Murga Al fin y al cabo
La murga “Al Fin y al Cabo” surge en 2024 en Montevideo como un colectivo musical y escénico que busca difundir la murga uruguaya en el marco La murga “Al Fin y al Cabo” surge en 2024 en Montevideo como un colectivo musical y escénico que busca difundir la murga uruguaya en el marco de encuentros de música popular latinoamericana. Se trata de una agrupación coral murguera integrada por artistas con trayectoria profesional en proyectos musicales y teatrales, y con diversas experiencias en el carnaval uruguayo. Desde sus inicios, “Al Fin y al Cabo” se ha propuesto generar instancias de circulación internacional del repertorio murguero popular uruguayo. En 2024 y 2025 el grupo participó en el Encuentro de Música Coral Latinoamericana en Arraial do Cabo (Brasil), realizando además presentaciones en Río de Janeiro y generando intercambios artísticos con agrupaciones corales de la región. Estos primeros pasos consolidaron al colectivo como un agente activo en la internacionalización de la murga. Perspectiva de género, diversidad e inclusión. El colectivo asume la murga como un género popular profundamente arraigado en la tradición uruguaya, pero que históricamente ha relegado la participación de mujeres y diversidades. Nuestro proyecto propone una revisión consciente de esa herencia: – La batería, tradicionalmente integrada únicamente por hombres, está conformada en nuestro grupo por dos mujeres (Ximena Bouso y Karina Abate) y un hombre (Diego Palmerola). – El rol de “cupletero”, históricamente asociado a voces masculinas, es interpretado en nuestra murga por Paola Poggi, ampliando la presencia femenina en lugares protagónicos del escenario. – En los roles técnicos y de dirección artística también hay mujeres en la toma de decisiones, como la puesta en escena a cargo de Virginia Rodríguez Olveyra. Estas decisiones artísticas son parte de una apuesta por mantener y difundir las raíces de la murga —a través de repertorios clásicos y piezas históricas— pero desde una práctica paritaria, inclusiva y diversa. Consideramos fundamental que tanto sobre el escenario como en los espacios de creación se reconozca la participación de mujeres y diversidades, equilibrando una tradición que no siempre ha dado cabida a todas las voces. Además, el colectivo está conformado por personas afrodescendientes y por integrantes de la comunidad LGBTIQ+, entendiendo que la murga, como género popular, debe ser también un espacio de representación, de apertura y de construcción colectiva que abrace la pluralidad de identidades. Trayectorias artísticas. La murga cuenta con la participación de reconocidos artistas del medio, cuyas trayectorias aportan solidez y prestigio al proyecto. El director general, Martín Cunha, es un destacado director coral y arreglador, con amplia experiencia en la dirección de ensambles vocales. El director escénico, Oscar Celis, ha trabajado en la investigación y divulgación de ritmos latinoamericanos, y ha participado como cantante, músico y director en el carnaval uruguayo en los rubros de candombe y murga. Virginia Rodríguez Olveyra, responsable de la puesta en escena y cantante del grupo, desarrolla también una reconocida labor en el teatro y la investigación escénica. La cantante Paola Poggi aporta su experiencia como intérprete en diversos proyectos musicales y teatrales, consolidando un rol central en el escenario. La batería está conformada por Diego Palmerola, Ximena Bouso y Karina Abate, músicos/as y murguistas con una gran trayectoria no sólo en el Carnaval Oficial de Montevideo sino también en diversos proyectos de música popular uruguaya, sumando su experiencia y oficio a la propuesta. Esta diversidad de recorridos artísticos garantiza la calidad y el compromiso profesional del colectivo.
