Shake Rattle & Roll
Shake, Rattle & Roll nació como un acto de rescate personal. Después de años en el aula, agotada por un sistema que sentía estresante, rígido y cada vez más alejado de lo que los niños realmente necesitan, tomé la decisión de dar un paso al lado — pero no alejarme de trabajar con niños, ni de esa llamada que siempre había caminado junto a la docencia: la música. Empecé a dar sesiones semanales por todo Madrid, alquilando estudios de yoga y teatros donde podía encontrarlos, y poco a poco fui construyendo algo que ya lleva más de 17 años creciendo. Lo que empezó como algo pequeño se ha convertido en colegios, festivales, fiestas privadas, formación de profesorado y — durante el confinamiento — una sesión diaria en directo por Facebook que nos mantuvo conectados con nuestra comunidad cuando no podíamos estar en la misma sala. En el camino he tenido el privilegio de componer canciones para grandes editoriales como SM, Cambridge, Santillana y Anaya, además de escribir mi propio material original para Shake, Rattle & Roll. Es una experiencia musical infantil totalmente interactiva, basada en la creencia de que la música es un lenguaje universal — y una auténtica herramienta terapéutica. Las sesiones combinan canciones tradicionales y populares con composiciones propias, pensadas para ser divertidas, sencillas y fáciles de seguir para las voces y manitas más pequeñas. Llevo instrumentos para que los niños (¡y muchas veces también los padres!) puedan participar, para que nadie se quede solo mirando — todos tocan, cantan y se mueven juntos. Las sesiones dan la bienvenida a niños de todas las edades, y el formato se adapta de forma natural a colegios, festivales, celebraciones privadas y formación de profesorado, manteniendo siempre ese mismo espíritu: lúdico, participativo y enraizado en el placer de hacer música juntos.
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Infantil
Descrição
Shake, Rattle & Roll nació como un acto de rescate personal. Después de años en el aula, agotada por un sistema que sentía estresante, rígido y cada vez más alejado de lo que los niños realmente necesitan, tomé la decisión de dar un paso al lado — pero no alejarme de trabajar con niños, ni de esa llamada que siempre había caminado junto a la docencia: la música. Empecé a dar sesiones semanales por todo Madrid, alquilando estudios de yoga y teatros donde podía encontrarlos, y poco a poco fui construyendo algo que ya lleva más de 17 años creciendo. Lo que empezó como algo pequeño se ha convertido en colegios, festivales, fiestas privadas, formación de profesorado y — durante el confinamiento — una sesión diaria en directo por Facebook que nos mantuvo conectados con nuestra comunidad cuando no podíamos estar en la misma sala. En el camino he tenido el privilegio de componer canciones para grandes editoriales como SM, Cambridge, Santillana y Anaya, además de escribir mi propio material original para Shake, Rattle & Roll. Es una experiencia musical infantil totalmente interactiva, basada en la creencia de que la música es un lenguaje universal — y una auténtica herramienta terapéutica. Las sesiones combinan canciones tradicionales y populares con composiciones propias, pensadas para ser divertidas, sencillas y fáciles de seguir para las voces y manitas más pequeñas. Llevo instrumentos para que los niños (¡y muchas veces también los padres!) puedan participar, para que nadie se quede solo mirando — todos tocan, cantan y se mueven juntos. Las sesiones dan la bienvenida a niños de todas las edades, y el formato se adapta de forma natural a colegios, festivales, celebraciones privadas y formación de profesorado, manteniendo siempre ese mismo espíritu: lúdico, participativo y enraizado en el placer de hacer música juntos.
