Catálogo musical

Juan Sebastián Vassallo

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.Soy un artista experimental, compositor e investigador argentino radicado en Bergen, Noruega. Mi práctica abarca la composición instrumental y electrónica, la interpretación con electrónica en vivo y la investigación artística, con especial interés en las relaciones entre cognición, tecnología y sonido. Mi trabajo explora espacios híbridos donde interactúan sonido acústico y electrónico, texto y medios visuales, investigando especialmente cómo tecnologías como la inteligencia artificial pueden extender y transformar las prácticas musicales. Mis proyectos recientes abarcan desde la improvisación instrumental vinculada a tradiciones populares y folklóricas hasta investigaciones sobre inteligencia artificial, intuición, alucinaciones, glitches y procesos generativos dirigidos. Soy Doctor en Investigación Artística por la Universidad de Bergen, Máster interdisciplinario en Música y Psicología por la Universidad de Victoria (Canadá), y graduado en Composición Musical y Piano en Córdoba, Argentina. Mi formación técnica incluye además estudios en ciencia de datos, aprendizaje automático y desarrollo web. Mi música ha sido interpretada internacionalmente por agrupaciones como Quasar Saxophone Quartet, JÓR Saxophone Quartet, Zone Experimental Basel, Hinge Quartet, Tabula Rasa y Edvard Grieg Kor, y por intérpretes como Lucas Fels, Sergej Tchirkov y Elide Sulsenti. Entre mis encargos recientes se encuentran obras para Késia Decoté, Ensemble 404, Neo Quartet, Nidaros Vokal y TACETi Ensemble. Mis obras se han presentado en festivales y espacios internacionales en Europa, América y Asia, y he realizado residencias artísticas en instituciones como el Ligeti Zentrum, BEK – Bergen Senter for Elektronisk Kunst, el Center for Movement Research de Nueva York y el Virginia Center for the Creative Arts. Mi trabajo ha recibido diversos reconocimientos, entre ellos el primer premio del concurso de composición Arthaus 2026 y del concurso de composición con IA de la IEEE Big Data Conference 2024. La colaboración y la interdisciplinariedad son aspectos centrales de mi práctica, que también incluye instalaciones y proyectos multimedia. Mis raíces en la música popular argentina continúan influyendo profundamente en mi concepción de la narrativa musical y la composición contemporánea. Paralelamente, mantengo una actividad como pianista y arreglador de tango, y he realizado giras internacionales con la Orquesta Sanluistango.

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Gema Pastor

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Nacida en Madrid en 2003, Gema comenzó sus estudios de violín a los cinco años en una escuela Suzuki. A los ocho años continuó su formación en el Conservatorio Profesional de Música Arturo Soria con Miguel Navarro, donde se graduó en 2021 con Mención de Honor. Ese mismo año ingresó en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde estudió con la profesora Ana María Valderrama y obtuvo el Premio de Honor de Fin de Grado. Actualmente cursa un Máster en la Hochschule der Künste Bern con las profesoras Corina Belcea y Monika Urbaniak y es academista de la orquesta TOBS. Apasionada por la música de cámara, Gema es miembro del Cuarteto de Cuerda Lorea, con el que recibe el asesoramiento de Corina Belcea y Patrick Jüdt. Asimismo, forma parte del Cuarteto de Cuerda Nobile, dirigido por Helena Poggio, y del Trío Orión, con el que ha actuado en importantes escenarios españoles como la Fundación Juan March, el Ateneo de Madrid y la Residencia de Estudiantes. Ha participado en clases magistrales con destacados pedagogos y violinistas como Tobias Feldmann, Miguel Colom, Marc Gothoni, Michael Foyle, Kirill Troussov, Barbara Doll y Aitzol Iturriagagoitia. En el ámbito orquestal, Gema ha interpretado repertorio sinfónico con orquestas como la EUYO, la JONDE, la JORCAM y la Freixenet Symphony Orchestra de la ESMRS, trabajando bajo la dirección de maestros como Iván Fischer, Gianandrea Noseda, Andrés Orozco-Estrada y Vasily Petrenko. Entre sus reconocimientos destacan el Premio del Concurso de Música de Cámara Jesús de Monasterio, el Premio Ex Aequo Galimusic–Fest Clásico Ribeira Sacra y el Segundo Premio en el Concurso de Corda «Cidade de Vigo».

