Autor: Ricardo Gomez Coll

Celebrando 30 años en 2026 como uno de los festivales de música más importantes del país, el Festival Rec-Beat recibe al grupo colombiano Ghetto Kumbé, una de las formaciones más potentes de la escena musical contemporánea de América Latina.

Reconocido por fusionar ritmos afrocaribeños y afrocolombianos con la música electrónica, el trío sube al escenario con un espectáculo basado en percusiones, bases electrónicas y una propuesta visual propia, que transforma la presentación en una experiencia integrada entre música y performance.

Con una trayectoria consolidada en importantes festivales internacionales como Glastonbury (Reino Unido), Roskilde (Dinamarca), Transmusicales de Rennes (Francia) y el Paleo Festival (Suiza), Ghetto Kumbé construye paisajes sonoros afrofuturistas que dialogan con la ancestralidad, la identidad y la resistencia, creando una estética sonora y visual singular.

El Rec-Beat se consolidó como un espacio de celebración y difusión de diferentes escenas musicales, con especial atención a los sonidos de América Latina, el Caribe, África y Europa. Fundado en 1995 por el periodista y productor cultural Antonio Gutierrez, el festival acompañó las transformaciones de la música brasileña y mundial, actuando como un importante catalizador de cambios en la escena local y apostando continuamente por nuevas sonoridades y propuestas artísticas.

A lo largo de estas tres décadas, el Rec-Beat también circuló por otras ciudades, con ediciones en São Paulo, Salvador, Fortaleza, Caruaru y João Pessoa. En 2023, el festival fue reconocido con el título de Patrimonio Cultural Inmaterial de Recife.

El Festival Rec-Beat se realiza de forma gratuita en el Cais da Alfândega, en el Barrio de Recife. La presentación de Ghetto Kumbé cuenta con el apoyo de Funarte y de Ibermúsicas, a través de la convocatoria de Ayuda a la Programación Musical. El Festival Rec-Beat 2026 cuenta con el patrocinio de la Fundación de Cultura Ciudad de Recife, la Secretaría de Cultura y la Alcaldía de Recife, además de Uninassau y el Banco do Nordeste. Realización de Rec-Beat Produções y Leão Produções, Ministerio de Cultura y Gobierno Federal.

• Del 14 al 17 de febrero, a partir de las 19 h, en el Cais da Alfândega, Barrio de Recife

El vaivén de las aguas, que viaja en las olas, atraviesa fácilmente el océano y va de Brasil a Cabo Verde y viceversa. Nancy Vieira y Fred Martins lo saben bien. La música de Cabo Verde y de Brasil comparten afinidades más allá de la lengua común. En el corazón de la morna está el sentimiento de sodade, una nostalgia de saudade comparable al sentimiento brasileño presente en la bossa nova, ambos también relacionados con el fado portugués, ecos del cual también pueden encontrarse en este álbum.

Nancy Vieira es un verdadero tesoro vivo de las islas que dieron la morna y el funaná, la coladeira y mucho más; la voz de un criollo tan universal tan universal como dulce, tan sensual como moderna, que en los últimos años ha grabado algunos de los discos más importantes de la cultura que la Unesco reconoce ahora como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Ha combinado la música caboverdiana con otras como la brasileña y la caribeña, y colaborado con artistas caboverdianos como Dany Silva y Sara Tavares.

Fred Martins es otro tesoro, éste del otro lado del océano. Nacido en Río de Janeiro, es compositor, cantante y guitarrista, influenciado por la bossa nova, el samba y la MPB. Radicado en Lisboa, Martins ha colaborado con artistas de España, Reino Unido, Italia y otros países.

Fred y Nancy se conocieron en 2013 y han colaborado desde entonces. Esperança es el álbum resultante de esa colaboración, que en Japón alcanzó el primer lugar en el Top de Músicas del Mundo de Amazon. Grabado por Jorge Cervantes —quien participa especialmente en la canción “Saiko Dayo”— en el CervanteStudio de Lisboa, el álbum presenta mayoritariamente la voz de Nancy, acompañada por la guitarra y voz de Fred.

