Catálogo musical

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.musica colombiana, jazz y musica fusion

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Banda de rock formada por cuatro mujeres de la comunidad LGBT+, que gestionan y desarrollan de forma independiente su propia carrera.

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Los Tambores de Totó – El Legado El grupo, como legado de Totó La Momposina, se apoya en la amplia experiencia de sus integrantes, algunos con más de 40 años en el grupo base y trayectorias destacadas en otras agrupaciones. Esta riqueza musical garantiza la excelencia de sus interpretaciones, ofreciendo al público una experiencia auténtica y profundamente conectada con las raíces del Caribe colombiano. Es un emocionante proyecto musical que tiene a Marco Vinicio Oyaga, licenciado en percusión y arreglista, como líder destacado. Marco es el hijo de la renombrada artista Totó la Momposina y actualmente ejerce como director de esta prominente agrupación. Hereda un valioso legado musical de su familia y de su madre, y en colaboración con músicos que acompañaron a esta destacada artista durante muchos años, aportan su vasta experiencia y trayectoria en el mundo de la música tradicional popular colombiana. Este proyecto se compromete de manera apasionada a dar continuidad, desarrollo y evolución a este invaluable patrimonio musical. En el marco de esta propuesta, los músicos que formaron parte del grupo de Totó asumen un rol crucial como guardianes y exponentes de esta música, dedicándose a su difusión y desarrollo. Además, han sumado a artistas especiales, incluyendo cantantes, cantadoras y músicos, quienes también son apasionados cultores de estas músicas. Su participación como invitados especiales enriquece aún más el proyecto con su talento, experiencia y apoyo en la magnífica puesta en escena de "Los Tambores de Totó: El Legado".

● Entre os artistas que compõem este perfil, estão pessoas com deficiência: Deficiência motora

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Hit La Rosa es una agrupación peruana de cumbia psicodélica formada en Lima en 2014. Herederos de la cumbia de los años setenta, parten de la chicha nacida de la migración andina a la ciudad y de la cumbia amazónica, y la cruzan con el folklore de la costa, la sierra y la selva, con otros géneros latinos y con una psicodelia oscura y contemporánea: un sonido global, transgresor y místico, que no pierde su raíz peruana. Liderada en escena por la cantante y letrista Chaska Paucar, la banda defiende en sus letras y en su presencia pública la igualdad de género, la libertad de expresión y el cuidado del ambiente, y sus cinco músicos son además docentes en actividad. Ha publicado los discos «Hit La Rosa y Su Gran Unidad Tropical» (2017) y «Ceres Entrópicos» (2021) y el EP electrónico «Bosque de Mango» (2025), y lanzará un nuevo álbum en abril de 2027. Ha colaborado con Los Mirlos («El Pongo»), Novalima («Ave de Campo»), Pahua (México) y Cosmic Wacho (España). En 2021 grabó su sesión para Tiny Desk en el marco de globalFEST de Nueva York, y en 2023 fue seleccionada por Center Stage, el programa de intercambio cultural de los Estados Unidos, con el que recorrió siete ciudades de ese país. Su trabajo ha sido reseñado por The New York Times, Gladys Palmera y El Comercio, y la productora Morena Films le encargó el tema principal y la sincronización de cinco canciones para la serie española «ZORRAS» (Atresplayer). Se ha presentado en festivales como Les Escales (Francia), Sonorama Ribera y Etnosur (España), Luzern Live (Suiza), PVD Fest (Estados Unidos), Rockódromo (Chile), Querétaro Experimental (México), Selvámonos y VMF (Perú), y en los showcases de CIRCULART (Colombia), FIM Guadalajara (México), Corriente y VMF Pro (Perú). Hit La Rosa funciona mejor fuera del Perú que dentro: desde 2019 ha encontrado en el exterior públicos y socios que la programan por lo que es. En Europa ha realizado tres giras. La primera, en 2022, incluyó un concierto con entradas agotadas en la sala Jamboree de Barcelona. La segunda, en 2024, fue el «Caminatas Oscuras Europe Tour», realizado con el apoyo de Ibermúsicas y con rendición aprobada sin observaciones, y la llevó a Saint-Denis, dentro de la programación cultural de los Juegos Olímpicos de París 2024, y a la Toscana. En la tercera, en 2026, debutó en Suiza en Luzern Live, fue banda estelar del Chicha Fest de Barcelona, tocó dos veces en Marsella y dio su primer concierto propio en Madrid. Trabaja desde 2020 con CABS Management y prepara para 2027 la gira de presentación de su nuevo álbum en España, producida por Rootsound Music.