Breno Rodrigues
Músico, pesquisador na área de improvisação musical contemporânea na Universidade Estadual de Campinas desde 2021. Minhas atividades incluem investigações sobre processos criativos, análise musical e aspectos cognitivos, além de participar de congressos e publicar em anais. Possuo mais de 16 anos de experiência como pianista e tecladista, atuando em eventos e realizando produção musical de projetos autorais e gravações, com foco em música popular e instrumental. Trabalho como músico improvisador desde 2019, dedicando-me à experimentação sonora e práticas colaborativas de improvisação. Desde 2022, sou pianista intérprete de música contemporânea na EMESP, contribuindo com ensaios e apresentações em teatros e festivais. Minhas competências incluem transcrição de áudio, uso de softwares como Pro Tools e recursos digitais para análise musical e edição de partituras, além de técnicas de criação e improvisação sonora.
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Contemporánea
Instrumental / Jazz Brasileiro
Descrição
Músico, pesquisador na área de improvisação musical contemporânea na Universidade Estadual de Campinas desde 2021. Minhas atividades incluem investigações sobre processos criativos, análise musical e aspectos cognitivos, além de participar de congressos e publicar em anais. Possuo mais de 16 anos de experiência como pianista e tecladista, atuando em eventos e realizando produção musical de projetos autorais e gravações, com foco em música popular e instrumental. Trabalho como músico improvisador desde 2019, dedicando-me à experimentação sonora e práticas colaborativas de improvisação. Desde 2022, sou pianista intérprete de música contemporânea na EMESP, contribuindo com ensaios e apresentações em teatros e festivais. Minhas competências incluem transcrição de áudio, uso de softwares como Pro Tools e recursos digitais para análise musical e edição de partituras, além de técnicas de criação e improvisação sonora.
Amyjo Doh
.AmyJo Doh (AmyJo Doherty) es una cantautora nacida en Reino Unido y afincada en Madrid desde hace más de dos décadas, donde ha desarrollado una trayectoria escénica que fusiona espíritu punk, intimidad folk y una mordacidad lírica bilingüe (español-inglés), empapada de la cultura callejera de la ciudad. Su proyecto principal, la banda AmyJo Doh & The Spangles, presenta un directo de punk-rock a toda potencia, mientras que su faceta acústica en solitario ofrece conciertos más íntimos y versátiles, capaces de adaptarse desde un formato de guitarra sola hasta banda completa con cajón y trompeta según el escenario. Temas originales como "Museo de Jamón", "Guiri" y "No pasa nada" se han convertido en himnos underground en el circuito de Madrid. En 2026 ha mantenido una actividad constante: estrenó en directo su nuevo single y videoclip "Calle Rodas" en las Fiestas del Barrio de San Cayetano (Madrid), actuó en las Fiestas de San Lorenzo junto a Adry, y realizó una gira por Bélgica (Bruselas, Ostende, Gante) e Inglaterra (Swindon), consolidando así un recorrido internacional que combina fiestas populares, salas y circuitos independientes. Su propuesta —bilingüe, festiva y adaptable— la sitúa como un puente natural entre escenas musicales de distintos países, con un historial reciente que demuestra capacidad real de convocatoria tanto en España como fuera de ella.
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Indie Folk & Freakfolk / New Weird America
Punk Rock
Descrição
.AmyJo Doh (AmyJo Doherty) es una cantautora nacida en Reino Unido y afincada en Madrid desde hace más de dos décadas, donde ha desarrollado una trayectoria escénica que fusiona espíritu punk, intimidad folk y una mordacidad lírica bilingüe (español-inglés), empapada de la cultura callejera de la ciudad. Su proyecto principal, la banda AmyJo Doh & The Spangles, presenta un directo de punk-rock a toda potencia, mientras que su faceta acústica en solitario ofrece conciertos más íntimos y versátiles, capaces de adaptarse desde un formato de guitarra sola hasta banda completa con cajón y trompeta según el escenario. Temas originales como "Museo de Jamón", "Guiri" y "No pasa nada" se han convertido en himnos underground en el circuito de Madrid. En 2026 ha mantenido una actividad constante: estrenó en directo su nuevo single y videoclip "Calle Rodas" en las Fiestas del Barrio de San Cayetano (Madrid), actuó en las Fiestas de San Lorenzo junto a Adry, y realizó una gira por Bélgica (Bruselas, Ostende, Gante) e Inglaterra (Swindon), consolidando así un recorrido internacional que combina fiestas populares, salas y circuitos independientes. Su propuesta —bilingüe, festiva y adaptable— la sitúa como un puente natural entre escenas musicales de distintos países, con un historial reciente que demuestra capacidad real de convocatoria tanto en España como fuera de ella.
