Tribu Baharú
Tribu Baharú es un colectivo afro-champetúo de músicos colombianos influenciados por la cultura del Picó, una tradición sonora del Caribe con más de 40 años de historia. Su propuesta combina música en vivo con la energía de los bailes de verbena, manteniendo el espíritu del performance “picotero”. Han sido reconocidos como selección oficial de WOMEX 2014, Artista del Año por Señal Radio Colombia, y uno de los Top 10 Discoveries de WOMEX 2014 según NPR Music (EE.UU.) En 2015, la revista Shock los destacó como promesa musical, y recientemente la Cancillería de Colombia los homenajeó como representantes de los nuevos ritmos del litoral caribe. Su música busca generar el Goce Champetúo, una conexión emocional con el público a través del baile y la alegría caribeña. En 2025, expandieron su alcance con una gira por Australia y el sudeste asiático 2025, sumando a sus giras por Estados Unidos 2015, 2016, 2017, 2018, 2019, 2020, 2021 y 2023, Canadá 2015 y 2017, México 2016 y España 2014. Como parte de la “Ola de Nuevas Músicas Colombianas”, Tribu Baharú evoluciona la champeta bajo el concepto de Champeta Champions, fusionando la estética de los años 70 y 80 con la vitalidad de la diáspora caribeña en Bogotá. Su sonido mezcla géneros como soukous, ndombolo, zouk, calypso, mbaqanga, highlife, soca, bullerengue, compa haitiano, rock y punk, todo con un estilo propio y profundamente caribeño.
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La Champeta
Afrobeat
Worldbeat
Descrição
Tribu Baharú es un colectivo afro-champetúo de músicos colombianos influenciados por la cultura del Picó, una tradición sonora del Caribe con más de 40 años de historia. Su propuesta combina música en vivo con la energía de los bailes de verbena, manteniendo el espíritu del performance “picotero”. Han sido reconocidos como selección oficial de WOMEX 2014, Artista del Año por Señal Radio Colombia, y uno de los Top 10 Discoveries de WOMEX 2014 según NPR Music (EE.UU.) En 2015, la revista Shock los destacó como promesa musical, y recientemente la Cancillería de Colombia los homenajeó como representantes de los nuevos ritmos del litoral caribe. Su música busca generar el Goce Champetúo, una conexión emocional con el público a través del baile y la alegría caribeña. En 2025, expandieron su alcance con una gira por Australia y el sudeste asiático 2025, sumando a sus giras por Estados Unidos 2015, 2016, 2017, 2018, 2019, 2020, 2021 y 2023, Canadá 2015 y 2017, México 2016 y España 2014. Como parte de la “Ola de Nuevas Músicas Colombianas”, Tribu Baharú evoluciona la champeta bajo el concepto de Champeta Champions, fusionando la estética de los años 70 y 80 con la vitalidad de la diáspora caribeña en Bogotá. Su sonido mezcla géneros como soukous, ndombolo, zouk, calypso, mbaqanga, highlife, soca, bullerengue, compa haitiano, rock y punk, todo con un estilo propio y profundamente caribeño.
Música
Blanca Guadalupe Gutiérrez Jiménez
Blanca Guadalupe Gutiérrez Jiménez es una joven soprano de 24 años de edad, oriunda de San Juan del Río Durango, México. Graduada como licenciada en música con orientación en canto en 2025 por la UJED, comenzó sus estudios musicales a la edad de 9 años tomando clases de piano, coro, teatro y más disciplinas. De 2012 a 2016 formo parte del coro infantil juvenil de la república realizando conciertos en diversos recintos del país mexicano, entre ellos el palacio de bellas artes en cuatro ocasiones. Como solista se ha presentado en Durango, el castillo de Chapultepec y el auditorio de la biblioteca Vasconcelos en ciudad de México, en la casa museo Agustín Lara de Veracruz, y el museo Maya de Cancún. Ha recibido distintos galardones como la medalla Hermila Galindo en 2015, la mención honorífica de artes en el premio estatal de la juventud de Durango en 2023, el galardón de mujer duranguense del año en 2025, y el premio en artes del II premio internacional de investigación y artes de Mensa México, por su trabajo de investigación Sonoridad mexicana en el tiempo. Cómo soprano ha perfeccionado su técnica vocal con la soprano Nimbe Salgado su profesora de carrera, las sopranos Eugenia alemán, Maria Katzarava, Mónica Guillén, y el tenor Armando Mora. Enfocada en formarse como una artista integral, busca seguirse formando como joven intérprete, así como también continuar indagando en el rubro de la investigación musical y la gestión cultural.
