Palhaça Sim Sinhô
O Palhaças Sim Sinhô é um coletivo formado por mulheres artistas que pesquisa e desenvolve trabalhos nas linguagens da palhaçaria, circo, teatro, música e cultura popular. Integrado pelas artistas Kátina Sousa (Palhaça Edufina), Dani Maimoni, Suelen Zacharias e Danila Meloni, o grupo valoriza o protagonismo feminino na comicidade e a presença das mulheres no universo da palhaçaria. O coletivo realiza espetáculos, intervenções, vivências e ações culturais em diferentes espaços, aproximando a arte do público e promovendo encontros por meio do humor, da música e da linguagem circense. Sua trajetória também inclui circulação e intercâmbios culturais, fortalecendo a palhaçaria feminina brasileira e o diálogo com artistas e festivais de outros territórios.
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Descrição
O Palhaças Sim Sinhô é um coletivo formado por mulheres artistas que pesquisa e desenvolve trabalhos nas linguagens da palhaçaria, circo, teatro, música e cultura popular. Integrado pelas artistas Kátina Sousa (Palhaça Edufina), Dani Maimoni, Suelen Zacharias e Danila Meloni, o grupo valoriza o protagonismo feminino na comicidade e a presença das mulheres no universo da palhaçaria. O coletivo realiza espetáculos, intervenções, vivências e ações culturais em diferentes espaços, aproximando a arte do público e promovendo encontros por meio do humor, da música e da linguagem circense. Sua trajetória também inclui circulação e intercâmbios culturais, fortalecendo a palhaçaria feminina brasileira e o diálogo com artistas e festivais de outros territórios.
Celeste Acevedo, Investigadora interdisciplinaria especializada en rescate documental e historia sociocultural de la música
EDUCACIÓN – Licenciada en Música con énfasis en Investigación, Universidad Nacional de Asunción – UNA Paraguay – Licenciada en Biología – UNA Paraguay – Máster en Administración de Empresas, MBA, Universidad Católica Nuestra Sra. de la Asunción (Paraguay) + INCAE (Costa Rica) – Maestranda en Historia, UNA PY – Doctoranda en Educación Superior, UNA PY – Profesora Superior de Piano – Cursos de Gestión Cultural, Museología y Museografía, Archivología, Experiencia Profesional – Docente de Grado y Posgrado UNA PY – Directora y Docente de la Escuela de Música Suzuki – Paraguay (fundadora y propietaria desde 2006) – Manager 2013-2025 de JEHEKÁ Ensamble Vocal e Instrumental Paraguayo de World Music – Producción, Dirección, Guionado, Textos de más de 10 audiovisuales en las áreas de ambiente y música. – Escritora de Cuentos, y con una antología de cuentos en preparación – Desarrollo de investigaciones musicológicas e históricas – Premios Individuales: Joven Sobresaliente por la Cámara Junior de Asunción (1991), Mención Honorífica Premios Rolex (Ginebra) (1991), Premio Carau Dorado, Fundación Vida Silvestre Argentina (1992), Premio Mejor Educadora Musical Fundación ALAS /BID (2012) – Premios con JEHEKA: Primer Lugar 38vo Festival del Takuare´é (2015 Paraguay), Primer Lugar 17mo Festival Folklórico Universitario Aranduká (2015, Paraguay) Premio Macurutú de Oro, premio del público, Tayrona Music Fest (2017, Santa Marta, Colombia), Reconocimiento a la trayectoria artística, en el 2025 por la Fundación ITAU PY. – Consultora Nacional e Internacional para organismos internacionales en el tema ambiental: PNUD, WWF, CATIE, The Nature Conservancy – Funcionario Público del gobierno paraguayo por 25 años en el área ambiental con responsabilidades Directivas y representativas ante foros internacionales.