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TripTripTrip trio de guitarras

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Trip Trip Trip es un ensamble colombiano de música de cámara conformado por César Quevedo, Guillermo Bocanegra y Camilo Giraldo Ángel, con más de quince años de trabajo continuo en la creación, interpretación, circulación y difusión de repertorios colombianos y latinoamericanos para trío de guitarras. Su trayectoria se ha consolidado a partir de una relación estrecha con compositores y compositoras activos en la escena nacional contemporánea, la producción discográfica y audiovisual, y su presencia sostenida en escenarios nacionales e internacionales, realizando más de un centenar de conciertos durante su historia. El trío ha publicado cuatro producciones discográficas: Trip Trip Trip (2012), …qué cosa tan seria (2014), Como quien oye llover (2017) e Ireneo (2024). A lo largo de su recorrido ha trabajado repertorios de Alejandro Zuluaga, Daniel Saboya, Andrés Samper, Damián Ponce de León, Carolina Noguera, Éblis Álvarez, Camilo Giraldo y César Quevedo, entre otros, haciendo de la guitarra un territorio de diálogo entre el repertorio tradicional y académico, la improvisación, el ritmo, experimentación y ancestralidad, en su diálogo reciente con músicas y músicos de pueblos originarios colombianos. Entre sus antecedentes se encuentran participaciones en el Research and Music Festival de Fontys, Tilburg; el showcase Classical:NEXT en Rotterdam; el festival Heidelberger Frühling en Alemania; giras por Dinamarca, Noruega, Países Bajos; conciertos en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, la Biblioteca Luis Ángel Arango, el Festival Centro, el Festival Periferia, su última gira 2025 que incluyó Países Bajos, Alemania, Suiza, Francia y termina en el Cartagena Music Festival 2025, Colombia. También ha desarrollado proyectos audiovisuales con Americas Society/Council of the Americas, NYC Cultural Affairs, la FUGA y la Fundación Bajo Control. En relación con el objeto de esta convocatoria, Trip Trip Trip ha desarrollado conciertos de cámara, mediaciones, talleres, circulación nacional e internacional, producción de repertorio colombiano, interacción con públicos diversos y acciones pedagógicas alrededor de la guitarra, la música colombiana tradicional y contemporánea, la escucha activa. Su experiencia lo habilita para proponer un espectáculo flexible, técnicamente viable y pertinente para espacios bibliotecarios, donde el concierto puede convertirse en un lugar de encuentro, memoria y conversación. Celebrando también los primeros conciertos de Trip Trip Trip desde 2009 donde debutamos en bibliotecas públicas como la Virgilio Barco, el Tunal, el Tintal y hasta la Biblioteca pública de Sumapaz, por ello el trío conoce bien y tiene experiencia en este tipo de configuración escénica y narrativa para estos escenarios.

