David Calderon Audiovisuales
Músico, productor audiovisual y productor musical costarricense con más de diez años de experiencia en fotografía, producción de video y grabación de audio. Mi trayectoria se ha desarrollado tanto en el ámbito artístico y musical como en la producción audiovisual y comercial, participando en proyectos que abarcan grabación y producción musical, registro de conciertos y espectáculos, fotografía, creación de contenido y producción audiovisual. Como músico, cuento con formación profesional en guitarra clásica y dirección orquestal, experiencia que complemento con conocimientos técnicos en grabación, producción y postproducción de audio y video. Esta integración entre la práctica musical y la producción audiovisual me permite abordar proyectos discográficos desde una perspectiva integral, atendiendo tanto los aspectos artísticos e interpretativos como la calidad técnica del registro y su posterior desarrollo audiovisual. A lo largo de mi trayectoria también he desarrollado producciones y contenidos para marcas de alcance nacional e internacional, entre ellas Coca-Cola, Mondelēz International, Milka, Cadbury y Oreo, además de proyectos vinculados con instituciones culturales, agrupaciones musicales y artistas. Mi trabajo se orienta a la creación de productos audiovisuales y musicales de alta calidad, procurando que la producción técnica esté siempre al servicio de la identidad artística y conceptual de cada proyecto.
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Descrição
Músico, productor audiovisual y productor musical costarricense con más de diez años de experiencia en fotografía, producción de video y grabación de audio. Mi trayectoria se ha desarrollado tanto en el ámbito artístico y musical como en la producción audiovisual y comercial, participando en proyectos que abarcan grabación y producción musical, registro de conciertos y espectáculos, fotografía, creación de contenido y producción audiovisual. Como músico, cuento con formación profesional en guitarra clásica y dirección orquestal, experiencia que complemento con conocimientos técnicos en grabación, producción y postproducción de audio y video. Esta integración entre la práctica musical y la producción audiovisual me permite abordar proyectos discográficos desde una perspectiva integral, atendiendo tanto los aspectos artísticos e interpretativos como la calidad técnica del registro y su posterior desarrollo audiovisual. A lo largo de mi trayectoria también he desarrollado producciones y contenidos para marcas de alcance nacional e internacional, entre ellas Coca-Cola, Mondelēz International, Milka, Cadbury y Oreo, además de proyectos vinculados con instituciones culturales, agrupaciones musicales y artistas. Mi trabajo se orienta a la creación de productos audiovisuales y musicales de alta calidad, procurando que la producción técnica esté siempre al servicio de la identidad artística y conceptual de cada proyecto.
Agrupación cultural Lakitas del Lago
Lakitas del Lago es una agrupación cultural de música de raíz aimara de mujeres ubicada en el sur de Chile, que busca promover la cultura de los pueblos indígenas de la cordillera de los Andes, para visibilizar las raíces culturales en zonas donde no es muy conocida esta música, además busca generar instancias de aprendizaje y perfeccionamiento para las integrantes.
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Folklore Sudamericano
Huayno
Descrição
Lakitas del Lago es una agrupación cultural de música de raíz aimara de mujeres ubicada en el sur de Chile, que busca promover la cultura de los pueblos indígenas de la cordillera de los Andes, para visibilizar las raíces culturales en zonas donde no es muy conocida esta música, además busca generar instancias de aprendizaje y perfeccionamiento para las integrantes.
Ilich Yurev Vivero Ávila
Vocal/Coral
Descrição
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Ana Mercedes Vivas
Comunicadora social y periodista, especialista en marketing político, con estudios de alta gerencia. Inició su carrera literaria en 1986, con la publicación de su primer poemario “Verso a Verso” de las Ediciones Embalaje del Museo Rayo. A este siguieron “Las Trampas del Amor”, "La Noche del girasol", "Material de Guerra y otros Materiales", "Entre la Espada y la Pared", "Corazón de Pájaro" y "Más Azul, más silencio". Tiene en su haber el Premio Nacional de Poesía Carlos Castro Saavedra, con “Cartas de la Nostalgia” y sobre los poemas de "Entre la espada y la pared", el maestro Alberto Guzmán Naranjo (q.e.p.d.)compuso el Oratorio El Río de los Muertos que fue interpretado por la Orquesta Filarmónica de Cali y los Coros de la Universidad del Valle en 2016. Ahora bien, su poemario “Corazón de Pájaro” es una producción multimedia porque desde pequeña ha estado en el mundo de la música, así que su formato es articular narrativamente sus poemas y canciones de otros autores que subrayan la temática de sus versos, dedicados a las mujeres, los inmigrantes y , en general. a la vida que transcurre y a las personas que de alguna manera la tocan en sus viajes. Canta desde pequeña y ha tenido entrenamiento vocal de parte de maestras como Silvia Moscovici, Laura Mayolo y actualmente con la maestra Viviana Rojas. Desde hace varios años explora la relación entre la música y la poesía y hoy presenta en diferentes escenarios sus conciertos “Cantar la Poesía” y “Mujeres con Corazón de Pájaro”, acompañada de los maestros Diego Bejarano (guitarra), Ýezid Barbosa (contrabajo) y Andrés Quitián (percusión y guitarra). La vida poética de Ana Mercedes Vivas ha estado marcada por la influencia de la Generación del 27, heredada de su madre, la poeta y catedrática Maruja Vieira (q.e.p.d). Es así como hace pocos días se estrenó en Colombia en el Teatro Mayor, la obra "El Duende está aquí", inspirada por Ana Mercedes Vivas a partir de su investigación sobre la relación entre el flamenco y los poetas de dicha Generación. En el 2027 planea dar a conocer su trabajo sobre los poetas españoles del 27, con el proyecto “Un Jardín Junto al Mar”. Sus actuales conciertos, "Cantar la Poesía" y "Mujeres con Corazón de Pájaro" han rotado con exito en las ferias internacionales del libro de Bogotá, Cali, Popayán, Manizales y en escenarios como librerías, bibliotecas y encuentros de mujeres poetas, entre otros. Ha representado a Colombia en diferentes festivales de poesía tanto nacionales como internacionales.
