Etiqueta: Ajudas para a mobilidade de músicas e músicos
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Laura Peralta y Adriana Lubiz (Argentina)
El proyecto “Coplas y Charango” surgió del deseo por parte de Laura Peralta y Adriana Lubiz de presentar un material de investigación musical realizado en paralelo a sus desempeños como intérpretes, creadoras y docentes. Con una extensa trayectoria, el dúo de charango y canto fue invitado a participar desde el Centro Cultural Pablo de Torriente Brau en su 29ª edición a la Feria Internacional del libro de La Habana para presentar: “El charango argentino. Caminos de sonidos y colores…”, libro de investigación publicado por Adriana Lubiz y el CD triple “Por Aisito. Recopilación de coplas y tonadas del norte argentino” que Laura Peralta editó a comienzos de 2020.
El Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau es una institución cultural independiente, sin fines lucrativos, que ha creado programas y espacios de difusión y debate relacionados con la memoria, la historia oral, el testimonio, las artes plásticas, el arte digital, la nueva trova cubana, inspirándose en el legado histórico y literario de Pablo de la Torriente Brau y apoyándose en las nuevas tecnologías de comunicación y creación artística.
“Nuestra gira por Cuba con el proyecto “Coplas y Charango” se inicia a partir de la generosa invitación del Centro Cultural Pablo de Torriente Brau que incluyó nuestra presentación en sus actividades culturales en La Habana y en su stand en el Feria Internacional del Libro, y al mismo tiempo auspició la gira por las ciudades de Santa Clara, Matanzas y Cienfuegos. Participamos en el Patio de la trova, dentro de la programación de este espacio de la Feria del Libro y además de las actividades en el stand del Centro, salimos de los límites formales de La Cabaña, donde se desarrolla la feria, en la presentación del libro ‘La Habana de Pablo’, coeditado por ediciones Memoria del Centro Pablo de la Torriente Brau y ediciones Boloña, Oficina del Historiador de La Habana”.
El libro “Caminos de sonidos y colores… ¡Charango Argentino!” es el resultado de una beca de investigación otorgada por el Fondo Nacional de las Artes y luego profundizada como Tesis de Licenciatura de Folklore de la UNA (Universidad Nacional de Artes), que resume muchos años de investigaciones tanto bibliográficas como sonoras y de campo sobre el ingreso y la dispersión del charango en el territorio argentino. En sus trece capítulos recorre desde la historia del instrumento, la construcción, los intérpretes y el repertorio hasta la enseñanza y la inserción del charango en distintas ramas del arte. Es una edición independiente que cuenta en su prólogo con palabras de tres de los representantes más importantes del charango en la Argentina como lo son los Maestros Jaime Torres, Toro Stafforini (docente – músico) y Chiquito Rodríguez (constructor – músico).
“El inicio de la gira fue literalmente al bajarnos del avión, en la Peña de la Pupila Asombrada, que comandan Iroel Sánchez y Fidel Díaz Castro y resulta del desprendimiento de su programa de TV. En Santa Clara hicimos una presentación de la Sala Margarita Casallas, del reconocido centro cultural El Mejunje con la joven trovadora cubana Yeni Turiño como anfitriona. Los Novo, músicos creadores de La Trova de la Guardia, nos recibieron en Cienfuegos para el festejo de su aniversario en el Patio de los Jardines de la UNEAC. En Matanzas, invitadas por el trovador Carlo Fidel, participamos de su peña La Canción al Centro en la Sala de conciertos José White. En esa edición, y atento a nuestra participación, convocó a un intercambio musical con mujeres cubanas de la música y las letras”.
El cd triple “Por Aisito. Recopilación de coplas y tonadas del norte argentino” es un trabajo de más de diez años de viajes por siete provincias del norte argentino para la compilación e investigación del cancionero de tradición oral, coplas y tonadas acompañadas generalmente por la percusión con caja. Con dos becas del Fondo Nacional de las Artes para recopilación de audios, la edición se concreta con el apoyo del INAMU (Instituto Nacional de la Música) y de la Secretaría de Cultura de la provincia de Salta, poniendo en valor y legitimando músicas, en este caso coplas, tonadas y formas melódicas que integran un cancionero de tradición oral.
“El programa Ibermúsicas nos posibilitó solventar los gastos de los traslados aéreos para poder hacer esta gira en Cuba. Saber que, institucionalmente, existen planes o estrategias que no son otra cosa que acciones políticas de puesta en valor del arte y donde les musiques somos considerados trabajadores de la cultura hace que podamos pensar en futuros proyectos, sobre todo, teniendo en cuenta la situación de la pandemia que profundiza las diferencias y que les trabajadores de la cultura estamos sin posibilidad de trabajar”.
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Benjamín Walker (Chile)
Durante los primeros días de enero en 2020 se llevó a cabo una nueva edición del Festival Serenadas en la Paloma, Uruguay, en la que participó, junto a más de quince artistas provenientes de distintos países de Latinoamérica, el músico chileno Benjamín Walker. Cantautor y guitarrista, nacido en 1992 en Santiago, Chile, cuya propuesta artística transita entre la trova, el folclore, el pop y el folk.
