Categoría: Noticias generales

SIGSEGV – Cuando la falla se vuelve resistencia, es un proyecto sonoro y performático desarrollado por la artista Fenna Frei que explora la tensión entre lo orgánico y lo digital a través de la improvisación, la música electrónica y la performance. Durante la residencia, la artista desarrollará dos piezas principalmente instrumentales, trabajando con voz, síntesis (granular y sustractiva), secuencias y live looping.

El proceso incluye investigación artística sobre los impactos sociales, culturales y ambientales de las nuevas tecnologías, colaboración a distancia con una artista visual para el desarrollo de visuales que se integrarán a la obra, y la realización de una live session o concierto como cierre de residencia. Como actividad educativa complementaria, se brindará un taller gratuito a la comunidad local.

Fenna Frei es el nombre artístico de Candela Cibrián. Es cantante, compositora, productora musical, técnica en producción musical (UCA) y performer argentina radicada en Ciudad de México. Su trabajo se mueve entre el pop experimental, la electrónica emocional, el IDM y la performance sonora. Cuenta con más de 10 años de experiencia en producción musical y live sets electrónicos. También tiene formación actoral y experiencia escénica, con 2 años como actriz en musicales en la Calle Corrientes, y proviene de una familia de reconocida trayectoria en cine y teatro, Cibrián Campoy. Su obra propone narrativas sonoras inmersivas donde la voz, los sintetizadores y el cuerpo funcionan como un solo instrumento, con foco en la visibilización de mujeres en el ámbito del sonido y la producción musical.

Este proyecto de Fenna Frei ha sido ganador en la línea de “Ayuda a artistas e investigadores para residencias” del Programa Ibermúsicas, convocatoria 2025.

• Del 4 al 29 de mayo en Fish Factory – Creative Centre, Stöðvarfjörður, Islandia

Ganadora de la Convocatoria Especial Ibermúsicas – Mid Atlantic Arts 2024, la OIANT ha sido invitada por las Reservaciones Indígenas a realizar seminarios, conciertos y a dialogar con los referentes espirituales de las Naciones Nativas de Minnesota, Dakota del Sur y Dakota del Norte. La Orquesta de Instrumentos Autóctonos y Nuevas Tecnologías (OIANT) de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, dirigida por Alejandro Iglesias Rossi, realizará asimismo conciertos sinfónicos y de cámara en el Berklee College of Music (Boston) así como en New York, Washington D.C., Minneapolis, Grand Forks, Virginia y Baltimore.

La Gira “Sonidos de la América Oculta” es presentada por destacadas instituciones culturales como Indigenous Roots, American Composers Forum, North Dakota Museum of Art, Grand Forks Symphony Orchestra y Artworking Productions junto a Ibermúsicas y Mid Atlantic Arts.

La Gira culminará con un concierto sinfónico junto a la Grand Forks Symphony Orchestra así como conciertos solistas de la OIANT en el North Dakota Museum of Art, el Indigenous Roots Cultural Center y la University of Minnesota.

A la vez realizarán investigación sobre instrumentos autóctonos en la Library of Congress (Washington DC) así como en el Walters Museum (Baltimore).

Fundada en el año 2004 por Alejandro Iglesias Rossi y Susana Ferreres, la OIANT otorga a los instrumentos nativos de América la misma “dignidad ontológica” que a los instrumentos heredados de la tradición europea y realiza un trabajo interdisciplinario que abarca las áreas de composición, interpretación, luthería, tecnología, coreografía, escenografía, creación de máscaras y docencia, buscando así reunir las diferentes áreas del conocimiento relacionadas con la música.

Sus integrantes son a la vez creadores y ejecutantes de sus propias obras, constructores de los instrumentos que interpretan así como de las máscaras utilizadas en concierto, y presentan su trabajo interdisciplinario realizando un recorrido por la geografía sonora del continente tanto con música tradicional como con composiciones contemporáneas fusionando a los instrumentos milenarios (Mayas, Aztecas, Incas, Mochicas, Nazcas) con las tecnologías digitales.

