Categoría: Noticias generales

Los Encuentros “Arrullos de Infancia 2: Creación de Canciones”, comprenden la revisión de un repertorio de versos y canciones de la oralidad especialmente elegidas para cada ocasión de modo de iluminar y animar el proceso creativo de los participantes.

El taller invita a Madres, Padres, Abuelos, Educadores y todo aquel que quiera adentrarse en el mundo de la música para la infancia, a vivenciar una selección especial de canciones de cuna y versos, en clave de ritmos Iberoamericanos, como inspiración a la propia creación.

El ciclo completo comprende diez encuentros. Cada encuentro se realizará de forma Online, a través de la Plataforma Zoom, permitiendo la conexión de participantes de diversos lugares del mundo y la integración Iberoamericana. Los talleres estarán a cargo de Carolina Chacana y Sebastián Guevara.

Carolina Chacana es licenciada en Estética en la Universidad Católica de Chile con estudios de musicología y dirección coral en la misma Universidad y diplomada en el programa “Estudios en música popular” de la Universidad Alberto Hurtado. Investigadora de músicas de tradición oral iberoamericana, maestra waldorf formada en canto Werbeck y profesora de música desde la visión de la antroposofía.

Sebastián Guevara es compositor y músico argentino nacido en la provincia de Mendoza, egresado de la Escuela de Música de Buenos Aires (EMBA) de la carrera de Músico Profesional con especialización en Guitarra y en Canto. Desde sus inicios, hace más de 20 años, ha combinado la docencia, la composición, la producción y las presentaciones en vivo.

Un manantial de canciones tradicionales y versos de la oralidad cobijó la infancia de la mayoría de los niños de antaño. En sus primeros años, arrullos de poesías en clave rítmica en voces de padres, abuelos y yayas, guiaban su crecimiento y arrullaban su sueño; luego, ya más grandes, acompañaban sus momentos de juego con trabalenguas, rondas, adivinanzas y destrezas rítmicas en juegos de manos, cantos para saltar la cuerda o versos de nunca acabar que eternizaban el tiempo presente. Esa sabiduría espontánea, de naturaleza no escrita, vive cuando “se pasa por el corazón” y se manifiesta en la viva voz de los seres amados, referentes y guías del camino.

Primer encuentro: sábado 20 de abril, 11 h Chile / 12 h. Argentina / 16 h. España

hemiolamusicas@gmail.com /

El compositor y guitarrista brasileño radicado en París, Aurélio Edler-Copes inicia su residencia en el CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras) durante el mes de abril.  Edler-Copes es un creador de múltiples influencias, que comenzó con la guitarra eléctrica​ y luego la clásica, pasando en su juventud ​por varios estilos hasta encontrar en la música contemporánea su verdadero campo de expresión.

La obra de Aurélio Edler-Copes es conocida por su intensidad, dinamismo y fuerza dramática. Su investigación artística le ha llevado a electrificar instrumentos acústicos y a fusionarlos con instrumentos eléctricos en dispositivos únicos, que integran lo analógico y lo digital en tiempo real, así como sistemas interactivos de vídeo y luz.

Creador de intensa actividad, ha recibido encargos de la Bienal de Venecia, IRCAM, Cité de la Musique de Paris, Philharmonie du Luxembourg, Wigmore Hall, OSESP, BBVA, Gobierno Francés, Gobierno Vasco y colabora regularmente con prestigiosos solistas y ensembles (Ensemble Intercontemporain, Klangforum Wien, MusikFabrik, United Instruments of Lucilin, Mosaik, Quatuor Diotima, Quatuor Béla, Nieuw Ensemble, Taller Sonoro, L'Itinéraire, Vortex, Orquestas de Bilbao, Euskadi, São Paulo, Minas Gerais, etc.).

Ha sido compositor en residencia en la Real Academia de España en Roma, en la Academia de Francia en Madrid-Casa de Velázquez y en el KulturKontakt – Cancillería Federal de Austria, en Viena. Ha desarrollado igualmente residencias de creación en el IRCAM, GMEM, GRAME, SCRIME, Fundación Phonos, Royaumont y junto al Ensemble Taller Sonoro, dentro del Programa Ibermúsicas.

Además de su labor de compositor, actúa regularmente como intérprete de electrónica y guitarra eléctrica en sus piezas y en los programas que les acompañan.

