana Barra Vaz, y reinterpretada más tarde por varios cantantes, entre ellos Salvador Sobral y Tim Bernardes.

Después de “Morada”, publicado en 2019, lanzó a finales de 2024 su segundo álbum solista, “Demorar”: un disco de nuevas canciones con la voz de Cabral en el centro y que cuenta con participaciones del japonés Shugo Tokumaru y de Manuela Azevedo, de Clã. “Demorar” fue muy bien recibido por la crítica y formó parte con frecuencia de las listas de los mejores discos del año.

En los últimos años, tuvo el privilegio de poder presentarse algunas veces en Japón, principalmente junto a Bruno Pernadas, en el Festival de Frue y en WWW X, en Shibuya, en 2018, y en Fruezinho, en 2022. En 2023 también se presentó en Tokio, en Kong Tong, en un concierto solista de Afonso Cabral + Minta & The Brook Trout.

Impulsado por esas experiencias, en “Demorar” la cultura japonesa también ocupa un lugar destacado. El tema “Paraíso” es una clara referencia y homenaje al ícono japonés Haruomi Hosono, y la canción “Confusão / ざわめき” es un dueto con el reconocido músico Shugo Tokumaru, escrito y grabado por Cabral en Lisboa y por Tokumaru en Tokio.

Ahora, Afonso Cabral tiene la oportunidad de reforzar los lazos con Japón mediante una gira que pasará por Osaka, Kioto, Nagoya y Tokio. Además, surgió la posibilidad única de que el músico portugués se presente en China, Macao y Hong Kong.

Afonso Cabral estará acompañado en el escenario por Pedro Branco, uno de los guitarristas de jazz más brillantes de Portugal y compañero musical de Cabral desde hace varios años.

Branco también es integrante de la banda You Can’t Win, Charlie Brown y fundador del proyecto Old Mountain. Participa o ha participado en diversos proyectos junto a nombres tan variados como Tiago Bettencourt, Fausto Bordalo Dias —en el concierto por los 40 años de Por Este Rio Acima—, Mazgani, Lavoisier, Afonso Cabral o Tipo. En su discografía reciente se destacan su primer disco solista, “A Narrativa Épica do Quotidiano”; el disco compartido con Tape Junk, “Bolero”; y su proyecto iconoclasta “Branco toca Marco Paulo”, que espera la edición de su primer disco este mismo año.

Esta gira de Afonso Cabral por China y Japón es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, a través de su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”, convocatoria 2025.

• 2 de julio: Old Heaven, Shenzhen, China
• 3 de julio: Casa Garden, Macao
• 4 de julio: Antique 3000, Zhuhai, China
• 5 de julio: Chez Trente
• 8 de julio: Elevaty, Osaka, Japón
• 9 de julio: Submarine, Kioto, Japón
• 10 de julio: Stiff Slack, Nagoya, Japón
• 11 de julio: Wall&Wall, Tokio, Japón

La intención del programa de este concierto es la exploración de la dualidad tanto en la música como en sus autores; de manera multifacética.Este recorrido aborda períodos sumamente diversos y los conecta por medio de dichas dualidades. Al igual que una moneda lanzada al aire, a todo se le puede encontrar dos caras: “Águila” o “Sol”.

De esta manera se crean vínculos que se van entrelazando por medio del oído y de la memoria. Aunque no siempre de manera plenamente consciente, la intención del intérprete es guiar y crear estas conexiones en el público. La curación del programa, la manipulación del silencio y sonido, así como breves explicaciones, contribuyen a dicha experiencia.

La primera pieza del concierto está conectada con la última. “Les Barricades mystérieuses” es una obra en forma de rondó del compositor francés François Couperin; una obra corta y de una aparente sencillez, cuya genialidad y belleza inspiraron al compositor serbio Dušan Bogdanović a escribir “Mysterious Habitats” con la cual culmina el concierto. De esta manera, y con una brecha de alrededor de 300 años, una obra del siglo XVIII y otra del siglo XX sirven para despegar y aterrizar el programa.