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Juan Pablo Prado Buitrago (Juampa Music) es un creador multidisciplinario, diseñador gráfico de profesión y cantautor con más de seis años de radicación en la ciudad de Tunja, Boyacá. Su propuesta integral fusiona la dirección de arte, la identidad visual y la creación musical con un enfoque centrado en la salud emocional, el autoconocimiento y la catarsis humana. Trayectoria Profesional y Diseño Gráfico Como Diseñador Gráfico, aporta una visión conceptual y estética integral a la industria creativa. Su perfil profesional abarca el desarrollo de identidad de marca, dirección gráfica de proyectos culturales y diseño visual para productos artísticos. Esta formación le permite liderar no solo la sonoridad de sus propuestas, sino también la empaquetadura visual, la portada de producciones fonográficas y las narrativas de difusión transmedia. Trayectoria Artística y Musical En el ámbito musical, actúa bajo el nombre artístico Juampa Music. Su proceso compositivo aborda la canción de autor como un espacio de reflexión, sanación del niño interior, aceptación e introspección. A través de letras poéticas y de carácter compasivo, explora la vulnerabilidad humana para transformarla en mensajes de resiliencia y libertad. Su propuesta sonora se caracteriza por el eclecticismo rítmico y la exploración de géneros que van desde el vals, el bossa nova y el blues/country, hasta aires tradicionales colombianos como el bambuco. Esta amalgama musical se cohesiona mediante una instrumentación orgánica y acústica que combina elementos autóctonos e internacionales como la guitarra acústica, la caja peruana, el handpan, el sitar, las flautas dulces y percusiones menores. Logros y Proyectos Destacados – Segundo Puesto en Canción Inédita (2026): Reconocido con el galardón Colibrí de Madera (2.º Puesto) en la categoría de Canción Inédita durante el Segundo Festival de Música Medicina del Caribe por la Fundación Pueblo Santo. – Proyecto Fonográfico "Caja de Colores" (2026): Creador y compositor del EP de cinco temas inéditos (El payasito triste, Arrullo para morir, El escondite, Canto semilla y En libertad), seleccionado para postulación dentro de la Convocatoria de Estímulos CEPAC de la Secretaría de Cultura de Tunja. – Exposición y Presentaciones en Vivo: Trayectoria constante en escenarios locales e itinerantes compartiendo repertorio propio y participando en espacios de diálogo comunitario alrededor del arte y el bienestar emocional.

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Desde su conformación, la RED MAIA ha desarrollado encuentros formativos virtuales, conversatorios temáticos y espacios de intercambio metodológico centrados en la mediación artística con infancias y adolescencias. En su primer encuentro internacional (2024), realizado con el apoyo de IberCultura Viva, la red organizó una serie de sesiones abiertas y gratuitas que abordaron diversas prácticas artísticas como fotografía, teatro, rap, arte sonoro, urbanismo, y muchas más disciplinas artísticas compartidas con NNA en contextos de vulnerabilidad. El encuentro contó con la participación de 50 organizaciones inscritas y 182 personas de 8 países de Iberoamérica, entre artistas, docentes, gestores culturales, psicólogos/as y talleristas, evidenciando un alto interés por espacios de formación y articulación en red. Como resultado, se generó una publicación de sistematización de aprendizajes, registros audiovisuales de acceso libre y un mapeo inicial de experiencias, sentando las bases para futuras investigaciones, colaboraciones territoriales y la consolidación de los encuentros RED MAIA como una plataforma anual de diálogo, formación e incidencia cultural. La experiencia y los aprendizajes de este proceso fueron posteriormente presentados en el Congreso de Cultura Viva Comunitaria en Colombia y en la Teia Nacional en Brasil, en 2026, fortaleciendo el intercambio de saberes y la articulación de RED MAIA con iniciativas y redes de otros territorios de América Latina.

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Soy productora y gestora cultural, con más de 20 años de experiencia en comunicación institucional, diseño gráfico, desarrollo web, administración y gestión de proyectos. A lo largo de mi trayectoria he coordinado equipos, desarrollado estrategias de comunicación y organizado campañas, actividades y eventos. También he dictado talleres sobre comunicación, liderazgo y creatividad. Actualmente me desempeño como productora y administradora general de La Gran Ola, donde coordino la gestión cultural, económica y administrativa del colectivo, la producción de espectáculos, la organización de eventos y la articulación con artistas e instituciones. Complemento mi experiencia con formación universitaria en Comunicación y estudios en educación técnica y gestión de tecnologías digitales.