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Nueva Trova
Descrição
Comunicadora social y periodista, especialista en marketing político, con estudios de alta gerencia. Inició su carrera literaria en 1986, con la publicación de su primer poemario “Verso a Verso” de las Ediciones Embalaje del Museo Rayo. A este siguieron “Las Trampas del Amor”, "La Noche del girasol", "Material de Guerra y otros Materiales", "Entre la Espada y la Pared", "Corazón de Pájaro" y "Más Azul, más silencio". Tiene en su haber el Premio Nacional de Poesía Carlos Castro Saavedra, con “Cartas de la Nostalgia” y sobre los poemas de "Entre la espada y la pared", el maestro Alberto Guzmán Naranjo (q.e.p.d.)compuso el Oratorio El Río de los Muertos que fue interpretado por la Orquesta Filarmónica de Cali y los Coros de la Universidad del Valle en 2016. Ahora bien, su poemario “Corazón de Pájaro” es una producción multimedia porque desde pequeña ha estado en el mundo de la música, así que su formato es articular narrativamente sus poemas y canciones de otros autores que subrayan la temática de sus versos, dedicados a las mujeres, los inmigrantes y , en general. a la vida que transcurre y a las personas que de alguna manera la tocan en sus viajes. Canta desde pequeña y ha tenido entrenamiento vocal de parte de maestras como Silvia Moscovici, Laura Mayolo y actualmente con la maestra Viviana Rojas. Desde hace varios años explora la relación entre la música y la poesía y hoy presenta en diferentes escenarios sus conciertos “Cantar la Poesía” y “Mujeres con Corazón de Pájaro”, acompañada de los maestros Diego Bejarano (guitarra), Ýezid Barbosa (contrabajo) y Andrés Quitián (percusión y guitarra). La vida poética de Ana Mercedes Vivas ha estado marcada por la influencia de la Generación del 27, heredada de su madre, la poeta y catedrática Maruja Vieira (q.e.p.d). Es así como hace pocos días se estrenó en Colombia en el Teatro Mayor, la obra "El Duende está aquí", inspirada por Ana Mercedes Vivas a partir de su investigación sobre la relación entre el flamenco y los poetas de dicha Generación. En el 2027 planea dar a conocer su trabajo sobre los poetas españoles del 27, con el proyecto “Un Jardín Junto al Mar”. Sus actuales conciertos, "Cantar la Poesía" y "Mujeres con Corazón de Pájaro" han rotado con exito en las ferias internacionales del libro de Bogotá, Cali, Popayán, Manizales y en escenarios como librerías, bibliotecas y encuentros de mujeres poetas, entre otros. Ha representado a Colombia en diferentes festivales de poesía tanto nacionales como internacionales.
Música
Jorge Herrera Santander
Siendo uno de los guitarristas peruanos más importantes de su generación, Jorge Herrera Santander, posee una elegante personalidad escénica con un sonido cautivador y gran expresividad musical, cualidades que han hecho posible que sus interpretaciones lleguen a diferentes países de Europa, Africa y Sudamérica en salas de la importancia de Filármonica de Berlín, Konzerthaus de Berlín, Elbphilarmonie de Hamburgo, Auditorio Nacional de Madrid, Opera House del Cairo, Sendesaal de Bremen, Auditorio de la biblioteca de la Alejandría de Egipto, Auditorio Reina Sofia de Madrid, Auditorio Joaquin Rodrigo entre otros, así como grabaciones para radio y televisión en Suiza, Alemania, España, Jordania y Perú. Galardonado con primeros premios internacionales como, Concurso internacional de guitarra América Martínez –Sevilla- y en el concurso organizado por el Foro John Dowland –Madrid. y dos producciones discográficas, “Alegorías” (2017) , producción dedicada íntegramente a compositores peruanos contemporáneos con música escrita de forma exclusiva para este proyecto, así como “Obras para guitarra”(2018), también en calidad de “premier mundial” álbum dedicado íntegramente a la música del reconocído guitarrista y compositor español Gabriel Estarellas. en 2010, la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa – Perú, le otorgó un reconocimiento institucional por “su distinguida trayectoria internacional como concertista de guitarra y su fecunda labor en favor de los estudiantes peruanos”. Su inquietud pedagógica lo llevó a crear junto a la guitarrista Verónica Saba el "Método Mikrokosmos" publicado en Madrid por Lucumamusic en 2022.