Esperança es una mezcla evocadora de las músicas de Cabo Verde y Brasil, con canciones de paz y amor, temas originales y clásicos caboverdianos, más allá del bolero cubano, “Tú Me Acostumbraste”.

“Escogimos las canciones con el corazón atento a lo que ocurre en nuestro mundo, en nuestro tiempo. Demasiado poder en pocas manos, desigualdad enorme, demasiadas vidas perdidas en vano. Así, nos gustaría recordar, con estas canciones, que la compasión, la empatía, el sentido colectivo de la vida, la solidaridad y el respeto pueden existir en este mundo, porque en la base de todo está el amor. Son canciones de colegas y amigos que comparten el mismo espacio espiritual, una actitud de búsqueda y crecimiento. Son versos que vibran para el bien de cada uno y también para el bien común”.

Juntos, presentarán este nuevo álbum en vivo en Francia, donde se podrá esperar música de extrema calidad y absoluta sinceridad, capaz de tocar cuerpos y corazones, interpretada por dos artistas tan genuinos como universales.

Esta presentación de Nancy Vieira y Fred Martins es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”, convocatoria 2025.

• 9 de febrero, 20:30, dentro del festival Au Fil Des Voix, en la sala Le 360, París, Francia

Antonio San Martín realizará su trabajo de especialización en Ritmo con Señas en Regeneración Campus – Centro de formación, experimentación y producción en sostenibilidad y regeneración en Uruguay. Las actividades serán coordinadas por el músico argentino Santiago Vázquez.

Este retiro consiste en la posibilidad de aprender y perfeccionarse en el método Ritmo con Señas, viviendo una experiencia transformadora de intercambio y aprendizaje, en un entorno de naturaleza privilegiada. Enfocado en personas con experiencia musical previa: músicos de cualquier tipo de instrumento, directores, docentes, amateurs y terapeutas.

Entre las actividades a desarrollarse se destacan:

• Taller de Ritmo con Señas
• Técnicas de dirección
• Taller de estrategia de ensamble
• Laboratorio de lenguaje rítmico
• Señas melódico armónicas
• Ensamble de percusión
• Ensamble de voces
• Ensambles mixtos
• Percusión en el agua
• Ensamble rítmico con elementos de la naturaleza

En los últimos quince años, Antonio San Martín ha desarrollado una trayectoria versátil que incluye la producción de discos como “Donde se termina el cielo” (2024), “Plaza” (2021), “La Borra” (2020) y “MAQUi -Punto Vernal” (2017). Ha liderado proyectos colectivos de Ritmo con Señas como La Molestar Orquesta y Avalancha Percusión. Su quehacer incluye conciertos, talleres y actividades formativas en Chile, México y Europa, siempre vinculando la música con procesos comunitarios y colaborativos. Su interés por integrar la música con la danza, las artes visuales y la narración lo ha llevado a desarrollar propuestas multidisciplinarias innovadoras, como por ejemplo el campamento musical Etno Cahuil.

Santiago Vazquez es músico, percusionista, multi-instrumentista, compositor, director, productor, y generador de proyectos culturales. Estudió batería, percusión, piano, guitarra, mbira, composición, armonía y contrapunto en forma privada en Argentina, España, EEUU y otros países. Comenzó como baterista a los 10 años, realizando su primera gira internacional a los 17 años, y desde entonces ha tocado y grabado como baterista y percusionista con infinidad de grupos y artistas, entre ellos Luis Salinas, Nestor Marconi, Mono Fontana, Dino Saluzzi, Alejandro Lerner, Roberto Goyeneche, Lito Vitale, Miroslav Tadic, Vitor Ramil, Duo Cangura, Richard Schindell, Juana Molina y Pedro Aznar. Inventó la Percusión con Señas, una innovadora forma de practicar percusión en improvisaciones coordinadas mediante su propio lenguaje gestual, que hoy en día es utilizado por infinidad de músicos, grupos, profesores y musicoterapeutas en varios países del mundo. Creó y dirigió durante sus primeros ocho años La Bomba de Tiempo. También ideó, fundó y dirigió proyectos de divulgación, enseñanza e investigación musical.