• 3 de mayo: Concierto en North Dakota Museum of Art, Grand Forks (ND)
• 5 de mayo: Turtle Mountain Reservation / Intercambio Cultural y  Festival de Música de Cámara, “Sounds of the Prairie” (Reservaciones y escuelas de North Dakota y South Dakota)
• 6 de mayo: Intercambio Cultural y Festival de Música de Cámara, Cankdeska Cikana College
• 7 de mayo: concierto en Waubay Reservation
• 8 de mayo: Concierto Thief River Falls Reservation
• 8 de mayo: Concierto Crookston
• 10 de mayo: Concierto OIANT + Grand Forks Symphony Orchestra, Grand Forks (ND)
• 13 de mayo: Intercambio Cultural y Concierto en Proyecto “Recomposing America” / American Composers Forum & Indigenous Roots, Minneapolis (MN)

14 de mayo: Conferencia y Workshop en University of Minnesota

Sonorama Ribera del Duero México es la extensión internacional de uno de los festivales más emblemáticos de España, consolidado como referente cultural, musical y gastronómico, el Festival Sonorama Ribera. Sonorama impulsa la diversidad, la inclusión, la sostenibilidad y la formación de públicos, generando redes duraderas e impacto económico, social y cultural a ambos lados del Atlántico.

Gracias al apoyo de Ibermúsicas, a través de su línea de Ayuda a la Programación Musical, esta edición de Sonorama recibirá a tres agrupaciones españolas: La M.O.D.A., Despistaos y Glotón.

La M.O.D.A. (La Maravillosa Orquesta del Alcohol) es un grupo con letras personales y un sonido marcado por los instrumentos acústicos (acordeón, clarinete, mandolina, banjo…) y por la tierra de la que vienen: Burgos. Además de en España han actuado en México, Colombia, Argentina, Chile, Francia, Italia, Holanda, Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos.

Despistaos cuenta con más de 20 años de trayectoria. Su particular estilo —un rock urbano con tintes de pop que huye de los tópicos y la rima fácil— se sostiene sobre melodías inolvidables y letras directas, capaces de conectar desde la primera escucha. Una fórmula que ya ha conquistado a varias generaciones.

Glotón es la continuación del grupo arandino Yani Como. Una propuesta que nace de los mismos componentes y que busca con sus nuevas canciones destripar las vivencias

de sus integrantes, sin florituras ni adornos, y con el único propósito de cantarle a la vida.

• 2 de mayo, Estadio Fray Nano, Fernando Iglesias Calderón s/n 15099, Ciudad de México

Claudia Sofía Alvarez es una compositora peruana cuya música profundiza en el poder del sonido en la experiencia humana a través de medios vocales, instrumentales y electroacústicos. Con el apoyo de Ibermúsicas realizará una residencia artística para la creación y finalización de la pieza Cúume, para ensamble mixto y medios electrónicos.

Ha participado en diversos festivales y residencias en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica, entre los que destacan el Festival D’Aix en Provence Composition Residency 2025 (Francia), 2023 IRCAM Manifeste Festival (Francia),.abeceda Contemporary Music Festival 2023, 2024 y 2025 (Eslovenia), 2022 Heroines of Sound Festival (Alemania), etc.

Ha colaborado con reconocidos ensambles como Intercontemporain (FR), Multilatérale (FR), KNM Berlin (DEU), Tana Quatour (FR), Ictus (BE), .abeceda [new music ensemble] (SI), Hartford Independent Chamber Orchestra (US), Fresh Squeezed Opera (US), Filarmonica Banatul Timișoara Choir (RO), Brno Philharmonic (CZ), Orquesta de Cámara Municipal de Santiago (CL), Orquesta Filarmónica de Medellín (CO), Coro Nacional del Perú (PE), etc.

Es Bachiller en Composición Musical de la Universidad Nacional de Música del Perú, donde ha participado de residencias y producciones discográficas del Laboratorio de Acusmática y Música Mixta de la institución. También ha realizado colaboraciones  interdisciplinarias, musicalizado obras para danza, teatro, exposiciones de arte y audiovisuales. Es co-fundadora de Retama: colectivo de compositoras.

Hanatsu Miror fue fundado en 2010 por la flautista Ayako Okubo y el percusionista Olivier Maurel. El ensamble se mueve entre la exploración sonora y la creación de nuevas obras. La práctica del ensamble se centra en la hibridación de gestos musicales, espacios acústicos y estéticos, y las formas de pensar, escribir y transmitir la música.

Hanatsu Miroir también busca promover la diversidad de enfoques y creencias artísticas, defender la singularidad de cada una y celebrar la belleza que se encuentra en las fronteras

porosas y las intersecciones entre innumerables perspectivas del mundo.

Desde su fundación en 2010, Hanatsu Miroir ha comisionado numerosas obras a compositores de diversos orígenes estéticos. El ensamble ha realizado giras en Europa, Asia, América del Norte y del Sur, y ha creado espectáculos para públicos de todas las edades.

En el concierto de cierre que tendrá lugar en el marco de Oto LABo #3 producido por Hanatsu Miroir serán programadas dos obras de la compositora: Raíces al infinito V para contrabajo solo y Collective Distortion, para ensamble mixto en el cual ella misma performará la voz y la electrónica junto al ensamble.