Ver detalhesCeleste Acevedo, Investigadora interdisciplinaria especializada en rescate documental e historia sociocultural de la música
Descrição
EDUCACIÓN – Licenciada en Música con énfasis en Investigación, Universidad Nacional de Asunción – UNA Paraguay – Licenciada en Biología – UNA Paraguay – Máster en Administración de Empresas, MBA, Universidad Católica Nuestra Sra. de la Asunción (Paraguay) + INCAE (Costa Rica) – Maestranda en Historia, UNA PY – Doctoranda en Educación Superior, UNA PY – Profesora Superior de Piano – Cursos de Gestión Cultural, Museología y Museografía, Archivología, Experiencia Profesional – Docente de Grado y Posgrado UNA PY – Directora y Docente de la Escuela de Música Suzuki – Paraguay (fundadora y propietaria desde 2006) – Manager 2013-2025 de JEHEKÁ Ensamble Vocal e Instrumental Paraguayo de World Music – Producción, Dirección, Guionado, Textos de más de 10 audiovisuales en las áreas de ambiente y música. – Escritora de Cuentos, y con una antología de cuentos en preparación – Desarrollo de investigaciones musicológicas e históricas – Premios Individuales: Joven Sobresaliente por la Cámara Junior de Asunción (1991), Mención Honorífica Premios Rolex (Ginebra) (1991), Premio Carau Dorado, Fundación Vida Silvestre Argentina (1992), Premio Mejor Educadora Musical Fundación ALAS /BID (2012) – Premios con JEHEKA: Primer Lugar 38vo Festival del Takuare´é (2015 Paraguay), Primer Lugar 17mo Festival Folklórico Universitario Aranduká (2015, Paraguay) Premio Macurutú de Oro, premio del público, Tayrona Music Fest (2017, Santa Marta, Colombia), Reconocimiento a la trayectoria artística, en el 2025 por la Fundación ITAU PY. – Consultora Nacional e Internacional para organismos internacionales en el tema ambiental: PNUD, WWF, CATIE, The Nature Conservancy – Funcionario Público del gobierno paraguayo por 25 años en el área ambiental con responsabilidades Directivas y representativas ante foros internacionales.
Acauã
A Acauã pratica a aproximação através da música. Nossa música nasce da escuta e do encontro: entre músicos, ritmos, territórios, histórias e pessoas. Escutar é se envolver. É estar presente, perceber o outro e permitir que cada encontro transforme a experiência. Entendemos a música como um espaço vivo de troca. O improviso é presença, escuta e resposta. Cada músico traz sua história, cada território acrescenta novas perspectivas e cada pessoa presente participa da construção daquele momento. Por isso chamamos o que acontece no palco de Espetáculo. Música, silêncio, movimento, palavra, improvisação, intensidade e pausa constroem uma narrativa de sensações. Músicos, público e espaço tornam-se protagonistas de uma mesma experiência. A obra só existe completamente quando todos esses protagonistas estão presentes. Nossa linguagem parte da diversidade da música brasileira. Samba, maracatu, ijexá, axé e coco encontram a liberdade de improvisação do jazz, o balanço latino e as experiências individuais de seus integrantes. A tradição é matéria viva: escutamos o que veio antes para criar a partir do presente e estabelecer diálogos com outros territórios e culturas. A circulação é, para nós, uma extensão desse princípio. Cada cidade, país e público transforma a música e amplia seu significado. Ao atravessar fronteiras, buscamos criar intercâmbios com artistas e comunidades locais, compartilhar conhecimentos e aproximar diferentes expressões culturais. Esse encontro também pode ultrapassar o palco através de masterclasses, oficinas e atividades formativas, nas quais compartilhamos ritmos brasileiros, processos de composição, improvisação e práticas de escuta, criando espaços de troca entre músicos, estudantes e comunidades dos territórios por onde circulamos. Buscamos a melhor expressão musical quando ela está a serviço da emoção, da presença e do encontro. Técnica, improvisação e composição ganham sentido quando aproximam quem toca de quem escuta. Queremos que cada apresentação deixe algo em quem esteve ali — uma sensação, uma pergunta, uma memória, uma vontade de escutar de outra maneira — e que cada território também deixe algo em nós. A Acauã pratica a aproximação através da música. Tudo o que aproximamos transforma.