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Solistas
Contemporánea
Yaraví Arequipeño
Folklore Sudamericano
Descrição
Siendo uno de los guitarristas peruanos más importantes de su generación, Jorge Herrera Santander, posee una elegante personalidad escénica con un sonido cautivador y gran expresividad musical, cualidades que han hecho posible que sus interpretaciones lleguen a diferentes países de Europa, Africa y Sudamérica en salas de la importancia de Filármonica de Berlín, Konzerthaus de Berlín, Elbphilarmonie de Hamburgo, Auditorio Nacional de Madrid, Opera House del Cairo, Sendesaal de Bremen, Auditorio de la biblioteca de la Alejandría de Egipto, Auditorio Reina Sofia de Madrid, Auditorio Joaquin Rodrigo entre otros, así como grabaciones para radio y televisión en Suiza, Alemania, España, Jordania y Perú. Galardonado con primeros premios internacionales como, Concurso internacional de guitarra América Martínez –Sevilla- y en el concurso organizado por el Foro John Dowland –Madrid. y dos producciones discográficas, “Alegorías” (2017) , producción dedicada íntegramente a compositores peruanos contemporáneos con música escrita de forma exclusiva para este proyecto, así como “Obras para guitarra”(2018), también en calidad de “premier mundial” álbum dedicado íntegramente a la música del reconocído guitarrista y compositor español Gabriel Estarellas. en 2010, la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa – Perú, le otorgó un reconocimiento institucional por “su distinguida trayectoria internacional como concertista de guitarra y su fecunda labor en favor de los estudiantes peruanos”. Su inquietud pedagógica lo llevó a crear junto a la guitarrista Verónica Saba el "Método Mikrokosmos" publicado en Madrid por Lucumamusic en 2022.
Música
María del Mar Poyatos
. María del Mar Poyatos (Almería, (España)1987 -) es artista creativa en la fusión palabra y música. Pianista, compositora, recitadora y musicóloga especialista en proyectos interdisciplinares de música y poesía. Matricula de honor por la Escuela Superior de Música de Cataluña y Universidad Internacional de Andalucía es autora de recitales escénicos para la poesía de Miguel Hernández y San Juan de la Cruz por encargo de fundaciones poéticas nacionales. Destaca la producción de su álbum “Música para unos versos” (2026) composiciones propias para trece poemas que forman un álbum de recitado y piano. Actualmente dirige la creación escénica “Somos el polen de la tierra”, un homenaje a la Generación del 27 a través del poeta, impresor y editor Manuel Altolaguirre, apoyada por la Fundación Contemporánea de Málaga.
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Solistas
Descrição
. María del Mar Poyatos (Almería, (España)1987 -) es artista creativa en la fusión palabra y música. Pianista, compositora, recitadora y musicóloga especialista en proyectos interdisciplinares de música y poesía. Matricula de honor por la Escuela Superior de Música de Cataluña y Universidad Internacional de Andalucía es autora de recitales escénicos para la poesía de Miguel Hernández y San Juan de la Cruz por encargo de fundaciones poéticas nacionales. Destaca la producción de su álbum “Música para unos versos” (2026) composiciones propias para trece poemas que forman un álbum de recitado y piano. Actualmente dirige la creación escénica “Somos el polen de la tierra”, un homenaje a la Generación del 27 a través del poeta, impresor y editor Manuel Altolaguirre, apoyada por la Fundación Contemporánea de Málaga.
Música
Esfera Armoniosa
Esfera Armoniosa es un ensamble colombiano de música antigua fundado en 2006 por la flautista de pico y directora Claudia Liliana Gantívar, dedicado a la interpretación históricamente informada del repertorio renacentista, barroco y colonial latinoamericano con instrumentos de época. Integrado por músicos formados en reconocidas instituciones de Europa y América, desarrolla programas de los siglos XV al XVIII, con especial énfasis en la investigación, recuperación y difusión del patrimonio musical iberoamericano, particularmente de las obras conservadas en el Archivo de la Catedral de Bogotá. Su conformación flexible, de cuatro a quince músicos, le permite desarrollar tanto programas de cámara como proyectos de mayor formato y propuestas colaborativas. La colaboración artística y la formación de nuevas generaciones constituyen una parte importante de su trabajo. Esfera Armoniosa ha desarrollado proyectos conjuntos con agrupaciones como Música Ficta, Ministriles de la Nueva Granada y Extempore, así como iniciativas pedagógicas que integran a jóvenes músicos. En 2026, para su participación en el Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana “Misiones de Chiquitos”, incorporó estudiantes de la Academia de Música de Medellín a un proceso de preparación, intercambio y circulación internacional que culminó en una gira de cinco conciertos en Bolivia. A lo largo de su trayectoria, el ensamble ha representado a Colombia en festivales y escenarios de Perú, Ecuador, Estados Unidos y Bolivia. Fue seleccionado por el Banco de la República de Colombia para realizar dos giras nacionales (2008 y 2015), con conciertos en más de diez ciudades. Entre sus actuaciones recientes se destacan el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá (2025) y el Festival Misiones de Chiquitos (2026). Su discografía incluye Io vo cantar (2011) y Qué dulce violencia (2015), además de su participación junto a Música Ficta en la grabación de obras del Archivo de la Catedral de Bogotá (2024). Su trabajo articula interpretación, investigación, circulación, colaboración y formación, con el propósito de contribuir a la preservación y proyección contemporánea del patrimonio musical colombiano e iberoamericano.