Esta residencia de Claudia Sofía Alvarez en Francia es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, mediante su línea de Ayuda a artistas e investigadores para residencias.

• Del 27 de abril al 25 de mayo en Espace K:10 rue du Hohwald, 67000 Estrasburgo, Francia
• 22 de mayo: concierto de cierre en el marco de Oto LABo #3 en Espace K:10 rue du Hohwald, 67000 Estrasburgo, Francia

Karmento es una artista folclórica de La Mancha, España que inició su andadura artística en el año 2012, cuando decide irse a vivir a la isla de Malta. Allí comenzó a relacionarse con músicos internacionales y empezó a escribir las canciones que conformarían su primer álbum “Mudanzas”.

A partir de 2020, con la publicación de “Este devenir”, empieza a posicionarse como uno de los grandes nombres del neofolclore español, siendo considerado este álbum como uno de los mejores de Música de Raíz del año. Su gira de presentación finalizó con más de 130 conciertos realizados.

Karmento participó en el Benidorm Fest 2023, con su canción “Quiero y duelo”, llegando a ser una de las finalistas. Ese mismo año alcanzó el título de Hija Predilecta de Castilla-La Mancha. En 2024, Karmento publicó su nuevo álbum “La Serrana”, un trabajo que ha sido considerado como uno de los mejores de 2024 para medios como Mondosonoro, Rockdelux, Efe Eme o Jenesaispop, además de ganar el Premio de la Academia de la Música a Mejor Álbum Folclórico y conseguir cuatro nominaciones en los Premios MIN.

Con el disco “La Serrana”, la artista manchega inició una nueva etapa al dar un paso hacia un folclore más vanguardista, pero manteniendo su más pura esencia. En las diez nuevas canciones que conforman este nuevo álbum, Karmento, inspirada en las mujeres de su pueblo y en su propia identidad, profundiza en su raíz serrana en un viaje emocional y narrativo que atraviesa la vida y la memoria de su pertenencia.

Esta gira de Karmento es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”, convocatoria 2025.

• 24 de abril: Facultad de ingeniería de la UNAM, Ciudad de México
• 25 de abril: Centro Cultural de España en México, Ciudad de México
• 28 de abril: Feria Internacional del libro Coahuila, Coahuila, México
• 2 de mayo: Centro Cultural de España, Ciudad de Guatemala

Desde Costa Rica, Guadalupe Urbina comienza a presentar las primeras canciones de “Ensayo + Error = Milagro”, un álbum introspectivo que recoge sus experiencias de vida y las comparte de manera sincera y abierta. A lo largo de once canciones, la cantautora costarricense aborda temas como la igualdad de género, la multiculturalidad, la accesibilidad, la niñez, la sustentabilidad ecológica y la vulnerabilidad social. Este trabajo musical representa una celebración de la diversidad cultural latinoamericana, con una narrativa personal que también resuena con temas universales.

Guadalupe Urbina es cantante, compositora e investigadora de la tradición oral de Costa Rica. Inició su carrera en los años ochenta con una serie de grabaciones de su música original. En 1988, participó en la gira de Amnistía Internacional junto a Bruce Springsteen, Sting, Tracy Chapman, Peter Gabriel y Youssou N’Dour. En 1994, recibió el Premio Gaviota del Círculo de Bellas Artes en Madrid, España. Durante las siguientes tres décadas, editó una docena de producciones discográficas y realizó innumerables presentaciones en diferentes festivales, teatros y escenarios de América, Europa y África. En 2017, recibió la declaratoria de interés cultural del Ministerio de Cultura de Costa Rica por su espectáculo “Abril Se Fue”. En 2018, recibió el reconocimiento de la Asociación de Compositores y Autores Musicales de Costa Rica por su contribución en la recopilación de tradiciones afromestizas de Guanacaste. Ese mismo año, Correos de Costa Rica conmemoró la carrera de Urbina con la emisión filatélica de estampillas postales. En 2019, la cineasta Patricia Howell (de grata memoria) realiza el documental “Los Caminos del Amor”, basado en la vida de Guadalupe Urbina, patrocinada por el Centro Costarricense de Producción Cinematográfica del Ministerio de Cultura de Costa Rica. En 2022, publica su nuevo sencillo y videoclip “La Cumbia de la Niña”, con el apoyo del Fondo de Población de las Naciones Unidas. En 2023, publica “Conjuro Sagrado”, un EP producido en colaboración con el DJ compatriota Barzo y galardonado con el VIII Premio Ibermúsicas a la Creación de Canción y en los XVIII Premios ACAM.