“Fue una experiencia muy enriquecedora participar del Festival Serenadas, tanto porque el contexto costero del pueblo de La Paloma genera una disposición muy empática y cercana de la audiencia con los artistas, y porque precisamente uno de los puntos fuertes del Festival es generar una importante red de contacto entre cantautores y cantautoras de toda Iberoamérica, posibilidad que se hizo efectiva y a la fecha ya se ha traducido en colaboraciones ya publicadas con colegas que conocí en esta instancia, además de invitaciones a diversos festivales del circuito”.
“Desde hace más de diez años, cientos de músicos, actores, artistas plásticos, poetas e intelectuales de toda Iberoamérica confluyen durante una semana en una pequeña playa al este de Uruguay”, afirma Adriana Pugliese. Y agrega: “Cuando el mar se encuentra con la tierra pasa algo nuevo y extraño”. La frase, del novelista inglés J.G. Ballard bien podría dar cuenta de tantas cosas especiales que ocurre aquí, en nuestras playas y con nuestras comunidades. El Festival Serenadas es, sin dudas, una de esas cosas. Se trata de un encuentro protagonizado por la canción de autor, donde participan músicos de distintos lugares de Iberoamérica. Los organizadores del festival cuentan que la idea nació a partir de que los Hermanos Drexler asentaran profundas raíces en las costas Rochenses. “Me enamoré del Club y del entorno humano que abriga cada encuentro musical”, expresó Daniel Drexler cuando participó como invitado de honor en los festejos del 116 Aniversario de La Pedrera, realizados en su Club Social.
“Lo que particularmente me gustó es que el Festival genera momentos fuera del cronograma oficial donde los artistas pueden convivir de forma espontánea, dejando que sus intereses personales guíen las actividades, eso devino en prolongadas sesiones de improvisación entre diversos géneros de la cantautoría continental, interpretación de repertorio conocido por todos en colaboración y principalmente la posibilidad de estrechar lazos profesionales”
Cuando contaba tan solo con 21 años Benjamín Walker grabó su primer disco llamado “Felicidad”, valiéndose del premio Artista revelación en la primera edición de los “Premios Pulsar” de año 2015, los más importantes de la industria musical chilena. Para julio del año 2017, Walker publicó su segundo álbum “Brotes”, producido por su colega Javier Barría. Esta segunda entrega discográfica, mostró una evolución madura del cantautor, con un sonido más propio y homogéneo, ligado a su sello acústico. Este nuevo álbum fue muy bien recibido por la prensa y crítica especializada. Con este segundo disco, recibió nominación como “Mejor Cantautor” en los “Premios Pulsar 2018”. Cerró aquel año como telonero de la gira del músico argentino Pedro Aznar en la celebración de sus 35 años de carrera. El 20 de septiembre, la Academia Latina de la Grabación, Latín Grammy, anuncia los nominados a su 19 entrega anual de Premios, considerando sólo a dos chilenos, Mon Laferte en la categoría “Canción del Año” y Benjamín Walker en la categoría “Mejor Nuevo Artista”. En febrero de 2019 participó del “Festival de la canción de Viña del Mar 2019”, representando a Chile en el género folclórico con la canción “Y Arderán”, obteniendo el segundo lugar. Durante el Festival Serenadas 2020, el músico procuró en primer lugar mostrar un repertorio variado para dar una pincelada general de cómo es su música. En segundo lugar, tocó algunas canciones atingentes al contexto de revuelta social que se estaba viviendo en Chile en esos momentos para generar consciencia regional a través de la música.
“En una geografía tan lejana a las grandes industrias del espectáculo y las artes, que están en el hemisferio norte, la existencia de Ibermúsicas es de vital importancia para los artistas que vivimos en el cono sur teniendo una barrera de entrada a la exposición de nuestro trabajo tan grande y evidente. Sin duda hace una diferencia enorme en el desarrollo de nuestro trabajo y el bien que genera esto a la creación de identidad y cultura. Sin ir más lejos, el Festival me permitió colaborar con mi colega To Brandileone, de San Pablo, Brasil, el cual es un mercado musical muy ajeno al chileno y al que difícilmente podemos acceder por las barreras lingüísticas y geográficas. To hizo una traducción al portugués de mi canción “Florecen”, la cual ya está publicada en todas las plataformas de streaming y que sirvió para tener un primer acercamiento al mercado brasileño, además de diversas invitaciones a otros festivales de circuito que no se pudieron concretar por la circunstancia pandémica, pero que definitivamente dejó tendidos importantes lazos”.
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Alejandro Balbis y “La Gaditana que Volvió” (Uruguay)
El reconocido músico uruguayo Alejandro Balbis junto a Nicolás Assandri, presentaron su proyecto ante Ibermúsicas con el objetivo de llevar al Concurso del Carnaval de Cádiz 2020 en el mítico Teatro Falla una comparsa con impronta murguística uruguaya.