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Instrumental / Jazz Brasileiro
Afrobrasileiro
Descrição
A Acauã pratica a aproximação através da música. Nossa música nasce da escuta e do encontro: entre músicos, ritmos, territórios, histórias e pessoas. Escutar é se envolver. É estar presente, perceber o outro e permitir que cada encontro transforme a experiência. Entendemos a música como um espaço vivo de troca. O improviso é presença, escuta e resposta. Cada músico traz sua história, cada território acrescenta novas perspectivas e cada pessoa presente participa da construção daquele momento. Por isso chamamos o que acontece no palco de Espetáculo. Música, silêncio, movimento, palavra, improvisação, intensidade e pausa constroem uma narrativa de sensações. Músicos, público e espaço tornam-se protagonistas de uma mesma experiência. A obra só existe completamente quando todos esses protagonistas estão presentes. Nossa linguagem parte da diversidade da música brasileira. Samba, maracatu, ijexá, axé e coco encontram a liberdade de improvisação do jazz, o balanço latino e as experiências individuais de seus integrantes. A tradição é matéria viva: escutamos o que veio antes para criar a partir do presente e estabelecer diálogos com outros territórios e culturas. A circulação é, para nós, uma extensão desse princípio. Cada cidade, país e público transforma a música e amplia seu significado. Ao atravessar fronteiras, buscamos criar intercâmbios com artistas e comunidades locais, compartilhar conhecimentos e aproximar diferentes expressões culturais. Esse encontro também pode ultrapassar o palco através de masterclasses, oficinas e atividades formativas, nas quais compartilhamos ritmos brasileiros, processos de composição, improvisação e práticas de escuta, criando espaços de troca entre músicos, estudantes e comunidades dos territórios por onde circulamos. Buscamos a melhor expressão musical quando ela está a serviço da emoção, da presença e do encontro. Técnica, improvisação e composição ganham sentido quando aproximam quem toca de quem escuta. Queremos que cada apresentação deixe algo em quem esteve ali — uma sensação, uma pergunta, uma memória, uma vontade de escutar de outra maneira — e que cada território também deixe algo em nós. A Acauã pratica a aproximação através da música. Tudo o que aproximamos transforma.
LAOS
LAOS Latinoamérica Ópera Studio es una institución dedicada al desarrollo, promoción y producción del arte lírico en Latinoamérica, con una visión orientada a la formación integral de cantantes y a la creación de propuestas operísticas de calidad artística y escénica. Desde su constitución, LAOS ha desarrollado una actividad artística enfocada en generar espacios de encuentro entre intérpretes, músicos, directores y creadores de diferentes países, fortaleciendo la colaboración y el intercambio cultural dentro de la comunidad lírica latinoamericana. Su trabajo se distingue por integrar la formación vocal, musical y escénica con una concepción contemporánea de la ópera, entendida como un lenguaje artístico vivo, capaz de dialogar con el público actual y con las distintas realidades culturales de Latinoamérica. En este sentido, LAOS impulsa proyectos que combinan el repertorio tradicional con nuevas lecturas escénicas y propuestas que ponen en valor la identidad musical y cultural de la región. Entre sus proyectos artísticos destaca la producción de Rita de Gaetano Donizetti, proyecto que reunió a intérpretes de México, Costa Rica y Guatemala en colaboración con instituciones y músicos mexicanos. Esta experiencia consolidó la vocación de LAOS como espacio de cooperación artística internacional y como plataforma para la participación de cantantes latinoamericanos en producciones profesionales. De manera paralela, LAOS ha desarrollado propuestas vinculadas con la música mexicana y latinoamericana, incorporando repertorio de tradición popular y folclórica dentro de nuevas experiencias de interpretación y producción escénica y audiovisual. Con ello, la institución busca ampliar los espacios de difusión del canto lírico y establecer un diálogo entre la tradición operística y el patrimonio musical latinoamericano. La actividad de LAOS comprende producciones operísticas, conciertos, proyectos audiovisuales, talleres, clases magistrales y programas de formación, dirigidos tanto a cantantes en proceso de profesionalización como a intérpretes con experiencia. Su trayectoria se construye sobre una visión clara: formar artistas, producir proyectos de calidad y establecer vínculos entre México y Latinoamérica. A través de esta labor, LAOS contribuye al fortalecimiento del canto lírico y a la creación de nuevas oportunidades para jóvenes intérpretes, promoviendo una ópera más cercana, dinámica y representativa de la diversidad cultural latinoamericana. Actualmente, LAOS Latinoamérica Ópera Studio se proyecta como una plataforma de formación, creación y producción artística, con vocación internacional y con el compromiso de impulsar nuevas generaciones de cantantes y creadores que encuentren en la ópera un espacio de expresión, identidad y transformación cultural.