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Murga
Descrição
La murga “Al Fin y al Cabo” surge en 2024 en Montevideo como un colectivo musical y escénico que busca difundir la murga uruguaya en el marco La murga “Al Fin y al Cabo” surge en 2024 en Montevideo como un colectivo musical y escénico que busca difundir la murga uruguaya en el marco de encuentros de música popular latinoamericana. Se trata de una agrupación coral murguera integrada por artistas con trayectoria profesional en proyectos musicales y teatrales, y con diversas experiencias en el carnaval uruguayo. Desde sus inicios, “Al Fin y al Cabo” se ha propuesto generar instancias de circulación internacional del repertorio murguero popular uruguayo. En 2024 y 2025 el grupo participó en el Encuentro de Música Coral Latinoamericana en Arraial do Cabo (Brasil), realizando además presentaciones en Río de Janeiro y generando intercambios artísticos con agrupaciones corales de la región. Estos primeros pasos consolidaron al colectivo como un agente activo en la internacionalización de la murga. Perspectiva de género, diversidad e inclusión. El colectivo asume la murga como un género popular profundamente arraigado en la tradición uruguaya, pero que históricamente ha relegado la participación de mujeres y diversidades. Nuestro proyecto propone una revisión consciente de esa herencia: – La batería, tradicionalmente integrada únicamente por hombres, está conformada en nuestro grupo por dos mujeres (Ximena Bouso y Karina Abate) y un hombre (Diego Palmerola). – El rol de “cupletero”, históricamente asociado a voces masculinas, es interpretado en nuestra murga por Paola Poggi, ampliando la presencia femenina en lugares protagónicos del escenario. – En los roles técnicos y de dirección artística también hay mujeres en la toma de decisiones, como la puesta en escena a cargo de Virginia Rodríguez Olveyra. Estas decisiones artísticas son parte de una apuesta por mantener y difundir las raíces de la murga —a través de repertorios clásicos y piezas históricas— pero desde una práctica paritaria, inclusiva y diversa. Consideramos fundamental que tanto sobre el escenario como en los espacios de creación se reconozca la participación de mujeres y diversidades, equilibrando una tradición que no siempre ha dado cabida a todas las voces. Además, el colectivo está conformado por personas afrodescendientes y por integrantes de la comunidad LGBTIQ+, entendiendo que la murga, como género popular, debe ser también un espacio de representación, de apertura y de construcción colectiva que abrace la pluralidad de identidades. Trayectorias artísticas. La murga cuenta con la participación de reconocidos artistas del medio, cuyas trayectorias aportan solidez y prestigio al proyecto. El director general, Martín Cunha, es un destacado director coral y arreglador, con amplia experiencia en la dirección de ensambles vocales. El director escénico, Oscar Celis, ha trabajado en la investigación y divulgación de ritmos latinoamericanos, y ha participado como cantante, músico y director en el carnaval uruguayo en los rubros de candombe y murga. Virginia Rodríguez Olveyra, responsable de la puesta en escena y cantante del grupo, desarrolla también una reconocida labor en el teatro y la investigación escénica. La cantante Paola Poggi aporta su experiencia como intérprete en diversos proyectos musicales y teatrales, consolidando un rol central en el escenario. La batería está conformada por Diego Palmerola, Ximena Bouso y Karina Abate, músicos/as y murguistas con una gran trayectoria no sólo en el Carnaval Oficial de Montevideo sino también en diversos proyectos de música popular uruguaya, sumando su experiencia y oficio a la propuesta. Esta diversidad de recorridos artísticos garantiza la calidad y el compromiso profesional del colectivo.
Tiocapone
Tiocapone é cantor, compositor e ativista sociocultural. Nascido em Rio Casca (MG) e criado em Venda Nova (Belo Horizonte), encontrou na música um caminho de resistência e expressão frente à realidade da periferia. Fundador do Instituto SôUai e da Escola de Música Uaimusic, desenvolve projetos culturais e educativos voltados para a comunidade, oferecendo oficinas gratuitas e oportunidades para jovens. Sua obra carrega forte identidade negra e periférica, misturando críticas sociais, experiências pessoais e valorização da cultura afro-brasileira. Em 2025, lança o álbum "O lado negro das coisas ”, que reafirma a voz preta como símbolo de luta e resistência.
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Alternative Rock / Indie Ii
Rap Rock, Rapcore & Funk Metal
(Early) Pop Rock & Power Pop
Descrição
Tiocapone é cantor, compositor e ativista sociocultural. Nascido em Rio Casca (MG) e criado em Venda Nova (Belo Horizonte), encontrou na música um caminho de resistência e expressão frente à realidade da periferia. Fundador do Instituto SôUai e da Escola de Música Uaimusic, desenvolve projetos culturais e educativos voltados para a comunidade, oferecendo oficinas gratuitas e oportunidades para jovens. Sua obra carrega forte identidade negra e periférica, misturando críticas sociais, experiências pessoais e valorização da cultura afro-brasileira. Em 2025, lança o álbum "O lado negro das coisas ”, que reafirma a voz preta como símbolo de luta e resistência.