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Barroca
Descrição
Esfera Armoniosa es un ensamble colombiano de música antigua fundado en 2006 por la flautista de pico y directora Claudia Liliana Gantívar, dedicado a la interpretación históricamente informada del repertorio renacentista, barroco y colonial latinoamericano con instrumentos de época. Integrado por músicos formados en reconocidas instituciones de Europa y América, desarrolla programas de los siglos XV al XVIII, con especial énfasis en la investigación, recuperación y difusión del patrimonio musical iberoamericano, particularmente de las obras conservadas en el Archivo de la Catedral de Bogotá. Su conformación flexible, de cuatro a quince músicos, le permite desarrollar tanto programas de cámara como proyectos de mayor formato y propuestas colaborativas. La colaboración artística y la formación de nuevas generaciones constituyen una parte importante de su trabajo. Esfera Armoniosa ha desarrollado proyectos conjuntos con agrupaciones como Música Ficta, Ministriles de la Nueva Granada y Extempore, así como iniciativas pedagógicas que integran a jóvenes músicos. En 2026, para su participación en el Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana “Misiones de Chiquitos”, incorporó estudiantes de la Academia de Música de Medellín a un proceso de preparación, intercambio y circulación internacional que culminó en una gira de cinco conciertos en Bolivia. A lo largo de su trayectoria, el ensamble ha representado a Colombia en festivales y escenarios de Perú, Ecuador, Estados Unidos y Bolivia. Fue seleccionado por el Banco de la República de Colombia para realizar dos giras nacionales (2008 y 2015), con conciertos en más de diez ciudades. Entre sus actuaciones recientes se destacan el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá (2025) y el Festival Misiones de Chiquitos (2026). Su discografía incluye Io vo cantar (2011) y Qué dulce violencia (2015), además de su participación junto a Música Ficta en la grabación de obras del Archivo de la Catedral de Bogotá (2024). Su trabajo articula interpretación, investigación, circulación, colaboración y formación, con el propósito de contribuir a la preservación y proyección contemporánea del patrimonio musical colombiano e iberoamericano.
Ángel Glamour
Ángel Glamour (Angel Angel Ebang Ebang) es un artista, cantante y compositor ecuatoguineano nacido en 1996. Inició su trayectoria artística en Bata en 2015 y actualmente desarrolla su actividad entre Bata y Malabo. Su propuesta se enmarca principalmente en la música urbana y el afrobeat, incorporando una identidad ecuatoguineana y una visión orientada a la conexión entre música, cultura, juventud y expresión escénica. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado proyectos musicales, actuaciones y colaboraciones vinculadas a la escena urbana de Guinea Ecuatorial. Actualmente trabaja en una nueva etapa artística bajo EPO MUSIC y cuenta con el acompañamiento y representación de RITMORA Music Academy para el desarrollo de proyectos, alianzas y oportunidades de proyección internacional. Su propuesta actual busca ampliar su presencia en África, Europa y el espacio iberoamericano y lusófono mediante conciertos, festivales, intercambios culturales, residencias, colaboraciones con artistas, productores y organizaciones musicales, así como proyectos que integren música y danza urbana. En 2026 desarrolla el proyecto “Tú Eres Luz”, concebido como una propuesta de circulación, colaboración artística e intercambio cultural que conecta Guinea Ecuatorial con otros territorios y escenas musicales internacionales.
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Afrobeat
Urban Country
Descrição
Ángel Glamour (Angel Angel Ebang Ebang) es un artista, cantante y compositor ecuatoguineano nacido en 1996. Inició su trayectoria artística en Bata en 2015 y actualmente desarrolla su actividad entre Bata y Malabo. Su propuesta se enmarca principalmente en la música urbana y el afrobeat, incorporando una identidad ecuatoguineana y una visión orientada a la conexión entre música, cultura, juventud y expresión escénica. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado proyectos musicales, actuaciones y colaboraciones vinculadas a la escena urbana de Guinea Ecuatorial. Actualmente trabaja en una nueva etapa artística bajo EPO MUSIC y cuenta con el acompañamiento y representación de RITMORA Music Academy para el desarrollo de proyectos, alianzas y oportunidades de proyección internacional. Su propuesta actual busca ampliar su presencia en África, Europa y el espacio iberoamericano y lusófono mediante conciertos, festivales, intercambios culturales, residencias, colaboraciones con artistas, productores y organizaciones musicales, así como proyectos que integren música y danza urbana. En 2026 desarrolla el proyecto “Tú Eres Luz”, concebido como una propuesta de circulación, colaboración artística e intercambio cultural que conecta Guinea Ecuatorial con otros territorios y escenas musicales internacionales.