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Vocal/Coral
Opera
Descrição
Blanca Guadalupe Gutiérrez Jiménez es una joven soprano de 24 años de edad, oriunda de San Juan del Río Durango, México. Graduada como licenciada en música con orientación en canto en 2025 por la UJED, comenzó sus estudios musicales a la edad de 9 años tomando clases de piano, coro, teatro y más disciplinas. De 2012 a 2016 formo parte del coro infantil juvenil de la república realizando conciertos en diversos recintos del país mexicano, entre ellos el palacio de bellas artes en cuatro ocasiones. Como solista se ha presentado en Durango, el castillo de Chapultepec y el auditorio de la biblioteca Vasconcelos en ciudad de México, en la casa museo Agustín Lara de Veracruz, y el museo Maya de Cancún. Ha recibido distintos galardones como la medalla Hermila Galindo en 2015, la mención honorífica de artes en el premio estatal de la juventud de Durango en 2023, el galardón de mujer duranguense del año en 2025, y el premio en artes del II premio internacional de investigación y artes de Mensa México, por su trabajo de investigación Sonoridad mexicana en el tiempo. Cómo soprano ha perfeccionado su técnica vocal con la soprano Nimbe Salgado su profesora de carrera, las sopranos Eugenia alemán, Maria Katzarava, Mónica Guillén, y el tenor Armando Mora. Enfocada en formarse como una artista integral, busca seguirse formando como joven intérprete, así como también continuar indagando en el rubro de la investigación musical y la gestión cultural.
Romántica Milonguera
Nacida en el año 2016 y cerca de cumplir los 10 años de trayectoria, ya ha recorrido y brindado conciertos a través del mundo entero. Dirigida e ideada por Tomás Regolo, fue creada como remake de lo que fueron las Orquestas Típicas de Tango en la famosa “Época Dorada” Es recibida con gran éxito y se transforma en una de las favoritas y más convocantes del tango a nivel mundial. Fue en 2017 con el lanzamiento de dos videoclips de tangos famosos, que la orquesta logró viralizar su contenido llegando a una variada audiencia tanto nacional como internacional y de una gran amplitud etaria. Hoy día cuenta con más de 20mill de reproducciones por mes, siendo una de las orquestas de tango actual más escuchadas. Con sus 5 LP y 9 EP, el grupo no solamente se limitó al tango, sino que ofrece versiones propias que van desde boleros de gran suceso hasta temas de The Beatles, standards de jazz, valses famosos y canciones de ídolos populares argentinos como Sandro y Gilda. Este proyecto no solo se limitó a traer una propuesta novedosa y fresca a la hora de escuchar tango, sino que también fue una de las orquestas pioneras en naturalizar la presencia de las mujeres dentro de su formación, cumpliendo así con un cupo laboral femenino del 50%
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Tango
Bolero
Descrição
Nacida en el año 2016 y cerca de cumplir los 10 años de trayectoria, ya ha recorrido y brindado conciertos a través del mundo entero. Dirigida e ideada por Tomás Regolo, fue creada como remake de lo que fueron las Orquestas Típicas de Tango en la famosa “Época Dorada” Es recibida con gran éxito y se transforma en una de las favoritas y más convocantes del tango a nivel mundial. Fue en 2017 con el lanzamiento de dos videoclips de tangos famosos, que la orquesta logró viralizar su contenido llegando a una variada audiencia tanto nacional como internacional y de una gran amplitud etaria. Hoy día cuenta con más de 20mill de reproducciones por mes, siendo una de las orquestas de tango actual más escuchadas. Con sus 5 LP y 9 EP, el grupo no solamente se limitó al tango, sino que ofrece versiones propias que van desde boleros de gran suceso hasta temas de The Beatles, standards de jazz, valses famosos y canciones de ídolos populares argentinos como Sandro y Gilda. Este proyecto no solo se limitó a traer una propuesta novedosa y fresca a la hora de escuchar tango, sino que también fue una de las orquestas pioneras en naturalizar la presencia de las mujeres dentro de su formación, cumpliendo así con un cupo laboral femenino del 50%
