Categoría: Noticias generales

Rutas Sonoras es un proyecto de investigación musical y creación audiovisual dedicado a mapear, analizar y conectar las escenas independientes y underground de Brasil y Argentina. Desde una perspectiva crítica, centrada en la cultura, la identidad latinoamericana, los hibridismos, la autogestión y la producción musical emergente, el proyecto busca comprender las dinámicas estéticas y de circulación que definen el presente de la música independiente en ambos países.

El resultado será una serie audiovisual de 4 episodios, publicada de manera abierta y gratuita en las plataformas de Radio Color, un espacio de curaduría musical especializado en música latinoamericana contemporánea.

Marina Cananda es investigadora, curadora musical, investigadora independiente y creadora de la plataforma Radio Color, dedicada a la difusión de la música independiente de América Latina desde el año 2020. Desarrolla trabajos de crítica musical, investigación cultural y creación de contenidos sobre escenas alternativas, hibridismos sonoros, identidad latinoamericana y resistencia cultural. Se desempeña como guionista, presentadora y responsable de la investigación del proyecto Rutas Sonoras.

Lucas Barrionuevo es editor audiovisual con experiencia en narrativas musicales, documentales y piezas para redes sociales. Es responsable del montaje, la identidad visual, el tratamiento de sonido, la corrección de color y la finalización de los episodios de la serie.

Bruno Pilia es el colaborador argentino del proyecto. Músico e investigador independiente de la escena underground argentina. Colabora en la etapa de captación de material de referencia, mapeo preliminar y relevamiento de bandas, colectivos y espacios culturales de Buenos Aires, aportando soporte contextual a la investigación.

El primer episodio se titula “Cartografías del under argentino: un mapa vivo de la escena actual”, y los siguientes serán: “Hibridismos sonoros: fusiones, cruces y estéticas emergentes”, “Autogestión y cooperación: cómo se sostienen las escenas” y “Diálogos Brasil-Argentina: puentes, tensiones y resonancias”.

El presente proyecto cuenta con el apoyo del Programa Ibermúsicas a través de su línea de “Ayuda a proyectos virtuales”, convocatoria 2025.

• Ver videos a partir del 18 de agosto en: @radio.color

Esta propuesta busca difundir la historia y evolución de la guitarra española, dada su importancia en la cultura de muchos países y su influencia en diferentes géneros musicales. El proyecto se compone de una conferencia, un concierto de guitarra y clases magistrales, siendo todas las actividades abiertas al público.

La propuesta está dirigida a los alumnos de la Sede del Atlántico de la Universidad de Costa Rica, así como a todas aquellas personas interesadas en la guitarra española y su historia. Es por ello que el acceso será abierto al público.

La conferencia Victoria Velasco y Ana María Gandasegui abordará una visión histórica de la Guitarra Española, el desarrollo del instrumento desde sus antecedentes históricos y un amplio recorrido por la historia de Guitarras Manuel Contreras, uno de los talleres de construcción más emblemáticos y reconocidos de Madrid.

El concierto de Elena Ortega ilustrará todo lo expuesto en la conferencia. La concertista tocará con una Guitarra Contreras para que el público pueda escuchar de primera mano el sonido característico de este taller. El repertorio se compondrá de piezas de diferentes estilos, incluyendo no sólo la música española de Turina o Tárrega sino también música latinoamericana, de raíces orientales o con influencia de géneros más modernos como el jazz. Se podrá observar así la versatilidad del instrumento, mostrando todo su potencial y sirviendo de vehículo para crear lazos con otras culturas.

Elena Ortega es una destacada guitarrista de Madrid, especializada en música española pero con gran interés en la relación del género clásico con otras músicas de raíz popular, como el flamenco.

• Del 17 al 21 de agosto: San Pedro Sula y Tegucigalpa, Honduras
• 26 de agosto: Concierto Elena Ortega
• 27 de agosto: Clases magistrales Elena Ortega
• 28 de agosto: Conferencia Guitarras Manuel Contreras
• 2 de septiembre: Encuentro de Guitarra Iberoamericana 2026, Sede del Atlántico, PPAM, Universidad de Costa Rica
• Del 10 al 12 de septiembre: Ciudad de Guatemala y Antigua, Guatemala

Versátil e informado, el Linden Trio, trío de saxofón, guitarra y guitarra portuguesa, se inscribe dentro de la música instrumental en la subcategoría del etno-jazz. Esta denominación traduce la fusión entre la música tradicional y contemporánea de culturas lusófonas con la libertad y sofisticación del jazz, dando como resultado un lenguaje sonoro propio, rico en timbres y texturas. Sus conciertos, a la vez accesibles y audaces, revelan un elevado dominio técnico de los instrumentos y una curiosidad constante por la experimentación.