Música
Francesca Romana Di Nicola – Earth&Rose duo
Francesca Romana Di Nicola es una arpista ecléctica y versátil con una destacada trayectoria artística internacional. Desarrolla su actividad como arpista solista, en el seno de conjuntos de cámara y orquestas, colaborando con directores de renombre como: Zubin Mehta, Daniel Oren, Peter Eötvös, Robert Trevino, Eliahu Inbal, Antoni Wit, Jun Markl, Pinchas Steinberg, Pierre Boulez y Valerij Gergiev, entre otros. Ha actuado en algunas de las salas de concierto más prestigiosas del mundo como el Concertgebouw de Ámsterdam, el Royal Festival Hall de Londres, el Auditorio KKL de Lucerna, la Sala Pleyel de París, el Prinzregententheater de Múnich; el Teatro Real, Auditorio Nacional y el Auditorio Reina Sofía de Madrid, la Sala de Conciertos del Conservatorio de San Petersburgo en Rusia y la Elbphilharmonie de Hamburgo. Ha realizado importantes giras internacionales, entre ellas la llevada a cabo en 2019 con la Orquesta del Teatro Mariinsky de San Petersburgo bajo la dirección de Valerij Gergiev y la gira europea de 2011 con el Ensemble Intercontemporain de París bajo la dirección de Pierre Boulez. Francesca es invitada regularmente a tocar como arpa solista con orquestas y ensembles de todo el mundo como: el Ensemble Intercontemporain de París en Francia, la Orquesta del Teatro Mariinsky de San Petersburgo en Rusia, la Annapolis Symphony Orchestra en Estados Unidos, la Das Neue Orchester de Colonia en Alemania, la Orquesta Sinfónica de Siria, la Orquesta Sinfónica de Argelia. En España, con la Orquesta de la Ópera del Palau des Arts de Valencia, la Orquesta del Principado de Asturias, la Real Filharmonia de Galicia, la Orquesta Filarmónica de Oviedo, la Orquesta Sinfónica de Navarra, el conjunto de música contemporánea Zahir de Sevilla, la Orquesta Sinfónica de Euskadi, la Orquesta Sinfónica de Bilbao. En Italia, la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino, la Officina Musicale Italiana, la Orchestra Sinfonica Umbra, la Camerata Strumentale di Prato. Entre las obras concertantes más representativas del repertorio, ha interpretado el Concierto para flauta y arpa K.299 de Mozart, Introducción y Allegro de Maurice Ravel y las Danses sacrée et profane de Debussy, junto a diversas orquestas nacionales e internacionales. Comprometida con la creación musical contemporánea, ha estrenado en festivales internacionales conciertos para arpa y orquesta de compositores actuales, entre ellos el estreno absoluto de Folías Celtas de Gabriel Bussi junto a la Real Filharmonía de Galicia. Su actividad artística incluye una amplia labor discográfica y audiovisual en los ámbitos sinfónico, camerístico y contemporáneo. Ha colaborado con prestigiosos sellos internacionales como Deutsche Grammophon, Naxos, Ondine, Claves, IBS Classical, Equilibrium Music, Elkar, Orpheus, Convivium Records y Radio Rai3. Entre las producciones más destacadas figuran: • La Llama (Usandizaga) – Deutsche Grammophon • Toshio Hosokawa: Orchestral Works Vol. 3 – Naxos • Americascapes – Ondine • Ravel – Orchestral Works – Ondine • Luis de Pablo: Anatomías – IBS Classical • Grabaciones dedicadas a Pedro San Juan y Carmelo Bernaola – Claves Records Asimismo, ha colaborado en la grabación de numerosas bandas sonoras del cine español compuestas por Fernando Velázquez (Premio Goya 2017). Entre 2008 y 2021 ha sido arpista colaboradora habitual de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, participando regularmente en temporadas sinfónicas, producciones operísticas, grabaciones discográficas, retransmisiones radiofónicas y televisivas, proyectos didácticos y giras internacionales. Se adjunta carta de recomendación emitida por la dirección de la orquesta. Francesca comienza a estudiar música a los seis años en su Italia natal. Se gradúa en arpa en el Conservatorio Superior «A. Casella» de L’Aquila (Italia) con las máximas calificaciones y matrícula de honor, y perfecciona sus estudios musicales en el extranjero con Fabrice Pierre, Anna Loro, Élisabeth Fontan-Binoche, Judith Líber, Marie-Pierre Langlamet. Ganadora de numerosas becas y seleccionada en la Orchestra Giovanile Italiana (OGI), en 2006 Francesca obtiene un máster en repertorio orquestal en el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia, bajo la dirección de Zubin Mehta. Obtiene además en España el Título Superior de Arpa en Musikene bajo la guía de Frédérique Cambreling y posteriormente un Máster en Pedagogía Musical por la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR). Especialmente atraída por la música contemporánea, en 2011 la prestigiosa Academia del Festival de Lucerna (Suiza) le otorga una especialización en arpa contemporánea y repertorio orquestal bajo la dirección de Pierre Boulez. Paralelamente, desarrolla colaboraciones en el ámbito del jazz y la música popular contemporánea junto a artistas como: Gregory Porter, Quincy Jones, Gil Goldstein, el sexteto suizo Hildegard Lernt Fliegen, Ryan Truesdell, Paolo Fresu, Steve Wilson, Lewis Nash, Jay Anderson, Take 6, Dee Dee Bridgewater , John Clayton, Ivan Lins, Noa, Alfredo Rodriguez, Patti Austin, John Scofield, Stewart Copeland. Paralelamente a su actividad interpretativa, desarrolla proyectos de creación, investigación y difusión artística en torno al arpa y su repertorio. Ha impulsado proyectos de difusión y recuperación del repertorio arpístico, presentando estrenos patrocinados por el Instituto Italiano de Cultura y las Embajadas de Italia en Argelia y Rusia y contribuyendo a la divulgación de repertorios poco conocidos a través de programas de radio y televisión en Europa y Norte de África. Desarrolla actividad investigadora en pedagogía musical y musicología y amplía actualmente su formación en arpa triple barroca italiana en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC), bajo la guía de Mara Galassi. Desde 2014 compone y transcribe obras para arpa y otros instrumentos. Su proyecto MINIATURE (2020), patrocinado por la Fundación SGAE y el Gobierno Vasco, ha dado lugar a giras en Suiza, Francia, Italia , Inglaterra, Austria y Brasil, y a la publicación del álbum Miniature for Harp (Convivium Records, Reino Unido, 2023) y del libro de partituras homónimo (Da Vinci Publishing–Hal Leonard, Japón), obteniendo en 2024 el Diamond Prize a la Mejor Composición Original y el Artistic Interpretation Special Award en los International Best Classical Musicians Awards de Londres. Ha sido Directora Artística del Stradella Young Project (2018–2022), iniciativa internacional dedicada a la formación e inserción profesional de jóvenes músicos. Asimismo, ha impartido arpa, música de cámara, repertorio histórico y lengua italiana aplicada al canto en diversos conservatorios superiores y profesionales de España, entre ellos el Conservatorio Superior de Música de Navarra, el Conservatorio Francisco Escudero de San Sebastián y el Conservatorio Juan Crisóstomo de Arriaga de Bilbao. Actualmente es docente titular de Arpa en el Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona y de fonetica aplicada al canto en el Centro Superior de Musica Musikene. www.francescaromanadinicola.com
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Solistas
Clásica-Románticista
Descrição
Francesca Romana Di Nicola es una arpista ecléctica y versátil con una destacada trayectoria artística internacional. Desarrolla su actividad como arpista solista, en el seno de conjuntos de cámara y orquestas, colaborando con directores de renombre como: Zubin Mehta, Daniel Oren, Peter Eötvös, Robert Trevino, Eliahu Inbal, Antoni Wit, Jun Markl, Pinchas Steinberg, Pierre Boulez y Valerij Gergiev, entre otros. Ha actuado en algunas de las salas de concierto más prestigiosas del mundo como el Concertgebouw de Ámsterdam, el Royal Festival Hall de Londres, el Auditorio KKL de Lucerna, la Sala Pleyel de París, el Prinzregententheater de Múnich; el Teatro Real, Auditorio Nacional y el Auditorio Reina Sofía de Madrid, la Sala de Conciertos del Conservatorio de San Petersburgo en Rusia y la Elbphilharmonie de Hamburgo. Ha realizado importantes giras internacionales, entre ellas la llevada a cabo en 2019 con la Orquesta del Teatro Mariinsky de San Petersburgo bajo la dirección de Valerij Gergiev y la gira europea de 2011 con el Ensemble Intercontemporain de París bajo la dirección de Pierre Boulez. Francesca es invitada regularmente a tocar como arpa solista con orquestas y ensembles de todo el mundo como: el Ensemble Intercontemporain de París en Francia, la Orquesta del Teatro Mariinsky de San Petersburgo en Rusia, la Annapolis Symphony Orchestra en Estados Unidos, la Das Neue Orchester de Colonia en Alemania, la Orquesta Sinfónica de Siria, la Orquesta Sinfónica de Argelia. En España, con la Orquesta de la Ópera del Palau des Arts de Valencia, la Orquesta del Principado de Asturias, la Real Filharmonia de Galicia, la Orquesta Filarmónica de Oviedo, la Orquesta Sinfónica de Navarra, el conjunto de música contemporánea Zahir de Sevilla, la Orquesta Sinfónica de Euskadi, la Orquesta Sinfónica de Bilbao. En Italia, la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino, la Officina Musicale Italiana, la Orchestra Sinfonica Umbra, la Camerata Strumentale di Prato. Entre las obras concertantes más representativas del repertorio, ha interpretado el Concierto para flauta y arpa K.299 de Mozart, Introducción y Allegro de Maurice Ravel y las Danses sacrée et profane de Debussy, junto a diversas orquestas nacionales e internacionales. Comprometida con la creación musical contemporánea, ha estrenado en festivales internacionales conciertos para arpa y orquesta de compositores actuales, entre ellos el estreno absoluto de Folías Celtas de Gabriel Bussi junto a la Real Filharmonía de Galicia. Su actividad artística incluye una amplia labor discográfica y audiovisual en los ámbitos sinfónico, camerístico y contemporáneo. Ha colaborado con prestigiosos sellos internacionales como Deutsche Grammophon, Naxos, Ondine, Claves, IBS Classical, Equilibrium Music, Elkar, Orpheus, Convivium Records y Radio Rai3. Entre las producciones más destacadas figuran: • La Llama (Usandizaga) – Deutsche Grammophon • Toshio Hosokawa: Orchestral Works Vol. 3 – Naxos • Americascapes – Ondine • Ravel – Orchestral Works – Ondine • Luis de Pablo: Anatomías – IBS Classical • Grabaciones dedicadas a Pedro San Juan y Carmelo Bernaola – Claves Records Asimismo, ha colaborado en la grabación de numerosas bandas sonoras del cine español compuestas por Fernando Velázquez (Premio Goya 2017). Entre 2008 y 2021 ha sido arpista colaboradora habitual de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, participando regularmente en temporadas sinfónicas, producciones operísticas, grabaciones discográficas, retransmisiones radiofónicas y televisivas, proyectos didácticos y giras internacionales. Se adjunta carta de recomendación emitida por la dirección de la orquesta. Francesca comienza a estudiar música a los seis años en su Italia natal. Se gradúa en arpa en el Conservatorio Superior «A. Casella» de L’Aquila (Italia) con las máximas calificaciones y matrícula de honor, y perfecciona sus estudios musicales en el extranjero con Fabrice Pierre, Anna Loro, Élisabeth Fontan-Binoche, Judith Líber, Marie-Pierre Langlamet. Ganadora de numerosas becas y seleccionada en la Orchestra Giovanile Italiana (OGI), en 2006 Francesca obtiene un máster en repertorio orquestal en el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia, bajo la dirección de Zubin Mehta. Obtiene además en España el Título Superior de Arpa en Musikene bajo la guía de Frédérique Cambreling y posteriormente un Máster en Pedagogía Musical por la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR). Especialmente atraída por la música contemporánea, en 2011 la prestigiosa Academia del Festival de Lucerna (Suiza) le otorga una especialización en arpa contemporánea y repertorio orquestal bajo la dirección de Pierre Boulez. Paralelamente, desarrolla colaboraciones en el ámbito del jazz y la música popular contemporánea junto a artistas como: Gregory Porter, Quincy Jones, Gil Goldstein, el sexteto suizo