Arctaña
Arctaña es un grupo de música del mundo con influencia andina y elementos de paisaje sonoro que inició su trayectoria en Talca, Chile, en 1999. Durante más de 25 años, la agrupación ha desarrollado un trabajo continuado de creación, investigación y difusión de músicas de raíz, construyendo un lenguaje artístico propio en torno a las tradiciones musicales chilenas y latinoamericanas. A lo largo de su recorrido, Arctaña ha reunido a diversos músicos y colaboradores, consolidándose como un proyecto colectivo en permanente evolución. Su trabajo se caracteriza por la utilización de instrumentos tradicionales y contemporáneos y por una investigación centrada en las posibilidades expresivas de materiales y sonidos orgánicos. Entre sus principales hitos discográficos se encuentran Ir sobre los pasos (2010) y Tiempo (2024). Este último trabajo representa una síntesis de su búsqueda artística y fue nominado a los Premios Pulsar 2026 en la categoría Premio a la Difusión de la Música de los Pueblos Originarios (máxima distinción musical de Chile). La agrupación también ha desarrollado proyectos de circulación y difusión cultural a nivel nacional. En 2025 fue seleccionada por el Fondo de la Música del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile para realizar una gira nacional, fortaleciendo su presencia en distintos territorios del país y su labor de acercamiento entre música, patrimonio y comunidad. Su trayectoria incluye además la musicalización de dos largometrajes para cine y la creación de experiencias instrumentales y educativas destinadas a acercar al público al patrimonio sonoro. Actualmente, Arctaña continúa desarrollando nueva música y ampliando un proyecto artístico que combina memoria, territorio, investigación y creación contemporánea. Música 100% hecha por humanos para humanos.
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Folclor Fusión
Folclore Fusión
Descrição
Arctaña es un grupo de música del mundo con influencia andina y elementos de paisaje sonoro que inició su trayectoria en Talca, Chile, en 1999. Durante más de 25 años, la agrupación ha desarrollado un trabajo continuado de creación, investigación y difusión de músicas de raíz, construyendo un lenguaje artístico propio en torno a las tradiciones musicales chilenas y latinoamericanas. A lo largo de su recorrido, Arctaña ha reunido a diversos músicos y colaboradores, consolidándose como un proyecto colectivo en permanente evolución. Su trabajo se caracteriza por la utilización de instrumentos tradicionales y contemporáneos y por una investigación centrada en las posibilidades expresivas de materiales y sonidos orgánicos. Entre sus principales hitos discográficos se encuentran Ir sobre los pasos (2010) y Tiempo (2024). Este último trabajo representa una síntesis de su búsqueda artística y fue nominado a los Premios Pulsar 2026 en la categoría Premio a la Difusión de la Música de los Pueblos Originarios (máxima distinción musical de Chile). La agrupación también ha desarrollado proyectos de circulación y difusión cultural a nivel nacional. En 2025 fue seleccionada por el Fondo de la Música del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile para realizar una gira nacional, fortaleciendo su presencia en distintos territorios del país y su labor de acercamiento entre música, patrimonio y comunidad. Su trayectoria incluye además la musicalización de dos largometrajes para cine y la creación de experiencias instrumentales y educativas destinadas a acercar al público al patrimonio sonoro. Actualmente, Arctaña continúa desarrollando nueva música y ampliando un proyecto artístico que combina memoria, territorio, investigación y creación contemporánea. Música 100% hecha por humanos para humanos.