Este espectáculo es más que música: es una propuesta artística que cruza fronteras y provoca pensamiento. Inspirado en la escritura de Mia Couto, reúne repertorios tradicionales del espacio lusófono con la música contemporánea y la improvisación, creando un lenguaje nuevo y profundamente expresivo. El público no solo asiste: participa, graba, interviene, transforma. Es un espacio de creación colectiva, donde artistas y espectadores construyen juntos. Un grano de arena en el universo es una plataforma de diálogo, experimentación y conciencia crítica, donde la música se convierte en voz, cuerpo e idea.

Esta serie de conciertos del Linden Trio en Brasil es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, por medio de su línea de ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

• 12 de agosto: Taller de guitarra portuguesa (Auditorio de la EMUS) y masterclass de saxofón (sala 102), Salvador de Bahía
• 13 de agosto: Taller de composición colaborativa (Auditorio de la EMUS) y mesa redonda (Auditorio de la EMUS), Salvador de Bahía
• 15 de agosto: Laboratorio de música electrónica y de composición (sala 102), Salvador de Bahía
• 16 al 20 de agosto: Ensayos del Linden Trio (sala 102), Salvador de Bahía
• 21 de agosto: Concierto en el auditorio de la EMUS – Escuela de Música de la UFBA, Salvador de Bahía
• 22 de agosto: Concierto en la comunidad, Salvador de Bahía

El cuarteto ecuatoriano Jazz de Barro llevará su propuesta musical innovadora y su fusión de jazz con los ritmos y danzas tradicionales de Ecuador a escenarios de renombre en Estados Unidos. La gira ofrecerá conciertos en diversas ciudades del país, consolidando la proyección internacional de la agrupación y llevando un mensaje único de la riqueza cultural ecuatoriana.

Formado en 2014 en Cuenca, Ecuador, Jazz de Barro es reconocido por su habilidad para mezclar la música ecuatoriana vernácula con influencias del jazz, explorando sonidos nuevos a través de la improvisación, la armonía expandida y la polirritmia. El cuarteto está compuesto por Su Terry (Saxo), Cristhian Torres (Contrabajo-Bajo), Pedro Ortiz (Batería) y Lucas Bravo (Piano-Teclados), quienes, con formación académica y jazzística, logran una propuesta musical única que ha capturado la atención del público tanto en Ecuador como a nivel internacional.

Durante esta gira, Jazz de Barro presentará su más reciente trabajo discográfico Apu, así como su primer álbum Festejo de Capizhca. Estos álbumes reflejan el compromiso de la banda con la preservación y evolución de la música ecuatoriana, al tiempo que buscan romper fronteras y expandir el concepto de jazz dentro de un contexto cultural diverso.

Su enfoque no solo ha tenido un impacto en la escena local, sino que también ha atraído la atención internacional, en parte debido a la participación de Su Terry, una talentosa saxofonista estadounidense que aporta una perspectiva única al grupo. Esta combinación multicultural ha permitido a Jazz de Barro llevar su propuesta tanto a públicos académicos como populares.

Esta gira de Jazz de Barro por los Estados Unidos se hace posible gracias al apoyo de Ibermúsicas mediante su línea de Ayuda a la circulación de profesionales de la música, convocatoria 2025.

• 14 de agosto: South Park Festival, Pittsburgh, PA
• 15 de agosto: Con Alma Jazz Club, Pittsburgh, PA
• 20 de agosto: Smalls Jazz Club, New York City, NY
• 21 de agosto: Dear Head Inn, Delaware Water Gap, PA

El proyecto Sonidos de Abiayala busca reconocer y difundir la riqueza sonora, musical y cultural de los pueblos originarios y de raíz de América, comprendida en su sentido ancestral como Abiayala. Se concibe como un espacio vivo de encuentro entre tradición y contemporaneidad, donde la música se presenta como vehículo de transmisión de saberes, memoria histórica y cosmovisiones que reflejan la relación sagrada entre las comunidades y la naturaleza.

A través de conciertos, talleres, grabaciones y espacios de diálogo, Sonidos de Abiayala pretende generar procesos de aprendizaje y sensibilización intercultural, ofreciendo al público experiencias artísticas transformadoras que valoren la diversidad cultural, la igualdad de género, la inclusión de las infancias y la sustentabilidad ecológica.