Música
IN CRESCENDO cuarteto de guitarras
IN CRESCENDO ha obtenido premios en todos los concursos nacionales de música de cámara, y recibió además distinciones en festivales internacionales. En su gira por México, obtuvo el premio “Manuel M. Ponce” como grupo destacado en el prestigioso Festival Internacional de Música de Cámara de Aguascalientes siendo elegido entre más de cien grupos de América. Participó del proyecto “Buenos Aires saluda a Berlín”, con transmisión televisiva en directo a Alemania. Su primer trabajo discográfico cuenta con la participación de Haydée Seibert (violín), concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Participó del II Congreso de Cuarteto de Guitarras en la Ciudad de Bogotá (Colombia) con el mérito de “mejor cuarteto de guitarras de Latinoamérica”. Realizó giras de conciertos por toda la República Argentina, Brasil, Chile, Uruguay, Paraguay, Colombia, México, EE UU, Francia, Alemania, República Checa, España y Holanda. Ha interpretado el concierto “Andaluz” de Joaquín Rodrigo junto a la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la batuta del Maestro Pedro I. Calderón. Realizó estrenos mundiales de obras de autores argentinos y ha sido becado por el Fondo Nacional de las Artes. Su último trabajo discográfico está dedicado al centenario de Astor Piazzolla y cuenta con la participación de Daniel “Pipi” Piazzolla y Franco Luciani. Ofreció un concierto en la Sala Principal del Teatro Colón, siendo el único cuarteto de guitarras que ha obtenido esa distinción en más de cien años de historia del teatro.
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Música de Cámara
Tango
Flamenco
Descrição
IN CRESCENDO ha obtenido premios en todos los concursos nacionales de música de cámara, y recibió además distinciones en festivales internacionales. En su gira por México, obtuvo el premio “Manuel M. Ponce” como grupo destacado en el prestigioso Festival Internacional de Música de Cámara de Aguascalientes siendo elegido entre más de cien grupos de América. Participó del proyecto “Buenos Aires saluda a Berlín”, con transmisión televisiva en directo a Alemania. Su primer trabajo discográfico cuenta con la participación de Haydée Seibert (violín), concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Participó del II Congreso de Cuarteto de Guitarras en la Ciudad de Bogotá (Colombia) con el mérito de “mejor cuarteto de guitarras de Latinoamérica”. Realizó giras de conciertos por toda la República Argentina, Brasil, Chile, Uruguay, Paraguay, Colombia, México, EE UU, Francia, Alemania, República Checa, España y Holanda. Ha interpretado el concierto “Andaluz” de Joaquín Rodrigo junto a la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la batuta del Maestro Pedro I. Calderón. Realizó estrenos mundiales de obras de autores argentinos y ha sido becado por el Fondo Nacional de las Artes. Su último trabajo discográfico está dedicado al centenario de Astor Piazzolla y cuenta con la participación de Daniel “Pipi” Piazzolla y Franco Luciani. Ofreció un concierto en la Sala Principal del Teatro Colón, siendo el único cuarteto de guitarras que ha obtenido esa distinción en más de cien años de historia del teatro.
