Catálogo musical

Jorge Daniel SILVEYRA

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Director de orquesta y banda sinfónica. Dirijo desde su creación, el 1.º de agosto de 2009, la Agrupación Musical de la Policía de la Ciudad de Buenos Aires: dirección musical, gestión integral y formación permanente del organismo, con 472 conciertos documentados entre 2010 y 2025 y un promedio cercano a las cien presentaciones anuales entre conciertos, conciertos didácticos y actos de carácter ceremonial, en salas de concierto, universidades, escuelas, hospitales y espacio público de la Ciudad. Es una formación de 26 músicos, y buena parte del trabajo de estos años consistió en adaptar el repertorio a ese efectivo. El estreno de obra nueva es una línea sostenida de ese trabajo. En 2019 di la primera audición de la Suite Norteña op. 92 de Guillermo Zalcman, obra que el compositor escribió para la Agrupación, en la Asociación Dante Alighieri, en el marco de la Settimana della Lingua Italiana nel Mondo. Dirigí además los estrenos argentinos de Cloudburst, de Eric Whitacre, y de Alpina Saga, de Thomas Doss, el Divertimento op. 42 de Persichetti integral, y estrenos de obras de estudiantes de composición de la Universidad Católica Argentina. Entre marzo de 2018 y diciembre de 2021 integré la Comisión Artística de la Orquesta Sinfónica Municipal de Avellaneda, a cargo de la programación anual del organismo: selección de repertorios, propuesta y elección de directores invitados y organización del calendario de temporada. Organicé y dirigí los tres Festivales de Bandas de la Policía de la Ciudad (2015, 2016 y 2017), con bandas invitadas de fuerzas federales y provinciales. En docencia, dicté el seminario «Dirección y Arreglos para Banda Sinfónica» en la Maestría en Dirección de Orquesta, Ensamble y Banda de la UNA-DAMus, y entre 2018 y 2023 sostuve clases magistrales y prácticas de dirección para los alumnos de la Licenciatura en Dirección Orquestal de la Universidad Católica Argentina, cuya formación tiene a la Agrupación como organismo de práctica. Soy Licenciado en Artes Musicales con orientación en Dirección Orquestal por la Universidad Nacional de las Artes, donde estudié dirección con Mario Benzecry, y Licenciado en Artes Musicales con orientación en Trombón por la misma universidad. Fui Fellow del Conductors Institute del Bard College (Nueva York) en 2014, 2015 y 2016, con dirección reiterada de la Institute Orchestra, y trabajé en masterclasses con orquesta profesional junto a Leonid Grin en la Sinfónica Nacional de Chile, Arthur Arnold en la Moscow Symphony Orchestra y Martin Sieghart en la Filarmónica de Moravia, en Olomouc. Completé el Diplomado «Compositores de América Latina. Miradas Convergentes» de la Cátedra Extraordinaria «Eduardo Mata» de la UNAM. Tengo íntegramente aprobado el plan de la Maestría en Musicología de la UNA, con la tesis en elaboración. Como instrumentista integro la Orquesta Sinfónica Municipal de Avellaneda, donde soy 2.º trombón de planta por concurso desde 2011.

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Valentina Caillaux

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Soy ingeniera de grabación, productora y compositora peruana. Perfeccioné mi oficio como ingeniera de sonido al ser asistente de sonido en Goldsmiths University Music Studios, donde adquirí experiencia valiosa sobre los estándares de la industria musical, y desarrollé las habilidades necesarias para desenvolverme con confianza en entornos musicales. A lo largo de los años, he participado en una gran variedad de sesiones de grabación, incluyendo formatos grandes de bandas en vivo como también proyectos acústicos íntimos. Mi conexión profunda con las grabaciones de Jazz, en particular, ha dado forma a mi enfoque para capturar el alma y la autenticidad de las interpretaciones en vivo.