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.Com 25 anos de carreira, IARA RENNÓ é cantora, compositora, multi-instrumentista, atriz, diretora e artista visual. Sua trajetória se constrói a partir de uma pesquisa estética que articula corpo, palavra, música, cena e visualidades, fazendo dela uma presença singular na produção artística brasileira contemporânea. Ao longo de sua carreira, Iara Rennó lançou nove álbuns solo e três trabalhos em coletivos, além de desenvolver livros, performances, programas de televisão, filmes autorais, exposições multimídia e diversos espetáculos musicais e teatrais. Em 2022, foi indicada ao Grammy Latino com o álbum Oríkì, na categoria Melhor Álbum de Música de Raízes em Língua Portuguesa. Com cerca de 150 músicas lançadas, Iara é também uma compositora prolífica, com obras gravadas por nomes como Elza Soares, Ney Matogrosso, Gaby Amarantos, Jaloo, Ava Rocha, Virgínia Rodrigues e Lia de Itamaracá. Sua trajetória inclui ainda parcerias nacionais e internacionais com artistas como Quantic, Anita Tijoux, Thalma de Freitas, Curumin, Jaider Esbell, Josyara, Ilessi, Luiza Brina, Kiko Dinucci e Negro Leo. Sua produção atravessa música, teatro, performance e artes visuais. Entre seus trabalhos estão Macunaíma Ópera Tupi (2008), Afrodisíaca (2020) e Oríkì (2022), além da exposição multissensorial ORIKI IN CORPORE, realizada no Museu Afro Brasil, em 2009, com 12 instalações imersivas. Nos últimos anos, vem retomando sua pesquisa visual com performances como Rio Sangue e Amalgamar, além de novas instalações em desenvolvimento.

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O nordeste brasileiro sempre teve um olhar para a novidade e para o futuro, se nos anos 60 o resto do Brasil fazia marchas contra a guitarra elétrica, em Salvador – Bahia, Dodô e Osmar eletrificavam o frevo nos anos 1950, criando o trio elétrico e a guitarra baiana décadas antes do mundo falar em "fusion". É nesse berço de ousadia que surge a Zabumba Tech, projeto do percussionista Robson Carvalho (ex-Lampirônicos). Uma contribuição sendo escrita na história da música nordestina – um código aberto para o futuro. A proposta é radical na simplicidade: a zabumba torna-se protagonista para comandar uma nave espacial de grooves. Com samples digitais, guitarras distorcidas e percussão eletrônica, o xote, baião e xaxado se encontra com as diversas linguagens da música eletrônica como o House, DeepHouse, Experimental e muitas outras. Não é acaso: Robson traz na bagagem 30 anos de estrada – desde os discos da Lampirônicos na Sony Music, até a zabumba futurista em "Redoma" (BaianaSystem). As referências são tão ancestrais quanto high-tech: a cadência de Luiz Gonzaga dialoga com o caos organizado de Chico Science; o triângulo vira sintetizador de raiz; o baião encontra batidas de trap em shows que explodem com a energia de um festival de rock, criando um “Nordeste cyberpunk” onde cordel e algoritmos se fundem. Não se trata de atualizar a cultura nordestina, mas acrescentar uma linha de código nesse movimento – já pulsava quando Gilberto Gil e Zé Ramalho fundiam tradição e psicodelia nos anos 1960, e que hoje ecoa no DNA da Zabumba Tech, herdado de visionários como Chico Science, Lenine e BaianaSystem e muitos outros. Agora, a Zabumba Tech concretiza sua proposta visionária com o EP “Código Aberto”, um manifesto sonoro em seis faixas que materializa o conceito “raiz-tech”. Produzido em parceria com Ordep Lemos e com participação de Aldemir Cameron, o trabalho funde o batuque ancestral do xote, baião e xaxado com batidas eletrônicas, guitarras distorcidas e texturas digitais, criando um diálogo direto entre a cadência de Luiz Gonzaga e o caos organizado de Chico Science. “Código Aberto” é um convite para dançar entre a zabumba e o sintetizador, entre o cordel e o algoritmo, inaugurando um movimento aberto, coletivo e em expansão que escreve, com código aberto, o futuro da música nordestina.