Aurélio Edler-Copes es titulado en guitarra con Daniel Wolff en la Universidad Federal del Rio Grande del Sur, en Brasil y en composición con Gabriel Erkoreka en el Centro Superior de Música del País Vasco – Musikene. Ha obtenido, además, un Master en Composición y Teatro Musical con Georges Aperghis en la Hochschule der Künste Bern, y ha completado su formación en el Cursus de Composición e Informática Musical del IRCAM – Centre Pompidou de París. Él es coordinador del departamento de creación y profesor de composición y ​de música electrónica en el Conservatorio Departamental de Clamart, en la región sur de París. Es actualmente co-curador de la serie de conciertos radiofónicos Live.Bazar, en París. Sus obras están editadas por Babel Scores.

Durante la residencia en el CMMAS, Edler-Copes trabajará en la realización de Mental Guitar Machine, para guitarra eléctrica, electrónica y video. La obra estará inspirada en las primeras tecnologías digitales de los años 70 y 80 y pretende cuestionar, de forma crítica, lúdica e inventiva, nuestra relación con los medios tecnológicos, que se incorporan cada vez más a nuestro

cotidiano.

Al final de la residencia el músico dará una charla entorno al proceso creativo de Mental Radio Machine así como un concierto de guitarra eléctrica y electrónica son fragmentos de la nueva obra, bien como obras de Tristan Murail, Steve Reich, Hugues Dufourt et Terry Riley. El estreno definitivo de la nueva obra se hará en Francia y en Brasil en la temporada 2024-2025.

• 19 de abril, 19h en CMMAS, Casa de la Cultura de Morelia, Av Morelos Nte 485, Centro histórico de Morelia, 58000 Morelia, Mich., México

El choro es un género musical popular brasilero con casi dos siglos de historia, en permanente recreación a lo largo y ancho del país y a nivel internacional mediante un conjunto variado de prácticas musicales y espacios de enseñanza y de divulgación.

En la ciudad de Porto Alegre, al sur de Brasil, existe una propuesta destinada a la educación, interpretación y composición musical del choro que cumple 20 años en 2023, la Oficina de Choro, coordinada por el músico Mathias Pinto.

Paloma Palau Valderrama es colombiana residente en Brasil donde realizó su formación de Doctorado en Etnomusicología, y el interés por la música brasilera, la  llevó a participar activamente como flautista de la Oficina de Choro desde inicios de 2023. A partir de este contacto inicial, es que inicia una investigación etnomusicológica sobre el choro en Porto Alegre cuyo resultado se plasmará en un cortometraje subtitulado. El objetivo principal de la investigación es comprender los sentidos que algunos de los actores del mundo del choro en Porto Alegre le atribuyen a su práctica. La investigación exploratoria y el cortometraje pretenden abordar algunas particularidades propias de este género tales como la “roda de choro”, reunión colectiva de un grupo no estable; la improvisación; los instrumentos propios del género o adaptados al mismo como el pandeiro y la guitarra de siete cuerdas; entre otros aspectos.

El principal interlocutor y co-participante será Mathias Pinto, músico coordinador de la Oficina de Choro, que va a explicar los valores que orientan este espacio, tales como aprendizaje colaborativo, la pluralidad de edades y de diferentes niveles de dominio del instrumento (de estudiantes y aficionados a músicos profesionales), así como la composición colectiva, que es tocada por los participantes, hombres y mujeres, de diferentes identidades étnico-raciales.

Investigar sobre el choro en Porto Alegre, no sólo va a contribuir en el mapeamento de algunos de los artistas, espacios y medios que crean y fomentan tal musicalidad en la ciudad y de esa manera contribuir a la visibilización de la escena musical y de sus artistas, sino que también va a permitir difundir a nivel nacional e internacional las prácticas locales de un género centenario que acaba de ser declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de Brasil por el Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional.

Paloma Palau Valderrama es Doctora en Etnomusicología y Musicología de la Universidade Federal do Rio Grande do Sul (Brasil) Maestra en Sociología de la Universidade Federal do Paraná (Brasil), subvencionada por las becas CAPES y CNP y Maestra en Música de la Universidad del Valle (Colombia). Fue docente e investigadora de la Universidad del Valle (2010-2013) y del Instituto Popular de Cultura (2008-2013). Ha investigado sobre epistemologías y ontologías sonoras y musicales, archivo sonoro, patrimonio cultural, territorialidades, y campo musical.

Su tesis doctoral “¡Que sea para bien! Saberes musicales y alianzas sónicas de la gente negra del Sur del Valle del Río Cauca, Colombia: una interpretación desde las (etno)musicologías” (2020) es una etnografía sobre las formas de agencia, actores y performance de los saberes musicales afrocolombianos del sur del Valle del Río Cauca, Colombia.

