Autor: Ricardo Gomez Coll

A Chile Big Band e o compositor Sergio Salazar (Peru) preparam-se para colaborar em uma produção fonográfica de caráter único, na qual gravarão e lançarão um material inédito de música afro-peruana para o formato de Big Band de jazz.

Esta produção contará com cinco obras que percorrerão ritmos folclóricos típicos do Peru, como o festejo, o landó e a zamacueca. Também será incluído um samba brasileiro. Além disso, a música se nutrirá da tradição do jazz e do swing, incorporando seções de improvisação nas quais os músicos da Chile Big Band interpretarão solos de saxofone, trompete, piano, entre outros, alcançando uma mistura única entre a música de raiz latino-americana e a música de descendência afro-americana.

Este trabalho será produzido no estúdio Palo Quemado, sob a responsabilidade de Nicolás Ríos (Chile), e será publicado em todas as plataformas de streaming. A capa será criada pela talentosa designer Micchela Messone (Chile).

A Chile Big Band é uma orquestra profissional nascida na Faculdade de Artes da Universidade do Chile, a partir da iniciativa de um grupo de estudantes que buscavam promover o trabalho orquestral aliado ao jazz e à música popular. Interpretam uma rica diversidade estilística, na qual predomina a linguagem do jazz e os arranjos latino-americanos. Sua sonoridade orquestral se destaca por composições originais tanto de seus integrantes quanto de seu diretor, o maestro Carl Hammond.

Sergio Salazar é um compositor e gestor cultural peruano. Recebeu encomendas e estreou obras no Peru, Argentina, México e Bolívia. Escreveu música de raiz peruana que foi executada em países como Peru, Bolívia e Argentina pelo grupo Afro en las Alturas. Recebeu prêmios do Ministério da Cultura do Peru, do programa Ibermúsicas e do Conservatório Astor Piazzolla da Argentina, no âmbito do Festival Atemporânea 2023. Sua formação acadêmica inclui estudos em composição musical na Universidade Nacional de La Plata. Além disso, aprofundou-se na música experimental por meio de residências artísticas na Itália, México e Peru, onde colaborou, estudou e trabalhou com compositores e mentores de renome. Seu trabalho se concentra no desenvolvimento de projetos multidisciplinares que investigam as tradições musicais étnicas do Peru, tradições que coexistem com a tecnologia para configurar discursos narrativos que refletem o contexto social contemporâneo.

Este projeto foi vencedor da convocatória 2024 do Programa Ibermúsicas na linha “Apoio a projetos virtuais”.

A musicista e professora chilena Bárbara López Silva realizará uma residência de pesquisa na cidade de Barcelona sobre o método de ensino musical desenvolvido por Joan Chamorro com a Sant Andreu Jazz Band, um grupo formado por crianças, adolescentes e jovens que tocam jazz e se destacam por sua alta qualidade interpretativa.

Durante a residência serão realizadas entrevistas, acompanhamento de concertos, gravações de aulas e ensaios, registro fotográfico, levantamento de antecedentes históricos e metodológicos para, posteriormente, com o material reunido, realizar uma criação audiovisual que será compartilhada em uma atividade de mediação aberta a toda a comunidade onde reside a responsável pelo projeto.

Bárbara López Silva iniciou seus estudos em pedagogia musical em 1998, paralelamente aos estudos de trompete, e desde então tem estado ligada às artes musicais, seja em diferentes agrupações como Banda Conmoción ou Peces Sexteto, entre outras, apresentando-se em diversos palcos do Chile, França, Espanha, Alemanha, China, Brasil, Colômbia, Equador, Uruguai, Argentina, Bélgica e Coreia.

Além de sua atuação artística, ministrou aulas de música em diferentes jardins de infância de Santiago e aulas de trompete e trombone para crianças em orquestras de escolas da capital. Atua como professora de trompete, trombone e flauta transversal na Orquestra Instrumental de Crianças e Jovens de Lonquimay e na Orquestra de Curacautín. Também se dedica a compor e a tocar na banda “Música en mi jardín”. Em 2024 realizou um estágio no México para conhecer o método de ensino da professora Leticia Gallardo, diretora da Banda Femenil Mujeres del Viento Florido, projeto que também contou com o apoio do Ibermúsicas.