Desde hace 13 años el Festival de Arte Dule es una iniciativa de diferentes organizaciones indígenas de Panamá y el apoyo de voluntarios, profesionales, amigos y amigas indígenas como no indígenas.

Programado a realizarse en el mes de agosto, en el marco del Día Internacional de los Pueblos Indígenas; en diferentes localidades académicas y culturales de la Ciudad Capital. Convoca a artistas representativos de los pueblos nativos locales y extranjeros; con una propuesta variada: presentaciones artísticas en tarima, exposiciones de artes visuales, pintura, artesanía, gastronomía, literatura, danzas tradicionales y elementos informativos con pertinencia cultural de los pueblos indígenas.

El Festival de Arte Dule ha sido ganador de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayudas a la Programación Musical para propiciar la invitación de Sandra Cristina Wroblewsk desde Toronto Canadá, como expositora y representante del Indigenous International Music Summit y de Anklaje Band, representantes de la etnofusión desde Chile.

• Del 13 al 15 de agosto: Ciudad de Panamá

La gira es un proyecto de circulación artística que integra conciertos y actividades pedagógicas en Brasil. La propuesta se centra en la difusión del repertorio iberoamericano para viola, con especial destaque de obras de compositores portugueses y brasileños, muchas de ellas en estreno en Brasil.

Además de los recitales, el proyecto incluye clases magistrales de viola y música de cámara en todas las ciudades visitadas, promoviendo el intercambio cultural y pedagógico entre el intérprete y estudiantes locales. La colaboración con pianistas brasileños refuerza el intercambio artístico, permitiendo que el diálogo cultural tenga lugar tanto en el escenario como durante el proceso de preparación de los conciertos.

Djonathan Inácio da Silva es un violista portugués que inició sus estudios musicales en el proyecto social Música Para Todos, en Oporto, y obtuvo la licenciatura en viola en la Escuela Superior de Música y Artes del Espectáculo (ESMAE), con la máxima calificación.

Actualmente estudia en la Universität für Musik und darstellende Kunst Wien (mdw), en Viena, en la clase de Wolfgang Klos, y desarrolla estudios paralelos con Maxim Rysanov. Se ha destacado en proyectos solistas y de música de cámara.

Se dedica a la promoción de la música portuguesa e iberoamericana para viola, un área central tanto en su trayectoria artística como en este proyecto.

Esta gira es posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas, mediante su línea de Ayuda a la Circulación de Profesionales de la Música, convocatoria 2025.

• 11 de agosto: Recital de viola y piano y clase magistral de viola y música de cámara, Departamento de Música del Instituto de Artes de la Unicamp, Campinas, Brasil.
• 12 y 13 de agosto: Recital de viola y piano y clase magistral de viola y música de cámara, Instituto de Artes de la Universidad Estadual Paulista «Júlio de Mesquita Filho» (UNESP), São Paulo, Brasil.
• 18 y 19 de agosto: Recital de viola y piano y clase magistral de viola y música de cámara, Departamento de Música de la Universidad Federal de Minas, Belo Horizonte, Brasil.
• 24 y 25 de agosto: Recital de viola y piano y clase magistral de viola y música de cámara, Conservatorio Pernambucano de Música, Recife, Brasil.

Kuraka es el dúo de productores ecuatorianos formado por Andrés Bracero y Diego Benalcázar. Su práctica se sitúa en la intersección entre la etnomusicología, el arte sonoro y la electrónica improvisada en vivo. A partir de objetos sonoros ancestrales, instrumentos andinos y síntesis modular, construyen presentaciones que están a la vez enraizadas en la tradición y orientadas hacia la práctica experimental contemporánea. Kuraka funciona como un laboratorio sonoro para los productores, donde la memoria acústica se transforma en nuevos modos de escucha.

Este proyecto propone un laboratorio sonoro itinerante de tres semanas en Ciudad de México, donde se investigará, a través de la práctica artística, la fusión de sonoridades mesoamericanas con enfoques electrónicos contemporáneos mediante colaboraciones con artistas sonoros y músicos locales.

El laboratorio propone investigar los vínculos sonoros entre los Andes y Mesoamérica, explorando las relaciones históricas y culturales presentes en sus prácticas musicales ancestrales y contemporáneas. A través de una perspectiva decolonial, busca revalorizar las músicas prehispánicas como expresiones vivas que continúan influyendo en la creación sonora actual. Asimismo, promoverá redes de investigación, colaboración e intercambio entre los ámbitos artístico, académico y comunitario, fortaleciendo el diálogo entre tradición, experimentación y patrimonio sonoro mediante el trabajo conjunto con instituciones y comunidades afines.