Con la firme convicción de que el carnaval es siempre una herramienta para el pueblo, “Tirando la Bohemia” nace a partir de la iniciativa de Nicolás Assandri y Alejandro Greder de crear una murga uruguaya residente en Madrid, en el año 2013. El proyecto fue desarrollando solidez y profesionalidad durante estos años, llevando a la agrupación a participar en destacados eventos del ámbito carnavalero internacional.
La propuesta de llevar la murga uruguaya a Cádiz surgió, según cuenta Nicolás Assandri, luego de haber visitado varias veces la ciudad durante su carnaval junto a otros murguistas. Tras adquirir un conocimiento profundo de sus distintas categorías, chirigotas, comparsas, coros y cuartetos, llegaron a la conclusión de que la murga uruguaya englobaba todas ellas, motivando así la transformación de la murga “Tirando la Bohemia” hacia la modalidad de comparsa con el fin de participar en el Carnaval de Cádiz 2020 bajo el nombre de “La gaditana que volvió” en alusión a la famosa y pionera murga “La gaditana que se va”:
“La conexión entre el carnaval de Cádiz y el de Montevideo es de raíz. El uruguayo surgió de aquel, es su hijo y su nueva expresión”, señala Agustín Zavala, y agrega, “En 1908, cuando el Estado uruguayo empezaba a afianzarse y hacía apenas unos años habíamos dejado las revueltas rurales, en algunos teatros de la capital uruguaya comenzaba a actuar “La gaditana que se va” con un éxito marcado. El conjunto pionero de la murga uruguaya surgió gracias a un grupo de amigos, liderado por Antonio Garín, considerado el primer director del género murguero en Montevideo”.
Alejandro Balbis fue el invitado especial para participar como cantante y arreglador de esta nueva e innovadora propuesta: “La Gaditana que Volvió”. Reconocido cantante, compositor, guitarrista y productor uruguayo, ha participado en murgas como cantor, como libretista y director, entre otras de Contrafarsa, Falta y Resto, Saltimbanquis, A Contramano, Asaltantes con Patente y Don Timoteo. Los integrantes de “La Gaditana que Volvió” y el maestro trabajaron juntos en la creación de un espectáculo para ser llevado al concurso del carnaval de Cádiz. Balbis compuso toda la despedida y parte del popurrí para lo cual tuvo que interiorizarse profundamente en el estilo y las formas propias del carnaval gaditano.
Balbis narra que hay una relación histórica muy estrecha entre la comparsa de Cádiz y la murga de Uruguay que tiene que ver con los orígenes. Sin embargo, un acercamiento muy importante por parte del público gaditano y de los hacedores de las comparsas, las chiricotas, los coros y los cuartetos, se dio desde el año 2007 donde el gran Carlos Aragón hizo la murga comparsa Araka la Kana en homenaje a la murga Araca la Cana de Uruguay. Fue entonces que el carnaval gaditano empezó a mirar al carnaval montevideano y descubrió que son los gaditanos los originarios y fundadores de eso que germinó en Uruguay a partir de la migración gaditana de 1880 y la relación de los puertos de Montevideo, de Cádiz y el de Santiago de Cuba. Esa triangulación fue muy importante a nivel cultural:
“En esos barcos no sólo viajaban esclavos sino también su música y su manera de ver el mundo, primero desde su mentalidad tribal y luego como búsqueda de preservar su pertenencia. La situación de esclavitud se grabó muy a fuego en la genética cultural uruguaya. El carnaval no es solamente esos cuatro días de aquelarre y de dejarse llevar, también carga con una historia de altísimas tragedias como sustento de un arraigo cultural. Por eso existe el carnaval como una especie de válvula de escape a nivel social, donde se canaliza y se hace una catarsis durante esos cuatro días”.
Tal y como existen grandes puntos de contacto también hay importantes diferencias entre la comparsa gaditana y la murga uruguaya, reflexiona el maestro Balbis: “La primera es de carácter vocal, del lugar en el que se coloca la voz. El gaditano es un canto mucho más galante. El canto de la murga montevideana es mucho más rústico. Mucho más fuerte de volumen y en cierto punto más desprolijo porque lo que sucede con el coro de la murga uruguaya está en la totalidad de su sonido. Los gaditanos tienen otra elegancia: hay vibratos y arabescos que vienen probamente del flamenco con todo el mestizaje milenario que tiene esa zona, habida cuenta de que Cádiz fue durante siglos uno de los puertos más importantes del mundo. En cuanto a la composición de las letras tienen una raíz menos ideologizada que la de la pluma uruguaya. Aunque sí son críticos pero desde un costado distinto. Y muchos de ellos se meten con instituciones muy intocables en España. Musicalmente son muy distintas las cosas ya que en Cádiz tienen el espectáculo mucho más regulado. Al menos en lo que se refiere al ámbito del concurso. Tienen un sistema más rígido y la estructura está predefinida. En la murga uruguaya también se hace una presentación, cuplé y despedida. Pero dentro de esa estructura es mucho más libre la división de cuadros, las rítmicas que se usan, la musicalidad, la entrada y salida de personajes. La murga uruguaya se mueve creativamente con otra libertad. En la comparsa hay establecida presentación, luego dos pasos dobles, dos cuplés breves y el popurrí con tres cuadros musicales, uno de ellos es la despedida. El tiempo está rígidamente establecido y no está permitido pasarse”.