Música
Igna
Músico, compositor, productor e intérprete, nacido el 26 de agosto de 1985 en la ciudad de Montevideo, Uruguay. Luego de terminar sus estudios secundarios, cursa la carrera de diseño de sonido en Universidad ORT y en paralelo continúa sus estudios particulares de piano con Alicia Pietrafesa. Desde el 2005 forma parte de la banda Bulevar con quienes ganan el primer premio del concurso de bandas del palacio de la música en 2007, hasta su disolución en el 2009. En 2009 funda el grupo musical Mushi Mushi Orquesta, ensamble de siete personas que interpretan composiciones instrumentales propias, con un estilo que hace referencia a la música balcánica y el folclore del río de la plata. Presentándose dentro del circuito montevideano en varias ocasiones; nominados a los Premios Graffiti como Mejor Álbum de Música Instrumental. Editan tres discos de larga duración: “mushi mushi orquesta” (2010), “Otro cuerpo Otro esqueleto” (2012), “Quebrajar” (2016) y tres EP: “Pays Placenta” (2014), “A Distancia” (2020) y “Alda/Pendular” (2021),. Dentro de los conciertos más relevantes se destacan sus presentaciones en: Teatro Solís, Sala Zitarrosa, Auditorio Nacional del Sodre, compartiendo escenario con Fernando Cabrera, Joan Manuel Serrat, Mandrake Wolf, Daniel Drexler , Dani Umpi, Milongas Extremas y 4 Pesos de Propina, entre otros. También colaboraron artísticamente con el conjunto “Ojos del Cielo” liderado por Marcelo Fernandez (Buenos Muchachos) y Gustavo Antuña (Buenos Muchachos, Cuarteto de Nos), creando el show titulado “Arpegio Interior”, en el cual cruzaron lenguajes y repertorios, llevando a cabo un gran ensamble orquestal con 11 músicos en escena. Mushi Mushi Orquesta fue seleccionada y apoyada por Ibermúsicas para viajar al Festival Fora do Eixo en Fortaleza, Brasil y realizó shows en Buenos Aires, Argentina, compartiendo escenario con bandas como: Mi Amigo Invencible, Fémina, Shona, Julio y Agosto, Morbo y Mambo, etc. En 2011, fruto de sus constantes idas a Buenos Aires, Argentina, Ignacio, funda junto a Clara Trucco (Fémina) el dúo Weste donde compone, interpreta y produce. Editando hasta la fecha de hoy 4 discos de estudio: “Vísceras” (2013), “Huestes” (2017), “Abanico” (2020), “Wish Wish” (2022). Obtuvieron una nominación a los Premios Graffiti como Mejor Disco de Hip Hop por su disco “Vísceras”. Se presentaron en varios festivales de renombre como: Quilmes Rock, Personal Fest, Festival Bue, Camping, entre otros. Comparten escenario con Juana Molina en Teatro Vorterix. Weste giró por Europa en 2019 presentándose en Londres, Barcelona, y Madrid. En este momento está casi totalmente dedicado a su Proyecto solista, Ignacio bajo el nombre de “Igna”, Acaba de lanzar su último álbum, Campo de fuerza (2024) es un álbum instrumental con toda la personalidad que lo representa, donde el piano y el teclado son los protagonistas, explorando estilos cercanos al worlmusic, exótica, downtempo, sonidos ambientes y field recordings.
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Worldbeat
Descrição
Músico, compositor, productor e intérprete, nacido el 26 de agosto de 1985 en la ciudad de Montevideo, Uruguay. Luego de terminar sus estudios secundarios, cursa la carrera de diseño de sonido en Universidad ORT y en paralelo continúa sus estudios particulares de piano con Alicia Pietrafesa. Desde el 2005 forma parte de la banda Bulevar con quienes ganan el primer premio del concurso de bandas del palacio de la música en 2007, hasta su disolución en el 2009. En 2009 funda el grupo musical Mushi Mushi Orquesta, ensamble de siete personas que interpretan composiciones instrumentales propias, con un estilo que hace referencia a la música balcánica y el folclore del río de la plata. Presentándose dentro del circuito montevideano en varias ocasiones; nominados a los Premios Graffiti como Mejor Álbum de Música Instrumental. Editan tres discos de larga duración: “mushi mushi orquesta” (2010), “Otro cuerpo Otro esqueleto” (2012), “Quebrajar” (2016) y tres EP: “Pays Placenta” (2014), “A Distancia” (2020) y “Alda/Pendular” (2021),. Dentro de los conciertos más relevantes se destacan sus presentaciones en: Teatro Solís, Sala Zitarrosa, Auditorio Nacional del Sodre, compartiendo escenario con Fernando Cabrera, Joan Manuel Serrat, Mandrake Wolf, Daniel Drexler , Dani Umpi, Milongas Extremas y 4 Pesos de Propina, entre otros. También colaboraron artísticamente con el conjunto “Ojos del Cielo” liderado por Marcelo Fernandez (Buenos Muchachos) y Gustavo Antuña (Buenos Muchachos, Cuarteto de