Música
Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas
Hernán León Martínez. Músico, guitarrista y educador mexicano nacido en el estado de Chiapas en 1991. A la edad de los 11 años, comienza a interesarse en la música en general y en particular en la guitarra, y a los 17 años, inicia los estudios profesionales, al integrarse a la licenciatura en música de la Facultad de Música de la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas (UNICACH), con especialización en guitarra clásica, de la cual se gradúa bajo la tutela del Dr. Alfonso Aguirre Dergal en el año 2014. Durante la licenciatura obtuvo diversos premios en concursos de guitarra clásica en México; posteriormente estudió la maestría en música en Yale School of Music en Connecticut, Estados Unidos, graduándose en el 2016 bajo la tutela del guitarrista y compositor Benjamin Verdery. En ese mismo año se integró como docente de guitarra y Profesor Investigador de Tiempo Completo en los estudios de licenciatura y maestría. Como profesor, ha sido reconocido con el Reconocimiento al Perfil Deseable del Programa para el Desarrollo Profesional Docente (PRODEP) para Profesores Investigadores de Tiempo Completo, desde el año 2019 al presente. También ha sido acreedor de la beca del Programa para el Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA) en el año 2019 con el proyecto “Del Renacimiento al Jazz: Gira de Conciertos con intención didáctica”, en el 2022 con el proyecto “Expansiones Sonoras: Difusión y Resurgimiento de la guitarra de siete cuerdas en el registro agudo”, y en el 2023 con el proyecto “Entre la Razón y la Fantasía: Aprendiendo a improvisar a través de los métodos de los antiguos maestros”.
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Descrição
Hernán León Martínez. Músico, guitarrista y educador mexicano nacido en el estado de Chiapas en 1991. A la edad de los 11 años, comienza a interesarse en la música en general y en particular en la guitarra, y a los 17 años, inicia los estudios profesionales, al integrarse a la licenciatura en música de la Facultad de Música de la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas (UNICACH), con especialización en guitarra clásica, de la cual se gradúa bajo la tutela del Dr. Alfonso Aguirre Dergal en el año 2014. Durante la licenciatura obtuvo diversos premios en concursos de guitarra clásica en México; posteriormente estudió la maestría en música en Yale School of Music en Connecticut, Estados Unidos, graduándose en el 2016 bajo la tutela del guitarrista y compositor Benjamin Verdery. En ese mismo año se integró como docente de guitarra y Profesor Investigador de Tiempo Completo en los estudios de licenciatura y maestría. Como profesor, ha sido reconocido con el Reconocimiento al Perfil Deseable del Programa para el Desarrollo Profesional Docente (PRODEP) para Profesores Investigadores de Tiempo Completo, desde el año 2019 al presente. También ha sido acreedor de la beca del Programa para el Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA) en el año 2019 con el proyecto “Del Renacimiento al Jazz: Gira de Conciertos con intención didáctica”, en el 2022 con el proyecto “Expansiones Sonoras: Difusión y Resurgimiento de la guitarra de siete cuerdas en el registro agudo”, y en el 2023 con el proyecto “Entre la Razón y la Fantasía: Aprendiendo a improvisar a través de los métodos de los antiguos maestros”.