Esta propuesta ha sido ganadora en la línea “Ayuda a la especialización y el perfeccionamiento artístico y técnico del Programa Ibermúsicas”, convocatoria 2025.

• Del 5 al 21 de febrero en Regeneración Campus, Pan de Azúcar, Maldonado, Uruguay

“La Odisea del Talud” es el nombre del nuevo álbum del trío que será presentado internacionalmente durante su séptima gira europea y su primera incursión en China.

La gira, programada entre enero y marzo de 2026, incluirá 30 conciertos y 4 actividades de mediación cultural en 9 países, consolidando circuitos existentes en Europa y estableciendo nuevos puentes con el mercado asiático. En Europa, el trío visitará Alemania, Italia, Francia, Suiza, Bélgica y Luxemburgo, con presentaciones en escenarios emblemáticos como B-Flat Berlin, Jazzclub Alluvium y Biella Jazz Club. En China, realizará 9 conciertos en ciudades como Shanghai, Nanjing, Wuhan y Hangzhou, en colaboración con la agencia local Dingg Music.

“Este reconocimiento de Ibermúsicas valida dieciocho años de trabajo independiente y nos permite proyectar la música argentina en circuitos internacionales de manera sostenible. No se trata solo de tocar; es construir redes que perduren”, afirma Federico Hilal, bajista y manager del grupo.

El álbum, que da nombre al proyecto, representa la culminación de una búsqueda sonora que comenzó en 2008 en los barrios del sur de Buenos Aires. Fusiona jazz contemporáneo con ritmos argentinos como la milonga, la chacarera y el candombe, en un lenguaje que la prensa especializada ha definido como “una nueva definición del jazz argentino”. Se trata del tercer vinilo en la discografía del grupo, que ya cuenta con 7 producciones.

Tres Latin Jazz está integrado por Nahuel Bailo (piano), Federico Hilal (bajo) y Gabriel Gall (batería). Con seis giras europeas previas y colaboraciones con figuras como el guitarrista francés Sylvain Luc, el trío se ha establecido como un referente del jazz de raíz argentina en el circuito internacional.

Esta gran gira de Tres Latin Jazz se hace posible gracias al apoyo de Ibermúsicas mediante su línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

• 1 de febrero: Schauspielhaus, Bergneustadt, Alemania
• 3 de febrero: Mampf Jazz Club, Frankfurt, Alemania
• 4 de febrero: Mosaik Jazz bar, Frankfurt, Alemania
• 5 de febrero: Kult Cafe, Gliching, Alemania
• 6 de febrero: Deutsch-Spanischer Kulturkreis Antonio Machado, Köln, Alemania
• 7 de febrero: White Cube, Hamburgo, Alemania
• 8 de febrero: BFlat Berlín Acoustic Music Jazz Club, Berlín, Alemania
• 10 de febrero: Biella Jazz, Biella, Italia
• 11 de febrero: Cuvee Milan, Milano, Italia
• 12 de febrero: Scuola Groove Lab – Masterclass, Cerignola, Italia
• 12 de febrero: Musikeria Scuola Musica – Concierto, Canosa, Italia
• 13 de febrero: XV° Edizione Jazz al Matt, San Severo, Italia
• 14 de febrero: Sant’Agostino ad Andria Jazz, Andria, Italia
• 16 de febrero: AssociazioneCulturale DesArts, Torino, Italia
• 6 de marzo: Lincoln Jazz Center, Shanghai, China
• 7 de marzo: MOI&MOLE, Wenzhou City, Zhejiang, China
• 8 de marzo: Mi Dai Jazz Live, Xiamen, China
• 9 de marzo: Swaforjuice, Shantou City, Guangdong, China
• 10 de marzo: Golden Jazz Club, Zhuhai, China
• 10 de marzo: Workshop Golden Jazz Club, Zhuhai, China
• 11 de marzo: Malt House Jazz Club, Nanning, China
• 12 de marzo: Infree Live, Chongqing, China
• 13 de marzo: Xiu Jazz Club, Changsha, China
• 14 de marzo: Ran Ye Theater, Wuhan, China
• 14 de marzo: Dingg Music Center, Wuhan, China
• 15 de marzo: Good Cha Jazz Club, Hangzhou, China
• 17 de marzo: 1701 Open Space, Nanjing City, Jiangsu, China