Este proyecto de Diego Eduardo Benalcazar Vega y Andrés Patricio Bracero Torres ha sido ganador de la convocatoria 2025 del Programa Ibermúsicas en la línea de Ayuda a artistas e investigadores para residencias.

• Del 11 de agosto al 2 de septiembre, Facultad de Música de la UNAM, México

Nacido en Cabo Verde, Mista Sanches es productor, compositor, vocalista e instrumentista. Canaliza su pasión por la diversidad, la libertad y la creación hacia su música. Mezcla varios estilos en su proceso creativo, incluyendo el hip-hop, el reggae, el batuku caboverdiano y ritmos de la capoeira. Mista dio sus primeros pasos en la música como productor musical y actualmente abraza su espíritu multifacético, siendo responsable de la composición, grabación, mezcla, masterización y promoción de sus creaciones. Es autor de diversas obras musicales y se involucra regularmente en actividades de carácter social, habiendo diseñado e implementado ya dos residencias artísticas en África a través de su proyecto BARIMBIKU: la primera en Maputo, en 2024, y la segunda en Zanzíbar, en 2025.

Esta residencia incluirá las siguientes actividades: creación y grabación de temas originales; valorización y promoción de instrumentos, ritmos y lenguas africanas; investigación; intercambio cultural y de conocimientos, y promoción de la multiculturalidad, la inclusión, la diversidad, la unión y la sostenibilidad ambiental.

El proyecto de Mista Sanches fue seleccionado en las convocatorias 2025 del Programa Ibermúsicas, en la línea de Ayuda a artistas e investigadores para residencias.

• Del 10 al 28 de agosto en Residencia Artística Nzango, Matola, Mozambique

El Festival Internacional Callejón del Ruido, en colaboración con la Universidad de Guanajuato y la Secretaría de Cultura del Estado de Guanajuato, en su edición 2026 contará gracias al apoyo del programa Ibermúsicas con el destacado compositor argentino Gustavo De Leonardis el cual realizará una residencia artística que incluirá la composición de una obra inédita, la participación como docente en el Taller de Composición del festival y la realización de conferencias y charlas abiertas al público.

La residencia contempla tres ejes principales:

Creación: encargo y estreno de una obra para conjunto de cámara, escrita especialmente para el festival a lo anterior se suma el estreno en México de obra del compositor mediante colaboración con las agrupaciones profesionales de la Secretaría de Cultura y la Universidad de Guanajuato.

Formación: dirección del Taller de Composición, espacio central del festival dedicado a jóvenes compositores en formación. La dinámica del taller pondrá en el centro el diálogo directo entre docente y participantes, fomentando un proceso de acompañamiento personalizado en el que se promueve la reflexión crítica, el intercambio de ideas y la exploración conjunta de nuevos lenguajes musicales.

Reflexión: dictado de dos conferencias dirigidas a estudiantes y público general. Una de ellas abordará la creación musical contemporánea en América Latina y su diálogo con la tradición académica europea; la otra estará dedicada a los procedimientos compositivos del autor, en particular a sus enfoques sobre la repetición, la métrica y el ritmo.

Gustavo De Leonardis es un compositor argentino de trayectoria destacada, ganador del Premio Ibermúsicas de Composición Sinfónica 2023 y otros reconocimientos. Es Licenciado en Composición Musical por la Universidad Nacional de las Artes y docente en la misma institución. Además, se desempeña como curador y programador de conciertos y posee formación en música rock y jazz, habiendo colaborado con artistas como Daniel Melero y bandas como Entre Ríos. Se ha especializado en músicas repetitivas, minimalistas y experimentales, con un enfoque particular en la obra de John Cage, y combina la creación de obras inéditas con la formación de jóvenes compositores, aportando una mirada única y particular sobre la unión de mundos y esferas diversas de la cultura musical. Ha trabajado con otras agrupaciones latinoamericanas como el Ensamble Eco de Costa Rica y ha participado en las Jornadas de Música Contemporánea del Círculo Colombiano de Música Contemporánea. Su experiencia, versatilidad y especificidad lo ha posicionado como un referente de las músicas de carácter repetitivo en la música contemporánea argentina y latinoamericana y un interlocutor ideal para enriquecer la comunidad artística de Guanajuato.