Hildegard Lernt Fliegen, Ryan Truesdell, Paolo Fresu, Steve Wilson, Lewis Nash, Jay Anderson, Take 6, Dee Dee Bridgewater , John Clayton, Ivan Lins, Noa, Alfredo Rodriguez, Patti Austin, John Scofield, Stewart Copeland. Paralelamente a su actividad interpretativa, desarrolla proyectos de creación, investigación y difusión artística en torno al arpa y su repertorio. Ha impulsado proyectos de difusión y recuperación del repertorio arpístico, presentando estrenos patrocinados por el Instituto Italiano de Cultura y las Embajadas de Italia en Argelia y Rusia y contribuyendo a la divulgación de repertorios poco conocidos a través de programas de radio y televisión en Europa y Norte de África. Desarrolla actividad investigadora en pedagogía musical y musicología y amplía actualmente su formación en arpa triple barroca italiana en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC), bajo la guía de Mara Galassi. Desde 2014 compone y transcribe obras para arpa y otros instrumentos. Su proyecto MINIATURE (2020), patrocinado por la Fundación SGAE y el Gobierno Vasco, ha dado lugar a giras en Suiza, Francia, Italia , Inglaterra, Austria y Brasil, y a la publicación del álbum Miniature for Harp (Convivium Records, Reino Unido, 2023) y del libro de partituras homónimo (Da Vinci Publishing–Hal Leonard, Japón), obteniendo en 2024 el Diamond Prize a la Mejor Composición Original y el Artistic Interpretation Special Award en los International Best Classical Musicians Awards de Londres. Ha sido Directora Artística del Stradella Young Project (2018–2022), iniciativa internacional dedicada a la formación e inserción profesional de jóvenes músicos. Asimismo, ha impartido arpa, música de cámara, repertorio histórico y lengua italiana aplicada al canto en diversos conservatorios superiores y profesionales de España, entre ellos el Conservatorio Superior de Música de Navarra, el Conservatorio Francisco Escudero de San Sebastián y el Conservatorio Juan Crisóstomo de Arriaga de Bilbao. Actualmente es docente titular de Arpa en el Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona y de fonetica aplicada al canto en el Centro Superior de Musica Musikene. www.francescaromanadinicola.com
Chape Musica
Matías Muñoz Reggio es un creador sonoro, músico y artista multidisciplinario nacido en Argentina y radicado en Europa desde 2013. Es el fundador del proyecto Chape, un ecosistema de creación desde el cual investiga la escena, el espacio y la escritura dramatúrgica a través del sonido. Debido a su formación, la música y la escena constituyen el eje central de su trabajo, concibiendo la sonoridad no como un mero acompañamiento, sino como una arquitectura invisible que estructura el tiempo, el movimiento y la presencia escénica. Su práctica actual se enfoca en la manipulación y modificación en tiempo real de sintetizadores y samplers. Mediante el uso de estas herramientas digitales, cajas de ritmos y el procesamiento analógico en vivo, genera paisajes sonoros (soundscapes) y experiencias inmersivas que desafían de forma radical los límites entre el concierto de música electrónica y la instalación artística. Iniciado formalmente en la batería y la fotografía en Buenos Aires (Argentina), mi perfil profesional se expandió hacia las artes escénicas en Europa, formándome en la Escuela Internacional de Circo y Teatro CAU de Granada (2013-2015) y en danza contemporánea en Inside Movement (Barcelona).En el año 2017 cofundé la compañía de circo y música Som Noise, desempeñándome como cocreador, intérprete y diseñador de paisajes sonoros para las producciones internacionales Breach e Hybr-ID. Con esta agrupación (actualmente disuelta), desarrollé una intensa agenda de circulación internacional, realizando presentaciones y giras en Alemania, España, Francia, Croacia, Serbia, Bélgica, Argentina e Italia, entre otros países. Mi experiencia profesional en Europa está estrechamente vinculada a las artes escénicas como músico, compositor e intérprete, habiendo colaborado activamente en piezas de renombre como La partida (Vero Cendoya Cia), Técnicas para un abrazo perfecto (LaBoda cia), Happy (Cirque Désolé) y en co-creación con Santiago Ruiz (Svalbard Company).En 2026 inicié una profunda reformulación profesional y artística a través del proyecto Chape, tomando la firme decisión de situar a la música en el centro absoluto de la creación escénica. Es en este marco conceptual donde nace mi trabajo actual de investigación y directo titulado Al carajo. En paralelo, actualmente colaboro en el diseño sonoro de la pieza Sustained junto a la artista británica Alice Davis en los Países Bajos. Mi búsqueda artística se sitúa en la intersección de la música electrónica contemporánea, el arte sonoro y la instalación escénica, concibiendo el sonido no como un elemento abstracto, sino como una materia viva, maleable, con densidad y volumen. Lejos de la complejidad melódica o rítmica, mi estética se ancla firmemente en la precisión sonora, el minimalismo y el valor expresivo del error digital o noise. A través de un set crudo y estrictamente minimalista —compuesto únicamente por un sampler, dos sintetizadores y un pedal de reverb— exploro la fusión de voces, armonías, texturas y micro-frecuencias. En mi producción actual, Al carajo, investigo la interconexión material entre sonido y luz. Bajo esta premisa, la iluminación deja de ser un accesorio técnico o decorativo para convertirse en una extensión física, visible y sensible del propio sonido. Conceptualmente, mi última obra explorará los estados humanos liminales como la inmigración, el desprendimiento radical, la ruptura y el aislamiento, entendiéndolo también como un punto de observación para percibir lo invisible, lo nuevo. Mi enfoque artístico actual persigue democratizar el acceso a las nuevas tecnologías musicales y transformar las experiencias de aislamiento individual en potentes rituales colectivos, diseñando piezas inmersivas capaces de dialogar con todo tipo de públicos tanto en teatros y auditorios convencionales como en festivales en el espacio público.