El compositor mexicano Manuel M. Ponce se ha cimentado en el mundo de la guitarra clásica como uno de los compositores más queridos y cuyas obras resuenan en las salas de concierto del mundo entero, interpretadas por los exponentes más prominentes de la guitarra en la actualidad. La otra cara de Ponce es la de uno de los autores del folclor en México con diversas composiciones como Valentina, Estrellita, Por ti mi corazón, entre otras.

Los compositores italianos Giulio Regondi y Nuccio D ́Angelo no tienen nada que ver el uno con el otro estrictamente hablando. Sin embargo, tanto el “Rondo e Caprice” como “Due Canzoni Lidie” disponen de un temperamento que se desarrolla de maneras similares. Ambas obras, estructuradas en dos grandes bloques. Su primera mitad de carácter improvisatorio y libre, dan gran protagonismo a la belleza y dulzura que caracterizan tanto a la guitarra, la exploración del sonido y manipulación del tiempo. En cambio, la segunda mitad se caracteriza en ambas piezas por su gran explosividad, dinamismo y virtuosismo.

Samuel Rived estudió en Inglaterra en el prestigioso Royal Northern College of Music, donde trabajó con Craig Ogden. A lo largo de su formación, ha participado en clases magistrales con Thomas Viloteau, Jason Vieaux, Zoran Dukic, Steven Goss, entre otros.

En 2022, cofundó “Casa Catrín”, un proyecto con sede en Bruselas cuyo objetivo es crear una comunidad que impulse a jóvenes intérpretes, ofreciendo educación musical de alta calidad y conciertos para todos aquellos que aman o están por descubrir la guitarra clásica. En 2025 concluyó una maestría en el Conservatorio Real de Bruselas bajo la tutela de Antigoni Goni. Se ha presentado como solista, en música de cámara y en diversos ensambles en distintos escenarios de Italia, Finlandia, México, Estados Unidos, Portugal, Bélgica y Reino Unido.

Esta gira mexicana de Samuel Rived es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

• 1 y 2 de julio: Masterclass y concierto en Museo del Virreinato (San Luis Potosí)
• 10 de julio: Concierto (Zitácuaro-Michoacán)
• 14 de julio: Concierto Casa del tiempo (Ciudad de México)
• 25 de julio: Concierto Casa Gemela (Mérida-Yucatán)
• 30 & 31 de julio: Masterclass & concierto Universidad de las Artes de Yucatán(Mérida-Yucatán)

6 y 7 de agosto: Concierto y conferencia Escuela de Música del Estado de Hidalgo (Pachuca-Hidalgo)

La gira de Alzira E por Portugal y España marca un momento histórico en la carrera de la artista, celebrando sus 40 años de trayectoria fonográfica y el lanzamiento del espectáculo Señora del Tiempo, concebido a partir de la recuperación de más de 40 composiciones inéditas digitalizadas durante la producción del documental Aquello que Nunca Perdí, ganador del Festival InEdit Brasil en 2021.

Con 16 discos editados, más de 160 canciones grabadas y colaboraciones con figuras centrales de la música brasileña —como Itamar Assumpção, Alice Ruiz, Zélia Duncan, Juçara Marçal y Tiganá Santana—, Alzira ha construido un repertorio singular que articula influencias del pop, del rock, de la música regional del Pantanal y de las tradiciones latinoamericanas. Su presencia en Europa representa una oportunidad para presentar al público ibérico a una artista cuya obra combina innovación estética, profundidad poética y un compromiso histórico con la creación colectiva, inspirando a generaciones más jóvenes como Anelis Assumpção, Tulipa Ruiz, Iara Rennó y Luiza Brina.

Además de los conciertos, la gira prevé acciones de mediación cultural y formativa, como charlas y talleres. Uno de los momentos destacados será su participación en el Festival MIMO, en Amarante (Portugal), donde Alzira compartirá con el público su proceso artístico de composición. En todas las ciudades incluidas en la gira también se realizarán proyecciones del documental Aquello que Nunca Perdí, que profundiza la comprensión de su obra y de su contribución a la música brasileña contemporánea.