El Festival Internacional Callejón del Ruido (FICDR) es un evento cultural que bajo el lema “creación, ideas, tecnología” mantiene el objetivo de la difusión de la música nueva, el arte contemporáneo en general, y su relación con la ciencia y la tecnología. Con veinte ediciones para el año 2025, el FICDR se ha constituido como un referente en la cartelera de festivales en el país, y uno de los principales foros para el estreno de obra artística y el intercambio de conocimiento. Destaca además, la presencia permanente en escenario de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG), de creadores guanajuatenses, y de estudiantes de la Universidad de Guanajuato. Entre las instituciones involucradas, cabe mencionar que el FICDR nace del cuerpo de profesores del Departamento de Música y Artes Escénicas, actualmente es gestionado en el Grupo de Investigación, Creación e Interpretación Musical del Departamento de Música de la Universidad de Guanajuato, actualmente bajo la dirección artística del compositor Javier Compeán. Como proyecto académico, siempre ha gozado del apoyo primario de las instancias universitarias destacando el apoyo de Extensión Cultural Universitaria y la División de Arquitectura, Arte y Diseño (DAAD). Necesario mencionar, que el Consejo Divisional de la DAAD en sesión del año 2017 registro el proyecto como parte de las actividades académicas de la Universidad de Guanajuato. El FICDR ha contado siempre con el apoyo Estatal, actualmente por la Secretaría de Cultura de Guanajuato, el Museo Iconográfico del Quijote; instancias federales como el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, la Sociedad de Autores y Compositores y la Sociedad General de Autores y Editores. Cada año para el invitado internacional se recibe apoyo por parte de la universidad o instancia de adscripción del creador que asiste como residente.

Esta residencia se hace posible gracias al apoyo del

Programa Ibermúsicas mediante su línea de Ayuda a instituciones para residencias, convocatoria 2025. Del 10 al 28 de agosto en Guanajuato, México

La música y docente chilena Bárbara López Silva presenta un documental que es el resultado de su residencia de investigación realizada en la ciudad de Barcelona, sobre el método de enseñanza de la música que desarrolla Joan Chamorro con la Sant Andreu Jazz Band, agrupación de niñas, niños y jóvenes que tocan jazz y que se destacan por su calidad interpretativa.

Bárbara López Silva inició sus estudios de pedagogía en música en el año 1998, paralelamente realizando estudios de trompeta y desde ese momento ha estado ligada a las artes musicales, ya sea en diferentes agrupaciones tales como Banda Conmoción o Peces Sexteto, entre otros, llegando a diferentes escenarios de Chile, Francia, España, Alemania, China, Brasil, Colombia, Ecuador, Uruguay, Argentina, Bélgica y Corea. Además del quehacer artístico, ha dado clases de música en diferentes jardines infantiles de Santiago y clases de trompeta y trombón para niños en orquestas de colegios de la capital. Se desempeña como docente de trompeta, trombón y flauta traversa en la Orquesta instrumental de niños y jóvenes de Lonquimay y en la Orquesta de Curacautín. También se dedica a componer y tocar en la banda “Música en mi jardín”. En el año 2024 realizó una pasantía a México para conocer el método de enseñanza de la maestra Leticia Gallardo, directora de la Banda Femenil Mujeres del Viento Florido, proyecto el cual también fue apoyado por Ibermúsicas.

Joan Chamorro es un músico de jazz multi instrumentista y director de la Sant Andreu Jazz Band (2006–2026), proyecto con el que ha logrado resultados sorprendentes, reflejados en más de 50 grabaciones en formato CD y 23 discos surgidos en el seno de la colección “Joan Chamorro Presenta”. Protagonizó el documental A Film About Kids and Music, dirigido por Ramon Tort. Estudió la carrera clásica de saxofón en el Conservatorio de Barcelona y, paralelamente, obtuvo el título de Grado Superior en el Taller de Músics de Barcelona. Ha impartido masterclasses en toda Cataluña, la Comunidad Valenciana y Zaragoza, así como en Stanford y Cincinnati (EE. UU.), Copenhague (Dinamarca), Ciudad de México, Querétaro y Playa del Carmen (México), Medellín (Colombia), Polonia (Universidad de Zielona Góra), Francia, Suecia,  Italia y Alemania, entre otros lugares. Durante estos 20 años al frente de la Sant Andreu Jazz Band ha recibido diversos premios y reconocimientos de relevancia. En 2026, la organización Jazz at Lincoln Center lo ha elegido para recibir en la ciudad de Nueva York el Global Citizen Award, en reconocimiento a su labor durante dos décadas al frente de la Sant Andreu Jazz Band.

La residencia de Bárbara López Silva fue posible gracias al apoyo del Programa Ibermúsicas mediante su línea de Ayuda a artistas e investigadores para residencias, convocatoria 2025.

• Sábado 8 de agosto, 19h, Teatro Municipal de Curacautín, Serrano 295, región de La Araucanía, Chile