Tiene una amplia trayectoria como flautista en repertorios académicos y populares. Actualmente, es investigadora asociada al Grupo de Estudos Musicais de la Universidade Federal do Rio Grande do Sul (2016-2023), docente de la Licenciatura en Música del Centro Universitario Metodista (2021-2023), y desde 2023, docente de flauta dulce en el proyecto social Clave de Sol en la ciudad de Canoas, docente de flauta traversa en la Escuela de la Banda Marcial Juliana y flautista en la Oficina de Choro de Porto Alegre (Brasil).

• Desde el 18 de abril en Oficina de Choro, Porto Alegre,Brasil

“Fantasía Sinfónica: La historia del Tango” de Lucas Querini fue la obra ganadora del “Premio Homenaje a los cien años de La Cumparsita”. Este premio surgió de un proyecto especial de concurso propuesto por Uruguay por medio de la CIATyC (Comisión Interministerial de Apoyo al Tango y al Candombe en Uruguay) de los Ministerios de Educación y Cultura, Relaciones Exteriores y Turismo de dicho país junto al Programa Ibermúsicas.

En sendas funciones especiales, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, bajo la batuta del gran maestro colombiano Juan Pablo Valencia y con la participación solista del bandoneonista colombiano Giovanni Parra realizará el estreno de la obra en dos conciertos los días 18 de abril en el Teatro León De Greiff y 19 de abril Auditorio Fabio Lozano de Bogotá, Colombia.

“Fantasía Sinfónica: La Historia del Tango es una obra inspirada en el vasto universo sonoro que ofrece nuestra música tradicional. En un contexto sinfónico que incluye al bandoneón como representante de este acervo cultural, la música toma vuelo evocando los gestos típicos, los paisajes, personajes, intérpretes, compositores y poetas que han nutrido a esta expresión artística a lo largo de los años. Emocionado y agradecido con aquellas obras y personas que han aportado su talento a la creación de una música tan profunda como propia de nuestro territorio, he escrito esta pieza que no pretende más que participar respetuosamente de nuestra valiosa tradición”. 

Lucas Querini es un pianista y compositor argentino. Realiza una intensa labor musical como artista y docente interesándose especialmente en vincular la tradición académica y las músicas de raíz folclórica. Se formó en piano y composición en la U.N.R. con maestros como Jorge Molina, Dante Grela y Licia Parodi; y de manera particular con artistas como Gabriel Senanes, Guillermo Klein, André Marques, Fabio Torres, Nicolás Ledesma, Julián Peralta, Pablo Fraguela, Lilian Saba, entre muchos otros. Ha desarrollado una amplia actividad artística presentándose en los principales escenarios de su país y ha llevado a cabo cinco giras internacionales ofreciendo conciertos en Alemania, Francia, Bélgica, Holanda, Suiza, Dinamarca y España. Premiado en certámenes nacionales e internacionales como compositor y arreglador, ha estrenado música con la O.S.P. de Rosario, O.S.P. de Santa Fe, Orq. de Cámara Municipal de Rosario, O.S.J. Kayen de Tierra del Fuego y una gran cantidad de ensambles y formaciones del país y del exterior.

• Jueves 18 de abril, Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional, Bogotá, Colombia

• Viernes 19 de abril, Auditorio Fabio Lozano, Bogotá, Colombia

Con el ánimo de celebrar la Cooperación Cultural Iberoamericana en el marco del Encuentro Internacional de las Economías Creativas MICSUR 2024 a realizarse en la ciudad de Santiago de Chile entre el 17 al 20 de abril, Ibermúsicas junto al Ministerio de las Artes, las Culturas y el Patrimonio de Chile diseñaron una convocatoria especial tendiente a potenciar el encuentro artístico entre artistas musicales de los nueve países que hacen parte de este encuentro: Argentina, Brasil, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Paraguay, Perú o Uruguay.

Mediante esta convocatoria se invitó a agrupaciones chilenas a presentar propuestas que contarán con la colaboración de artistas de al menos dos de los países participantes del MICSUR para la realización de intervenciones musicales a lo largo de las jornadas de dicho evento y en un concierto en el cierre.

La propuesta seleccionada y premiada  fue AMÉRICA MORENA: un encuentro musical multicultural que transitará entre la herencia sonora de Los Andes y Afroamérica. El Programa en conjunto con María Mulata (Colombia) y Nadia Larcher (Argentina) contempla obras de estas dos destacadas músicas de Latinoamérica acompañadas de la Orquesta Andina (Premio Pulsar 2017) con arreglos orquestales de Félix Cárdenas (Premio Pulsar 2015).

Nadia Larcher, cantora, tañedora de tinya, investigadora de las músicas más antiguas de su norte argentino, guitarrera y compositora, desde los diez años recorre pueblos cantando y aprendiendo a cantar.

