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El Ministerio de Cultura de Panamá, por medio del Programa Ibermúsicas, y con el apoyo de los Ministerios de Cultura de Colombia y Costa Rica, presenta la primera edición del Festival “Las Realezas del Calipso”

“Las Realezas del Calipso” será una celebración musical destinada a rescatar y revitalizar un género esencial para la identidad cultural del Caribe y Centroamérica. Este festival no solo celebrará el calipso, sino que también promoverá su rica herencia cultural, fomentará la inclusión social y creará un espacio para la convivencia y el intercambio artístico. A la vez explorará la danza, el arte y la gastronomía de la región, ofreciendo una experiencia cultural integral.

“Las Realezas del Calipso” es una iniciativa dedicada a la revitalización del género musical más emblemático de Centroamérica y el Caribe que busca reposicionar el calipso en el mercado cultural global, asegurando su relevancia y continuidad en el tiempo.

Originado por los esclavos africanos que trabajaban en las plantaciones de la caña de azúcar de Trinidad y Tobago y que fueron llevados luego al resto del caribe y centroamérica, este estilo alegre y pegadizo se extendió rápidamente por toda la región.  Nacido en las postrimerías del siglo XIX como música festiva de la calle y del carnaval, luego se esparció por casi todo el caribe. El calipso se enraizó y se expandió a través de diversas rutas hacia Centroamérica:  Barbados, el Norte de Brasil (estado de Pará), el archipiélago de San Andrés y Providencia en Colombia, Costa Rica (provincia de Limón), la costa caribe de Honduras y Nicaragua, Guatemala, Jamaica, Panamá (Bocas del Toro y Colón), Puerto Rico, Venezuela (estado de Bolívar) para desembarcar con fuerza en Nueva York en los años 50.

El calipso, símbolo de la identidad caribeña, ha sido fundamental en la historia musical de la región, combinando ritmos africanos, caribeños y elementos de la cultura local. Una muestra de ello es que las tres lenguas principales de la región son utilizadas en las letras de los calipsos: inglés, francés, español y su fusión en el Creole. A lo largo de su historia, este género ha servido como un medio de expresión social y política, reflejando las vivencias y luchas de las comunidades caribeñas. El humor, la mordacidad, la picaresca, la sátira social, la protesta, la metáfora, los juegos de palabras y el doble sentido fueron desde los inicios las marcas propias de las letras improvisadas con enorme destreza por los calypsonians.

Serán parte de la programación del festival las agrupaciones “Kawe Calypso” de Costa Rica, “Creole Group” de la isla de San Andrés, Colombia y Diggers Descendant Calypso Band de Panamá.

“Las Realezas del Calipso” es un Proyecto Especial País del Programa Ibermúsicas que cuenta con la participación de tres países, Panamá, Costa Rica y Colombia, a través de sus Ministerios de Cultura.

●      5 de diciembre 14h: Conferencia “La discografía en el calipso panameño” por: Mario García Hudson

●      5 de diciembre 15h30: Conferencia “Calipso nueva generación” por: Jermaine Vasquéz

●      5 de diciembre 16h30: Taller Ritmos e instrumentos por Kawe Calypso (Costa Rica)

●      5 de diciembre 18h: Conversatorio “Calipso: Cultura, identidad y orgullo” con: Facundo Clua (Fundación Pipo Navarro),  Donald Williams Chirley (Kawe Calypso / Costa Rica) y Abel Aronategui (CACCO)

●      5 de diciembre 19h45: “Una noche de Calipso”, director: Fernando Muñoz, producción: Enlace S.A.