Nos), creando el show titulado “Arpegio Interior”, en el cual cruzaron lenguajes y repertorios, llevando a cabo un gran ensamble orquestal con 11 músicos en escena. Mushi Mushi Orquesta fue seleccionada y apoyada por Ibermúsicas para viajar al Festival Fora do Eixo en Fortaleza, Brasil y realizó shows en Buenos Aires, Argentina, compartiendo escenario con bandas como: Mi Amigo Invencible, Fémina, Shona, Julio y Agosto, Morbo y Mambo, etc. En 2011, fruto de sus constantes idas a Buenos Aires, Argentina, Ignacio, funda junto a Clara Trucco (Fémina) el dúo Weste donde compone, interpreta y produce. Editando hasta la fecha de hoy 4 discos de estudio: “Vísceras” (2013), “Huestes” (2017), “Abanico” (2020), “Wish Wish” (2022). Obtuvieron una nominación a los Premios Graffiti como Mejor Disco de Hip Hop por su disco “Vísceras”. Se presentaron en varios festivales de renombre como: Quilmes Rock, Personal Fest, Festival Bue, Camping, entre otros. Comparten escenario con Juana Molina en Teatro Vorterix. Weste giró por Europa en 2019 presentándose en Londres, Barcelona, y Madrid. En este momento está casi totalmente dedicado a su Proyecto solista, Ignacio bajo el nombre de “Igna”, Acaba de lanzar su último álbum, Campo de fuerza (2024) es un álbum instrumental con toda la personalidad que lo representa, donde el piano y el teclado son los protagonistas, explorando estilos cercanos al worlmusic, exótica, downtempo, sonidos ambientes y field recordings.
Música
Manuela Weller
Mi recorrido musical comenzó con una sólida formación académica en el Conservatorio J.J. Castro y se enriqueció con estudios en el Profesorado de Violoncello en la Escuela Juan Pedro Esnaola. Bajo la guía de reconocidos maestros como André Mouroux, María Teresa Fainstein Day, José Araujo y Pablo Bercellini, consolidé una base técnica que luego expandí hacia territorios más amplios, incorporando el violoncello popular y la improvisación libre con referentes nacionales e internacionales como Itiberé Zwarg, Carol Panesi, Ramiro Zarate y Martín Melendez entre otros. Mi constante búpsueda me llevó a profundizar en cursos y talleres en Argentina, Brasil, entre ellos el Curso de Cuerdas Populares Brasileñas en Curitiba, donde la música popular y la improvisación fueron un espacio central de investigación y crecimiento artístico. Paralelamente desarrollé una amplia experiencia docente en instituciones educativas, programas de orquestas escuela y proyectos comunitarios, combinando la enseñanza del repertorio académico con propuestas creativas y colectivas. He dictado clases particulares, talleres de violonchelo, cuerdas y audioperceptiva, y fui beneficiaria de la Beca de Formadores del Fondo Nacional de las Artes en 2021, que me permitió diseñar un seminario de violoncello en Trevelin, Chubut, con continuidad en años posteriores. Mi labor pedagógica se orienta a generar instancias de aprendizaje integradoras, donde la improvisación —tanto en el repertorio académico como en la música popular— se convierte en una herramienta de expresión y libertad musical. En el plano artístico, participé en proyectos escénicos, teatrales y musicales de gran diversidad, que incluyen giras nacionales e internacionales, festivales y colaboraciones con artistas como Fito Páez, el grupo Mayumana y compañías como Cirque du Soleil. Formé parte de ensambles dirigidos por Marcelo Katz y Marcelo Moguilevsky, explorando la música dirigida por señas, la sonorización de cine mudo y la creación colectiva. También integré grupos como Karenautas Ensamble y Desarmadero, y colaboré como sesionista en grabaciones, música en vivo y compuse la música original para varias obras de teatro. Toda mi trayectoria está atravesada por una búsqueda constante de nuevos lenguajes, en los que la improvisación libre y popular ocupa un lugar central como motor creativo y puente entre la música, la investigación y la docencia
Ver detalhesManuela Weller
Descrição