María Mulata, cantautora e investigadora de la música colombiana afrodescendiente, nominada a los Grammy Latinos en 2013, 2018 y 2023, como también ganadora del Festival de Viña del Mar, en el año 2007 en la competencia folclórica.

Todos juntos darán vida a un montaje que rememorará el canto femenino y sonidos de Los Andes en un diálogo fraterno con la música afrodescendiente de Colombia.

• Del 17 al 20 de abril en Santiago de Chile

El arpista y compositor paraguayo Juanjo Corbalán estará realizando una gira por diversos países de Europa junto a su cuarteto integrado por Lara Barreto en saxo alto y saxo soprano, Sebastián Ramírez en batería y percusión y Víctor Álvarez en piano.

El arpa está en el centro de la música del Paraguay y Juanjo Corbalán ha planteado explorar los límites de este centro. Juanjo Corbalán es un arpista y compositor paraguayo que reúne y rescata sonoridades de la música popular de su tierra combinándola con elementos de otras músicas de Latinoamérica junto con influencias jazzísticas, incorporando así al arpa dentro de un lenguaje musical más libre con música instrumental, composiciones propias e improvisaciones.

Corbalán ha recibido importantes premios en su país y se ha presentado en giras por Sudamérica y Europa.

• 13 de abril: Darmstadt Jazz Club, Darmstadt, Alemania
• 16 de abril: Ibero-Amerikanisches Institut, Berlín, Alemania
• 18 de abril: Netzwerk Seilerei, Frankfurt, Alemania
• 19 de abril: Teatro Munganga, Amsterdam, Países Bajos
• 20 de abril: Dutch Harp Festival, Utrecht, Países Bajos
• 23 de abril: La Marbrerie, Montreuil, Francia
• 26 de abril: 38 Riv Jazz Club, París, Francia

Se trata de un taller destinado a que estudiantes e intérpretes avanzados aprendan sobre el armado y desarmado del instrumento musical, limpieza profunda de todas las piezas que lo conforman, aceitado y engrasado.

Estará a cargo de Jorge Alberto Cerda Contreras, un trombonista con una amplia experiencia en luthería especializado en fábricas de nivel mundial como Yamaha de Chile y Lechner de Austria. Es coordinador de la Agrupación Chilena de Luthería, vicepresidente de la Corporación de Fomento de Bandas Estudiantiles (Corfobae, Chile) y miembro de la Asociación Colombiana de Luthería. Ha participado como relator en múltiples seminarios nacionales e internacionales sobre servicio técnico y mantenimiento de instrumentos de viento, luthería y dirección de bandas en organizaciones y empresas como la Asociación de Luthieres de Brasil, la Asociación Latinoamericana de Luthería, Yamaha, entre otros, en múltiples países como Colombia, Argentina, Venezuela y Brasil. Ha ejercido como jefe de servicio técnico en bronces en Flute Service (Chile) y es creador de la empresa JCBrass (servicio técnico integral de instrumentos musicales). Por último, es técnico autorizado de Yamaha Music Latin America LTD.

El taller que brindará a sus colegas es el resultado del trabajo de especialización llevado a cabo junto al maestro colombiano Carlos Eduardo Aponte Ramírez en el marco de las “Ayudas para la especialización y el perfeccionamiento artístico y técnico del sector musical – 2023” otorgadas por Ibermúsicas.

• 6 y 7 de abril en Batuta Meta, Calle 46 #28-20, La Grama, Villavicencio, Chile

Durante el mes de abril Sixto Corbalán (arpa)  y Pedro Martínez (guitarra) se estarán presentando en Edimburgo y Portugal, realizando talleres y conciertos.

Sixto Corbalán es compositor e intérprete del arpa paraguaya con reconocimiento artístico a nivel nacional e internacional. De raíces folclóricas y con una mirada atenta a la música popular contemporánea sudamericana, crea un acercamiento del sonido tradicional a un lenguaje contemporáneo explorando sonoridades rítmicas y armónicas. Eso se ha traducido en amplias experiencias internacionales que lo llevaron a escenarios como el FolkFestival en Rudolstadt, Alemania, Canning House de Londres, el Memorial de América Latina en São Paulo, el Museo de Arte en Kyoto, entre otros. Ha dictado clases magistrales y talleres sobre el Arpa Paraguaya Contemporánea en el Royal Academy of Music de Londres, Royal Nothern College of Music de Manchester, World Harp Congress de Hong Kong y Sydney, y centros culturales de Asunción y el interior del Paraguay. Desde hace 10 años es el Director Artístico del Festival Mundial del Arpa en el Paraguay. Ha asistido a diferentes congresos y ferias alrededor del mundo como el Womex, Porto Musical, Micsur, Circulart, World Harp Congress y otros.