Joan Chamorro é um músico de jazz multi-instrumentista e diretor da Sant Andreu Jazz Band (2006–2026), projeto com o qual alcançou resultados surpreendentes, refletidos em mais de 50 gravações em formato CD e 23 discos surgidos no âmbito da coleção “Joan Chamorro Presenta”. Protagonizou o documentário A Film About Kids and Music, dirigido por Ramon Tort. Estudou a carreira clássica de saxofone no Conservatório de Barcelona e, paralelamente, obteve o título de Grau Superior no Taller de Músics de Barcelona. Ministrou masterclasses em toda a Catalunha, na Comunidade Valenciana e em Zaragoza, bem como em Stanford e Cincinnati (EUA), Copenhague (Dinamarca), Cidade do México, Querétaro e Playa del Carmen (México), Medellín (Colômbia), Polônia (Universidade de Zielona Góra), França, Suécia, Itália e Alemanha, entre outros lugares. Durante esses 20 anos à frente da Sant Andreu Jazz Band recebeu diversos prêmios e reconhecimentos de relevância. Em 2026, a organização Jazz at Lincoln Center o escolheu para receber na cidade de Nova York o Global Citizen Award, em reconhecimento ao seu trabalho durante duas décadas à frente da Sant Andreu Jazz Band.

Esta residência de Bárbara López Silva é possível graças ao apoio do Programa Ibermúsicas, por meio de sua linha de Ajuda a Artistas e Pesquisadores para Residências, convocatória 2025.

• Durante o mês de abril, em Sant Andreu, Barcelona, Espanha

Este projeto traça uma ponte cultural entre El Salvador e Valência, ampliada pela riqueza musical do México, da Argentina, do Brasil e da Espanha. Por meio de canções e obras pianísticas, configura-se um percurso que reflete a diversidade das tradições ibero-americanas e europeias.

Música e poesia manifestam-se em textos de Alberti, Bécquer ou María Guerra e em obras de compositores como Granadino, Guastavino, Villa-Lobos, Rodrigo ou Falla. A presença de compositoras como María Grever (México), Alicia Terzián (Argentina), Matilde Salvador (Espanha) e María Teresa Oller (Valência, Espanha) reforça a dimensão integradora e plural desta proposta, que celebra a memória compartilhada e a identidade cultural. A inclusão dessas compositoras, juntamente com a poetisa María Guerra, não constitui um gesto acessório, mas um eixo fundamental que fortalece a solidez artística e conceitual do programa. Historicamente, a criação feminina foi marginalizada nos repertórios de concerto; por isso, dar visibilidade a essas vozes implica corrigir um desequilíbrio e enriquecer a leitura de nosso patrimônio musical. A proposta defende, assim, um cânone mais justo e plural, no qual a contribuição das mulheres dialoga em igualdade com a de compositores consagrados, favorecendo uma programação inovadora e culturalmente responsável.

Este projeto adquire especial relevância ao se inserir no âmbito do Festival MusiQuart 2026, o Festival Internacional de Música de Quart de Poblet (Valência, Espanha). O festival, consolidado como uma plataforma de referência para a música de câmara e a inovação artística, oferece o contexto ideal para apresentar um projeto que une tradição, diversidade e projeção internacional.

Nesse contexto, a colaboração entre o ensemble valenciano Plaerdemavida (Paloma Chiner, soprano, e Pablo García-Berlanga, piano), ao qual se soma o violinista salvadorenho René Hernández, torna-se um símbolo de encontro cultural entre a Europa e a América Central, encarnando os valores de abertura e diálogo que definem o espírito do MusiQuart.

Esta proposta foi contemplada na convocatória 2025 do Programa Ibermúsicas, na linha de Apoio à circulação de profissionais da música.

• De 15 a 19 de abril: Festival MusiQuart 2026, Festival Internacional de Música de Quart de Poblet, Valência, Espanha.