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Cuarteto Travessia Lx

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Cuarteto Travessia Lx es una agrupación de cuerdas con base en Lisboa, formada por dos violines, viola y violonchelo. Aunque el cuarteto se encuentra en una etapa reciente de consolidación, sus integrantes cuentan con trayectorias profesionales y artísticas diversas, desarrolladas en Argentina, Italia, Alemania, Portugal y otros contextos internacionales. La primera violinista es argentina y desarrolló durante varios años su actividad profesional en la Orquesta de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, agrupación dedicada a la interpretación y difusión de repertorios argentinos y latinoamericanos. También ha integrado diversas orquestas y formaciones de tango en Argentina y en otros países, participando en proyectos relacionados con la música argentina, el tango y otros géneros populares. La segunda violinista es italiana y mantiene una relación artística particular con la música brasileña y otros repertorios latinoamericanos. La violista es alemana y cuenta con experiencia e investigación en el campo de la improvisación, explorando formas de interacción, escucha y creación musical colectiva. La violonchelista es portuguesa y aporta al grupo su vínculo con la música y la cultura lusófonas, ampliando el horizonte artístico de la agrupación desde su base en Lisboa. El cuarteto reúne cuatro perfiles musicales distintos y complementarios. Sus integrantes comparten una sólida experiencia como intérpretes, pero aportan recorridos diferentes vinculados a la música de cámara, el tango, las músicas populares latinoamericanas, la música brasileña, la improvisación y los repertorios lusófonos. Esta diversidad constituye la base de una propuesta intercultural orientada a explorar nuevas posibilidades sonoras para la formación clásica del cuarteto de cuerdas. El primer programa presentado en vivo por el cuarteto estuvo compuesto por obras para cuarteto de diferentes compositores y arregladores argentinos, entre ellos Julián Peralta, Nahuel Quipildor y Ariel Rodríguez, además de otros creadores. El repertorio estuvo centrado principalmente en la música argentina en un sentido amplio e incluye obras vinculadas al tango, la música popular y otras expresiones de la tradición musical argentina, así como arreglos relacionados con el candombe. Esta primera propuesta constituye el punto de partida de una búsqueda artística más amplia, orientada a interpretar y explorar sonoridades latinoamericanas, brasileñas y lusófonas. Actualmente, el cuarteto trabaja en colaboración con el pianista, compositor y arreglador argentino Ariel Rodríguez, residente en Lisboa. Esta colaboración se orienta a consolidar y registrar un programa que reúne música original y arreglos de repertorios tradicionales latinoamericanos, con la participación de músicos invitados. A partir de este repertorio inicial, el cuarteto busca ampliar progresivamente su propuesta hacia las músicas de América Latina, con especial interés en las tradiciones argentinas, brasileñas y de otros países latinoamericanos, así como en los repertorios de tradición lusófona. La diversidad de procedencias y experiencias de sus integrantes permite abordar estas músicas desde una perspectiva intercultural, combinando la formación clásica del cuarteto de cuerdas con las músicas populares, la improvisación y la colaboración artística.

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Becky Barros

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Becky Barros é uma cantora, compositora e artista independente brasileira de música pop, natural de São Luís, Maranhão. Conhecida por gerenciar de forma autoral todas as etapas de sua carreira desde as composições até a direção criativa e identidade visual , ela vem se destacando no cenário do pop nacional e latino.

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Gabinete de exportação WHY Portugal

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A WHY Portugal – Associação Empresarial para a Internacionalização da Música Portuguesa é o gabinete de exportação da música portuguesa, criado em 2016 com a missão de promover e apoiar a internacionalização do setor musical nacional. A WHY Portugal trabalha na capacitação e promoção internacional de artistas, empresas e profissionais portugueses, através da participação em mercados e eventos profissionais internacionais, organização de missões e delegações, ações de networking e matchmaking, formação, prospeção de mercados e criação de relações com parceiros internacionais. Integra redes europeias de music export, nomeadamente a EMEE – European Music Exporters Exchange e o ESNS Exchange.