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LATENTE

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Ensamble colombiano de piano y percusión surgido desde procesos de investigación-creación. Su propuesta artística articula interpretación, creación, investigación y circulación alrededor de repertorios colombianos, latinoamericanos e iberoamericanos. El ensamble nace de una preocupación por ampliar las posibilidades de circulación del repertorio nacional y generar nuevas formas de encuentro entre compositores, intérpretes y públicos. Su práctica artística se desarrolla a partir de procesos que incluyen la adaptación de obras sinfónicas a formatos de cámara, la creación y finalización de nuevas partituras mediante procesos de ensayo y concierto, la investigación sobre recepción y mediación cultural, y el estudio de modelos de gestión y circulación para agrupaciones musicales. LATENTE concibe el concierto no solamente como un espacio de presentación, sino como un lugar de creación, investigación, diálogo y formación. Por ello, sus propuestas pueden integrar conciertos, talleres, clases magistrales, conferencias y conversaciones con públicos y comunidades académicas. Desde esta perspectiva, LATENTE proyecta una propuesta artística colombiana con vocación internacional, en la que el patrimonio musical, la creación contemporánea y las nuevas formas de circulación dialogan con repertorios latinoamericanos e iberoamericanos.

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Anyone Can Book A Gig

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Anyone Can Book a Gig es un curso práctico y probado en el sector, diseñado para desmitificar el aspecto empresarial de desarrollar una carrera como artista escénico. Basado en más de 30 años de experiencia de una agencia internacional de booking, este programa ofrece un enfoque claro y estructurado para conseguir shows, establecer relaciones con los programadores y desarrollar una estrategia de giras sostenible. El curso desglosa el proceso en pasos concretos: desde el posicionamiento de un proyecto y la preparación de materiales, hasta la divulgación, la negociación y la planificación a largo plazo de la carrera del artista. Se trata de un programa que se puede seguir a propio ritmo, creado para artistas que se toman en serio su crecimiento profesional, pero que necesitan claridad, orientación y un sistema que realmente funcione. A través de lecciones guiadas, hojas de trabajo y conocimientos reales del sector, los artistas aprenderán a dirigirse a los promotores de forma profesional, a colaborar de manera eficaz y a tomar las riendas de su carrera sin comprometer su identidad artística. Anyone Can Book a Gig proporciona las herramientas y la mentalidad necesarias para convertir el trabajo creativo en oportunidades constantes según los propios términos del artista.

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Embracing Realty

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Embracing Realty es una organización sin fines de lucro 501(c)(3) de Estados Unidos (EIN 99-4050661), fundada en 2024 por Jessika Gonçalez, con sede en Crockett, California. Desarrolla educación musical comunitaria (escuela de música y alfabetización a través de la música), recitales de niños a adultos, talleres culturales (pintura), charlas sobre desarrollo emocional y proyectos que conectan libros, música y trabajo social.

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Giselle Couto

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, Reconhecida como uma das vozes promissoras do samba mineiro, Giselle é cantora e compositora, educadora e diretora musica, voz de destaque do samba mineiro contemporâneo com três discos gravados e um audio visual

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Women's Music Event

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O Women’s Music Event (WME) é uma plataforma brasileira de negócios, conteúdo e entretenimento criada em 2016 pelas empresárias Claudia Assef e Monique Dardenne com o objetivo de aumentar a representatividade e o protagonismo feminino na indústria da música. O ecossistema se consolida por meio de duas frentes principais: a WME Conference, uma conferência anual que reúne painéis, oficinas, networking, pitches e shows focados em inovação e capacitação técnica e executiva; e o WME Awards, o primeiro prêmio da música brasileira dedicado exclusivamente às mulheres, celebrando artistas e profissionais de bastidores. Além dos eventos presenciais, a plataforma atua continuamente com geração de conteúdo, projetos de dados e ações afirmativas que conectam marcas, artistas e profissionais em toda a cadeia da economia criativa. Principais Pilares do Ecossistema: • WME Conference: Conferência anual que reúne painéis de discussão, workshops, rodadas de negócios, pitchings de novos talentos e apresentações ao vivo, conectando profissionais experientes e novos nomes do mercado. • WME Awards: O primeiro prêmio da música brasileira focado exclusivamente no protagonismo feminino, celebrando anualmente compositoras, produtoras, instrumentistas, produtoras executivas, DJs e artistas em diversas categorias técnicas e artísticas. • Selo IGUAL: Certificação e iniciativa voltada para festivais, eventos e marcas do mercado da música que garantem equidade e paridade de gênero em suas programações e equipes de trabalho. • Banco de Profissionais e Capacitação: Plataforma e rede de contatos que mapeia e indica mulheres e profissionais não binárias para contratação na cadeia produtiva da música, além de promover oficinas de capacitação técnica. Impacto no Mercado: Ao conectar inovação, diversidade, impacto social e negócios, o WME tornou-se referência internacional em iniciativas de diversidade no ecossistema criativo. A plataforma transforma a dinâmica do mercado musical ao abrir espaço para novas lideranças, descentralizar oportunidades e fomentar o crescimento sustentável da presença feminina na cultura.