HackOut! + Sofia Escamilla + Yuko Cornale é uma proposta multicultural que funde jazz contemporâneo e música experimental. Será realizada ao longo de 2026 e está dividida em duas fases: a primeira acontecerá no México durante o mês de abril, quando as e os artistas se reunirão para compor em uma residência de sete dias no Instituto Italiano de Cultura, e depois realizarão uma turnê pelo México (Pachuca, Querétaro, Aguascalientes, Guadalajara, Estado do México e Cidade do México). A segunda etapa consistirá na realização de uma turnê pela Itália em outubro do mesmo ano.

HackOut! é um trio sem baixo (bateria, saxofone alto e guitarra elétrica) fundado em 2019 dentro das paredes do Conservatório Venezze, em Rovigo (Itália). É composto por Manuel Caliumi: sax alto, Luca Zennaro: guitarra e Riccardo Cocetti: bateria. A música do trio busca destacar a personalidade de cada um de seus integrantes, explorando o equilíbrio entre estruturas harmônicas e improvisação radical, assim como entre timbres acústicos e elétricos.

Sofía Escamilla é uma artista sonora, violoncelista e compositora que transita entre a música acadêmica contemporânea, a improvisação livre e a eletroacústica. Sua abordagem do instrumento parte da exploração de técnicas estendidas com processamento digital em tempo real, sobrepondo a voz e outros objetos sonoros. Sua obra também se desenvolve em colaborações multidisciplinares (poesia, dança, teatro e artes visuais).

Yuko Cornale é performer, improvisadora, compositora e produtora nascida na Bolívia e de nacionalidade italiana. Seu trabalho se concentra na exploração da voz e no uso de técnicas estendidas. Radicada na Cidade do México há mais de dez anos, desenvolveu uma carreira ativa dentro da cena experimental. Sua prática artística é impulsionada pela exploração das profundezas, canalizando o intangível e tecendo sutis conexões com os mundos tanto internos quanto externos.

Este é um dos três projetos vencedores da primeira Convocatória Especial Ibermúsicas – Emilia-Romagna 2025.

• Segunda-feira, 13 a quarta-feira, 15 de abril: Residência artística, Instituto Italiano, CDMX
• Quinta-feira, 16 de abril: Concerto CENART, CDMX
• Sexta-feira, 17 e sábado, 18 de abril: Residência artística, Instituto Italiano, CDMX
• Domingo, 19 de abril: Concerto de encerramento da residência artística no Instituto Italiano de Cultura, CDMX
• Segunda-feira, 20 de abril: Concerto na Radio Nopal, CDMX
• Quarta-feira, 22 de abril: Masterclass e concerto Academia de Arte de Florença TBA, CDMX
• Quinta-feira, 23 de abril: Concerto 5 Pies Luciente Sonoro, CDMX
• Sexta-feira, 24 de abril: Concerto Faro Cosmos, Secretaria de Cultura CDMX
• Sábado, 25 de abril: Concerto Casa Padi, Pachuca
• Domingo, 26 de abril: Concerto Venas Rotas, CDMX
• Quarta-feira, 29 de abril: Concerto Fonoteca Nacional, CDMX
• Quinta-feira, 30 de abril: Concerto Afasia, Guadalajara
• Sexta-feira, 1º de maio: Concerto na Feria de San Marcos, Aguascalientes
• Sábado 2 de maio: Concerto no Museo de la Ciudad, Querétaro

Vencedora da Convocatória Especial Ibermúsicas – Mid Atlantic Arts 2024, a Orquestra apresentará concertos, atividades educativas e intercâmbios culturais em Reservas Indígenas de Minnesota e Dakota do Norte, bem como em salas de concerto de Nova York, Boston, Washington D.C., Minneapolis, Grand Forks, Baltimore e Virgínia.

A turnê “Sons da América Oculta” da OIANT é apresentada por Ibermúsicas, Mid-Atlantic Arts, American Composers Forum & Indigenous Roots, North Dakota Museum of Arts e a Grand Forks Symphony Orchestra.