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Opera
Vocal/Coral
Bolero
Descrição
LAOS Latinoamérica Ópera Studio es una institución dedicada al desarrollo, promoción y producción del arte lírico en Latinoamérica, con una visión orientada a la formación integral de cantantes y a la creación de propuestas operísticas de calidad artística y escénica. Desde su constitución, LAOS ha desarrollado una actividad artística enfocada en generar espacios de encuentro entre intérpretes, músicos, directores y creadores de diferentes países, fortaleciendo la colaboración y el intercambio cultural dentro de la comunidad lírica latinoamericana. Su trabajo se distingue por integrar la formación vocal, musical y escénica con una concepción contemporánea de la ópera, entendida como un lenguaje artístico vivo, capaz de dialogar con el público actual y con las distintas realidades culturales de Latinoamérica. En este sentido, LAOS impulsa proyectos que combinan el repertorio tradicional con nuevas lecturas escénicas y propuestas que ponen en valor la identidad musical y cultural de la región. Entre sus proyectos artísticos destaca la producción de Rita de Gaetano Donizetti, proyecto que reunió a intérpretes de México, Costa Rica y Guatemala en colaboración con instituciones y músicos mexicanos. Esta experiencia consolidó la vocación de LAOS como espacio de cooperación artística internacional y como plataforma para la participación de cantantes latinoamericanos en producciones profesionales. De manera paralela, LAOS ha desarrollado propuestas vinculadas con la música mexicana y latinoamericana, incorporando repertorio de tradición popular y folclórica dentro de nuevas experiencias de interpretación y producción escénica y audiovisual. Con ello, la institución busca ampliar los espacios de difusión del canto lírico y establecer un diálogo entre la tradición operística y el patrimonio musical latinoamericano. La actividad de LAOS comprende producciones operísticas, conciertos, proyectos audiovisuales, talleres, clases magistrales y programas de formación, dirigidos tanto a cantantes en proceso de profesionalización como a intérpretes con experiencia. Su trayectoria se construye sobre una visión clara: formar artistas, producir proyectos de calidad y establecer vínculos entre México y Latinoamérica. A través de esta labor, LAOS contribuye al fortalecimiento del canto lírico y a la creación de nuevas oportunidades para jóvenes intérpretes, promoviendo una ópera más cercana, dinámica y representativa de la diversidad cultural latinoamericana. Actualmente, LAOS Latinoamérica Ópera Studio se proyecta como una plataforma de formación, creación y producción artística, con vocación internacional y con el compromiso de impulsar nuevas generaciones de cantantes y creadores que encuentren en la ópera un espacio de expresión, identidad y transformación cultural.
La Catarsis
La Catarsis es un colectivo de improvisación de Buenos Aires que crea música en tiempo real. A través del Lenguaje de Ritmo con Señas, se coordinan improvisaciones colectivas donde músicos y público crean la obra en el momento. Proponen shows, talleres de formación, jams abiertas, y organizan encuentros culturales que cruzan la música popular con la performance y la participación comunitaria. Desde hace más de 10 años La Catarsis funciona de manera estable en el Conventillo Cultural Abasto y realiza actividades eventuales en diversos espacios culturales y educativos de la ciudad y el conurbano de Buenos Aires. En el marco de “La Catarsis en Territorio” – proyecto ganador de la Beca Creación 2023 del Fondo Nacional de las Artes – se realizaron numerosas actividades itinerantes, con perspectiva situada y federal en barrios populares y espacios comunitarios de zonas rurales: Gira Federal 2024: Mendoza, La Rioja, San Juan, Santiago del Estero, Córdoba y Entre Ríos. Gira Entre Ríos 2023: Gualeguaychú y Diamante. Gira Córdoba 2022: San Marcos Sierras, Capilla del Monte, Tanti y Cabalango. Giras internacionales: 2026 Valizas y Punta de Diablo (Uruguay) 2023 Barrio La Capuera, Maldonado (Uruguay)
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Folklore Sudamericano
Afrobeat
Folclore Fusión
Afro
Fusion / Jazz Rock
Descrição