●      6 de diciembre 10h30: Taller de intercambio musical regional con: Creole Group (Colombia), Escuelita del Ritmo (Colón), Diggers Descendant Calypso Band (Panamá) y Kawe Calypso (Costa Rica)

●      6 de diciembre 14h: Taller “¿Cómo crear calipso sin perder su identidad en la actualidad?” con: Creole Group (Colombia)

●      6 de diciembre 17h: Video y Cortometrajes “Calipso hoy” por MiCultura, “Vitamina CH” diirector: Joab Huc, producción: Miguel Antonió, “Para recordar a Lord Cobra” director: Gerardo Maloney

●      6 de diciembre 18h: Concierto Kawe Calypso (Costa Rica), Diggers Descendant Calypso Band (Panamá) y Creole Group (Colombia)

Todas las actividades se realizarán en el Centro de Arte y Cultura de Colón, Panamá con entrada libre

Música, cultura, lengua y cooperación son conceptos que nos unen profundamente. El Programa Ibermúsicas, a través del Proyecto Especial conjunto entre la DGArtes (Dirección General de las Artes) del Ministerio de Cultura, Juventud y Deporte de Portugal, FUNARTE (Fundación Nacional de las Artes) de Brasil y la CPLP (Comunidad de Países de Lengua Portuguesa), propuso esta convocatoria con el objetivo de resaltar los lazos de unión que surgen de la diversidad musical de los países de lengua portuguesa.

Dentro del marco del convenio de colaboración firmado entre la CPLP y el Programa Ibermúsicas el 21 de mayo de 2024 en el Palácio do Conde de Penafiel de Lisboa, el objetivo de esta propuesta es tender puentes de cultura y cooperación entre América Latina, Europa, África y el Sudeste Asiático, dándole un carácter multilateral y pluricontinental que acerque y, al mismo tiempo, fusione las fronteras y distancias físicas entre los países de la CPLP e Iberoamérica.

La convocatoria estuvo abierta a artistas musicales, investigadores, compositores y otros agentes culturales vinculados a la música de Angola, Cabo Verde, Guinea-Bissau, Guinea Ecuatorial, Mozambique, Santo Tomé y Príncipe y Timor Oriental para su participación con propuestas de cooperación cultural.

El jurado estuvo integrado por dos personas de la FUNARTE de Brasil (Eulicia Esteves y Daniela Alvarenga de Meira) y por dos personas de la DGArtes de Portugal (Sérgio de Almeida y Costanza Ronchetti).

Proyectos seleccionados

Ibermúsicas celebra la creatividad y la cooperación con el anuncio de los proyectos ganadores de la nueva edición del Concurso de Creación de Canción en Colaboración, que este año se orientó nuevamente hacia la creación de canciones para las infancias, entendiendo esta etapa como el tiempo del descubrimiento, del deslumbre, de la sorpresa y la maravilla del mundo.

Con el objetivo de fortalecer los lazos culturales y musicales, este concurso fomentó el trabajo conjunto entre artistas de diferentes países de la región. Además, el concurso invitó a las y los participantes a explorar las lenguas nativas, promoviendo la diversidad lingüística de nuestros territorios en las infancias.

Una vez más, la deslumbrante diversidad creativa de Iberoamérica se ve reflejada en esta nueva edición de nuestro concurso para el cual fueron recibidas 50 propuestas presentadas bajo seudónimo.

Los proyectos ganadores destacan por su originalidad, la riqueza cultural de sus propuestas y su capacidad para conectar con las infancias. A través de sus composiciones, las y los artistas han contribuido a enriquecer el repertorio de la música para niños en Iberoamérica, celebrando la diversidad y el poder de la música como herramienta de aprendizaje y expresión.

Se hacen constar las palabras del jurado de México para el presente concurso: “Como jurado, hemos tenido la oportunidad de escuchar y analizar cuidadosamente cada una de las canciones presentadas. Ha sido un proceso detallado, en el que valoramos tanto la calidad musical como la propuesta artística de cada composición. Además de otorgar el premio establecido, el jurado consideró necesario realizar una mención y dar un lugar a las canciones: Papalote en segundo lugar, y De la Cuna hasta la Luna y André la Hormiguita en tercer lugar. Aunque no podían recibir un premio formal, su nivel, estructura y desarrollo musical destacaron de manera significativa, por lo que consideramos importante reconocer públicamente el trabajo realizado. Estas piezas sobresalen por su solidez compositiva y la forma en que integran sus elementos musicales. Por ello, el jurado de México deja constancia de su mérito demostrado en cada creación.”

Puedes descubrir los proyectos premiados aquí.