Fundada em 2004 por Alejandro Iglesias Rossi e Susana Ferreres, a OIANT confere aos instrumentos nativos da América a mesma “dignidade ontológica” que aos instrumentos herdados da tradição europeia e desenvolve um trabalho interdisciplinar que abrange as áreas de composição, interpretação, luteria, tecnologia, coreografia, cenografia e criação de máscaras, buscando assim reunir as diferentes áreas do conhecimento relacionadas à música.

Seus integrantes são ao mesmo tempo criadores e intérpretes de suas próprias obras, construtores dos instrumentos que executam, bem como das máscaras utilizadasnos concertos. O grupo apresenta seu trabalho interdisciplinar realizando um percurso pela geografia sonora do continente, tanto com música tradicional quanto com composições contemporâneas, fundindo instrumentos milenares (maias, astecas, incas, mochicas e nazcas) com tecnologias digitais.

• 14 de abril, 14h: Berklee School of Music, Boston (MA)
• 15 de abril, 19h30: Jalopy Theatre, New York City (NY)
• 16 de abril, 17h: Workshop Columbia Heights Education Campus, Bucknell University, Pennsylvania (PA)
• 17 de abril, 19h30: Concerto Weiss Center Music Hall, Pennsylvania (PA)
• 18 de abril, 17h: Concerto The Wharf, District Sounds Festival!, Washington DC
• 19 de abril, 19h30: Workshop no Creative Alliance, Baltimore (MD)
• 22 de abril: Workshop no Columbia Heights Education Campus, Washington DC
• 25 de abril: Concerto na University of Virginia, Wise, Virginia (VA)
• 30 de abril: Indigenous Roots Cultural Center, projeto “Recomposing America” / American Composers Forum e  Indigenous Roots, Minnesota (MN)
• 3 de maio: Concerto no North Dakota Museum of Art, Grand Forks (ND)
• 5 de maio: Turtle Mountain Reservation / Intercâmbio Cultural & Festival de Música de Câmara, “Sounds of the Prairie” (Reservas e escolas de North Dakota e South Dakota)
• 6 de maio: Intercâmbio Cultural e Festival de Música de Câmara, Cankdeska Cikana College
• 8 de maio: Intercâmbio Cultural e Festival de Música de Câmara na Fort Totten Reservation
• 10 de maio: Concerto OIANT + Grand Forks Symphony Orchestra, Grand Forks (ND)
• 13 de maio: Intercâmbio Cultural e Concerto no projeto “Recomposing America” / American Composers Forum & Indigenous Roots, Minneapolis (MN)
• 14 de maio: Conferência e Workshop na University of Minnesota

“Allkütun kangechi” é uma proposta artístico-educativa e um projeto de pesquisa que convida a uma escuta deslocada a partir da perspectiva do outro, do não humano, do intraduzível. Em oficinas escolares, as/os participantes criam e exploram dispositivos de escuta expandida e produção sonora, utilizando materiais simples e elementos naturais. Escutam-se as árvores, as pedras, o vento e outras presenças invisíveis, numa tentativa de ouvir para além da paisagem. A residência culmina em uma performance sonora coletiva, na qual são compartilhadas novas formas de habitar o som e imaginar um mundo que também nos escuta.

Ana Luísa Veloso e Henrique Fernandes são os artistas/pesquisadores convidados a participar da Residência.

Ana Luísa Veloso é investigadora adjunta no INET-md (Instituto de Etnomusicologia – Centro de Estudos de Música e Dança) da Universidade de Aveiro, Portugal, onde desenvolve o projeto «Uma abordagem da educação musical centrada no som: ferramentas pedagógicas para um novo paradigma no ensino e na aprendizagem da música durante a infância», financiado pela Fundação para a Ciência e a Tecnologia (FCT). Também é coordenadora da linha temática do INET-md «Performatividades digitais e tecnológicas», juntamente com os pesquisadores Alfonso Benetti e Filipe Lopes. É doutora em Música na área de Educação pela Universidade de Aveiro, tendo realizado seu doutorado, concluído em 2012, com bolsa da FCT. De 2015 a 2020, foi bolsista de pós-doutorado no CIPEM, um centro do INET-md na Universidade Politécnica do Porto. É membro/artista da Associação Sonoscopia, onde desenvolve ativamente sua atividade como musicista e guitarrista, colaborando com diversos grupos ligados à improvisação, à música experimental e à arte sonora, além de liderar diversas atividades e projetos educativos com crianças e adultos.