Alzira E es el nombre artístico que Alzira Espíndola adoptó desde 2007. Es compositora, instrumentista, intérprete de su propia obra, directora artística y productora musical de su carrera. Brasileña, Alzira Maria Miranda Espíndola nació en 1957 en Campo Grande, en el estado de Mato Grosso do Sul, y proviene de una familia de artistas. Participó de la icónica banda Tetê e os Lírios Selvagens a mediados de los años setenta. Alzira es una de las mayores referencias de la composición femenina brasileña contemporánea. Sus canciones han sido grabadas por grandes artistas como Ney Matogrosso, Tetê Espíndola, Virginia Rodrigues, Zélia Duncan, Fabiana Cozza, Maria Alcina, Simone, André Abujamra, Tiganá Santana, Peri Pane, Gustavo Galo y Carlos Navas, entre otros.

Sus composiciones incorporan influencias del pop, del rock y de la música regional del centro-oeste brasileño, presentes en los ritmos ternarios, por la influencia de la cultura de frontera y de sus raíces latinas (Paraguay, Bolivia, Uruguay y Argentina).

Ha grabado 16 discos que registran su presencia en la música brasileña contemporánea, manteniendo posiciones destacadas de vanguardia e innovación.

Esta gira europea de Alzira E es posible gracias al apoyo de Ibermúsicas, a través de su línea de Ayuda a la Circulación de Profesionales de la Música, convocatoria 2025.

• 1 de julio: Bota, grabación de dos canciones para el proyecto Esquina Nua – Madrid Instagram, Lisboa, Portugal
• 2 de julio: Bota, proyección de la película «Aquilo Que Eu Nunca Perdi» + actuación musical, Lisboa, Portugal
• 4 de julio: actuación musical en el Festival Mimo, Guimarães, Portugal
• 5 de julio: taller sobre composición, Festival Mimo, Guimarães, Portugal

El rapero y artista multidisciplinario Morcego lanza “Khanyisa”, una obra musical que propone un encuentro inédito entre culturas, idiomas y territorios. Mezclando portugués, inglés, zulú y xhosa en una única canción, el proyecto construye un puente sonoro entre Brasil y Sudáfrica dentro del universo global del amapiano.

El amapiano es un subgénero musical de la house music originario de Sudáfrica, que se ha convertido en un fenómeno global. El término, derivado de la lengua zulú, significa literalmente “los pianos”. Su sonido mezcla deep house, kwaito, jazz y melodías suaves de piano con líneas de bajo profundas y mucha percusión.

Más que una experimentación musical, “Khanyisa” nace como resultado de una experiencia de intercambio artístico y reconexión afrodiaspórica. La música fue desarrollada durante la residencia artística de Morcego en la Universidad de Ciudad del Cabo (University of Cape Town), en colaboración con los artistas sudafricanos Likho Yonto y Nkolo Mabhani.

La palabra “Khanyisa”, que significa “iluminar” o “brillo del sol”, traduce la esencia de la música: un mensaje sobre fe, perseverancia y esperanza. La letra habla sobre seguir creyendo incluso ante las dificultades, pidiendo que la luz permanezca encendida en los momentos de tristeza, miedo y oscuridad.

Con una sonoridad que une la energía contemporánea del amapiano con elementos de espiritualidad y ancestralidad, la canción crea una experiencia sensorial que atraviesa fronteras geográficas, lingüísticas y emocionales.

“Khanyisa habla sobre seguir caminando incluso cuando la luz parece distante. Es sobre fe, ancestralidad y recordar que existe fuerza dentro de nosotros incluso en los momentos más difíciles.” Morcego

Morcego es artista, investigador y coordinador general del proyecto. Artista independiente negro, con más de 400 millones de reproducciones e indicado a los MTV MIAW, colaboró con nombres como Edi Rock, Lourena, Delacruz, Maria, Turma do Pagode y Barbara Labres. También realizó campañas para grandes marcas como Amarula, Voar Maricá y Azul Linhas Aéreas. Cuenta con certificación en Music Business y Music Marketing por la PUC-Rio. Es CEO de ROCKA, productora de proyectos audiovisuales y culturales. Además, es fundador de la incubadora Afrosons, que impulsa a jóvenes artistas negros. En São Paulo, la iniciativa fue contemplada mediante una enmienda parlamentaria para ser ejecutada en 2027 y, en Río de Janeiro, está siendo acelerada por el Instituto Futuros y la Secretaría de Cultura del Estado.