Conservatório de Tatuí
Criado por lei estadual em 13 de abril de 1951 e fundado oficialmente em 11 de agosto de 1954, o Conservatório Dramático e Musical “Dr. Carlos de Campos” de Tatuí – ou apenas Conservatório de Tatuí, como é conhecido internacionalmente – representa uma das mais sérias e bem sucedidas ações no setor cultural no Estado de São Paulo. Com 70 anos de formação e difusão cultural, uma das mais respeitadas escolas de música da América Latina cumpre a missão de formar instrumentistas, cantores/cantoras, atores/atrizes e luthiers de prestígio internacional. Seus mais de 70 cursos regulares distintos, todos gratuitos, têm duração média de sete anos e seus estudantes sempre se destacam em concursos nacionais e internacionais. Alguns dos principais músicos(as) da atualidade foram formados(as) no Conservatório de Tatuí. A instituição está localizada a 130km da Capital paulista, recebe estudantes de todo o Brasil e também de vários países do exterior. Muitos estrangeiros buscam o Conservatório de Tautí para aperfeiçoamento em música brasileira. Contando com uma infraestrutura completa – salas de aulas, auditórios, teatro, instrumentos musicais, acervo de figurinos e um alojamento – o Conservatório de Tatuí mantém um programa de ensino atualizado e de excelência. Outra oportunidade oferecida a estudantes da instituição são as bolsas de estudos. Atualmente, são três tipos de bolsas – auxílio, ofício e performance -, que remuneram e oferecem a estudantes melhores condições de se dedicarem exclusivamente ao estudo, além da oportunidade de atuar ao lado de músicos e artistas profissionais. O Conservatório de Tatuí conta ainda com Grupos Pedagógicos e Grupos Artísticos. São cerca de 50 conjuntos, com a mais variadas formações – orquestras, bandas, big bands, cameratas, grupos teatrais etc. – por meio dos quais os(as) estudantes têm assegurados a ampla vivência cultural, experiência de palco e o contato com instrumentistas profissionais. Além de ensino de excelência, o Conservatório de Tatuí mantém agenda artística com diferentes atividades, que recebe espectadores de todo o interior paulista. São shows, encontros, festivais, master classes, workshops, concertos, espetáculos de teatro, cursos intensivos, palestras e recitais. Regularmente, a produção interna é levada extra-muros, com apresentações dos grupos musicais e teatrais em diferente pontos do Estado de São Paulo. Por conta de sua importância no cenário internacional da música, o Conservatório de Tatuí contribuiu de forma essencial para que o município, sua cidade sede, ganhasse o título de “Capital da Música”. O título foi concedido ao município por meio da lei estadual 12.544, de 30 de janeiro de 2007, que oficializa Tatuí como a “Capital da Música do Estado de São Paulo”.
Ver detalhesConservatório de Tatuí
Descrição
Criado por lei estadual em 13 de abril de 1951 e fundado oficialmente em 11 de agosto de 1954, o Conservatório Dramático e Musical “Dr. Carlos de Campos” de Tatuí – ou apenas Conservatório de Tatuí, como é conhecido internacionalmente – representa uma das mais sérias e bem sucedidas ações no setor cultural no Estado de São Paulo. Com 70 anos de formação e difusão cultural, uma das mais respeitadas escolas de música da América Latina cumpre a missão de formar instrumentistas, cantores/cantoras, atores/atrizes e luthiers de prestígio internacional. Seus mais de 70 cursos regulares distintos, todos gratuitos, têm duração média de sete anos e seus estudantes sempre se destacam em concursos nacionais e internacionais. Alguns dos principais músicos(as) da atualidade foram formados(as) no Conservatório de Tatuí. A instituição está localizada a 130km da Capital paulista, recebe estudantes de todo o Brasil e também de vários países do exterior. Muitos estrangeiros buscam o Conservatório de Tautí para aperfeiçoamento em música brasileira. Contando com uma infraestrutura completa – salas de aulas, auditórios, teatro, instrumentos musicais, acervo de figurinos e um alojamento – o Conservatório de Tatuí mantém um programa de ensino atualizado e de excelência. Outra oportunidade oferecida a estudantes da instituição são as bolsas de estudos. Atualmente, são três tipos de bolsas – auxílio, ofício e performance -, que remuneram e oferecem a estudantes melhores condições de se dedicarem exclusivamente ao estudo, além da oportunidade de atuar ao lado de músicos e artistas profissionais. O Conservatório de Tatuí conta ainda com Grupos Pedagógicos e Grupos Artísticos. São cerca de 50 conjuntos, com a mais variadas formações – orquestras, bandas, big bands, cameratas, grupos teatrais etc. – por meio dos quais os(as) estudantes têm assegurados a ampla vivência cultural, experiência de palco e o contato com instrumentistas profissionais. Além de ensino de excelência, o Conservatório de Tatuí mantém agenda artística com diferentes atividades, que recebe espectadores de todo o interior paulista. São shows, encontros, festivais, master classes, workshops, concertos, espetáculos de teatro, cursos intensivos, palestras e recitais. Regularmente, a produção interna é levada extra-muros, com apresentações dos grupos musicais e teatrais em diferente pontos do Estado de São Paulo. Por conta de sua importância no cenário internacional da música, o Conservatório de Tatuí contribuiu de forma essencial para que o município, sua cidade sede, ganhasse o título de “Capital da Música”. O título foi concedido ao município por meio da lei estadual 12.544, de 30 de janeiro de 2007, que oficializa Tatuí como a “Capital da Música do Estado de São Paulo”.