Mi recorrido musical comenzó con una sólida formación académica en el Conservatorio J.J. Castro y se enriqueció con estudios en el Profesorado de Violoncello en la Escuela Juan Pedro Esnaola. Bajo la guía de reconocidos maestros como André Mouroux, María Teresa Fainstein Day, José Araujo y Pablo Bercellini, consolidé una base técnica que luego expandí hacia territorios más amplios, incorporando el violoncello popular y la improvisación libre con referentes nacionales e internacionales como Itiberé Zwarg, Carol Panesi, Ramiro Zarate y Martín Melendez entre otros. Mi constante búpsueda me llevó a profundizar en cursos y talleres en Argentina, Brasil, entre ellos el Curso de Cuerdas Populares Brasileñas en Curitiba, donde la música popular y la improvisación fueron un espacio central de investigación y crecimiento artístico. Paralelamente desarrollé una amplia experiencia docente en instituciones educativas, programas de orquestas escuela y proyectos comunitarios, combinando la enseñanza del repertorio académico con propuestas creativas y colectivas. He dictado clases particulares, talleres de violonchelo, cuerdas y audioperceptiva, y fui beneficiaria de la Beca de Formadores del Fondo Nacional de las Artes en 2021, que me permitió diseñar un seminario de violoncello en Trevelin, Chubut, con continuidad en años posteriores. Mi labor pedagógica se orienta a generar instancias de aprendizaje integradoras, donde la improvisación —tanto en el repertorio académico como en la música popular— se convierte en una herramienta de expresión y libertad musical. En el plano artístico, participé en proyectos escénicos, teatrales y musicales de gran diversidad, que incluyen giras nacionales e internacionales, festivales y colaboraciones con artistas como Fito Páez, el grupo Mayumana y compañías como Cirque du Soleil. Formé parte de ensambles dirigidos por Marcelo Katz y Marcelo Moguilevsky, explorando la música dirigida por señas, la sonorización de cine mudo y la creación colectiva. También integré grupos como Karenautas Ensamble y Desarmadero, y colaboré como sesionista en grabaciones, música en vivo y compuse la música original para varias obras de teatro. Toda mi trayectoria está atravesada por una búsqueda constante de nuevos lenguajes, en los que la improvisación libre y popular ocupa un lugar central como motor creativo y puente entre la música, la investigación y la docencia
Cuervo Rojo
Cuervo Rojo es una banda bogotana de rock nacida en la Escuela de Rock de la Universidad Pedagógica Nacional. Su propuesta mezcla blues, metal, ska, punk y hard rock, con un fuerte compromiso social y político. Desde 2018 se ha consolidado como una voz de resistencia en la escena musical, con discos como Miserable Felicidad y Nunk Más, y presentaciones en festivales, universidades y escenarios de protesta social. Con un estilo rebelde y contestatario, Cuervo Rojo apuesta por la música como herramienta para la transformación social y expresión colectiva.
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Punk Rock
Ska Revival (2-Tone), Ska Punk & Skacore
Descrição
Cuervo Rojo es una banda bogotana de rock nacida en la Escuela de Rock de la Universidad Pedagógica Nacional. Su propuesta mezcla blues, metal, ska, punk y hard rock, con un fuerte compromiso social y político. Desde 2018 se ha consolidado como una voz de resistencia en la escena musical, con discos como Miserable Felicidad y Nunk Más, y presentaciones en festivales, universidades y escenarios de protesta social. Con un estilo rebelde y contestatario, Cuervo Rojo apuesta por la música como herramienta para la transformación social y expresión colectiva.
Música
El Awelo Miranda y la Jarana del Concolón
El Awelo Miranda y La Jarana del Concolón es una propuesta musical vibrante que fusiona el sabor criollo del vals peruano . A través de composiciones originales llenas de fiesta, picardía y raíz popular, el proyecto celebra la herencia cultural del Perú con una mirada fresca y actual. Su música invita al baile y al encuentro intergeneracional, buscando reunir a niños, jóvenes y adultos en una experiencia de música familiar que trasciende generaciones. Con un lenguaje festivo, comunitario y profundamente identitario, La Jarana del Concolón propone llevar la tradición de la jarana más allá de las fronteras y conectar con públicos diversos en un espíritu de celebración compartida. Awelo Miranda es cantautor, productor y creador escénico peruano con una trayectoria dedicada a la música popular y a la creación de proyectos que conectan arte, identidad y comunidad. Ha desarrollado propuestas que combinan tradición y contemporaneidad, entre ellas Colectivo Circo Band, Las Pequeñas Aventuras de Juanito y su Bicicleta Amarilla, Yo No Quiero Pantallas, Si Yo Fuera Bruja, Abrázame y La Jarana del Concolón, explorando lenguajes musicales diversos que van desde el vals y la canción de autor hasta fusiones con ritmos afroperuanos y latinoamericanos. Su trabajo se caracteriza por un enfoque social y educativo, buscando generar experiencias musicales que convoquen a públicos de distintas generaciones y contextos, tanto en escenarios culturales como en espacios comunitarios.