Generar accesibilidad implica cuestionar nuestras propias prácticas y re pensar de manera crítica las formas de crear y generar políticas públicas. Procuramos que las personas puedan adoptar una nueva forma de mirar y concebir la sociedad, de manera que todos los modos de existencia y corporalidades sean valorados. Queremos alentar la reflexión sobre la manera en que se generan los proyectos, productos y servicios culturales, aportando algunas herramientas que puedan colaborar en este camino hacia la inclusión de una Iberoamérica para el disfrute de todas y todos.

Es por ello que hemos establecido una alianza con la Fundación Music for All, una organización española dedicada exclusivamente a promover la accesibilidad en la música, que generosamente pone a disposición, de manera ad honorem, una serie de manuales y guías didácticas para hacer accesibles los festivales, salas de conciertos y escenarios. Los manuales y guías se encuentran a continuación para consulta y descarga gratuita.

A su vez, Ibermúsicas invita a personas, asociaciones, fundaciones, ONG, productoras, iniciativas gubernamentales y artistas con discapacidad a formar parte de la Red Iberoamericana de Accesibilidad Cultural en la Música, con el objetivo de generar un espacio de encuentro, intercambio de experiencias y, principalmente, de ampliar y fortalecer esta red.

Para sumarse, solo es necesario crear o actualizar un perfil en nuestro Catálogo del Sector Musical, incluyendo los datos de contacto y una breve descripción de su labor en el área.

Accesibilidad e Inclusión Cultural: Hacia una Iberoamérica para el disfrute de todas y todos

Fieles a nuestra política de cooperación y con el anhelo de compartir los saberes generados por medio del apoyo de nuestro programa, los trabajos de investigación realizados por nuestras beneficiarias y nuestros beneficiarios, tienen su lugar en el Catálogo de Investigación Musical de la web de Ibermúsicas para su consulta y libre descarga.

En los últimos días han sido incorporados dos trabajos que tienen importante puntos de contacto entre sí, dado que abordan la situación de mujeres músicas en contextos específicos: La Península de Yucatán por un lado y las islas de San Tomé y Príncipe, por el otro.

“Presencia de las mujeres compositoras e instrumentistas en la trova y la jarana. Música tradicional del territorio Maya peninsular, desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad” de la investigadora colombiana Yuly Alexandra Pinzón Casallas, visibiliza y registra la participación y aportes de las mujeres de la península de Yucatán en los géneros musicales de la trova y la jarana, en sus roles de compositoras e instrumentistas, desde la segunda mitad del S. XX hasta la actualidad. A Través de la realización de entrevistas y su análisis, se exponen algunas conductas, actitudes y hechos que dificultan y limitan la visibilización, valoración y desenvolvimiento activo de las mujeres tanto en la trova como en la jarana.

Yuly Alexandra Pinzón Casallas – Trinos y Redobles: Amor y Valentía

“¿Silenciosas o silenciadas? Las mujeres en el universo musical de Santo Tomé y Príncipe”, es un trabajo de la investigadora portuguesa Magdalena Chambel que da voz a las artistas, a las mujeres valientes que no pueden parar, superando todas las barreras que se interponen en su camino.

Silenciosas ou silenciadas: mulheres no universo musical de São Tomé e Príncipe

Invitamos a todas aquellas personas interesadas a consultar y descargar el material.