El Ministerio de Cultura del Perú, junto al Festival Internacional de Cajón y Percusión Rafael Santa Cruz, propuso este año un concurso especial en el marco de la celebración del “Cajón Peruano” a realizarse en 2026 con el fin de amplificar el diálogo internacional en torno al cajón peruano y la percusión afro peruana, incentivando una reflexión sobre este instrumento que desde las costas del Perú, se esparció lejanamente, haciéndose parte de la sonoridad de muchas músicas del mundo.

El Festival Internacional de Cajón y Percusión Rafael Santa Cruz es un festival de percusiones del mundo que tiene al cajón peruano como anfitrión. En el 2008, Rafael Santa Cruz fundó el primer festival de percusión del Perú para que se conozca y reconozca el origen afroperuano del cajón, celebrando que el instrumento ha trascendido las fronteras geográficas y musicales. A través de una programación integral, que abarca conciertos, conferencias, muestras de video, talleres, clases maestras, feria y concierto de gala, el Festival es una plataforma donde músicos de diversas escuelas, estilos y nacionalidades convergen para dar a conocer sus instrumentos de percusión, su música y su cultura.

Fueron invitados artistas e investigadoras/es a presentar sus proyectos a través de “Ibermúsicas Global”, una nueva herramienta del Programa Ibermúsicas que tiene por objeto propiciar el encuentro entre propuestas artísticas y festivales de todo el mundo.

Puedes ver los proyectos premiados aquí.

Incentivando la creación musical, Ibermúsicas propuso una nueva edición de sus concursos de creación de obra académica, en este caso orientado específicamente hacia la creación de nuevas obras para formato de Banda Sinfónica, las cuales serán estrenadas por elencos de primer nivel de Colombia, Costa Rica, Cuba, México y Venezuela.

En esta edición se invitó a las y los compositores a inspirarse en el universo sonoro iberoamericano, como un espacio diverso y lleno de color, variopinto y contrastado que, a pesar de sus diferencias, teje hilos, como las bandas sinfónicas de vientos, que atraviesan nuestros países y se mezclan con sus diferentes culturas, para encontrar sonoridades muy particulares, que las hacen únicas en cada país o región.

Con el fin de impulsar el mutuo conocimiento de los pueblos y el subsector específico de las bandas de vientos entre nuestros países, se instó a las y los compositores a explorar este universo sonoro desde los repertorios, los géneros, las formas de sonar de las bandas de los diferentes países, las escuelas y sus compositores y compositoras referentes, entre muchas otras posibilidades que hermanan a los países que integran la cooperación iberoamericana.

La premiación incluye, además de un reconocimiento monetario para cada creador o creadora, el estreno de las obras ganadoras interpretadas por la Banda Sinfónica Departamental del Valle de Colombia, una de las siete bandas de la Dirección General de Bandas de Costa Rica, la Banda Nacional de Conciertos de Cuba, la Banda Sinfónica de la Facultad de Música de la UNAM en México y la Banda Marcial Caracas de Venezuela.

El jurado integrado por Andrés Porras Alfaro de Costa Rica, David Leonardo Guarin Ortiz de Colombia, Marcia Quesada de Cuba, Luis Manuel Sánchez de México y Pedro Mauricio Gonzalez de Venezuela, trabajó intensamente en la elección de las obras ganadoras, de entre las 62 que fueron presentadas a concurso bajo seudónimo.

Con orgullo y alegría Ibermúsicas invita a conocer los nombres de las compositoras ganadoras y de los compositores ganadores de este concurso aquí.

En el marco del Festival Sonamos Latinoamérica, sede Chile se presentará el “Santa Tierra para la Salud Planetaria”, un proyecto musical y cultural que busca promover la conservación ecológica y cultural a través de la música tradicional y contemporánea latinoamericana.

Gladys Conde ofrecerá un concierto colectivo y actividades didácticas en el marco de este prestigioso Festival, que cuenta con sedes en 15 países de América Latina y Europa. Sonamos Latinoamérica es un festival que fomenta el intercambio, la circulación y la difusión de la música y cultura popular latinoamericana, promoviendo políticas inclusivas y de diálogo intercultural.