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Vals Criollo
Landó
Folclor Fusión
Descrição
El Awelo Miranda y La Jarana del Concolón es una propuesta musical vibrante que fusiona el sabor criollo del vals peruano . A través de composiciones originales llenas de fiesta, picardía y raíz popular, el proyecto celebra la herencia cultural del Perú con una mirada fresca y actual. Su música invita al baile y al encuentro intergeneracional, buscando reunir a niños, jóvenes y adultos en una experiencia de música familiar que trasciende generaciones. Con un lenguaje festivo, comunitario y profundamente identitario, La Jarana del Concolón propone llevar la tradición de la jarana más allá de las fronteras y conectar con públicos diversos en un espíritu de celebración compartida. Awelo Miranda es cantautor, productor y creador escénico peruano con una trayectoria dedicada a la música popular y a la creación de proyectos que conectan arte, identidad y comunidad. Ha desarrollado propuestas que combinan tradición y contemporaneidad, entre ellas Colectivo Circo Band, Las Pequeñas Aventuras de Juanito y su Bicicleta Amarilla, Yo No Quiero Pantallas, Si Yo Fuera Bruja, Abrázame y La Jarana del Concolón, explorando lenguajes musicales diversos que van desde el vals y la canción de autor hasta fusiones con ritmos afroperuanos y latinoamericanos. Su trabajo se caracteriza por un enfoque social y educativo, buscando generar experiencias musicales que convoquen a públicos de distintas generaciones y contextos, tanto en escenarios culturales como en espacios comunitarios.
Fitasha
Fitasha (Montserrat Vilaplana) es una artista independiente bilingüe radicada en Madrid que fusiona rap, neo-soul, jazz y R&B en una propuesta única que mezcla flows líricos con una voz melódica poderosa. Compositora y productora de su propio proyecto, ha construido una carrera marcada por la autenticidad y la experimentación sonora, consolidándose como una de las voces emergentes más originales de la escena urbana ibérica. Su música ha sido destacada en medios como Rolling Stone y la ha llevado a presentarse en escenarios de referencia en España y Reino Unido, incluyendo el Notting Hill Arts Club (Londres), Jamboree Jazz Club (Barcelona), Festival Cuevas de Nerja, Sala Sótano (Madrid) o Sofar Sounds en Bristol y MiamiCon una discografía que incluye el LP RUSH y singles recientes como Mi Bolero, Tequila con Pomelo y Amor Caro, Fitasha combina la sensibilidad poética en español e inglés con producciones innovadoras que dialogan con lo global sin perder raíz local. Actualmente se encuentra en plena expansión internacional, con un proyecto enfocado en Latinoamérica y Estados Unidos, donde ya cuenta con una base creciente de seguidores (Sobretodo en México, Argentina y Chile) Su trayectoria refleja el compromiso con la independencia creativa, el desarrollo de comunidad y la búsqueda de nuevos lenguajes entre el rap y el soul contemporáneo.
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Urban Breaks (Nu R&B Ii)
Jazz Rap / Native Tongue
Neo Soul / Nu Soul
Urban Soul / Pop (Nu R&B I)
Reggaetón & Latin Rap
Descrição
Fitasha (Montserrat Vilaplana) es una artista independiente bilingüe radicada en Madrid que fusiona rap, neo-soul, jazz y R&B en una propuesta única que mezcla flows líricos con una voz melódica poderosa. Compositora y productora de su propio proyecto, ha construido una carrera marcada por la autenticidad y la experimentación sonora, consolidándose como una de las voces emergentes más originales de la escena urbana ibérica. Su música ha sido destacada en medios como Rolling Stone y la ha llevado a presentarse en escenarios de referencia en España y Reino Unido, incluyendo el Notting Hill Arts Club (Londres), Jamboree Jazz Club (Barcelona), Festival Cuevas de Nerja, Sala Sótano (Madrid) o Sofar Sounds en Bristol y MiamiCon una discografía que incluye el LP RUSH y singles recientes como Mi Bolero, Tequila con Pomelo y Amor Caro, Fitasha combina la sensibilidad poética en español e inglés con producciones innovadoras que dialogan con lo global sin perder raíz local. Actualmente se encuentra en plena expansión internacional, con un proyecto enfocado en Latinoamérica y Estados Unidos, donde ya cuenta con una base creciente de seguidores (Sobretodo en México, Argentina y Chile) Su trayectoria refleja el compromiso con la independencia creativa, el desarrollo de comunidad y la búsqueda de nuevos lenguajes entre el rap y el soul contemporáneo.