La productora y compositora peruana Negra Valencia viajará a Buenos Aires, Argentina, para participar en el Curso Intensivo de Producción Musical de la escuela Tecson, una de las instituciones más reconocidas de formación técnica en la región. Este programa de especialización le permitirá ampliar y profundizar sus conocimientos en producción, grabación, mezcla y conceptualización sonora, con el objetivo de fortalecer su trabajo artístico y profesional en la escena musical latinoamericana.

Con 10 años de trayectoria en la escena independiente limeña, Negra Valencia se ha consolidado como una creadora clave dentro de la producción musical contemporánea del Perú. Ha sido responsable de dar vida a universos sonoros únicos como los de la banda indie Dan Dan Dero, su proyecto solista Negra Valencia, y el dúo experimental Mi Puga Mi Pishgo, desarrollando un estilo que combina sensibilidad, exploración tímbrica y una fuerte identidad estética.

Actualmente, además de su labor como artista, es productora de diversos proyectos y ha sido responsable de la realización y dirección sonora de discos completos de artistas como Lorena Blume y Antay, artista trans peruana cuya propuesta ha acompañado desde la conceptualización hasta la mezcla final. Su enfoque de producción parte de una mirada que integra identidad, narrativa personal y exploración emocional, rasgos que caracterizan su trabajo y aportan nuevas perspectivas a la industria musical independiente.

Su participación en Tecson forma parte de un objetivo mayor: potenciar la producción musical para artistas LGTBIQ+ en Latinoamérica, aplicando los conocimientos adquiridos para fortalecer voces diversas dentro de la región. Como artista y productora que también forma parte de esta comunidad, Negra Valencia busca contribuir a la construcción de espacios más accesibles, representativos y profesionales para proyectos emergentes y disidentes.

Este proceso de especialización de Negra Valencia en Argentina, cuenta con el apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de Ayuda a la especialización y el perfeccionamiento artístico y técnico, convocatoria 2025.

“Canciones – una celebración” es un nuevo espectáculo que da sentido pleno a su nombre y al de su manera de entender el arte como celebración, precisamente: de la amistad y las relaciones profesionales y humanas, de los encajes artísticos de estos ya casi treinta años de carrera y el poso que fueron asentando en la propia hechura de la cantante y compositora catalana, de las canciones que fueron quedando y forjando una posible visión del mundo. Una celebración de la canción como forma de expresión y creación, de un compartir generoso y excepcional, de un posible lugar de encuentro, punto de partida, caudal, principio y final y un no dejar nunca de cantar.

Entre 2023 y 2025 la artista ampurdanesa ha alcanzado profundas cotas de madurez y plenitud artística. En estos años Sílvia presentó en directo por todo el mundo tres proyectos discográficos propios: Sílvia y Salvador (Warner Music Spain, 2025) junto al cantante y compositor portugués Salvador Sobral; Lentamente (Sony Music España, 2024), junto al histórico guitarrista argentino Juan Falú; y Toda la vida, un día (Sony Music España, 2023), su más reciente trabajo de composiciones propias.

Giró además junto a Damien Rice por Europa y Estados Unidos, cantó junto a Natalia Lafourcade en Ciudad de México, colaboró en el último disco (por el cual recibió un Latin Grammy y otra nominación) y en algunas fechas de la gira de Residente, actuó junto a Snarky Puppy, Zé Ibarra y cantó en dos programas sinfónicos distintos, entre otras incontables apariciones y actividades profesionales.

La esencia de esta trayectoria y de tantos proyectos realizados orbita alrededor de tres motivaciones irrenunciables: que la propuesta artística encaje con su propia visión, que pueda identificarse en y con ella; poder compartir valores éticos y estéticos con las personas junto a las que se crean y desarrollan estas propuestas; y que finalmente así estos dos encajes artístico y personal se sostengan en una estructura bella, sencilla o compleja, llamada canción.

Silvia Pérez Cruz se presentará en Uruguay junto a Marta Roma en violonchelo, Bori Albero en contrabajo y Carlos Montfort en violín.