Fios de Choro
O Fios de Choro tem se destacado como um importante elo entre a música do sudeste e do nordeste, servindo como referência para músicos novos e experientes. Em suas passagens por Pernambuco, o grupo teve a oportunidade de estudar de perto os ritmos tradicionais locais, e assim o seu trabalho autoral é um reflexo dessas pesquisas, que enriqueceram naturalmente a sonoridade do grupo por terem absorvido as linguagens da região (frevo, forró, rabeca, pife, maracatu), principalmente o frevo e o forró. Com três álbuns lançados e uma trajetória consolidada, o Fios muda sua formação em 2025 e passa a ser um quinteto com violão 7 cordas de aço, cavaquinho, pandeiro, e como solistas, violino e flauta. Se apresentou com importantes nomes como Lia de Itamaracá, Maestro Spok e Maria Alcina, em palcos como Sesc Instrumental, Casa de Francisca e Paço do Frevo e participou de festivais como Chorando Sem Parar e Jazz a la Calle, no Uruguai. Através de suas músicas autorais e um repertório vibrante, o Fios demonstra toda a riqueza e potência das tradições e da música brasileira. A presença do violino ao lado da rabeca é uma característica importante do trabalho do Fios, pois traz esse instrumento erudito para a esfera popular e evidencia sua capacidade de inserção na música brasileira. Wanessa Dourado vinha desempenhando um trabalho muito importante se tornando uma referência forte no violino popular, principalmente, no choro e no frevo, e grande parte disso foi construído em conjunto com o Fios que pretende fomentar e continuar sendo um núcleo de desenvolvimento dessa linguagem. Em sua nova fase, agora como quinteto, o Fios de Choro trabalha o violino e a flauta em arranjos originais e que mantém a sonoridade já conhecida do grupo. Se apresenta em pé, com descontração, improvisos e interações, reafirmando o caráter popular da música instrumental brasileira, feita pelo povo e para o povo!
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Choro
Forró
Descrição
O Fios de Choro tem se destacado como um importante elo entre a música do sudeste e do nordeste, servindo como referência para músicos novos e experientes. Em suas passagens por Pernambuco, o grupo teve a oportunidade de estudar de perto os ritmos tradicionais locais, e assim o seu trabalho autoral é um reflexo dessas pesquisas, que enriqueceram naturalmente a sonoridade do grupo por terem absorvido as linguagens da região (frevo, forró, rabeca, pife, maracatu), principalmente o frevo e o forró. Com três álbuns lançados e uma trajetória consolidada, o Fios muda sua formação em 2025 e passa a ser um quinteto com violão 7 cordas de aço, cavaquinho, pandeiro, e como solistas, violino e flauta. Se apresentou com importantes nomes como Lia de Itamaracá, Maestro Spok e Maria Alcina, em palcos como Sesc Instrumental, Casa de Francisca e Paço do Frevo e participou de festivais como Chorando Sem Parar e Jazz a la Calle, no Uruguai. Através de suas músicas autorais e um repertório vibrante, o Fios demonstra toda a riqueza e potência das tradições e da música brasileira. A presença do violino ao lado da rabeca é uma característica importante do trabalho do Fios, pois traz esse instrumento erudito para a esfera popular e evidencia sua capacidade de inserção na música brasileira. Wanessa Dourado vinha desempenhando um trabalho muito importante se tornando uma referência forte no violino popular, principalmente, no choro e no frevo, e grande parte disso foi construído em conjunto com o Fios que pretende fomentar e continuar sendo um núcleo de desenvolvimento dessa linguagem. Em sua nova fase, agora como quinteto, o Fios de Choro trabalha o violino e a flauta em arranjos originais e que mantém a sonoridade já conhecida do grupo. Se apresenta em pé, com descontração, improvisos e interações, reafirmando o caráter popular da música instrumental brasileira, feita pelo povo e para o povo!