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Vagné

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Vagné L. é artista multimídia, músico, produtor musical, mobilizador cultural, desenvolvedor e designer web, pesquisador de tecnologias criativas e educador, baseado em Salvador, Bahia, Brasil. Sua prática transita entre arte contemporânea, música experimental, poesia, performance, cultura digital, fabricação tecnológica e perspectivas afro-diaspóricas, afro-indígenas e afrofuturistas. É fundador da Muziek Mutantti NetLabel, produtora e plataforma independente dedicada à arte sonora experimental afro-indígena brasileira, com mais de 100 faixas produzidas desde 2011. Atua também como produtor musical no PRACATUM e integra o Coletivo JACA – Juventude Ativista de Cajazeiras, onde desenvolve ações e mobilizações socioculturais em comunidades periféricas de Salvador, articulando poesia afro-centrada, ancestralidade, música, arte contemporânea, tecnologias criativas e metareciclagem. Sua pesquisa inclui a criação de instrumentos e interfaces experimentais, esculturas, instalações sonoras, sistemas automatizados e experiências que aproximam tecnologia, território e saberes ancestrais. Como artista e educador, desenvolve e ministra oficinas de produção musical com Ableton Live, construção de controladores MIDI com Arduino, web rádio, vídeo-síntese e live coding, explorando tecnologias acessíveis e processos de criação colaborativa. Entre seus principais projetos e reconhecimentos estão o Sarau JACA de Poesia, contemplado pelo Prêmio Aldir Blanc Bahia (2021); a Incubadora de Produtoras de Áudio Vale do Dendê (2022); o projeto MetaReciclarte – Arte Todo Dia (2023); o álbum instrumental Frequências Meditativas, vencedor do 1º Prêmio Pretas Potências – PretaHub (2023); a criação e direção artística da mostra Periferias AfroExperimentais – Mostra de Música Criativa Negra; e a participação na residência artística LABVERDE – Ecologias Especulativas, na Amazônia (2023). Em 2026, atua como curador da exposição MetaReciclarte – Na Poética do Futuro, na ocupação do Museu de Arte Contemporânea da Bahia; como produtor cultural e músico do projeto Mbiras do Brasil – Reconstruindo a História, em parceria com o artista moçambicano Ivan Mucavel, realizado no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM Bahia); e como professor do curso de Tecnologia para Informática no SENAI Camaçari. Em 2025, realizou a Direção Artística de Periferias AfroExperimentais III, em Salvador; participou como vendedor/expositor no Mercado do MICBR25 – Mercado das Indústrias Criativas do Brasil, apresentando e comercializando sua produção artística e produtos da Muziek Mutantti; atuou como produtor cultural no projeto Sonzinhos da Bahia, em Camaçari; desenvolveu, em parceria com o IFBA Campus Camaçari, o projeto de design e desenvolvimento de controladores MIDI; e realizou a Identidade Visual e o Desenvolvimento Web da 1ª Bienal das Artes e Cultura de Guiné-Bissau – MoAC Biss. Em 2024, foi proponente e músico do Sarau JACA de Poesia – Conexão Criativa Bahia–Angola, realizado entre Salvador, Luanda e Malanje, e atuou como Diretor Artístico da segunda edição de Periferias AfroExperimentais, realizada no SESC Pompeia, em São Paulo.