La presencia de Silvia Pérez Cruz en el Festival Medio y Medio se hace posible gracias al apoyo de Ibermúsicas mediante la línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2024.

• Sábado 31 de enero, 21h30: Festival Medio y Medio – 30 años, Punta Ballena, Uruguay

La joven violonchelista ítalo-argentina Julia Tripodo ofrecerá un recital de gran fuerza expresiva. Ganadora de concursos internacionales, combina el virtuosismo técnico con una profunda sensibilidad artística. Nacida en Madrid en 2005, Julia Tripodo es una violonchelista italo-argentina-española que, desde muy temprana edad, ha destacado por su virtuosismo y talento en el panorama musical internacional. El programa que interpretará en sus concierto en Chile estará compuesto por Programa la Suite No.1 y la  Suite No.4 de J. S. Bach, la Sonata para cello solo de Ligeti y Black Run de Svante Hentyson.

Julia ha acumulado un impresionante número de premios en concursos nacionales e internacionales, lo que ha consolidado su posición como uno de los talentos jóvenes más destacados de su generación. Ganadora del Primer Premio (Primo Premio Assoluto) en el Premio Unesco XIII Concorso Internazionale Città di Palmanova en Italia (2025), Primer Premio y el galardón “Ceské hudební nástroje” en la 18ª International Jan Vychytil Cello Competition de Praga (2024), XI Concurso de Jóvenes Intérpretes Villa de Molina (2025), Gustav Mahler Prize Cello Competition (2025), Primer Premio en el Servaas International Music Competition, declarados desiertos el segundo y tercer premio (2023), Primer Premio en el Royal Maas International Music Competition (2023), Primer Premio y Premio Especial del Ayuntamiento en el XXI Concurso Internacional de Música de Benidorm (2019), Málaga Cello Masterclasses (2021), Concurso de Cuerda “Cidade de Vigo” (2019, 2020), Concurso de la Fundación “Celloleón” en León (2018), Primer Premio en el Concurso de Jóvenes Músicos de Cámara de Ávila (2018).

A los 11 años debutó como solista con la JORCAM (Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid), interpretando el Concierto en do menor de Antonio Vivaldi. A los 12 años interpretó el Concierto para dos violonchelos del mismo compositor con la misma orquesta. Más adelante actuó como solista con la Orquesta La Lira Ospal, la Madrid Festival Orchestra dirigida por Albert Skuratov y la Orquesta de la Universidad de Alcalá en la Capilla de San Ildefonso. A los 17 años, Julia debutó en Latinoamérica interpretando el Concierto en mi menor de J. Khachaturian con la Orquesta Sinfónica Nacional de San Juan (Argentina), bajo la dirección del maestro Wolfgang Wengenroth. Este debut fue seguido por una invitación para volver a actuar como solista en 2024, junto a la directora Yenny Delgado. En 2024, con 18 años, fue invitada por el maestro Eduardo Vassallo al 8º Festival Latinoamericano de Violonchelo en Buenos Aires, donde obtuvo el premio al “proyecto artístico internacional”. En este festival ofreció tres recitales, incluyendo el estreno nacional de Bunraku de Mayuzumi. También interpretó el Concierto en mi menor de Elgar como solista con la Orquesta Sinfónica de Mendoza, bajo la batuta del maestro Pablo Herrero Pondal, inaugurando la temporada 2024 de la orquesta.

Julia ha ofrecido recitales en algunos de los espacios más importantes de España, como el Auditorio Nacional de Música, el Auditorio Sony, el Ateneo de Madrid y la Fundación Jardí dels Tarongers en Barcelona. Ha sido invitada a tocar recitales y como solista en escenarios internacionales de Francia (París), República Checa, Italia, Alemania, Polonia, Hungría, Argentina y Chile.