Esta residencia de Morcego en Sudáfrica fue posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea deAyuda a artistas e investigadores para residencia, convocatoria 2025. Ver en: https://youtu.be/CdcFU2rJAmk

A partir del lunes 15 de junio se encuentran habilitados todos los formularios de postulación de nuestras Convocatorias y Premios para proyectos a realizarse en 2027.

Los formularios de aplicación cuentan con la posibilidad de guardar la información que se vaya cargando en formato borrador, lo que facilita el trabajo y permite iniciar la carga del proyecto aunque no se cuente con todos los documentos necesarios. Recomendamos utilizar esta modalidad a fin de familiarizarse con los procesos de candidatura.

A la vez, se debe tener presente que es muy desaconsejable realizar la postulación el último día, dado que:  

• pueden encontrar a último momento algún requisito en el cual no habían reparado antes y ya no contar con el tiempo suficiente para cumplimentarlo
• el tráfico de la web puede sufrir complicaciones y presentar dificultades

El personal de la Unidad Técnica Ibermúsicas está, durante los cuatro meses en los cuales las convocatorias permanecen abiertas, a entera disposición de las y los postulantes a fin de brindarles asesoramiento en la presentación de los proyectos o de solucionar cualquier problema que pudiera presentarse, sin embargo, deben tener presente que este acompañamiento no puede darse sobre los últimos días, al no poder responder a la demanda regional de forma simultánea.

Las y los jurados evaluarán a las y los postulantes conforme a la información presentada en los perfiles del Catálogo del Sector cargados en la web de Ibermúsicas. Recomendamos tener completos y mantener actualizados los perfiles prestando especial atención al texto descriptivo que resulta de alto valor para el jurado, dado que se trata del texto que brinda toda la información necesaria al momento de evaluar. Para editar los perfiles, se debe acceder al menú  “Catálogos” en la web de Ibermúsicas.

Recomendamos también recorrer nuestra nueva sección de Preguntas Frecuentes, seguirnos en redes y habilitar las notificaciones.

Celebramos quince años de músicas que viajaron, de artistas que encontraron nuevos escenarios, de culturas que se reconocieron en otras y de políticas públicas que pusieron al sector musical en el centro de la agenda regional.

¡Invitamos a todo el sector musical iberoamericano a presentar proyectos que puedan generar un impacto positivo en cualquier lugar del mundo!

Formularios disponibles

Mediante el apoyo de Ibermúsicas a través de su línea de Ayuda a proyectos virtuales, Juan Villoro de México y Belén Pasqualini de Argentina, dieron forma a “El Cuarto Cerrado”, una obra en coautoría.

El Cuarto Cerrado es una obra que propone un cruce entre el teatro, la música contemporánea y distintos universos científicos, particularmente la matemática, la física y la cosmología, para abordar una historia atravesada por los vínculos familiares, la herencia simbólica y los legados femeninos que se transmiten de generación en generación.

La obra trata de tres generaciones de científicas: la Abuela es matemática, la Madre física y la Hija cosmóloga. Esta filiación sigue el desarrollo histórico de esas disciplinas, que empezaron con los números y desembocaron en las simulaciones de los cosmólogos. Con todo, no estamos ante una historia de la ciencia. Las distintas concepciones del universo entran en tensión, motivadas por asuntos personales. Este es, justamente, el meollo de la trama: la búsqueda de los misterios del universo es tan intrincada como la solución de las más íntimas neurosis.

El proyecto nace del encuentro entre el escritor mexicano Juan Villoro y la artista argentina Belén Pasqualini, y constituye una nueva instancia de diálogo entre creación escénica y pensamiento científico. Su origen se encuentra en una idea concebida por Pasqualini, quien convocó a Villoro a sumarse a esta aventura artística. A partir de ese impulso inicial, ambos desarrollaron conjuntamente una obra original en la que la escritura, la música y la investigación dialogan de manera permanente.