Música
Caixa Cubo
O trio paulistano Caixa Cubo expande as fronteiras da herança instrumental brasileira. Reimaginando grooves da década de 1960 e 1970, o trio formado por Henrique Gomide (piano, teclado), João Fideles (bateria) e Noa Stroeter (contrabaixo) mergulha fundo na tradição da música instrumental do país, adicionando um toque mais contemporâneo. O ano de 2025 marcou a estreia do grupo pela prestigiada Far Out Recordings (Reino Unido) com o disco "Modo Avião". Em 2026, lança "Ultracooked", segundo álbum pelo selo britânico. Outros lançamentos recentes do Caixa Cubo incluem "Agôra", de 2023, com participações dos cantores Xênia França e Zé Leônidas; e "Angela", de 2020, que foi aclamado pela BBC 6 Music, por Gilles Peterson e pelo Bandcamp como um dos melhores álbuns do ano. Pelo selo Pau Brasil, lançaram "Misturada" (2014) e "Enigma" (2018), numa linguagem de piano trio inspirado no samba jazz dos anos 1960, em que homenageam mestres como Garoto, Hermeto Pascoal, Airto Moreira, Moacir Santos e Dorival Caymmi, com as participações renomadas de Nailor Proveta, Teco Cardoso e Paulo Bellinati. O Caixa Cubo já realizou mais de 500 shows em espaços e festivais como Jazzahead! em 2022 (Alemanha), Jazz à Vienne (França), Ronnie Scott's (Reino Unido), Blue Note São Paulo (Brasil), Duc des Lombards (França) e muitos outros. “ São Paulo's finest.“ – BBC6 “ Brazilian Jazz Sensation“ – Music Is My Sanctuary “ Best Albums of 2020“ – Gilles Peterson, BBC6, Bandcamp, Huey Morgan “An interaction that is rarely offered so perfectly.“ – Wolfgang Sandner, biographer of Miles Davis and Keith Jarret ''It takes flawless precision to make music sound as alive and agile as this'' – Back Seat Mafia ''Groove funky with heavy basslines and tight drum beats'' – Remezcla ''This São Paulo-based trio’s brew of electric jazz carries the torch for home-turf-heroes Azymuth'' – Bandcamp ''Musicians who have come to understand each other so well that they can just experiment in a room together and still come up with magic'' – UK VIBE “Top notch contemporary MPB at it´s best !'' – Tom Wieland (AT) ''Succinct, smart, electric and exciting, this is Caixa Cubo music'' – Back Seat Mafia
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Instrumental / Jazz Brasileiro
Soul Jazz / Jazz Funk
Descrição
O trio paulistano Caixa Cubo expande as fronteiras da herança instrumental brasileira. Reimaginando grooves da década de 1960 e 1970, o trio formado por Henrique Gomide (piano, teclado), João Fideles (bateria) e Noa Stroeter (contrabaixo) mergulha fundo na tradição da música instrumental do país, adicionando um toque mais contemporâneo. O ano de 2025 marcou a estreia do grupo pela prestigiada Far Out Recordings (Reino Unido) com o disco "Modo Avião". Em 2026, lança "Ultracooked", segundo álbum pelo selo britânico. Outros lançamentos recentes do Caixa Cubo incluem "Agôra", de 2023, com participações dos cantores Xênia França e Zé Leônidas; e "Angela", de 2020, que foi aclamado pela BBC 6 Music, por Gilles Peterson e pelo Bandcamp como um dos melhores álbuns do ano. Pelo selo Pau Brasil, lançaram "Misturada" (2014) e "Enigma" (2018), numa linguagem de piano trio inspirado no samba jazz dos anos 1960, em que homenageam mestres como Garoto, Hermeto Pascoal, Airto Moreira, Moacir Santos e Dorival Caymmi, com as participações renomadas de Nailor Proveta, Teco Cardoso e Paulo Bellinati. O Caixa Cubo já realizou mais de 500 shows em espaços e festivais como Jazzahead! em 2022 (Alemanha), Jazz à Vienne (França), Ronnie Scott's (Reino Unido), Blue Note São Paulo (Brasil), Duc des Lombards (França) e muitos outros. “ São Paulo's finest.“ – BBC6 “ Brazilian Jazz Sensation“ – Music Is My Sanctuary “ Best Albums of 2020“ – Gilles Peterson, BBC6, Bandcamp, Huey Morgan “An interaction that is rarely offered so perfectly.“ – Wolfgang Sandner, biographer of Miles Davis and Keith Jarret ''It takes flawless precision to make music sound as alive and agile as this'' – Back Seat Mafia ''Groove funky with heavy basslines and tight drum beats'' – Remezcla ''This São Paulo-based trio’s brew of electric jazz carries the torch for home-turf-heroes Azymuth'' – Bandcamp ''Musicians who have come to understand each other so well that they can just experiment in a room together and still come up with magic'' – UK VIBE “Top notch contemporary MPB at it´s best !'' – Tom Wieland (AT) ''Succinct, smart, electric and exciting, this is Caixa Cubo music'' – Back Seat Mafia