Así fue cómo durante el mes de febrero de 2020 la murga “Tirando la Bohemia” se transformó en comparsa gaditana y fue la primera agrupación del carnaval uruguayo en participar en el histórico Carnaval de Cádiz, lo que dio como resultado un verdadero intercambio carnavalero entre las dos orillas, entre dos ciudades hermanadas por la música, dos puertos donde florece el canto.
“Si no fuese por Ibermúsicas no habría sido posible. Ojalá siga ese Programa porque de otra forma habrá un montón de proyectos interesantísimos que no van a suceder. Es un programa absolutamente fundamental y necesario. Todos los países del mundo con relevancia cultural lo hacen. Y a su vez, tienen esa relevancia cultural, gracias a los programas como Ibermúsicas. Los Estados tienen que financiar a los artistas que le generan cultura internacional. Por eso es importante porque van a otros países a enraizar su propia cultura y tener llegada, ganar adeptos y así el país tiene más interés a nivel mundial. Un programa como Ibermúsicas genera un montón de cosas, y las necesitamos. Además me parece súper importante que Ibermúsicas esté encima de lo que suceda, no solamente para saber qué se hace con lo que financió sino porque eso genera un ida y vuelta de respaldo para el que está del otro lado del mundo solo, desarrollando un proyecto”. Alejandro Balbis
“Nosotros le tenemos que agradecer mucho a Ibermúsicas. Fue un proyecto que llevó mucha inversión y fue fundamental para que Alejandro pudiera estar con nosotros. La verdad es que lo que hacen ustedes está buenísimo. Es único lo que hacen para impulsar a los artistas, realmente maravilloso. Nada de lo que hicimos hubiera sido posible sin un programa como Ibermúsicas y te lo digo con total sinceridad, sino no te lo diría”. Nicolás Assandri
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Trío Nueva Colombia (Colombia)
El Trío Nueva Colombia, bajo la dirección del pianista y compositor Germán Darío Pérez, brindó una Master Class y una serie de conciertos en el Mérida Fest 2020.
En enero de 2020, la ciudad de Mérida, Capital del Estado de Yucatán, México celebró los 748 años de su fundación con una nueva edición del Mérida Fest, festival que se lleva a cabo en 39 sedes de la ciudad con un total de 140 espectáculos que congregan distintas disciplinas desarrolladas por maś de 650 artistas.
El Mérida Fest es una de las iniciativas llevadas adelante por el Ayuntamiento de Mérida, es una fiesta donde los meridanos y los visitantes se apropian del espacio público durante más de 20 días con actividades gratuitas que garantizan la accesibilidad universal a toda la sociedad y enfocadas hacia todo tipo de públicos. Conciertos, serenatas, trios, bailes, eventos tradicionales, danza, vaquería, bailes, talleres, conferencias, lecturas, seminarios, presentaciones de libros y revistas, documentales, exposición de pinturas, fotografías y artesanías son algunas de las manifestaciones artísticas en torno a las cuales se congregan grupos musicales con artistas de nivel internacional.
El Trío Nueva Colombia, dirigido por el pianista y compositor Germán Darío Pérez participó en el Mérida Fest entre los días 21 y 24 de enero de 2020 realizando una Master Class en el Auditorio del Centro Cultural Olimpo y dos conciertos. La actividad académica y los conciertos permitieron que el Trío Nueva Colombia transmitiera, tanto a los espectadores como a estudiantes y músicos profesionales, conocimientos importantes en torno a los nuevos desarrollos de la música colombiana de la región andina.
A lo largo de su carrera musical, Germán Darío Pérez se ha dedicado al rescate, renovación y divulgación de la música colombiana de la región andina, tomando como aspecto esencial la posibilidad de ponerla a la altura de las músicas más reconocidas del mundo. El Trío Nueva Colombia, incorpora el lenguaje jazzístico y universal del piano y el contrabajo, unidos al tiple que aporta el elemento diferencial de su música. Con su hermoso repertorio de bambucos, pasillos y danzas, el trío es reconocido como uno de los ensambles de más alto nivel musical en Latinoamérica. Han logrado fusionar la música de las montañas colombianas con elementos de otros lenguajes y otras estéticas musicales dentro de un formato llamativo donde vibran la música académica y lo jazzístico.
“La participación del Trío Nueva Colombia en el Mérida Fest 2020 resultó una oportunidad única para la circulación y difusión de nuestra música. El Trío Nueva Colombia tuvo la oportunidad de mostrar sus condiciones artísticas y la grandeza de nuestra música en este nuevo recorrido internacional. Indiscutiblemente las oportunidades de circulación nacional, e internacional brindan a los artistas la posibilidad de difundir su trabajo, vender sus producciones discográficas y relacionarse con nuevos agentes del mercado musical, lo que podría redundar en nuevas oportunidades de circulación del producto artístico”.