Entre las actividades previstas, se encuentran, un Concierto colectivo en la Casa de la Cultura del Bosque, un Concierto colectivo en el Centro Cultural Paine y un Taller colectivo para estudiantes de educación primaria.

Gladys Conde Camargo es una gestora, compositora y cantautora con veinte años de trayectoria. Sus creaciones resaltan la expresividad y la identidad cultural y ecológica, preservando la mística de las memorias andinas y amazónicas. Inició su carrera como intérprete y recopiladora de música tradicional cusqueña, explorando sonoridades locales para crear propuestas musicales con carácter incidental, curativo y medioambiental. Su trabajo busca conectar a las audiencias con las raíces culturales y ecológicas de la región. Estará acompañada por la cellista Pamela Bardalez y el guitarrista Mariano Coronel.

Esta propuesta de Gladys Conde, ha sido ganadora de la convocatoria 2024 del Programa Ibermúsicas en la línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”

• 22 de noviembre: Concierto en “Diálogos para nuevas narrativas”, ciclo de cine en torno a la hoja de coca, organizado por la Fundación Lobeliana,Centro Ceremonial indígena del Peñalolén, Santiago de Chile
• 24 de noviembre: Taller de canto y respiración para el proyecto Hécate, Puerto Varas
• 25 de noviembre: Concierto para familias en el Colegio Waldorf de Puerto Varas
• 26 de noviembre: Concierto para!las niñas y niños de la Escuela Comunal El!Rosario de Calbuco.
• 27 al 30 de noviembre: Festival Sonamos Latinoamérica, Chile

El proyecto «Vasikate: trilhas afro-atlânticas» es un programa de intercambio musical entre países lusófonos que se lleva a cabo mediante la producción de residencias artísticas y actuaciones en directo protagonizadas por mujeres negras, artistas de Brasil (2022), Guinea-Bissau (2023), Angola (2024) y Cabo Verde (2025), siendo la Nzango Artist Residency su plataforma catalizadora en Mozambique.

Vasikate es una palabra mozambiqueña de origen chope, cuyo significado es mujer. Así, la elección del término pone de manifiesto el protagonismo femenino durante todas las ediciones del proyecto. Tanto las artistas internacionales como las mozambiqueñas seleccionadas son principalmente mujeres que desarrollan en sus obras artísticas el empoderamiento de género, así como la identificación con la fusión de instrumentos tradicionales africanos con instrumentos modernos occidentales.

Karyna Gomes es una talentosa cantante y compositora guineana, conocida por su voz cautivadora y por la fusión de estilos musicales tradicionales africanos con influencias del soul, el jazz y la música contemporánea. Nacida en Bissau, comenzó su carrera artística explorando las raíces de la música bantú, siempre en busca de una identidad musical única. Karyna ha ganado notoriedad internacional por sus colaboraciones con importantes artistas como el productor británico Gilles Peterson y la cantante Sophie Lvoe. Además, ha actuado en festivales de renombre y ha compartido escenario con artistas como Blick Bassy (Camerún) y Tiganá Santana (Brasil). En 2023, fue una de las protagonistas del proyecto Vasikate.

Bela Zango es una cantante y bailarina mozambiqueña, heredera de la tradición Chopi, que comenzó su trayectoria artística cuando aún era niña, bailando en las Orquestas de Timbila y en la Compañía Nacional de Canto y Danza. En la década de 2000, realizó una gira por Europa con el grupo Timbila Muzimba como bailarina profesional. Actualmente es artista residente de la Nzango Artist Residency, donde ya ha colaborado con artistas internacionales como Valter Verdin (Suiza), Frank Mavhamira (Zimbabue), Rio Bantu (Brasil) y Thobile Makhoyane (E-Swatini). En 2023, fue una de las protagonistas del proyecto VASIKATE, lo que reforzó su relevancia en la escena artística contemporánea de Mozambique.

Esta propuesta fue una de las ganadoras de «Viajes por la música en lengua portuguesa», la convocatoria creada por la DGArtes de Portugal, la FUNARTE de Brasil, la CPLP (Comunidad de Países de Lengua Portuguesa) y el Programa Ibermúsicas para apoyar proyectos de giras y residencias de artistas de los países PALOP + Timor Oriental en Brasil o Portugal.