Música
Jorge Augusto Mendes Geraldo
.Jorge Augusto Mendes Geraldo é regente, artista, pesquisador e professor da Universidade Federal de Mato Grosso do Sul (UFMS). Doutor e mestre em Música e graduado em Música–Regência pela Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP), desenvolve sua trajetória artística especialmente na direção de bandas sinfônicas, conjuntos de sopros, orquestras e grupos vocais. Na UFMS, atua na formação de músicos e na concepção e direção artística de projetos que articulam performance, ensino, pesquisa e extensão. Como regente, esteve à frente de diferentes formações instrumentais e vocais, com atuação na Banda Sinfônica da UFMS e em projetos de integração entre estudantes, músicos profissionais e comunidade. Sua experiência inclui ainda trabalhos com a Banda Sinfônica União dos Artistas Ferroviários de Rio Claro, Banda Henrique Marques de Limeira, Banda Municipal de Batatais e Orquestra Sinfônica da Unicamp. Sua atuação artística é marcada pela diversidade de repertórios, abrangendo música sinfônica, repertório original para conjuntos de sopros, música coral-sinfônica, transcrições, música brasileira e produção contemporânea. À frente dos conjuntos da UFMS, tem participado da criação de concertos e projetos que aproximam a produção artística universitária da comunidade, incluindo apresentações em eventos científicos e culturais e programas voltados à formação de público. Paralelamente à atividade artística, desenvolve pesquisas nas áreas de regência, performance, práticas musicais coletivas e políticas culturais, estabelecendo diálogo entre sua produção acadêmica, a formação musical e a prática de direção artística.
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Música Sinfónica
Vocal/Coral
Descrição
.Jorge Augusto Mendes Geraldo é regente, artista, pesquisador e professor da Universidade Federal de Mato Grosso do Sul (UFMS). Doutor e mestre em Música e graduado em Música–Regência pela Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP), desenvolve sua trajetória artística especialmente na direção de bandas sinfônicas, conjuntos de sopros, orquestras e grupos vocais. Na UFMS, atua na formação de músicos e na concepção e direção artística de projetos que articulam performance, ensino, pesquisa e extensão. Como regente, esteve à frente de diferentes formações instrumentais e vocais, com atuação na Banda Sinfônica da UFMS e em projetos de integração entre estudantes, músicos profissionais e comunidade. Sua experiência inclui ainda trabalhos com a Banda Sinfônica União dos Artistas Ferroviários de Rio Claro, Banda Henrique Marques de Limeira, Banda Municipal de Batatais e Orquestra Sinfônica da Unicamp. Sua atuação artística é marcada pela diversidade de repertórios, abrangendo música sinfônica, repertório original para conjuntos de sopros, música coral-sinfônica, transcrições, música brasileira e produção contemporânea. À frente dos conjuntos da UFMS, tem participado da criação de concertos e projetos que aproximam a produção artística universitária da comunidade, incluindo apresentações em eventos científicos e culturais e programas voltados à formação de público. Paralelamente à atividade artística, desenvolve pesquisas nas áreas de regência, performance, práticas musicais coletivas e políticas culturais, estabelecendo diálogo entre sua produção acadêmica, a formação musical e a prática de direção artística.