Henrique Fernandes é um artista sonoro e contrabaixista, voltado à criação experimental, à construção de instrumentos e a performances colaborativas. Membro fundador da Sonoscopia, um coletivo artístico sediado no Porto, Portugal, dedicado ao desenvolvimento de projetos interdisciplinares que exploram as possibilidades sonoras e visuais dos objetos, do espaço e da experiência artística compartilhada.

As atividades incluem:

• oficinas escolares e comunitárias, que surgem como um espaço em que crianças, jovens e membros da comunidade criam seus próprios dispositivos de escuta e desenvolvem percursos de exploração e experimentação sonora que possam dialogar com o território, com a ideia de memória coletiva e com a imaginação de um futuro mais sustentável;
• laboratórios artísticos e de pesquisa, nos quais dialogam participantes, pesquisadores e artistas na interseção de perspectivas e de diferentes formas de pensar e criar;
• a performance coletiva final, como um momento de restituição à comunidade, no qual são devolvidos ao público os achados, construídos e imaginados.

Este projeto do Tsonami Arte Sonoro foi vencedor da convocatória 2025 do Programa Ibermúsicas, na linha de “Apoio a instituições para residências”.

• De 13 de abril a 5 de maio no Tsonami Arte Sonoro, Valparaíso, Chile

Esta residência artística acontecerá em Tóquio, e terá como instituição acolhedora a legendária Kohno Guitar, responsável por algumas das mais importantes inovações na construção de violões clássicos nas últimas décadas. Pela primeira vez em sua história, a Kohno Guitar convida um violonista para realizar uma residência artística em pessoa em suas instalações, e é uma honra para os países latino-americanos que este reconhecimento tenha como convidado o brasileiro Fabricio Mattos.

Fabricio Mattos é um músico profundamente empenhado em encontrar novos caminhos para a performance musical no século XXI. Fundador do inovador WGC – Worldwide Guitar Connections, Mattos tem-se apresentado regularmente em todo o mundo, estreando dezenas de obras para violão clássico e excursionando por cinco continentes ao longo dos últimos anos, além de também trabalhar regularmente como diretor criativo em diversos projetos de performance ao vivo e de vídeo. Mattos também é vencedor de vários prêmios, incluindo o prestigiado “Julian Bream Prize” concedido pelo célebre guitarrista britânico Julian Bream, e em 2023 tornou-se o primeiro latino-americano da história a receber um doutorado (PhD) em Performance Musical pela legendária Royal Academy of Music, em Londres.

Atividades a serem realizadas:

Documentário: gravado nas instalações da Kohno Guitar, em Tóquio, durante março e abril de 2026. Lançamento previsto para junho de 2026.

Recital – Palestra: intitulado ‘A Journey through Rhythm’, contará com 30 minutos de exposição oral sobre danças características de várias regiões do Brasil, seguido de uma performance de 30 minutos de danças brasileiras ao violão solo. Data e local a confirmar.

Recital (vídeo): gravado nas instalações da Kohno Guitar, em Tóquio, durante abril de 2026. Lançamento previsto para junho de 2026.

Recital (ao vivo): neste recital solo, próximo ao fim da residência artística, Fabricio Mattos alternará o uso de três violões representativos das três gerações da Kohno Guitar (Kohno, Sakurai e Kimishima). O repertório escolhido refletirá parte da produção musical dos países ibero-americanos nos séculos XX e XXI, incluindo aspectos culturais e históricos. O programa proposto será: Castillos de España, de Federico Moreno Torroba; Suite das Amazonas, de Salomão Habib. Obra dedicada a Fabricio Mattos y Suite Sudamericana, de Fabiano Borges. Obra dedicada a Fabricio Mattos.