La Catarsis es un colectivo de improvisación de Buenos Aires que crea música en tiempo real. A través del Lenguaje de Ritmo con Señas, se coordinan improvisaciones colectivas donde músicos y público crean la obra en el momento. Proponen shows, talleres de formación, jams abiertas, y organizan encuentros culturales que cruzan la música popular con la performance y la participación comunitaria. Desde hace más de 10 años La Catarsis funciona de manera estable en el Conventillo Cultural Abasto y realiza actividades eventuales en diversos espacios culturales y educativos de la ciudad y el conurbano de Buenos Aires. En el marco de “La Catarsis en Territorio” – proyecto ganador de la Beca Creación 2023 del Fondo Nacional de las Artes – se realizaron numerosas actividades itinerantes, con perspectiva situada y federal en barrios populares y espacios comunitarios de zonas rurales: Gira Federal 2024: Mendoza, La Rioja, San Juan, Santiago del Estero, Córdoba y Entre Ríos. Gira Entre Ríos 2023: Gualeguaychú y Diamante. Gira Córdoba 2022: San Marcos Sierras, Capilla del Monte, Tanti y Cabalango. Giras internacionales: 2026 Valizas y Punta de Diablo (Uruguay) 2023 Barrio La Capuera, Maldonado (Uruguay)
Grogue
O Grogue é uma banda brasileira de música autoral com trajetória consolidada no circuito independente e atuação marcada pela intensa produção artística, circulação nacional e experiência internacional. Ao longo de sua carreira, o grupo desenvolveu uma identidade musical própria e construiu uma trajetória profissional baseada na criação autoral, na realização de apresentações ao vivo e na aproximação com diferentes públicos, territórios e cenas culturais. Com mais de 500 shows realizados, o Grogue possui ampla experiência de circulação e atuação profissional. No Brasil, a banda já levou seu trabalho aos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, Minas Gerais, Espírito Santo, Rio de Janeiro e São Paulo, estabelecendo uma presença significativa em diferentes regiões do país e ampliando continuamente sua rede de público, parceiros e agentes do setor cultural. A internacionalização é igualmente relevante na trajetória do grupo. O Grogue já realizou apresentações em cinco países ibero-americanos — Uruguai, Chile, Argentina, Paraguai e México —, desenvolvendo experiências de intercâmbio artístico e cultural com diferentes contextos da América Latina. Essa circulação internacional representa não apenas a expansão territorial da carreira da banda, mas também a possibilidade de diálogo entre a produção musical brasileira e outras cenas independentes do espaço ibero-americano. No campo da criação, o Grogue possui um repertório autoral expressivo, com mais de 80 músicas gravadas. A produção fonográfica constitui um dos principais pilares da trajetória do grupo e evidencia a continuidade de seu processo criativo, a capacidade de produção e a construção de uma obra artística própria ao longo dos anos. A experiência acumulada em mais de 500 apresentações, associada à produção de mais de 80 músicas gravadas e à circulação por sete estados brasileiros e cinco países ibero-americanos, demonstra a capacidade do Grogue de desenvolver, executar e sustentar um projeto artístico de alcance nacional e internacional. Esses números refletem uma trajetória construída por meio de atuação contínua, formação de público, circulação independente e inserção em diferentes territórios culturais. Nesse contexto, a participação em iniciativas de cooperação e intercâmbio do espaço ibero-americano representa uma continuidade natural da trajetória do Grogue. A experiência prévia em países como Uruguai, Chile, Argentina, Paraguai e México constitui uma base concreta para o aprofundamento das relações culturais com a América Latina, possibilitando novas conexões entre artistas, produtores, espaços culturais e públicos. O Grogue mantém como eixo de sua trajetória a música autoral, a circulação, o intercâmbio cultural e a expansão de seu público, buscando ampliar sua presença no cenário ibero-americano e fortalecer a integração entre a produção musical brasileira e as diversas cenas independentes da região. A trajetória da banda, portanto, reúne experiência profissional, produção autoral consistente, ampla circulação territorial e histórico de internacionalização, configurando um projeto artístico com capacidade comprovada de realização e potencial para ampliar ainda mais seus processos de intercâmbio e cooperação cultural no espaço ibero-americano.