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Grecia Albán (Ecuador)
Entre el 27 de Enero y el 2 de Febrero de 2020 se llevó a cabo en la ciudad de San Carlos de Bariloche, la 2da edición del Festival Mujeres a la Patagonia que contó con la presencia, entre muchas otras artistas, de la cantante ecuatoriana Grecia Albán
El Festival Mujeres a la Patagonia, es un encuentro itinerante que propone potenciar las expresiones musicales de mujeres que trabajan en la música de raíz latinoamericana, y que ya se ha constituido en una plataforma de conexión entre mujeres músicas de América del Sur. El Festival está vinculado con varias luchas sociales argentinas que tienen que ver con la no violencia hacia las mujeres y la reflexión sobre la historia de los pueblos originarios de la Patagonia. También genera instancias de formación y experiencias de convivencia grupal en contacto con la naturaleza.
Grecia Albán viajó a la ciudad de Bariloche, en la Patagonia Andina Argentina, para realizar una serie de conciertos y participar en diversos talleres. Grecia comparte profundamente los valores del festival, no sólo como artista performática sino también por el vínculo que mantiene en Ecuador con el Encuentro de mujeres Cantoras Sinchi Warmikuna (mujeres fuertes).
Aprovechando su visita a la Argentina para participar en Mujeres a la Patagonia, Grecia Albán extendió su gira para presentarse en San Martín de los Andes y en Junín de los Andes (otras dos localidades de la Patagonia Andina en la provincia de Neuquén), en Plottier, localidad cercana a la capital neuquina y para el cierre de la gira, un concierto en la Ciudad de Buenos Aires, en el barrio de San Telmo y otro en Ituzaingó, en el oeste del gran Buenos Aires. En estos dos últimos compartiendo escenario con la artista argentina Soema Montenegro. En todos los conciertos estuvo acompañada por Daniel Pacheco en acordeón y Cristóbal Piña en guitarra.
Grecia Albán combina música tradicional ecuatoriana, folklore latinoamericano, improvisación libre y más influencias contemporáneas. Celebra el mestizaje latinoamericano en una propuesta de alto contenido poético. Mamahuaco, su primer trabajo discográfico como solista, integra sonidos de la música tradicional ecuatoriana con elementos de la música contemporánea y abre la memoria del antiguo potencial femenino que protege la herencia de los ancestros andinos y los defiende con amor, dignidad y música. Para Grecia esta música está en sus raíces, es la música que escuchó desde niña en Cotopaxi, su lugar de origen.
Después de una amplia carrera musical que ha incluido participaciones con músicos y bandas afines a todo tipo de sonoridades, Gracia Albán lanzó Mamahuaco, así titulado en refernecia a un personaje de un mito Inca que representa a la mujer insumisa, que no teme al frío, al trabajo y que es libre. Trae consigo un mensaje sobre el poder de la oralidad y sobre las formas en que resuena dentro de quien lo escucha. “Yo soy chola, yo soy longa, yo soy andina, yo soy mestiza, yo soy negra, yo soy todo. Todo eso está adentro mío”. Mamahuaco también es una celebración del mestizaje, de la mezcla de lo ancestral con lo contemporáneo, de lo andino con lo global.
“Ibermúsicas nos dio la posibilidad de dar a conocer nuestra cultura a través de la música ecuatoriana contemporánea, generar vínculos internacionales para poder proyectar más conciertos y talleres, una base de datos de gente interesada en formarse con música hecha en ecuador y conocer otros modelos de gestión, artistas independientes que están en el mismo proceso de crecimiento, vincularse con managers y productores de la escena local e internacional”
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Ensemble Vertebræ (México)
El Ensemble Vertebræ es una agrupación de cámara dedicada a la música nueva. Fue creado en 2009 por la flautista Olivia Abreu y la pianista Anna Paolina Hasslacher, ambas mexicanas. El ensamble está precisamente “vertebrado” en torno de ellas dos y puede mutar su forma y sus participantes según las demandas de cada una de las obras que integran su vasto repertorio. Para esta gira “México en Chile” sumaron a la percusionista Camille Émaille
El Ensemble Vertebræ busca abrir fronteras hacia una difusión artística multidisciplinaria basándose en el intercambio cultural que le ofrece el estar constituido por artistas de diferentes países de Europa y América latina. Su proceso creativo parte de la búsqueda, creación y difusión de repertorio innovador contemporáneo para llevarlo a la práctica en “performances” musicales, proyectos en colaboración con otras disciplinas artísticas, conciertos didácticos para niños y jóvenes, así como trabajo directo con los compositores, conferencias y talleres pedagógicos.