Música
Universidad Complutense de Madrid
Soy Profesor Ayudante Doctor en el Departamento de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid. Mi labor de investigación se centra en el estudio de las redes musicales en el espacio atlántico entre 1750 y 1830, con especial énfasis en los procesos de transferencia cultural en torno a la ópera entre América Latina y Europa. Obtuve el grado de Máster en Musicología por la Universidad de Milán y, en 2018, me incorporé a la Facultad de Música de la Universidad de Cambridge como investigador doctoral, desarrollando un proyecto dedicado a analizar la presencia y la influencia de Manuel García en México durante el periodo 1826–1828. En 2023 fui galardonado con una beca posdoctoral del Irish Research Council para llevar a cabo, en el Departamento de Música de University College Dublin, un proyecto de investigación sobre la ópera y la modernidad en los últimos años del Imperio español. Mis trabajos han sido publicados por editoriales de reconocido prestigio, como Cambridge University Press, Routledge, University of California Press y Hollitzer, entre otras. He recibido diversos premios académicos internacionales de gran relevancia, entre los que destacan el IMS Outstanding Dissertation Award (2024), el Premio Tesi Rossiniane otorgado por la Fondazione Rossini (Pesaro) y el Primer Premio del Concurso Otto Mayer-Serra (University of California – Riverside) a la mejor investigación musicológica sobre América Latina. Asimismo, colaboro de manera regular con instituciones académicas (Accademia Musicale Chigiana de Siena) festivales (Festival de Música Renacentista y Barrocas Misiones de Chiquitos) y orquestas sinfónicas (Orquesta Sinfónica de Milán) en calidad de musicólogo y crítico musical, fomentando el diálogo interdisciplinar y la difusión del conocimiento musicológico a nivel internacional.
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Descrição
Soy Profesor Ayudante Doctor en el Departamento de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid. Mi labor de investigación se centra en el estudio de las redes musicales en el espacio atlántico entre 1750 y 1830, con especial énfasis en los procesos de transferencia cultural en torno a la ópera entre América Latina y Europa. Obtuve el grado de Máster en Musicología por la Universidad de Milán y, en 2018, me incorporé a la Facultad de Música de la Universidad de Cambridge como investigador doctoral, desarrollando un proyecto dedicado a analizar la presencia y la influencia de Manuel García en México durante el periodo 1826–1828. En 2023 fui galardonado con una beca posdoctoral del Irish Research Council para llevar a cabo, en el Departamento de Música de University College Dublin, un proyecto de investigación sobre la ópera y la modernidad en los últimos años del Imperio español. Mis trabajos han sido publicados por editoriales de reconocido prestigio, como Cambridge University Press, Routledge, University of California Press y Hollitzer, entre otras. He recibido diversos premios académicos internacionales de gran relevancia, entre los que destacan el IMS Outstanding Dissertation Award (2024), el Premio Tesi Rossiniane otorgado por la Fondazione Rossini (Pesaro) y el Primer Premio del Concurso Otto Mayer-Serra (University of California – Riverside) a la mejor investigación musicológica sobre América Latina. Asimismo, colaboro de manera regular con instituciones académicas (Accademia Musicale Chigiana de Siena) festivales (Festival de Música Renacentista y Barrocas Misiones de Chiquitos) y orquestas sinfónicas (Orquesta Sinfónica de Milán) en calidad de musicólogo y crítico musical, fomentando el diálogo interdisciplinar y la difusión del conocimiento musicológico a nivel internacional.
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