Pedro Martínez es guitarrista, compositor y educador musical paraguayo, considerado uno de los músicos más destacados del Paraguay al combinar las raíces musicales de su país con influencias contemporáneas. Durante los últimos diez años ha lanzado tres álbumes y un EP, recibiendo elogios de la crítica tanto a nivel nacional como internacional. Esta trayectoria lo ha llevado a compartir su música en más de diez países a lo largo de Latinoamérica y Europa. Al mismo tiempo desarrolla una sólida carrera académica como docente e investigador musical en la Universidad Nacional de Asunción. Martínez es Licenciado en Música por la Universidad Federal de la Integración Latinoamericana (Foz de Iguazú, Brasil), y además es formado en el curso de MPB/JAZZ por el Conservatorio de Tatui (São Paulo, Brasil).

• 6 al 9 de abril, Clases Magistrales en Edinburgh Harp Festival, George Watson’s College – Edimburgo, Escocia
• 6 de abril, Concierto en Edinburgh Harp Festival, George Watson’s College – Edimburgo, Escocia
• 10 de abril Concierto en Museo Do Fado, Lisboa, Portugal
• 11 de abril Concierto en CPLP, Lisboa, Portugal

El Taller de especialización tiene como objetivo perfeccionar y profundizar en el estudio técnico y estilístico del acordeón en la música popular, y en base a esto fortalecer el lazo entre instrumentistas chilenos, brasileños y de otras partes del mundo que asistan a las clases.

Se busca entregar elementos técnicos, interpretativos y estilísticos para el estudio del acordeón y la música popular. En base a esto se espera que los asistentes del taller puedan obtener herramientas tanto prácticas como teóricas, para abordar algún repertorio o pieza musical dentro de estos estilos a estudiar, y proyectar una rutina de estudios propia en base a las materias expuestas.

Por otro lado se procura incentivar el desarrollo del estudio y perfeccionamiento del acordeón en Chile y contribuir también al patrimonio cultural musical chileno, relacionando elementos musicales y estéticos de países cercanos, en este caso con el profesor convidado de brasil Toninho Ferragutti.

Cala Calasanz es una cantante, actriz y productora ecuatoriana. En su música fusiono lo bestial y lo sublime, sumergiéndose en emociones intensas y explorando los temas que atraviesan su propia historia, como la migración, la muerte, los vínculos, los rituales. Compone  en medio de la Naturaleza, entre montañas nevadas, volcanes, lagos, ríos, conectando con sus emociones y eventualmente viajando al encuentro de amistades que la acompañan a parir sus creaciones.

Este trabajo es un testimonio del poder de transformación de la música encarnado en la propia historia de la artista. En cada acorde subyace el eco de la migración de la mujer artista latinoamericana, el perdón, el erotismo, el despertar creativo, los vínculos humanos, la ancestralidad, los rituales, temas que van tejiendo el hilo conductor de historias que se vuelven atemporales. En esta alquimia sonora los duelos se transforman en una celebración compartida: la música.

El universo sonoro de la artista se da en un diálogo entre sonoridades ecuatorianas del Pacífico Sur antiguas y contemporáneas y su encuentro con el universo nocturno, apasionado y teatral, incorporando el bolero y la cumbia como lenguajes propios.

Agüita de vieja es un canto a las raíces ecuatorianas de Carla, sus matices, sus colores, sus historias… a melancolía y la celebración. Fue compuesta en un contexto de residencia artística en la Naturaleza, en Córdoba y Patagonia Argentina, junto a Vivi Pozzebón, artista cordobesa referente de la música afrolatina en Latinoamérica. Las sierras, los lagos, los volcanes, los ríos y arroyos, fueron testigos de ese “exorcismo” que le  permitió transformar sus propias penas en música.

Está dedicada a sus abuelas y a las curanderas de su tierra. En la jerga ecuatoriana, cuando se tienen dolores, sean físicos o emocionales, se manda a tomar agüita de vieja. En algunos barrios populares existen los aguateros o las/los curanderas/ros que venden sus aguas sanadoras. Son como heladeros que exhiben a simple vista sus plantas, frutas y brebajes.

La canción cuenta con la participación de Kevin Santos de Ecuador en marimba y percusiones, Vivi Pozzebón de Argentina en percusiones y voces y la producción musical de Grecia Albán de Ecuador y Juan Barallobres de Argentina.

https://open.spotify.com/intl-es/track/0KAlcCeUQFUhFMGrE22OuL?si=e00e55848c2d470d