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Doom Metal
Synthcore & Crunkcore
Descrição
O Grogue é uma banda brasileira de música autoral com trajetória consolidada no circuito independente e atuação marcada pela intensa produção artística, circulação nacional e experiência internacional. Ao longo de sua carreira, o grupo desenvolveu uma identidade musical própria e construiu uma trajetória profissional baseada na criação autoral, na realização de apresentações ao vivo e na aproximação com diferentes públicos, territórios e cenas culturais. Com mais de 500 shows realizados, o Grogue possui ampla experiência de circulação e atuação profissional. No Brasil, a banda já levou seu trabalho aos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, Minas Gerais, Espírito Santo, Rio de Janeiro e São Paulo, estabelecendo uma presença significativa em diferentes regiões do país e ampliando continuamente sua rede de público, parceiros e agentes do setor cultural. A internacionalização é igualmente relevante na trajetória do grupo. O Grogue já realizou apresentações em cinco países ibero-americanos — Uruguai, Chile, Argentina, Paraguai e México —, desenvolvendo experiências de intercâmbio artístico e cultural com diferentes contextos da América Latina. Essa circulação internacional representa não apenas a expansão territorial da carreira da banda, mas também a possibilidade de diálogo entre a produção musical brasileira e outras cenas independentes do espaço ibero-americano. No campo da criação, o Grogue possui um repertório autoral expressivo, com mais de 80 músicas gravadas. A produção fonográfica constitui um dos principais pilares da trajetória do grupo e evidencia a continuidade de seu processo criativo, a capacidade de produção e a construção de uma obra artística própria ao longo dos anos. A experiência acumulada em mais de 500 apresentações, associada à produção de mais de 80 músicas gravadas e à circulação por sete estados brasileiros e cinco países ibero-americanos, demonstra a capacidade do Grogue de desenvolver, executar e sustentar um projeto artístico de alcance nacional e internacional. Esses números refletem uma trajetória construída por meio de atuação contínua, formação de público, circulação independente e inserção em diferentes territórios culturais. Nesse contexto, a participação em iniciativas de cooperação e intercâmbio do espaço ibero-americano representa uma continuidade natural da trajetória do Grogue. A experiência prévia em países como Uruguai, Chile, Argentina, Paraguai e México constitui uma base concreta para o aprofundamento das relações culturais com a América Latina, possibilitando novas conexões entre artistas, produtores, espaços culturais e públicos. O Grogue mantém como eixo de sua trajetória a música autoral, a circulação, o intercâmbio cultural e a expansão de seu público, buscando ampliar sua presença no cenário ibero-americano e fortalecer a integração entre a produção musical brasileira e as diversas cenas independentes da região. A trajetória da banda, portanto, reúne experiência profissional, produção autoral consistente, ampla circulação territorial e histórico de internacionalização, configurando um projeto artístico com capacidade comprovada de realização e potencial para ampliar ainda mais seus processos de intercâmbio e cooperação cultural no espaço ibero-americano.
● Entre os artistas que compõem este perfil, estão pessoas com deficiência: Deficiência motora, Deficiência auditiva
Música
João Paulo Moreira
Nascido em Santiago de Bougado-Trofa em 1985, o pianista João Paulo Moreira é um dos nomes de maior destaque no panorama musical contemporâneo em Portugal. Concluiu o 8.º grau com a pontuação máxima de 20 valores e prosseguiu a sua formação com licenciatura e mestrado na ESMAE, especializando-se mais tarde na prestigiada Musikhochschule de Münster, na Alemanha. Desenvolveu a sua técnica em cursos de aperfeiçoamento com mestres como Helena Sá e Costa, Pedro Burmester, Jörg Demus e Christopher Elton, encontrando-se atualmente a realizar o Doutoramento em Música na Universidade de Aveiro. Premiado internacionalmente — incluindo o 2.º Prémio no Calábria International Piano Competition de 2023 —, a sua carreira a solo e como solista levou-o a palcos em Portugal, Alemanha, México, Estónia, Finlândia, Brasil e França. No seu percurso, destaca-se a colaboração com algumas das mais importantes e emblemáticas orquestras portuguesas, como a Orquestra do Algarve e a Orquestra Artave, além de formações internacionais como a West Symphony Orchestra e a Orquestra Sinfônica de Sergipe. Um dos momentos mais marcantes e de maior relevo na sua afirmação artística foi a sua atuação na prestigiada Sala Suggia da Casa da Música, no Porto, onde se apresentou como solista acompanhado pela Orquestra Sinfónica da Artave, sob a direção do maestro Radu Postavaru. Paralelamente aos concertos, mantém uma intensa atividade académica e discográfica: após o lançamento do seu álbum de estreia, "begin" (2025), prepara a edição de um segundo disco dedicado a obras inéditas do compositor portuense Luiz Costa, gravado em parceria com o músico Pedro Meireles para a chancela do mpmp. João Paulo Moreira é também pedagogo, orientando regularmente masterclasses de piano, e assume a vertente de gestão cultural como fundador e diretor artístico do Northern Festival Piano & Orchestra, projeto que aproxima jovens solistas, orquestras e público no Norte do país.