• 20 de noviembre: SESC Jundiaí, São Paulo, Brasil
• 21 de noviembre: CR1A 011, São Paulo, Brasil
• 26 de noviembre: Casa da Francisaca, São Paulo, Brasil
• 28 al 30 de noviembre: Festival Amajazzon, Pará, Brasil
• 2 al 7 de diciembre: Mostra Telas Amigáveis, Minas Gerais, Brasil

Las Primeras Jornadas de Músicas, Territorios y Vida, organizadas por el Colectivo Acciones Sonoras, tienen como objetivo ofrecer un espacio de encuentro, formación e investigación sobre prácticas sonoras y musicales de Colombia y Brasil, y su relación con el medio ambiente, las territorialidades, la infancia y la juventud.

Los invitados son tres reconocidos taitas y una maestra de saberes de comunidades indígenas y afrocolombianas, además de una maestra y un maestro de la música negra del estado de Rio Grande do Sul. Se realizarán conferencias, muestras musicales y talleres durante tres sesiones de dos días.

Participan en este proyecto:

Samuel Morales. Taita, músico e investigador perteneciente al Pueblo Ancestral Misak. Constructor y diseñador de viviendas en Guambia, Cauca. Desde la década de 1980, época de la recuperación de gran parte del territorio del pueblo Misak en el Cauca, ha estado comprometido con su comunidad como investigador, intérprete y constructor de instrumentos de la música propia Misak: la flauta y el tambor. Por designación del Cabildo, autoridad del Pueblo Misak, se desempeñó como Coordinador del Programa de Música y Danza y docente de la Universidad Misak. Entre 2016 y 2018 fue Coordinador del Programa de Primera Infancia. Ha sido asesor, colaborador e interlocutor de estudiantes e investigadores de universidades nacionales e internacionales.

Felipe Morales Masagualli. Taita, autoridad en el programa de Salud y Educación del Pueblo Ancestral Misak en el resguardo de San Antonio, municipio de Morales, Cauca. Tiene una amplia trayectoria artística y comunitaria. Comunicador, DJ productor, locutor de radio, animador de grupos musicales, intérprete y constructor de los instrumentos propios Misak —la flauta y el tambor—. Entre 2017 y 2018 fue alguacil en el resguardo de Guambia. Docente en los resguardos de Guambia (2014) y San Antonio (2022-2024). También ha sido programador en la emisora Namuy Wam (2012) y director de la emisora La Bakanissima (2016-2022), en Silvia, Cauca. Actualmente es animador del grupo de tecnocumbia Pasión del Sur del Perú y director de Kampa Records, una productora de publicidad radial, creación documental y producción musical.

José Walter Lasso. Compositor, violinista, cantante, agricultor y líder comunitario afrocolombiano. Se ha destacado por su trayectoria en la música tradicional de los Violines Caucanos. Es fundador y director del grupo Aires de Dominguillo, creado en 2002, con el cual ha recibido diversos reconocimientos y se ha presentado en numerosos festivales y escenarios importantes de Colombia.

Ana Lucia Caracas. Cantante y maraquera afrocolombiana, integrante del grupo Aires de Dominguillo de música de Violines Caucanos. Desde hace décadas organiza las fiestas tradicionales y religiosas de Adoración al Niño Dios y de los Reyes Magos en Dominguillo, siendo una referencia cultural en la región como maestra de los saberes del canto, loas y versos tradicionales. Junto al grupo Aires de Dominguillo, ha participado en numerosos festivales y espacios educativos en Colombia.

Edjana Santos Deodoro. Fisioterapeuta, con MBA en ESG & Impacto Social y en Diversidad. Productora cultural. Presidenta del Instituto Sociocultural Afro-Sul/Odomode. Creadora y coordinadora del programa infantil de educación antirracista Lanceirinhos Negros. Directora artística de la Compañía de Música y Danza Afro-Sul. Coordinadora y arte-educadora en la red municipal de enseñanza en el proyecto Escuelas Preparatorias de Danza de Porto Alegre. Profesora licenciada del Curso de Metodología de Danza Afro-Gaúcha Iara Deodoro. Bailarina, profesora y coreógrafa de la Compañía de Danza Afro-Sul. Bailarina y coreógrafa del proyecto Mocap Streamer de la University of London. Coreógrafa de la Comisión de Frente de la escuela de samba Realeza y coordinadora institucional de la Compañía Municipal de Danza de Porto Alegre.