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TUKUMBAE

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FESTIVAL TUKUMBAE El Ritual del Ritmo Mojados, Valladolid Tukumbae es un festival internacional dedicado a la percusión, las batucadas y la cultura del ritmo que nació en Mojados (Valladolid) en 2025, impulsado por Bubaloo Batucada y la Asociación Cultural Bubaloo, con la intención de crear un punto de encuentro para grupos de percusión, músicos, artistas y amantes de la cultura del tambor. Aunque la primera edición bajo la denominación Tukumbae se celebró en 2025, el proyecto tiene sus raíces en la experiencia previa de la organización, que había desarrollado anteriormente tres ediciones de otro encuentro de percusión en diferentes localidades de la zona. Esta experiencia permitió trasladar el proyecto a Mojados y darle una nueva dimensión y proyección. 2025 — Nace Tukumbae Del 6 al 8 de junio de 2025 se celebró la primera edición del Festival Internacional de Percusión y Diversión Tukumbae en Mojados. El objetivo fue mucho más allá de organizar un encuentro de batucadas. Durante tres días, Mojados se convirtió en un espacio de convivencia alrededor de la música, la percusión y la cultura. La programación incorporó batucadas, talleres de percusión, exhibiciones, pasacalles, conciertos, actividades infantiles, propuestas gastronómicas y actividades relacionadas con el turismo rural y la cultura de la zona. Uno de los elementos fundamentales desde esta primera edición fue la convivencia entre las agrupaciones participantes. El festival buscó que los músicos no fueran simplemente artistas que acudían a actuar, sino participantes de una experiencia colectiva basada en el ritmo, el aprendizaje y la amistad. La primera edición supuso, por tanto, el nacimiento de una propuesta que pretendía consolidarse y crecer en años posteriores. 2026 — Consolidación y crecimiento Del 12 al 14 de junio de 2026 se celebró la segunda edición de Tukumbae, incorporando una programación más ambiciosa y reforzando su carácter internacional. El festival mantuvo la percusión como eje central, pero amplió su propuesta con talleres, exhibiciones de blocos, espectáculos, conciertos, mercado artesanal, actividades culturales y un desfile de sambódromo, integrándose además en el ambiente de las fiestas de San Antonio de Mojados. La edición de 2026 contó con la participación de artistas y formadores vinculados a diferentes tradiciones y proyectos internacionales de percusión, entre ellos Pato Irie (T-Dot Batu), Gabriel Macedo (Olodum), Claudia CasteBlanco y Santiago (Bloco Malanga/BQE), Laura Miramón (Quilombeira) y Porbatuka, de Portugal. El crecimiento del festival también se refleja en su reconocimiento institucional. En 2026 se formalizó un patrocinio para el II Festival Tukumbae, adjudicado a la Asociación Cultural Bubaloo, destinado a la promoción de la provincia de Valladolid y de la marca Valladolid Avanza. Una filosofía propia Tukumbae nace con una filosofía clara: el tambor como elemento de unión. El festival pretende reunir diferentes culturas, procedencias, estilos y formas de entender la percusión en un mismo espacio. La música sirve como lenguaje común y la convivencia se convierte en una parte esencial de la experiencia. Por eso Tukumbae no se plantea únicamente como un festival de espectáculos. Es también un encuentro de personas, agrupaciones y culturas, donde se aprende, se comparte, se toca, se baila y se disfruta colectivamente. La propia presentación de la segunda edición define Tukumbae como un espacio en el que se busca “el corazón del tambor y la unión entre los grupos”. Un festival integrado en Mojados Una de las características diferenciales de Tukumbae es su vinculación con Mojados y su entorno. El festival busca que los participantes y visitantes conozcan no solo la música y la percusión, sino también el patrimonio, la gastronomía, la artesanía y el entorno rural de Valladolid. Desde su primera edición se incorporaron propuestas relacionadas con bodegas, queserías, gastronomía y turismo rural, convirtiendo el festival en una experiencia que combina cultura, música, turismo y convivencia. Además, su celebración coincidiendo con las fiestas de San Antonio permite que la actividad del festival se integre con la vida y la programación del propio municipio. En 2026, por ejemplo, Tukumbae convivió con actividades municipales, conciertos, espectáculos, mercado artesanal y otras propuestas festivas. Un proyecto con vocación de futuro En apenas dos ediciones, Tukumbae ha pasado de ser una nueva iniciativa de una batucada local a convertirse en un encuentro con participación nacional e internacional y presencia dentro del circuito de festivales y encuentros de percusión. Su evolución se apoya en una idea sencilla pero potente: hacer de Mojados un punto de encuentro para el mundo de la percusión. Tukumbae quiere seguir creciendo sin perder su esencia: un festival cercano, participativo y familiar donde el protagonista no sea únicamente el escenario, sino también la calle, los músicos, las agrupaciones y, sobre todo, las personas. TUKUMBAE El Ritual del Ritmo Un festival nacido en Mojados para hacer que el ritmo traspase fronteras.

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Orquesta Sinfónica Luis Humberto Salgado