Entre los hitos de su carrera destacan invitaciones al International Mendelssohn Festival (2025), Festival Latinoamericano de Violonchelo (2024), Kammermusikfest Winsen – Katharina Sellheim & Friends (2024), Sommermusik im Oberen Nagoldtal (2024), Festival Academy Budapest (2023), Triangel Festival de Dresde (2023), Inusual Music Week en Santander (2023), Cello Akademie Rutesheim en Alemania (2022), Festival Bahía en Cádiz (2020), ProCello Foundation Szamotuly-Masterclass en Polonia (2019), Curso Internacional de Música de Benidorm (2019), Festival “Interpretación Musical Escénica” en el Real Sitio de San Ildefonso (2019), Festival CelloLeón (2018), Festival Clásicos Colgados (2016) y Vic Cello Festival (2014).

Actualmente cursa el Grado en Música bajo la tutela del profesor Jean-Guihen Queyras en la Hochschule für Musik Freiburg. Previamente estudió con el profesor Leonid Gorokhov en Hannover, gracias al apoyo de Becas Ch y del Förderkreis der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. A los 15 años fue aceptada en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en la Cátedra Aline Foriel-Destezet, donde fue alumna del profesor Iván Monighetti. Recibió una beca de matrícula e instrumento de la Fundación Albéniz.

Julia comenzó a estudiar violonchelo a los cuatro años. A lo largo de su carrera, ha sido seleccionada para recibir clases magistrales de artistas de renombre como Arto Noras, Wolfgang Emanuel Schmidt, Frans Helmerson, Philippe Muller, Sebastian Klinger, Claudio Bohórquez, Troels Svane, Nicolas Altstaedt, entre otros, y de música de cámara con Nicolás Chumachenco, Markus Becker, Aitor Hevia y Josep Puchades (Cuarteto Quiroga), Krzysztof Chorzelski (Cuarteto Belcea), Heinz Holliger, Pascal Moraguès y Ralf Ghotóni.

De 2014 a 2019, Julia formó parte del Cuarteto Albatros, dirigido por el profesor Sergio Castro. Durante este periodo participó en festivales como Música en Vena en Madrid y el VII Concierto sobre la Hierba en Asturias. Durante su estancia en la Escuela Reina Sofía, formó parte del Trío Contrapunto BBDO bajo la dirección de Marta Gulyás y del Cuarteto Banco de España bajo la dirección de Heime Müller.

Estos conciertos y masterclasses de Julia Tripodo en Chile son posibles gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

• 29 de enero, 12h: Anfiteatro Lago Llanquihue, Teatro del Lago, Frutillar, Chile
• 30 de enero, 19h: Polifuncional Amigos de la Música, Frutillar, Chile

Artemis es una ópera multiplataforma y plurianual (2020 – 2027) que se centra en la relación entre el cuerpo femenino, el metal, la tecnología, el futuro y el poder. Este proyecto se inspira en el programa Artemis de la NASA, una misión espacial que llevará a la primera mujer a la superficie lunar en 2026, 56 años después del primer alunizaje masculino. La ópera representa un arquetipo de la promesa de igualdad tecnológica de género en el siglo XXI, ya que la primera mujer en la Luna sería un acto de empoderamiento, una validación simbólica de los espacios y disciplinas en los que las mujeres pueden prosperar.

Para la presentación de Artemis Opera, se contará con la participación de Pauchi Sasaki como compositora y violinista. En la percusión participará el cajonero peruano Gabriel Mujica quien colaborará con la percusionista local Nava Dunkelman. Omar Lavalle estará a cargo de la supervisión técnica de interacción, sonido y visuales, y Jack Lo estará a cargo de la producción.

Descrita por The Wire como una artista “que no teme trabajar dentro de distintas disciplinas y limitaciones estilísticas” (2015), el enfoque interdisciplinario de Pauchi Sasaki integra la composición musical con el diseño de performances multimedia y la aplicación de nuevas tecnologías. Compositora, intérprete, improvisadora y directora de cine que colabora activamente en proyectos vinculados al cine, la danza, el teatro, la instalación, el site specific y las performances interdisciplinarias; Pauchi se ha presentado internacionalmente en América Latina, Europa, Estados Unidos y Japón.