Paulo Romeu. Director musical del Grupo de Música y Danza Afro-Sul y coordinador del Instituto Sociocultural Afro-Sul Odomode, en Porto Alegre, desde hace 50 años, junto con Iara Deodoro. El Afro-Sul desarrolla proyectos educativos y culturales en danza, música, moda y gastronomía, basados en la cultura y la historia africana y afrobrasileña. Promueve especialmente la historia y memoria afrogaúcha, contribuyendo a la valorización de la cultura negra en la sociedad desde una perspectiva sociocultural fuertemente marcada por el trabajo colectivo y la lucha contra el racismo. Como investigador y divulgador de la cultura afrogaúcha, Paulo actúa en las áreas de composición, canto y percusión, además de ser guitarrista y bajista. Es licenciado en música por el Centro Universitario Metodista IPA y creador y profesor de proyectos de enseñanza de sonoridades de matriz afrogaúcha, como Farra de Rua, Odomode Tambor, Curso de Percusión Femenina y Escuela Libre de Percusión.

El Colectivo Acciones Sonoras está formado por investigadores y músicos que exploran las prácticas musicales y sonoras a través de las artes, la etnomusicología, la musicología, la antropología social y la sociología, con el propósito de construir espacios para la investigación, la creación, la divulgación científica, la formación y la participación social. Creado en 2017, es coordinado por Oscar Giovanni Martínez y Paloma Palau, investigadores y músicos colombianos residentes en Porto Alegre, Brasil.

Paloma Palau Valderrama. Doctora en Etnomusicología y Musicología por la Universidad Federal de Rio Grande do Sul (UFRGS), Magíster en Sociología por la Universidad Federal de Paraná (UFPR) y Licenciada en Música por la Universidad del Valle (Colombia). En 2024 produjo el documental “Matices del Choro en Porto Alegre”. Actualmente es flautista y profesora autónoma de flauta dulce y traversa, con veinte años de experiencia.

Oscar Giovanni Martínez Peña. Doctor y Magíster en Antropología Social por la UFRGS; Ingeniero Electricista por la Universidad del Valle (Colombia) y percusionista con veinticinco años de experiencia. En 2024 fue ganador del Premio IASPM-AL de Tesis y Disertaciones y fue nominado al Concurso Brasileño ANPOCS de Obras Científicas y Tesis Universitarias en Ciencias Sociales.

Este proyecto fue uno de los cinco ganadores del Premio Colombia en el Mundo, mediante el cual el Ministerio de Cultura de Colombia reconoció iniciativas que desarrollan trabajos de investigación, difusión y enseñanza de la música colombiana en otras partes del mundo.

• 18 y 19 de noviembre, Centro Cultural de la Universidad Federal de Rio Grande do Sul, Sala Pintangueira, Porto Alegre, RS, Brasil

La Orquesta EgC tiene una historia de 24 años y desde el 2014 está a cargo de su actual Director el Profesor de Música, Doctor en Musicología y Ed. Musical, compositor y gestor Cultural Alejandro Torres Farfán, quien ha trabajado en la elaboración de un repertorio original que da cuenta de una identidad propia del conjunto como Orquesta. Es así como el repertorio está cimentado sobre la base de músicas de Chile y Latinoamérica, con arreglos y composiciones exclusivas para la Orquesta, incorporando a la formación clásica de Orquesta Sinfónica instrumentos y sonoridades propias de la Música Latinoamericana Chilena y Popular. La Orquesta en la actualidad está formada por alumnos del Colegio Bicentenario de Música Juan Sebastián Bach de Valdivia, Chile y ha participado en diversos conciertos de extensión tanto a nivel nacional como internacional.