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Música
David Stefano Bezerra Martins
Meu nome é David Stefano, sou cantor, compositor e educador musical natural do Ceará, e venho desenvolvendo o projeto “NÓS: Canções que Aproximam Gerações”, que une música autoral e memórias afetivas como forma de promover encontros entre diferentes públicos e realidades. Com esta proposta, desejo realizar uma circulação internacional, onde pretendo apresentar meu show autoral e conduzir uma oficina de mediação artística voltada a jovens músicos, educadores culturais ou integrantes de projetos comunitários. O repertório do show é construído a partir de histórias que celebram as relações familiares, os afetos simples e o cotidiano das pessoas comuns, canções que atravessam gerações, com forte influência da cultura nordestina, da MPB e da canção ibero-americana. Já na oficina, pretendo compartilhar meu processo criativo com foco na escuta sensível, na composição poética e na valorização da identidade de cada participante. Acredito que esse projeto pode ampliar os diálogos entre Brasil e outros países ibero-americanos, contribuindo para a formação de novos públicos, a inclusão social e o fortalecimento das redes musicais independentes da nossa região. Mais do que levar minhas músicas para outro território, quero vivenciar trocas culturais verdadeiras, que deixem marcas tanto em mim quanto nas pessoas com quem me encontrar.
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MPB
Descrição
Meu nome é David Stefano, sou cantor, compositor e educador musical natural do Ceará, e venho desenvolvendo o projeto “NÓS: Canções que Aproximam Gerações”, que une música autoral e memórias afetivas como forma de promover encontros entre diferentes públicos e realidades. Com esta proposta, desejo realizar uma circulação internacional, onde pretendo apresentar meu show autoral e conduzir uma oficina de mediação artística voltada a jovens músicos, educadores culturais ou integrantes de projetos comunitários. O repertório do show é construído a partir de histórias que celebram as relações familiares, os afetos simples e o cotidiano das pessoas comuns, canções que atravessam gerações, com forte influência da cultura nordestina, da MPB e da canção ibero-americana. Já na oficina, pretendo compartilhar meu processo criativo com foco na escuta sensível, na composição poética e na valorização da identidade de cada participante. Acredito que esse projeto pode ampliar os diálogos entre Brasil e outros países ibero-americanos, contribuindo para a formação de novos públicos, a inclusão social e o fortalecimento das redes musicais independentes da nossa região. Mais do que levar minhas músicas para outro território, quero vivenciar trocas culturais verdadeiras, que deixem marcas tanto em mim quanto nas pessoas com quem me encontrar.
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Música
MUNDO
Medieval
Celta
Uplifting Trance / Epic Trance
Descrição
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MELE-NUCLEO DE PRODUCAO INDEPENDENTE
A Melé – Núcleo de Produção Independente é uma produtora cultural sediada no Rio de Janeiro, com atuação voltada à difusão de música contemporânea, especialmente nos campos do jazz, da música instrumental e das sonoridades afro-diaspóricas. Desde sua fundação, realiza curadorias, shows, oficinas, gravações e projetos integrados de arte e cultura, com atenção à valorização da diversidade e à articulação de territórios criativos. Entre seus principais projetos está o JAZZIN’, plataforma que integra apresentações ao vivo, selo musical, ações formativas e conteúdos audiovisuais. A Melé atua como produtora artística, musical e executiva de todas as etapas da cadeia produtiva musical, com enfoque em inovação estética, acessibilidade e criação de redes.
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Descrição
A Melé – Núcleo de Produção Independente é uma produtora cultural sediada no Rio de Janeiro, com atuação voltada à difusão de música contemporânea, especialmente nos campos do jazz, da música instrumental e das sonoridades afro-diaspóricas. Desde sua fundação, realiza curadorias, shows, oficinas, gravações e projetos integrados de arte e cultura, com atenção à valorização da diversidade e à articulação de territórios criativos. Entre seus principais projetos está o JAZZIN’, plataforma que integra apresentações ao vivo, selo musical, ações formativas e conteúdos audiovisuais. A Melé atua como produtora artística, musical e executiva de todas as etapas da cadeia produtiva musical, com enfoque em inovação estética, acessibilidade e criação de redes.