Grupo Bantú
Cumbia Tropical
Descrição
.
Marrasa
Marrasa es un proyecto musical que explora la relación entre la tradición del Son Jarocho y los sonidos electrónicos, a través de la creación de obra original que integra elementos acústicos y electrónicos. Su propuesta parte de un profundo vínculo con la raíz, abordada desde una perspectiva actual que expande sus posibilidades sonoras y expresivas. El proyecto es liderado por la música e intérprete Lucero Farías, De Santiago Tuxtla, Veracruz, en colaboración con el músico Matías Saavedra de Punta Arenas, Chile, con quien desarrolla un proceso creativo enfocado en la experimentación sonora y la producción musical. Juntos han consolidado una línea de trabajo que da origen a un lenguaje propio denominado Electro-Jarocho, el cual propone un diálogo entre la versada cantada, los instrumentos tradicionales —como jarana, punteador, zapateado, pandero, quijada, — y herramientas de producción electrónica, generando un universo sonoro que transita entre lo ancestral y lo contemporáneo. Con 10 años de trayectoria, Marrasa ha desarrollado un camino sólido dentro de la creación musical, contando con tres producciones discográficas que reflejan la evolución de su propuesta sonora. A lo largo de este recorrido, el proyecto ha participado en diversos espacios culturales, festivales y procesos de formación artística, consolidando una identidad propia dentro de la escena actual. Paralelamente, Marrasa ha desarrollado una línea de trabajo educativo, enfocada en la transmisión y acercamiento al Son Jarocho, generando espacios de aprendizaje, creación y vinculación comunitaria desde la música. Desde una mirada femenina, Marrasa propone nuevas formas de enunciación dentro del Son Jarocho, posicionando la composición musical como un espacio de creación, reflexión y transformación. Su propuesta abre caminos para la resignificación de la tradición, proyectándola hacia nuevos contextos de escucha y circulación.
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Folclor Fusión
Nuevo Folclore
Descrição
Marrasa es un proyecto musical que explora la relación entre la tradición del Son Jarocho y los sonidos electrónicos, a través de la creación de obra original que integra elementos acústicos y electrónicos. Su propuesta parte de un profundo vínculo con la raíz, abordada desde una perspectiva actual que expande sus posibilidades sonoras y expresivas. El proyecto es liderado por la música e intérprete Lucero Farías, De Santiago Tuxtla, Veracruz, en colaboración con el músico Matías Saavedra de Punta Arenas, Chile, con quien desarrolla un proceso creativo enfocado en la experimentación sonora y la producción musical. Juntos han consolidado una línea de trabajo que da origen a un lenguaje propio denominado Electro-Jarocho, el cual propone un diálogo entre la versada cantada, los instrumentos tradicionales —como jarana, punteador, zapateado, pandero, quijada, — y herramientas de producción electrónica, generando un universo sonoro que transita entre lo ancestral y lo contemporáneo. Con 10 años de trayectoria, Marrasa ha desarrollado un camino sólido dentro de la creación musical, contando con tres producciones discográficas que reflejan la evolución de su propuesta sonora. A lo largo de este recorrido, el proyecto ha participado en diversos espacios culturales, festivales y procesos de formación artística, consolidando una identidad propia dentro de la escena actual. Paralelamente, Marrasa ha desarrollado una línea de trabajo educativo, enfocada en la transmisión y acercamiento al Son Jarocho, generando espacios de aprendizaje, creación y vinculación comunitaria desde la música. Desde una mirada femenina, Marrasa propone nuevas formas de enunciación dentro del Son Jarocho, posicionando la composición musical como un espacio de creación, reflexión y transformación. Su propuesta abre caminos para la resignificación de la tradición, proyectándola hacia nuevos contextos de escucha y circulación.