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.La orquesta Luis Humberto Salgado se creó en septiembre de 2019. Lleva el nombre del gran compositor ecuatoriano del siglo XX Luis Humberto Salgado. Esta agrupación reúne a los mejores talentos de la Fundación Alza Alza a nivel nacional, está conformada por músicos de Ibarra, Cayambe, Otavalo, Imantag y Quito. La orquesta nació como un ensamble de cuerdas, pero se ha ido afianzando a través de los años. Gracias al trabajo del maestro Alejandro Jiménez y de todo el equipo de la Fundación, la orquesta ha ido creciendo en nivel artístico y en número de integrantes para ser hoy en día una orquesta de cuerdas consolidada y un referente de excelencia en el país. Cabe remarcar que en la orquesta hay chicos-as de todos los estratos sociales. A través de esta agrupación realizamos la loable labor de trabajar la inclusión social, pero sin dejar de lado la excelencia. Dentro de su corta existencia, la orquesta ha realizado varios conciertos en diferentes ciudades y teatros del país entre los que se destacan el Teatro Capitol de la ciudad de Quito, Teatro Variedades de Quito, la sala de la Casa de la Cultura Núcleo de Bolívar, el Monasterio de Santa Clara de Quito, la Iglesia de la Compañía de Quito, la Iglesia de San Francisco de Quito, la Basílica del voto nacional de Quito, Fábrica Imbabura de Atuntaqui, el Teatro Luis Felipe Borja de Cayambe el Teatro del Centro Cultural Ibarra, entre otros. Ha tenido también la oportunidad de tocar junto a importantes artistas nacionales e internacionales como el pianista Alex Alarcón, el violinista Stephen Redfield, el violonchelista José Paredes, la violonchelista francesa Gwendeline Lumaret, el director de orquesta ecuatoriano Diego Carrión, la clarinetista Diana Gallegos, el violinista Gilles Lefevre, entre otros. En el año 2026 la orquesta tuvo una intensa actividad artística, se destaca la participación de varios maestros ecuatorianos y franceses como el director de orquesta argentino Gustavo Moreno, la directora Jéssica Cárdenas, la acordeonista Marion Chiron. Participó en el 12 The World Orchestra Festival realizado en el mes de julio en la ciudad de Viena, donde obtuvo el 2do premio en la categoría música de cámara. Participó también en un concierto por los 80 años de la relaciones húngaro ecuatorianas. El director titular de esta agrupación es el maestro ecuatoriano Diego Carrión, director ecuatoriano radicado en Rusia y la concertina es Paulette Kolb, violinista que este año realizará sus estudios de perfeccionamiento en París-Francia. Cabe recalcar también que la violinista Manuela Tates se ganó su participación en las máster-clases de la violinista Aisha Syed después de una rigurosa selección y la violonchelista Luba Ganchala ganó el 3er premio en la categoría intermedia del 2do concurso de violonchelo organizado en Quito.

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Yo soy Ratón

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En el universo de Yo Soy Ratón, las canciones actúan como himnos de libertad. El proyecto se aleja de las fórmulas habituales para ofrecer una propuesta musical potente, honesta y necesaria, donde la diversión no está reñida con la profundidad. Es, ante todo, un directo diseñado para sacudir los sentidos y hacer que el público, sin importar la edad, disfrute de una experiencia sonora única. La banda construye un sonido cuidado y enérgico que transforma cada actuación en una fiesta. Aquí, la música se convierte en el lenguaje universal que permite a los adultos reconectar con su propia memoria infantil, mientras los más pequeños se ven reflejados en melodías que hablan de sus vivencias con la misma importancia que las de los mayores. Yo Soy Ratón propone un espacio donde se celebra la forma de sentir de cada uno con absoluta alegría. Es una invitación a soltarse, disfrutar sin prejuicios y vivir una experiencia compartida. Al terminar el concierto, el público no solo se lleva un buen recuerdo, sino la energía de un ambiente donde todos tienen su lugar.

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Blue Note China

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Searching and listening, we are eager to encounter the most touching music in anywhere at anytime. It downs on us that we shall create a musical paradise with our own hands when there was no such an ideal place. In August 2016, Blue Note China has been founded, carrying dreams and wishes of music lovers. In the blink of an eye, this world-class music venue has been with us for seven years. Blue Note China has evolved from a dream that seemed out of reach into a part of many people's lives. The wish expressed by Mr. Jonathan Lee, "godfather of Chinese music" — "I hope that one day our musicians and audiences can take a taxi, travel a few kilometers, and sit down to enjoy the best performances"— has become reality. With the strong recommendation and joint efforts of Jonathan Lee, in March 2014, Blue Note signed a Greater China cooperation agreement with Beijing Yinghuan Cultural Media Co., Ltd. This marked the settlement of the world-renowned jazz brand in China. On September 13th, 2016, Blue Note Beijing officially opened at No. 23 Qianmen Courtyard in Dongcheng District, Beijing. On September 13th, 2019, Blue Note Shanghai opened on North Sichuan Road in Hongkou District. This signifies the integration and synchronization of the Chinese music market with global music trends.

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