El V Festival Internacional Sonamos Latinoamérica de Ribeirão Preto-SP-Brasil, pone especial énfasis en el rescate, reconocimiento y validación de las músicas de raíz latinoamericana respetando las manifestaciones ancestrales y creando espacios para la composición y  procurando, con la presencia en el escenario de artistas nacionales e internacionales, honrar su multiplicidad, permitiendo la interacción y la interculturalidad buscando expresar las más puras manifestaciones personales y sociales.

Esta gira de la orquesta EgC cuenta con el apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”, convocatoria 2024, sumado a la ayuda brindada de parte de las familias de los integrantes de la  orquesta.

• 17 de noviembre en Riberirao-Preto, Brasil

La Orquesta de Cámara de Valdivia (OCV), una de las agrupaciones profesionales más destacadas del Chile, realizará un nuevo hito en su trayectoria al presentarse en The Grand Center de Punta del Este (Uruguay), en el marco de un programa que reúne obras de Tomás Brantmayer, Roberto Mahler, Antonín Dvořák y Ermanno Wolf-Ferrari.

La presentación marca un paso significativo para la OCV, que a lo largo de quince años de trayectoria ha consolidado una labor artística profundamente ligada al territorio y a la descentralización musical en Chile. Esta gira simboliza la proyección natural de ese trabajo hacia nuevos públicos, llevando el nombre de Valdivia, la Región de Los Ríos y Chile.

El programa, dirigido por el maestro Rodolfo Fischer, conjuga repertorios y sensibilidades de distintos orígenes.

La obra “Estudio de las Texturas” del joven compositor chileno Tomás Brantmayer refleja la búsqueda contemporánea de nuevas sonoridades y formas de escritura, mientras que el “Vals Primavera” del recordado creador Roberto Mahler (figura clave en el desarrollo musical de Valdivia tras su llegada a Chile) es un homenaje a la inspiración local y a la memoria cultural de la ciudad.

Completan el programa la Suite Checa, Op. 39, del romántico Antonín Dvořák, obra que celebra la raíz popular y melódica de la música centroeuropea, y la Sinfonía de Cámara de Ermanno Wolf-Ferrari, una pieza de elegante equilibrio entre clasicismo y modernidad.

“Roberto Mahler fue un músico checo que llegó a Chile a fines de la década de 1920 y se radicó definitivamente en el país. Llevó a Chile el sonido vienés y enseñó personalmente violín a muchos músicos chilenos, quienes continuaron transmitiendo esta tradición tan especial. Valdivia, por su pasado alemán, siempre se ha caracterizado por ser un importante centro formador de cuerdistas.

Tomás Brantmayer es uno de los compositores jóvenes más destacados de Chile, con estrenos orquestales en Austria, Alemania, Gran Bretaña y otros países. Su estilo podría definirse como espectral, logrando una enorme riqueza de colores y resonancias en esta obra, especialmente concebida para el estudio de la música contemporánea por parte de jóvenes directores”, señala Rodolfo Fischer, director artístico de la OCV.

Para la Orquesta de Cámara de Valdivia, este concierto representa más que una presentación internacional: es la continuidad de una misión que busca estrechar puentes entre la creación chilena, la tradición universal y las comunidades que acogen su música.

Desde su fundación en 2010 bajo el alero de la Universidad Austral de Chile, la OCV ha ofrecido más de mil conciertos, impulsando proyectos de formación, composición contemporánea y difusión musical en todo el sur del país. Financiada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, se ha posicionado como un referente artístico que promueve la creación, la excelencia y la descentralización cultural.

Antes de su viaje a Uruguay, la OCV presentará este mismo programa en el Teatro Municipal de La Pintana en un concierto gratuito y abierto a toda la comunidad.

El concierto en Punta del Este cuenta con el apoyo del Programa Ibermúsicas y se enmarca en la agenda internacional de la OCV para 2025, reafirmando su compromiso con la circulación de la música chilena y latinoamericana en el mundo.

• Jueves 13 de noviembre, 19h: Teatro Municipal de La Pintana, Chile
• Sábado 15 de noviembre, 19h: The Grand Center, Punta del Este, Uruguay