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Minimal Techno
Minimalism
Glitch / Clicks 'N' Cuts
Descrição
Matías Muñoz Reggio es un creador sonoro, músico y artista multidisciplinario nacido en Argentina y radicado en Europa desde 2013. Es el fundador del proyecto Chape, un ecosistema de creación desde el cual investiga la escena, el espacio y la escritura dramatúrgica a través del sonido. Debido a su formación, la música y la escena constituyen el eje central de su trabajo, concibiendo la sonoridad no como un mero acompañamiento, sino como una arquitectura invisible que estructura el tiempo, el movimiento y la presencia escénica. Su práctica actual se enfoca en la manipulación y modificación en tiempo real de sintetizadores y samplers. Mediante el uso de estas herramientas digitales, cajas de ritmos y el procesamiento analógico en vivo, genera paisajes sonoros (soundscapes) y experiencias inmersivas que desafían de forma radical los límites entre el concierto de música electrónica y la instalación artística. Iniciado formalmente en la batería y la fotografía en Buenos Aires (Argentina), mi perfil profesional se expandió hacia las artes escénicas en Europa, formándome en la Escuela Internacional de Circo y Teatro CAU de Granada (2013-2015) y en danza contemporánea en Inside Movement (Barcelona).En el año 2017 cofundé la compañía de circo y música Som Noise, desempeñándome como cocreador, intérprete y diseñador de paisajes sonoros para las producciones internacionales Breach e Hybr-ID. Con esta agrupación (actualmente disuelta), desarrollé una intensa agenda de circulación internacional, realizando presentaciones y giras en Alemania, España, Francia, Croacia, Serbia, Bélgica, Argentina e Italia, entre otros países. Mi experiencia profesional en Europa está estrechamente vinculada a las artes escénicas como músico, compositor e intérprete, habiendo colaborado activamente en piezas de renombre como La partida (Vero Cendoya Cia), Técnicas para un abrazo perfecto (LaBoda cia), Happy (Cirque Désolé) y en co-creación con Santiago Ruiz (Svalbard Company).En 2026 inicié una profunda reformulación profesional y artística a través del proyecto Chape, tomando la firme decisión de situar a la música en el centro absoluto de la creación escénica. Es en este marco conceptual donde nace mi trabajo actual de investigación y directo titulado Al carajo. En paralelo, actualmente colaboro en el diseño sonoro de la pieza Sustained junto a la artista británica Alice Davis en los Países Bajos. Mi búsqueda artística se sitúa en la intersección de la música electrónica contemporánea, el arte sonoro y la instalación escénica, concibiendo el sonido no como un elemento abstracto, sino como una materia viva, maleable, con densidad y volumen. Lejos de la complejidad melódica o rítmica, mi estética se ancla firmemente en la precisión sonora, el minimalismo y el valor expresivo del error digital o noise. A través de un set crudo y estrictamente minimalista —compuesto únicamente por un sampler, dos sintetizadores y un pedal de reverb— exploro la fusión de voces, armonías, texturas y micro-frecuencias. En mi producción actual, Al carajo, investigo la interconexión material entre sonido y luz. Bajo esta premisa, la iluminación deja de ser un accesorio técnico o decorativo para convertirse en una extensión física, visible y sensible del propio sonido. Conceptualmente, mi última obra explorará los estados humanos liminales como la inmigración, el desprendimiento radical, la ruptura y el aislamiento, entendiéndolo también como un punto de observación para percibir lo invisible, lo nuevo. Mi enfoque artístico actual persigue democratizar el acceso a las nuevas tecnologías musicales y transformar las experiencias de aislamiento individual en potentes rituales colectivos, diseñando piezas inmersivas capaces de dialogar con todo tipo de públicos tanto en teatros y auditorios convencionales como en festivales en el espacio público.
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