Exploratorio, taller público de experimentación del Parque Explora
El Taller Público de Experimentación es una oportunidad para construir conocimiento con otros, para promover ideas y grupos que se autogestionan, en proyectos de comunicación comunitaria, experimentación audiovisual, robótica, huertas urbanas y artes visuales. En estos dos años se han fortalecido tres procesos de trabajo experimental en los grupos Biohacking, Aleph y Aeromodelismo, cada uno con modelos de operación, edades, temas y propuestas diferentes. Además, se acogieron ocho propuestas ciudadanas, luego de una convocatoria en la que participaron más de treinta colectivos de Medellín. La gente ha hecho del Exploratorio un escenario que integra a las personas y facilita relaciones entre ellas y las instituciones. Así, aparece como un espacio activo para la toma de decisiones que afectan a las comunidades, y las micropolíticas encuentran en él una interesante expresión. El error como oportunidad En el Exploratorio se reivindica el error como parte del aprendizaje y como un aspecto natural del ejercicio experimental y creativo. "La idea no es que este Taller sea un proveedor de respuestas. Que sea una fábrica de fallas me parece más importante, porque genera preguntas”, explica Camilo Cantor. En la génesis del Exploratorio hay referentes como la minga, tradición indígena de trabajo colectivo. El atributo es que el saber se comparte: “Todos tenemos algo que aprender pero también algo que enseñar”, apunta Cantor. Bajo este principio, no hay director ni jerarquías. Las personas se fortalecen en metodologías, se apoyan en las convocatorias, e incluso fomentan los procesos que surgen de ahí. En sus nueve laboratorios circula el conocimiento, surgen lazos afectivos y se consolidan roles definitivos para la construcción de ciudadanía y en las relaciones entre la institución y la comunidad. El Parque es un escenario para ver y hacer. Y de paso se va volviendo plataforma: “Estos grupos ya no están haciendo tallercitos de dos horas sino que están empezando a hacer investigación que implica procesos. ¿Qué más experiencia memorable de aprendizaje que hacerlo tú mismo?”
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Descrição
El Taller Público de Experimentación es una oportunidad para construir conocimiento con otros, para promover ideas y grupos que se autogestionan, en proyectos de comunicación comunitaria, experimentación audiovisual, robótica, huertas urbanas y artes visuales. En estos dos años se han fortalecido tres procesos de trabajo experimental en los grupos Biohacking, Aleph y Aeromodelismo, cada uno con modelos de operación, edades, temas y propuestas diferentes. Además, se acogieron ocho propuestas ciudadanas, luego de una convocatoria en la que participaron más de treinta colectivos de Medellín. La gente ha hecho del Exploratorio un escenario que integra a las personas y facilita relaciones entre ellas y las instituciones. Así, aparece como un espacio activo para la toma de decisiones que afectan a las comunidades, y las micropolíticas encuentran en él una interesante expresión. El error como oportunidad En el Exploratorio se reivindica el error como parte del aprendizaje y como un aspecto natural del ejercicio experimental y creativo. "La idea no es que este Taller sea un proveedor de respuestas. Que sea una fábrica de fallas me parece más importante, porque genera preguntas”, explica Camilo Cantor. En la génesis del Exploratorio hay referentes como la minga, tradición indígena de trabajo colectivo. El atributo es que el saber se comparte: “Todos tenemos algo que aprender pero también algo que enseñar”, apunta Cantor. Bajo este principio, no hay director ni jerarquías. Las personas se fortalecen en metodologías, se apoyan en las convocatorias, e incluso fomentan los procesos que surgen de ahí. En sus nueve laboratorios circula el conocimiento, surgen lazos afectivos y se consolidan roles definitivos para la construcción de ciudadanía y en las relaciones entre la institución y la comunidad. El Parque es un escenario para ver y hacer. Y de paso se va volviendo plataforma: “Estos grupos ya no están haciendo tallercitos de dos horas sino que están empezando a hacer investigación que implica procesos. ¿Qué más experiencia memorable de aprendizaje que hacerlo tú mismo?”
20156 Resultados – Página 228 de 2016