Su música recrea paisajes subjetivos e íntimos a través de sonoridades electroacústicas mezcladas con grabaciones de campo y síntesis. Sus composiciones involucran instrumentación acústica, amplificada y electrónica interpretada mediante formatos de ensamble influenciados por estéticas improvisatorias y tradiciones musicales étnicas. Su trabajo también se centra en el desarrollo de música interactiva en tiempo real y de instrumentos diseñados por ella misma utilizando Max MSP y circuit bending. Esta rama de su trabajo busca la incorporación física de la interpretación de música electrónica integrando la emisión de sonidos electrónicos con la expresividad corporal.

Activa compositora de bandas sonoras, las “efectivas partituras de Pauchi Sasaki” [Variety 2015] aparecen en más de 30 largometrajes y cortometrajes. Pauchi es ganadora de cuatro premios a “Mejor Banda Sonora Original” del 29º Festival Cine Ceará (Brasil), del 30º Festival de Cinema Latino Americano di Trieste (Italia), de Filmocorto en el 15º Festival Internacional de Cine Latinoamericano de Lima, y de CONACINE, el Consejo Nacional de Cine del Perú. También recibió el premio Paul Merritt Henry por excelencia en la composición musical para instrumentos de cuerda (2014), la beca Ibermúsicas para composición sonora con nuevas tecnologías en CMMAS, México (2015), la Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative seleccionada como protegida por el compositor estadounidense Philip Glass (2016), la residencia artística del Goethe-Institut en Brasil (2017) y Berlín (2018), la beca Civitella Ranieri (2018) y la beca de Columbia University en el Institute for Ideas and Imagination en París (2020 y 2023).

Sus encargos incluyen ACO/Carnegie Hall, The Silkroad Ensemble, la Ceremonia de Apertura de los Juegos Panamericanos Lima 2019, la Rolex Arts Initiative, entre otros. Su obra ha sido presentada en espacios y festivales internacionales como el Tokyo Experimental Festival, la Bienal de Venecia, Carnegie Hall, el Festival de Cannes, Walt Disney Hall, el MET, el Museo de Arte Contemporáneo (MAC Lima), The Kitchen, el Gran Teatro Nacional del Perú, el Festival Cervantino, la semana de Art Basel Miami, el Lincoln Center y el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas.

Pauchi estudió con los compositores César Bolaños, Maggi Payne, John Bischoff, Fred Frith, Chris Brown, James Fei, Les Stuck, Laetitia Sonami y Pauline Oliveros. Su estilo de violín es el resultado de la exposición a diversas culturas. Comenzó sus estudios de violín clásico a los 5 años, estudió música andina en el CEMDUC; música clásica del norte de India con el maestro Ali Akbar Khan en San Rafael, California; y música klezmer con Alicia Svigals en Nueva York. Tiene una licenciatura en Periodismo por la PUCP en Lima y una maestría en Música Electrónica y Medios de Grabación por Mills College en Oakland, California.

Siguiendo el interés de Pauchi en el impacto de la tecnología en las artes y la educación, en 2023 codirigió el documental multimedia ENTYO: Hermanas del Bosque junto con el periodista peruano Jack Lo. A través de tres cortometrajes que presentan a tres lideresas indígenas de la Amazonía peruana, el proyecto retrata las voces y puntos de vista de las protagonistas, mostrando cómo la tecnología afecta sus prácticas culturales, territorios y tradiciones espirituales.

Estas presentaciones de Pauchi Sasaki en los Estados Unidos cuentan con el apoyo de Ibermúsicas a través de su línea de “Ayuda a la circulación de profesionales de la música”, convocatoria 2024.

• 28 de enero: National Sawdust, 80 N 6th St, Brooklyn, NY 11249, United States
• 7 de febrero:The ArtsCenter, 400 Roberson Street in downtown Carrboro, North Carolina, United States