La realización de “Ensayo + Error = Milagro” es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a proyectos virtuales”, convocatoria 2025.”

Puentes Sonoros es una gira de la banda peruana Los Chapillacs en Colombia que busca generar un encuentro intercultural entre la cumbia peruana psicodélica y la cumbia contemporánea colombiana, a través de un conversatorio, talleres comunitarios y un concierto en espacios emblemáticos de Bogotá. El proyecto incluye un registro audiovisual profesional que servirá como material de memoria y difusión para fortalecer el diálogo iberoamericano en torno a la cumbia actual.

Los Chapillacs son una banda peruana de cumbia psicodélica fundada en 2006 en el Barrio del Solar, Arequipa. Su propuesta fusiona la cumbia peruana clásica con rock, psicodelia y mensajes ecológicos, construyendo un sonido propio que ha sido celebrado tanto en Perú como en el extranjero.

Han editado discos como Odisea Cumbia 3000 (2010), Lo bueno, Lo malo, Lo feo y Los Alaracosos Chapillacs (2021), este último publicado en vinilo por el sello español Munster Records.

Han girado por Chile, Argentina, Brasil y Europa en varias oportunidades, participando en festivales como Alhambra Monkey Week (España), Selvámonos y Trimarchi DG (Argentina).

Su música ha sido incluida en compilados internacionales como The Rough Guide to Cumbia (UK) y Beginners Guide to Cumbia (Nascente Records).

Estas presentaciones de Los Chapillacs en Colombia se hacen posibles gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, mediante su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”.

• 18 de abril: Conversatorio “Rock, cumbia y folclore: un encuentro de las músicas en la iberofonía” en Casa Kilele, Bogotá, Colombia
• 18 de abril: Talleres comunitarios de intercambio en Casa Kilele, Bogotá, Colombia
• 28 de abril: Concierto en Latino Power, Bogotá, Colombia

El joven compositor paraguayo Mateo Servián Sforza realizará estudios superiores de composición en la “Hochschule für Musik, Theater und Medien” de Hannover (Alemania), junto con el compositor estadounidense Aaron Cassidy. Durante su estadía en Hannover, además de tomar clases de composición con Aaron Cassidy, Servián Sforza tendrá la oportunidad de estrenar dos obras nuevas: el conjunto australiano Elision ejecutará una obra dentro del Festival Klangbrücken, prestigioso festival internacional que reúne a importantes artistas del ámbito de la música erudita contemporánea y el guitarrista estadounidense Seth Josel brindará un concierto dentro de la Hochschule donde ejecutará obras de los mejores estudiantes de composición, entre los cuales Servián Sforza fue seleccionado para crear una obra para guitarra eléctrica sola.

Mateo Servián Sforza, nacido en 1991 en Asunción (Paraguay), estudia composición con Marco Momi en el Conservatorio de Fermo. Del 2014 al 2020 estudió con Mario Garuti en el Conservatorio de Milano. Asimismo, ha asistido a masterclasses y seminarios de compositores como Pierluigi Billone, Alberto Posadas, Salvatore Sciarrino, Sarah Nemtsov y Michael Maierhof. Realizó asimismo estudios de piano en el Conservatorio de Roma, y, posteriormente, en el Conservatorio de Milano, donde concluyó su Máster en Piano.

Sus composiciones han sido interpretadas en importantes festivales dedicados a la música contemporánea, como los Darmstädter Ferienkurse y la temporada de conciertos Out of the Ordinary de Constanza (Alemania), el Festival Impuls de Graz (Austria), el Festival Milano Musica de Milano y el Festival Mondi Sonori de Trento (Italia), la Trobada de Percussió de Pollença (España), la temporada de conciertos del Centro Cultural Recoleta (Argentina) y del Núcleo de Música Nueva de Montevideo (Uruguay), el Festival MusicAhora de La Serena y el Festival de Música Contemporánea del Instituto de Música UC de Santiago (Chile), además de las Jornadas de Música Nueva de Asunción (Paraguay).

Recibió en dos ocasiones el Premio de Composición del Programa Ibermúsicas, en los años 2021 y 2022, además de la Mención de Honor en el Premio Nacional de Música del Paraguay en su edición 2023.

Ha enseñado como profesor invitado en el Conservatorio «Franco Vittadini» de Pavia (Italia). Asimismo, ha brindado seminarios y workshops en el Conservatorio Nacional del Paraguay y en la Universidad Nacional de Asunción.