Música
Juana Zapata
Trombonista y compositora argentina cuyo perfil entrelaza la creación musical, la práctica orquestal avanzada y la gestión de las artes. Es Licenciada en Música Cinematográfica con Diploma de Honor y Técnica Universitaria en Producción Musical por la Universidad Católica Argentina (UCA), además de haberse formado en la Tecnicatura en Instrumentista Orquestal en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Como trombonista, posee una destacada trayectoria en organismos como la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín, la Orquesta Juvenil Municipal de San Martín y la Orquesta de la Universidad Nacional de Lanús, entre otras. Recientemente, se ha desempeñado como trombón bajo en la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata —con la cual colabora regularmente por programa— y ha participado en la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca. Como compositora, cuenta con un catálogo de obras estrenadas en destacados escenarios locales. Entre sus creaciones se encuentran Marionetas (2021, presentada en Gachi Prieto Galería), Los Amantes (2023, estrenada por la Orquesta Juvenil Municipal de San Martín), De Viaje (2024, escrita para la agrupación 12 Violoncellos de Buenos Aires), Fantasía para orquesta (2025, estrenada por la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional en el Auditorio Nacional del Palacio Libertad), y Paisaje (2026, para la Pequeña Orquesta). Sus hitos más recientes del 2026 incluyen la coordinación y ejecución musical de Geonnitus en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), y el estreno de Sueños, obra para cuarteto de cuerdas solista y ensamble de cuerdas comisionada para el cierre de la Residencia Artística SONARTE en el Salón Dorado del Teatro Colón. Comprometida con la educación y el desarrollo metodológico, aprobó el examen de certificación del programa de orquestas infantiles y juveniles de CABA y se desempeñó entre 2022 y 2025 como docente en la cátedra "Orquestación para Bandas Sonoras" en la UCA. Actualmente, potencia su visión estratégica cursando un MBA en Arts Innovation con el Global Leaders Institute, institución con la cual aprobó recientemente el curso Innovative Thinking Methodology durante el Summit internacional realizado en Chile.
Ver detalhesJuana Zapata
Descrição
Trombonista y compositora argentina cuyo perfil entrelaza la creación musical, la práctica orquestal avanzada y la gestión de las artes. Es Licenciada en Música Cinematográfica con Diploma de Honor y Técnica Universitaria en Producción Musical por la Universidad Católica Argentina (UCA), además de haberse formado en la Tecnicatura en Instrumentista Orquestal en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Como trombonista, posee una destacada trayectoria en organismos como la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín, la Orquesta Juvenil Municipal de San Martín y la Orquesta de la Universidad Nacional de Lanús, entre otras. Recientemente, se ha desempeñado como trombón bajo en la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata —con la cual colabora regularmente por programa— y ha participado en la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca. Como compositora, cuenta con un catálogo de obras estrenadas en destacados escenarios locales. Entre sus creaciones se encuentran Marionetas (2021, presentada en Gachi Prieto Galería), Los Amantes (2023, estrenada por la Orquesta Juvenil Municipal de San Martín), De Viaje (2024, escrita para la agrupación 12 Violoncellos de Buenos Aires), Fantasía para orquesta (2025, estrenada por la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional en el Auditorio Nacional del Palacio Libertad), y Paisaje (2026, para la Pequeña Orquesta). Sus hitos más recientes del 2026 incluyen la coordinación y ejecución musical de Geonnitus en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), y el estreno de Sueños, obra para cuarteto de cuerdas solista y ensamble de cuerdas comisionada para el cierre de la Residencia Artística SONARTE en el Salón Dorado del Teatro Colón. Comprometida con la educación y el desarrollo metodológico, aprobó el examen de certificación del programa de orquestas infantiles y juveniles de CABA y se desempeñó entre 2022 y 2025 como docente en la cátedra "Orquestación para Bandas Sonoras" en la UCA. Actualmente, potencia su visión estratégica cursando un MBA en Arts Innovation con el Global Leaders Institute, institución con la cual aprobó recientemente el curso Innovative Thinking Methodology durante el Summit internacional realizado en Chile.
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