La colaboración se inscribe en una línea de trabajo que Villoro ha desarrollado en obras vinculadas al universo científico, como La desobediencia de Marte y Filosofía de vida, experiencias que demostraron la potencia del teatro como espacio de encuentro entre conocimiento, emoción y reflexión.

El concepto musical de la obra surge de una necesidad profunda de explorar el universo de las constelaciones familiares a través del sonido. Al tratarse de una obra que intersecta la ciencia y el arte, la música condensada en el violonchelo adopta un carácter estrictamente minimalista. Esta decisión estética funciona como una metáfora indirecta de la ciencia misma: un universo con poco decorado, sin adornos innecesarios, donde las hipótesis son información dura y donde la sonoridad se enfoca en la pureza de su estructura. El instrumento, que será ejecutado por una de las actrices, se aleja de a momentos de su uso convencional o clásico, mediante técnicas extendidas como el frotado. El violonchelo abandona la obligatoriedad de la mera melodía lineal para transformarse en un generador de sensaciones e impresiones puras.

El Cuarto Cerrado tiene previsto su estreno en Buenos Aires durante 2027, con proyección de futuras presentaciones en México, consolidando así un puente artístico entre ambos países y sus tradiciones culturales.

“Encanto – voz y guitarra” presenta una nueva lectura del álbum debut del cantante, compositor y multiartista Cesar Soares, revelando la fuerza de las canciones en su esencia, sin renunciar a la intensidad y la pulsación que caracterizan su obra. Junto al guitarrista Fernando Caneca, el espectáculo propone un formato dinámico, en el que los momentos de delicadeza conviven con pasajes rítmicos, expansivos y llenos de energía.

El repertorio recorre las canciones del álbum Encanto, lanzado en 2025, transitando entre el pop contemporáneo y la música popular brasileña. Canciones autorales como “Não deixa, não!” y “Mal de Amor” adquieren nuevos matices en el diálogo directo entre voz y guitarra, además de la relectura de “Balada do Louco”, clásico inmortalizado por Rita Lee y la banda Os Mutantes. La propuesta valoriza la interpretación, la presencia escénica y la comunicación directa con el público, creando una experiencia envolvente y potente.

Durante la circulación, se realizarán registros audiovisuales de los conciertos y sus bastidores, y se grabará en territorio portugués el videoclip de la canción “Pra Me Jogar”, integrante del álbum Encanto, expandiendo la presencia audiovisual y la difusión de la obra. Los contenidos tendrán dirección de Zéca Vieira, creador de la productora Monstera Criativa, quien ya trabajó con artistas como Ney Matogrosso, Letrux, Toni Garrido, Xande de Pilares, Leci Brandão y Johnny Hooker. El material finalizado será posteriormente presentado en un evento abierto al público en Río de Janeiro.

Semifinalista de The Voice Brasil en 2022, Cesar Soares viene consolidando su trayectoria en la música brasileña contemporánea al unir identidad, performance y repertorio autoral. Su investigación artística atraviesa temas como el afecto, la libertad y la pertenencia, construyendo una obra sensible y conectada con el presente.

A su lado, Fernando Caneca, guitarrista pernambucano, aporta una trayectoria sólida y reconocida en la música brasileña. Ha colaborado con Ivan Lins, Marisa Monte, Caetano Veloso, Gal Costa, Vanessa da Mata, Martinho da Vila y Zeca Pagodinho, entre otros. Integrante del trío instrumental FLENKS, nominado al Grammy Latino, también desarrolló proyectos autorales como el disco Visitando Canhoto da Paraíba y se desempeña como productor, arreglista y director musical en diversos trabajos. Su versatilidad y refinamiento musical amplían las posibilidades del espectáculo.

“Encanto – voz y guitarra” es, así, un encuentro entre dos artistas de trayectorias consistentes, que transforman el formato íntimo en una experiencia sonora rica, expresiva y sorprendente.

Esta gira europea de Cesar Soares es posible gracias al apoyo de Ibermúsicas, a través de su línea de apoyo a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

• 21 de junio: BOTA, Lisboa, Portugal.