El Ensemble Vertebræ ha trabajado con los compositores Maurilio Cacciatore (ITA), Bruno Ducol (FRA), Alireza Farhang (IRN-FRA) Ivan Fedele (ITA), Beat Furrer (CHE/AUT), Luis de Pablo (ESP) e Iradj Sahbai (IRN-FRA), así como con compositores latinoamericanos que han dedicado obras al ensamble: Juan Arroyo (PER), Juan José Bárcenas (MEX), Javier Compeán (MEX), David Hernández Ramos (MEX), José Luis Hurtado (MEX), Víctor Ibarra (MEX), Jeremías Iturra (CHL), Marisol Jiménez (MEX), Javier Muñoz Bravo (CHL), Juan Pablo Muñoz (MEX) y Rodrigo Valdez Hermoso (MEX).
Sus proyectos de creación musical y pedagógicos se han presentado en diferentes países de Europa y América, en diversos contextos y festivales, tales como el XLIII Festival Internacional Cervantino (Guanajuato, México) en 2015, “Music from the Americas Concert Series” de la Universidad de Nuevo México (Albuquerque, EEUU) en 2017, el XXVIII Festival de Música Contemporánea de la Universidad Católica de Chile (Santiago, Chile) en 2018, o la temporada 2018-2019 del IGNM (Zúrich y Basilea, Suiza), una de las sociedades internacionales más importantes para la promoción de música nueva.
En un reportaje realizado por Liz Espinosa Terán en el año 2015, Olivia Abreu y Anna Paolina Hasslacher dan cuenta de su trabajo y de su visión sobre los retos de dedicarse a la música nueva.
Regularmente las obras contemporáneas tienen una escritura que es más difícil de “descifrar” que las obras “clásicas”, por lo que la fase de primera lectura puede requerir mucho más tiempo para entender exactamente el significado de cada símbolo y qué resultado quiere el compositor. Puede haber varios parámetros que hay que seguir a la vez, lo cual requiere de una visión mucho más amplia y una gran concentración. Por ejemplo: notas, matices, cambios de tiempo, efectos sobre las notas, tipos de sonido, etc, que hay que mezclar y producir en una misma línea. El trabajo de ensamble también puede ser mucho más laborioso y tomar más tiempo. Hay que saber qué es lo que hacen las otras “voces” e incluso frecuentemente es necesario leer de la partitura general.
La gran variedad de estilos, notación y estructuras composicionales que encontramos en la música –sobre todo a partir de la segunda mitad del siglo XX- es sorprendente; por lo que cada partitura impone nuevos métodos de trabajo tanto individuales como de ensamble; en cierta manera podría decirse que hay que pasar cada vez por un proceso de re-adaptación según la obra. Es complejo, pero la comunicación y capacidades de interacción que hemos desarrollado entre los integrantes del ensamble, sobrepasan las dificultades, para convertirse en un trabajo sumamente apasionante.
En la música contemporánea siempre habrá algo nuevo, cambios, evoluciones; cada compositor, cada obra es un mundo diferente y nunca termina de sorprendernos la novedad de esta música. El trabajo directo con los compositores es algo que nos fascina porque nos permite participar directamente en la primera fase de la creación de la obra. Además, la música contemporánea, a pesar de tener una escritura rigurosa, permite una libertad de interpretación que hace que cada ejecutante pueda apropiarse de la obra a su manera.
Una de las filosofías del Ensemble Vertebræ es trabajar directamente con los compositores, así como hacer estrenos de jóvenes compositores. Lo que nos lleva frecuentemente a interpretar obras nuevas compuestas para el ensamble, así como obras de repertorio en países donde no han sido estrenadas. Además, siendo un ensamble creado por dos mexicanas, nos parece importante el intercambio cultural, por lo que incluimos obras de compositores latinoamericanos en la mayoría de nuestros programas.
El proyecto “México en Chile” consistió en una gira de conciertos y talleres. Se presentó un programa de música contemporánea para flauta, percusiones y piano en las ciudades de Talca, Valparaíso y Santiago, además de dos talleres en Talca y Valparaíso. Con el objetivo de fomentar el intercambio cultural entre México y Chile, el Ensemble Vertebræ presentó música de los compositores mexicanos David Hernández Ramos, Rodrigo Valdez Hermoso, Juan Pablo Muñoz y Víctor Ibarra, y del compositor chileno Jeremías Iturra. Fueron obras compuestas especialmente para el Ensemble Vertebræ y todas ellas estrenos en Chile. Cabe destacar que casi todos los compositores elegidos han sido ganadores de distintos concursos y ayudas de Ibermúsicas a lo largo de los últimos años.
El objetivo principal de la gira de conciertos y talleres fue el intercambio cultural entre México y Chile, el cual se realizó exitosamente a distintos niveles. Por una parte, el programa interpretado estuvo constituido por cuatro obras mexicanas y una obra chilena, todas estrenos en Chile. Los conciertos fueron muy bien recibidos por el público y los talleres impartidos fueron muy bien recibidos por los estudiantes y maestros realizándose en todos los casos a sala llena.