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Nova Camerata

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Criada 1999 por compositores e intérpretes de Curitiba, como um grupo musical voltado para a música nova, a Nova Camerata teve como inspiração as idéias de música nova — de reunirem-se cantores, instrumentistas e compositores com a intenção de renovar o cenário musical — desenvolvidas pela Camerata Florentina do seiscentos. Foi uma idéia conjunta de seu regente, Maurício Dottori, e do então seu aluno de composição Fernando Riederer, que mais tarde veio a semear também outras instituições, o Entrecompositores, coletivo responsável pela Bienal Música Hoje em Curitiba, e o Platypus – Verein für neue Musik em Viena na Áustria. Assim o projeto Nova Camerata – um dos mais importantes grupos brasileiros dedicados ao empenhativo repertório da Música de Hoje – se desenvolve em paralelo com o crescente interesse pela música contemporânea nesta última década em Curitiba, que pela primeira vez em sua história apresenta um movimento de criação musical significativo, com um número de compositores atuantes realizando uma produção de qualidade. Além disso, em seus concertos a Nova Camerata tem apresentado e estreiado peças de importantes compositores da música brasileira contemporânea, como Marisa Rezende, Lindembergue Cardoso, Roberto Victorio, Rodolfo Coelho de Souza, Caio Senna, Harry Crowl, Sergio Kafegian, Silvio Ferraz e Edson Zampronha. A Nova Camerata, nas várias formações que teve desde sua criação, apresentou-se em concertos e festivais pelo país, sendo os mais importantes o da ópera de bolso Il Papagallo, composição de Maurício Dottori, que contou com direção cênica de Denise Sartori; o concerto no VII Encontro de Compositores de Porto Alegre em 2001, quando estreiou peças de Maurício Dottori, Fernando Riederer, Gilson Fukushima, Maurício Aroldi; o Festival de Música Nova de São Paulo e Santos de 2004, estreiando peças de Rodolfo Coelho de Souza; e a Bienal de Música Contemporânea de Mato Grosso em 2006, quando estreiou obras de Márcio Steuernagel, Jorge Falcón, Fernando Riederer e Indioney Rodrigues. Em Curitiba, dois concertos são dignos de nota: na Capela Santa Maria, em 2009, em que estreiou, com grande acorrência de público, peças de Danilo Kuhn, Guilherme Campelo Tavares, Sólon Mendes, e, em 2010, o concerto, sob a regência de Marcio Steuernagel, em que quinze miniaturas compostas em homenagem ao seu regente titular foram estreiadas. Peças de compositores formados em Curitiba, e que se encontram hoje espalhados pelo mundo. .

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Chama Poética Associação

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A Chama Poética – Associação Cultural é uma organização sem fins lucrativos sediada em Braga, dedicada à promoção, criação, produção e difusão da arte contemporânea e da música. Com uma programação diversificada e contínua — que abrange concertos, residências artísticas, exposições de artes visuais, literatura, performances e oficinas —, a associação atua como um polo dinâmico de encontro e formação. Trabalhamos para aproximar artistas, públicos e comunidades no espaço ibero-americano, promovendo a democratização do acesso à cultura, o intercâmbio de saberes e o desenvolvimento de redes criativas e colaborativas.

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