Artigo acadêmico: escrito em inglês e português, este artigo retratará a experiência da Fabricio Mattos nesta residência e oferecerá um breve relato histórico das três gerações de luthiers da Kohno Guitar, assim como uma discussão sobre o conceito de ‘tradição’ e uma abordagem das perspectivas para o futuro da companhia. Este trabalho será submetido a revistas especializadas ou periódicos musicais no Brasil e exterior a partir de junho de 2026.

Esta residência de Fabricio Mattos no Japão é possível graças ao suporte do Programa Ibermúsicas por meio da linha de “Apoio a artistas e pesquisadores para residências”, chamada 2025.

• 10 de abril: recital-palestra, Embaixada do Brasil em Tóquio, “Brazilian Dances”. Tóquio, Japão
• 11 de abril: gravação de vídeo-recital, Kohno Guitar Workshop. Tóquio, Japão
• 14 de abril: recital-palestra, HSNU, “Brazilian Dances”. Taipei, Taiwan
• 15 de abril: concerto com as flautistas Yi-Hsuan Chen e Shu-Chun Chiang, Universidade de Taipei (inclui uma estreia mundial do compositor taiwanês Ming-Jui Liu). Taipei, Taiwan
• 16 de abril: gravação da obra nova de Ming-Jui Liu, com Yi-Hsuan Chen. Taipei, Taiwan
• 17 de abril: recital-palestra, Universidade de Taipei, “Brazilian Dances”. Taipei, Taiwan
• 19 de abril: recital solo, Kurosawa Gakki. Tóquio, Japão
• 24 de abril: workshop online de So Kimishima com professores e alunos do Curso de Luteria da UFPR, mediado por mim. Tóquio, Japão
• 26 de abril: recital solo, Muse. Nagoya, Japão
• 29 de abril: convidado especial, duo com Toru Kobayashi. Tóquio, Japão.

Tanto o documentário quanto o recital em vídeo serão hospedados no website do WGC – Worldwide Guitar Connections: www.wgconnections.com

La Que Sabe é um concerto-ritual que propõe uma experiência artística imersiva, integrando música original, guitarra flamenca, canto, poesia e performance ritual. O projeto inspira-se na sabedoria ancestral e nos ciclos naturais da vida, afirmando a música como uma linguagem de encontro, escuta e transformação, capaz de criar pontes entre culturas, territórios e comunidades.

Criado e composto por Maria João Machado (Portugal), com composição de guitarra e arranjos de Fernanda de Córdoba (Argentina), La Que Sabe reúne em palco três artistas de percursos distintos e complementares: Maria João Machado (voz), Fernanda de Córdoba (guitarra flamenca e voz) e José Ausina (percussão e voz). Esta diversidade artística constitui uma mais-valia central do projeto, enriquecendo a proposta musical e performativa e reforçando a sua dimensão intercultural e colaborativa.

O concerto articula referências do flamenco, do folclore latino-americano e da poesia contemporânea, criando uma linguagem própria que dialoga simultaneamente com a tradição e com a criação atual.

Cada apresentação é concebida como um ritual contemporâneo, no qual o público é convidado a uma escuta ativa e a uma experiência sensível, adaptada ao espaço, ao momento e ao contexto cultural que acolhe o espetáculo. O concerto-ritual abre, assim, um espaço de interação subtil e de diálogo vivo entre artistas, público e território.

Em 2026, La Que Sabe realiza uma circulação internacional que contempla Colômbia, Brasil e Argentina, afirmando a sua vocação ibero-americana e promovendo o intercâmbio cultural entre diferentes países e comunidades.

Esta circulação internacional é possível graças ao apoio do Programa Ibermúsicas, em colaboração com a Direção Geral das Artes do Ministério da Cultura, Juventude e Desporto de Portugal, através da linha de “Apoio à circulação de profissionais da música” do Programa Ibermúsicas, convocatória 2025.

• 04 de abril: Rincón Andaluz, Buenos Aires, Argentina
• 11 de abril: Instituto Arcano, São Paulo, Brasil