En el taller impartido a niños y adolescentes, alumnos del Conservatorio de Música de la Universidad de Talca, éstos tuvieron la oportunidad de descubrir el concepto de partitura gráfica, realizar ejercicios con sus instrumentos y crear su propia partitura gráfica. En el taller impartido para estudiantes de la Universidad Católica de Valparaíso, el Ensemble Vertebræ realizó una presentación de las obras del programa, con ejemplos en vivo y participación de los compositores presentes. Los estudiantes tuvieron la oportunidad de conocer el trabajo detrás del montaje de un programa.
“El Ensemble Vertebræ está muy agradecido y satisfecho con el trabajo con Ibermúsicas. De no haber contado con el apoyo de Ibermúsicas, no se habrían podido realizar ninguna de las actividades del proyecto. Ha sido una ayuda vital para la realización exitosa de este proyecto. No está de más mencionar que el trabajo individual de cada una de las personas de Ibermúsicas es muy profesional, ya que hemos recibido siempre respuestas muy rápidas y eficaces a nuestras dudas, además de una excelente atención”. -
Papina de Palma (Uruguay)
La cantautora uruguaya Papina de Palma se presentó en la 2° edición del Festival Mujeres a la Patagonia
La cantautora y murguista Papina de Palma nació en Montevideo en 1991. Durante su adolescencia residió en Colombia y al regresar a Uruguay comenzó a cantar en el grupo vocal Coralinas mientras comenzaba a componer sus canciones. En el año 2013 ganó el Premio Nacional de Música por su canción “Las cosas del Tintero”. Su primer álbum solista “Instantes Decisivos”, grabado entre Buenos Aires y Montevideo, bajo la producción artística de Juanito El Cantor (Juan Ignacio Serrano), fue galardonado por los Premios Graffiti de la música uruguaya como Mejor Álbum Pop y le valió también el rótulo a “Mejor artista nueva” en 2017. Un año más tarde recibió el reconocimiento a la Mujer del año en la Música. Integra el coro y la comisión de escritura de la murga Falta y Resto que tiene más de 38 años de trayectoria en el carnaval uruguayo. Interpretando sus canciones y como componente de la murga ha recorrido diversos escenarios latinoamericanos, presentándose en todo el Uruguay, Argentina, y Chile. Sus poéticas letras describen sensaciones cotidianas sobre experiencias personales.“Cuando me preguntan qué música hago, yo digo que pop aunque es tan amplio el pop que a veces después de dudar agrego «folk», o «indie» o «es pop pero no tan pop», lo que termina convirtiéndose en un género compuesto”.
La 2da edición del Festival Mujeres a la Patagonia, que se llevó a cabo entre el 27 de Enero y el 2 de Febrero de 2020 en la ciudad de San Carlos de Bariloche, Argentina. El festival es un encuentro itinerante que promueve el empoderamiento de las mujeres en la música, genera instancias de formación y experiencias de convivencia grupal en contacto con la naturaleza. En esta ocasión, la música Papina de Palma fue convocada para realizar un concierto en formato Pocket como así también a participar en el panel “El rol de las mujeres en la música”.
“Me parece que el programa Ibermúsicas es fundamental para la internacionalización de los proyectos musicales. En mi caso, esta gira no hubiera sido posible sin su apoyo. Fue un viaje maravilloso y me vi fuertemente conmovida por esos paisajes y por las personas hermosas que conocí. El festival Mujeres a la Patagonia fue un ejemplo de gestión tierna y efectiva. La producción era exacta y cariñosa. Fue muy especial, además del show y de poder compartir escenario con tantas compañeras admiradas”.
Acompañando el reclamo histórico de las mujeres músicas, Ibermúsicas adhiere a la agenda de género como un eslabón fundamental para propiciar la igualdad en el sector musical de la región.
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El David Aguilar (México)
El David Aguilar es un cancionista del ámbito de la música mexicana independiente nacido en 1983 en Culiacán, Sinaloa. En su obra se percibe la influencia de la música popular mexicana, el canto latinoamericano, la canción brasileña, la canción española y el rock-pop-folk de los 60 a los 2000. A la vez abreva en un estilo de canción moderna que trata de tomar prestados elementos de todas partes a fin de darle a cada canción por separado un estilo único. Sus letras están marcadas por un agudo sentido de observación de la realidad y a la vez ligadas a una percepción altamente poética “…me sitúo como amante de la poesía de existir, es el amor por la existencia, por el cosmos…” dice en un reportaje ante El Universal de México.
Aparte de en su país natal, se ha presentado con sus canciones en España, Francia, Cuba, Estados Unidos, Argentina y Uruguay. En Noviembre de 2010, ganó la Beca Nacional de composición “María Grever”. En 2018 recibió cinco nominaciones a los Latin Grammy. Ha sido invitado a colaborar en diversos proyectos por renombrados cantautores, tales como Kevin Johansen y Jorge Drexler. Reconoce como sus más fuertes influencias y modelos musicales a un amplio abanico de artistas integrado por nombres tales como Silvio Rodríguez, Chico Buarque, John Lennon, José Alfredo Jiménez, Gabilondo Soler, Bob Dylan, Bob Marley, Violeta Parra, Caetano Veloso, David Bowie, Simón Díaz, Leonard Cohen, Charly García, Joaquín Sabina y Sibylle Baier.