Aaron Cassidy es compositor, director de orquesta, profesor, productor discográfico y autor. Durante más de 25 años, su trabajo como compositor se ha centrado en el desarrollo de notaciones de tablatura innovadoras que priorizan los aspectos físicos, corporales y mecánicos de la producción sonora musical. Ha creado una práctica de notación gráfica multicolor que permite representar acciones coreográficas multidimensionales en un espacio de notación simple y no estratificado. A la vez ha explorado nuevas formas de trabajar con lo que él denomina ritmo «no geométrico», desvinculando las características rítmicas fundamentales de velocidad y duración de la regularidad de la notación de pulsos y tiempos, conservando el carácter funcional y el impacto evocador de la métrica y la síncopa.

Ensamble Elision es el principal conjunto de nueva música de Australia, un “supergrupo” internacional cuyos 17 miembros incluyen a algunos de los músicos más destacados del mundo.

El conjunto ha centrado su práctica en explorar y expandir las posibilidades musicales, forjando una reputación internacional mediante la interpretación de una estética compleja y virtuosamente desafiante, un instrumental único y el trabajo en formas artísticas interdisciplinarias, ofreciendo modelos inspiradores de colaboración e innovación.

Seth Josel se ha convertido en uno de los pioneros instrumentales más destacados de su generación. Tras obtener su Licenciatura en Música en la Manhattan School of Music, Seth Josel se matriculó en la Universidad de Yale, donde obtuvo los títulos de Maestría en Música, Maestría en Artes Musicales y Doctorado en Artes Musicales. Entre sus profesores se encuentran Manuel Barrueco y Eliot Fisk.

Ha recibido numerosos premios y distinciones, entre ellas una beca Fulbright-Hays del gobierno de los Estados Unidos y el Estipendio Artístico de la Akademie Schloss Solitude de Stuttgart. Ha colaborado y asesorado estrechamente con compositores como Mauricio Kagel, Helmut Lachenmann, Tristan Murail y James Tenney. Ha realizado conciertos por toda Europa, así como en Estados Unidos, Canadá, Israel y Japón, y ha sido artista invitado de importantes orquestas y conjuntos.

Esta estancia de especialización de Mateo Servián Sforza en Alemania es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la especialización y el perfeccionamiento artístico y técnico”, convocatoria 2025.

• De abril a julio: Hochschule für Musik, Theater und Medien, Hannover, Alemania
• 16 de abril: Ensamble Elision en el Festival Klangbrücken
• 19 de junio: concierto de Seth Josel en la Hochschule

El podcast Melodrama Guaraní, producido por la soprano paraguaya Cristina Vera-Díaz, con la colaboración del músico argentino Mario Daniel Martínez y el periodista musical argentino Boris Laures, es un viaje musical a través de la historia, concebido como una serie de tres episodios audiovisuales que acercan al público contemporáneo la vida y obra de tres compositores de distintas épocas profundamente influenciados por la cultura guaraní: Domenico Zipoli, Antônio Carlos Gomes y José Asunción Flores.

Domenico Zipoli (Italia, 1688 – Argentina, 1726), protagonista del Barroco Guaraní en el corazón de las Misiones Jesuíticas de los siglos XVII y XVIII, a 300 años de su fallecimiento.

Antônio Carlos Gomes (Brasil, 1836 – 1896), de quien se evocan los 190 años de su nacimiento a través de su ópera Il Guarany, estrenada y consagrada en el Teatro alla Scala de Milán.

José Asunción Flores (Paraguay, 1904 – Argentina, 1972), creador de la Guarania, género musical que alcanza una proyección sinfónica internacional con la histórica grabación de la Guarania Sinfónica realizada en la Unión Soviética en 1968/69 bajo la dirección del maestro Yuri Ahronovitch.

El proyecto articula investigación histórica, interpretación musical, entrevistas, narración y registro audiovisual, integrando grabaciones realizadas en locaciones patrimoniales del Paraguay reflejando la naturaleza transnacional del legado cultural guaraní. El resultado final es un producto sonoro y visual de alta calidad, editado y optimizado para su difusión en plataformas digitales.

Cristina Vera-Díaz es soprano lírica, productora musical, profesora de canto, investigadora paraguaya, directora coral y presidenta de la Fundación Promúsica.

Mario Daniel Martínez es tenor y guitarrista barroco argentino, profesor de Armonía, Contrapunto y Canto en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral. Está especializado en música antigua.

Boris Laures es periodista musical, productor y director escénico argentino. Realizó estudios musicales en el Conservatorio Julián Aguirre, formación en periodismo especializado y estudios de Dirección Escénica en el Teatro Colón de Buenos Aires.

La realización deI Melodrama Guaraní es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, a través de su línea de “Ayuda a proyectos virtuales”, convocatoria 2025.

• Enlace al video: https://youtu.be/KDc_La9-VmY