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Solistas
Música Sinfónica
Descrição
Nascido em Santiago de Bougado-Trofa em 1985, o pianista João Paulo Moreira é um dos nomes de maior destaque no panorama musical contemporâneo em Portugal. Concluiu o 8.º grau com a pontuação máxima de 20 valores e prosseguiu a sua formação com licenciatura e mestrado na ESMAE, especializando-se mais tarde na prestigiada Musikhochschule de Münster, na Alemanha. Desenvolveu a sua técnica em cursos de aperfeiçoamento com mestres como Helena Sá e Costa, Pedro Burmester, Jörg Demus e Christopher Elton, encontrando-se atualmente a realizar o Doutoramento em Música na Universidade de Aveiro. Premiado internacionalmente — incluindo o 2.º Prémio no Calábria International Piano Competition de 2023 —, a sua carreira a solo e como solista levou-o a palcos em Portugal, Alemanha, México, Estónia, Finlândia, Brasil e França. No seu percurso, destaca-se a colaboração com algumas das mais importantes e emblemáticas orquestras portuguesas, como a Orquestra do Algarve e a Orquestra Artave, além de formações internacionais como a West Symphony Orchestra e a Orquestra Sinfônica de Sergipe. Um dos momentos mais marcantes e de maior relevo na sua afirmação artística foi a sua atuação na prestigiada Sala Suggia da Casa da Música, no Porto, onde se apresentou como solista acompanhado pela Orquestra Sinfónica da Artave, sob a direção do maestro Radu Postavaru. Paralelamente aos concertos, mantém uma intensa atividade académica e discográfica: após o lançamento do seu álbum de estreia, "begin" (2025), prepara a edição de um segundo disco dedicado a obras inéditas do compositor portuense Luiz Costa, gravado em parceria com o músico Pedro Meireles para a chancela do mpmp. João Paulo Moreira é também pedagogo, orientando regularmente masterclasses de piano, e assume a vertente de gestão cultural como fundador e diretor artístico do Northern Festival Piano & Orchestra, projeto que aproxima jovens solistas, orquestras e público no Norte do país.
Música
Riki Musso
Nace en Montevideo el 31 de octubre de 1964. Junto con su hermano Roberto, y a Santiago Tavella, fundan El Cuarteto de Nos en 1980, que integra hasta 2010, mientras desarrolla en paralelo, músicas de corte más experimental. En 2014 edita "Formidable", LP independiente que le valiera 5 premios Graffiti (de la música uruguaya). Desde entonces continúa editando su música de forma independiente y se presenta de forma unipersonal o con su banda "Riki Musso y sus fabulosos Los Formidables"
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Indie Folk & Freakfolk / New Weird America
Descrição
Nace en Montevideo el 31 de octubre de 1964. Junto con su hermano Roberto, y a Santiago Tavella, fundan El Cuarteto de Nos en 1980, que integra hasta 2010, mientras desarrolla en paralelo, músicas de corte más experimental. En 2014 edita "Formidable", LP independiente que le valiera 5 premios Graffiti (de la música uruguaya). Desde entonces continúa editando su música de forma independiente y se presenta de forma unipersonal o con su banda "Riki Musso y sus fabulosos Los Formidables"
Videos
Música
Newborn Ghost
### Newborn Ghost — Proyecto artístico Newborn Ghost es un proyecto musical de post-punk, darkwave e industrial formado en Philadelphia en 2017 por BelaFern (Brasil) y Everrett Thompson, y actualmente radicado en Barcelona, con Fluggel Josh al bajo. El proyecto nace de la exploración de las posibilidades más oscuras y experimentales de la música electrónica y de banda, combinando atmósferas darkwave, ritmos mecánicos y una fuerte intensidad emocional. Nuestras canciones exploran temas como la alienación, el deseo, la violencia y las contradicciones de la experiencia humana. Newborn Ghost ha publicado el álbum *To Make a Flower as Sharp as a Knife* (2021), el EP *DEVASTATION/divinity* (2024), además de singles y colaboraciones. En 2025 lanzamos *Incubator*, una colaboración con Nightcrawler, y hemos compartido escenario con artistas como Xeno & Oaklander, Suzi Sabotage, Ductape y Plastique Noir. Nuestro principal elemento diferenciador es la combinación de la energía de una banda en directo con la precisión y las posibilidades sonoras de la música electrónica, creando una experiencia inmersiva y personal. La trayectoria del proyecto entre Brasil, Philadelphia y Barcelona refleja su identidad internacional y su conexión con distintas escenas musicales. Actualmente trabajamos en nuestro próximo álbum, *Corruptible*. Nuestros objetivos son continuar desarrollando nuestro lenguaje artístico, producir y publicar nueva música, ampliar nuestra presencia en directo por Europa y establecer colaboraciones con artistas, sellos y espacios culturales.
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Darkwave & Coldwave
Electronic Body Music
Descrição
### Newborn Ghost — Proyecto artístico Newborn Ghost es un proyecto musical de post-punk, darkwave e industrial formado en Philadelphia en 2017 por BelaFern (Brasil) y Everrett Thompson, y actualmente radicado en Barcelona, con Fluggel Josh al bajo. El proyecto nace de la exploración de las posibilidades más oscuras y experimentales de la música electrónica y de banda, combinando atmósferas darkwave, ritmos mecánicos y una fuerte intensidad emocional. Nuestras canciones exploran temas como la alienación, el deseo, la violencia y las contradicciones de la experiencia humana. Newborn Ghost ha publicado el álbum *To Make a Flower as Sharp as a Knife* (2021), el EP *DEVASTATION/divinity* (2024), además de singles y colaboraciones. En 2025 lanzamos *Incubator*, una colaboración con Nightcrawler, y hemos compartido escenario con artistas como Xeno & Oaklander, Suzi Sabotage, Ductape y Plastique Noir. Nuestro principal elemento diferenciador es la combinación de la energía de una banda en directo con la precisión y las posibilidades sonoras de la música electrónica, creando una experiencia inmersiva y personal. La trayectoria del proyecto entre Brasil, Philadelphia y Barcelona refleja su identidad internacional y su conexión con distintas escenas musicales. Actualmente trabajamos en nuestro próximo álbum, *Corruptible*. Nuestros objetivos son continuar desarrollando nuestro lenguaje artístico, producir y publicar nueva música, ampliar nuestra presencia en directo por Europa y establecer colaboraciones con artistas, sellos y espacios culturales.
Música
en lugar de creación
En Lugar de Creación (ELC) es una asociación sin ánimo de lucro con sede en Sevilla y Cádiz (España) que apoya, promueve y difunde la cultura en una amplia gama de manifestaciones escénicas, especialmente danza, teatro, música y otras artes visuales y gráficas. ELC apoya la creación coreográfica y teatral, proporciona orientación artística profesional, organiza cursos y talleres y, entre otras actividades, lleva a cabo diferentes proyectos de mediación sociocultural en colaboración con otras entidades y espacios principalmente en población en riesgo de exclusión social. Su objetivo principal es el cambio y transformación social a través del arte.
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Descrição
En Lugar de Creación (ELC) es una asociación sin ánimo de lucro con sede en Sevilla y Cádiz (España) que apoya, promueve y difunde la cultura en una amplia gama de manifestaciones escénicas, especialmente danza, teatro, música y otras artes visuales y gráficas. ELC apoya la creación coreográfica y teatral, proporciona orientación artística profesional, organiza cursos y talleres y, entre otras actividades, lleva a cabo diferentes proyectos de mediación sociocultural en colaboración con otras entidades y espacios principalmente en población en riesgo de exclusión social. Su objetivo principal es el cambio y transformación social a través del arte.
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