En el verano de 2019 se presentó en el Festival Serenadas que se realiza cada año en el balneario La Paloma, Uruguay. Fue invitado por Daniel Drexler con quien se conocieron compartiendo escenario en un festival en Chiapas, México. También fueron parte de la programación de esta edición del festival el español Pablo Lesuit, el costarricense Jonathan Méndez, el uruguayo radicado en Chile Federico Wolf y la brasileña Paola Kirst, entre muchos otros artistas argentinos y uruguayos.
El festival nació a partir de una reunión casual de diversos artistas amigos del músico uruguayo Daniel Drexler que veraneaban juntos en la zona y aceptaron tocar unas canciones para el público local. De ahí en más la iniciativa se convirtió en un festival organizado por Carlota De Micheli que se realiza todos los eneros con artistas que frecuentan el balneario y otros especialmente invitados para la ocasión. La atmósfera que se genera dentro del recinto donde se realizan los conciertos es pacífica y relajada como el entorno mismo del balneario uruguayo. Carlota De Micheli refiere que los artistas son recibidos con mucho respeto y con muchísimo cariño y amor por un público que ovaciona, que conoce las canciones, que al final se levanta y se pone a bailar.
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Laura Angélica Carrasco (México)
La organista mexicana Laura Angélica Carrasco Curíntzita ofició como número de cierre del ciclo 2019 “Música en la catedral de Astorga” en España en el marco de un renombrado festival de música sacra coordinado por la Asociación de Amigos de la Catedral y el Ayuntamiento de Astorga. Ya de regreso en el continente americano realizó también el concierto de cierre del 1er Ciclo Internacional de Órgano de Panamá en la Catedral de Panamá. La organista había presentado su proyecto de movilidad para viajar en principio tan sólo a Panamá, pero tras el otorgamiento de la ayuda por parte de Ibermúsicas fue invitada a realizar el mismo programa de concierto en Europa.
Para las mencionadas presentaciones Laura Carrasco eligió un repertorio integrado por obras que abarcan un período comprendido entre el siglo XVI y el siglo XX bajo el título “Manuscritos mexicanos a 500 años del encuentro de las culturas de España y México”. Dentro de este vasto y rico repertorio convivieron obras de los españoles Hernando Franco y Joseph de Torres halladas en archivos españoles, así como composiciones sin autor identificado de Tlaxcala y de los mexicanos José Antonio Gómez y Olguín, Jesús Estrada, Miguel Bernal Jiménez, Domingo Lobato, Carlos Vidaurri y Ana Lara.
Laura Carrasco realizó sus estudios en Morelia, la Ciudad de México, y los EUA (Shenandoah University, North Carolina School of the Arts, Eastman School of Music, University of North Texas), obteniendo el doctorado en órgano con subespecialidad en música de cámara y música antigua. Para su desarrolló artístico ha contado con apoyo de la Secretaría de Cultura de Michoacán, COMEXUS (Programa Fulbright – García Robles) y la Secretaría de Cultura de México (FONCA/CONACULTA).
Como solista e integrante del Trío Morelia se ha presentado en gran parte de México, Alemania, Austria, República Checa, Chile, España, EUA, Francia, Japón, Italia, Liechtenstein, y Suiza. Ha sido solista con diversas orquestas en México, el Conjunto de Percusiones de la NCSA, y los grupos sinfónicos de alientos de la UNT en los EUA. Estrenó y grabó Música para una imagen venerada de Carlos Vidaurri (Warner) y el Concertino de Miguel Bernal (Itinerant Records). Se ha desempeñado como profesora de la Universidad Michoacana y el Conservatorio de Las Rosas, y actualmente trabaja en el Instituto Superior de Música Sacra de Morelia.
Las actividades de Laura Carrasco no se limitaron tan sólo a los conciertos sino que también brindó conferencias y capacitaciones destinadas al público en general y a artistas de la música sacra en particular. En estos encuentros el foco fue puesto sobre los rasgos compartidos en la diversidad musical propia de España y de los países americanos, se aportó a la valoración del patrimonio de los órganos tubulares, de las obras creadas para ellos y se estableció comunicación entre profesionales y promotores culturales de diversas geografías.
“Como organista, es importante tener la experiencia de tocar diferentes instrumentos tubulares. Por el alto costo de los viajes, las visitas no habrían sido posibles en ese momento sin la ayuda de Ibermúsicas, dado que la beneficiaria se desarrolla como artista independiente. Fue grato ver cómo, a pesar de las distancias físicas y culturales, el sentido de las obras de arte seleccionadas resultó interesante y pudo ser apreciado y disfrutado por el público asistente. El respaldo de una institución como Ibermúsicas ayuda a darle validez al trabajo del artista y a abrir puertas para actividades futuras”.