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  • Alejandro Balbis y “La Gaditana que Volvió” (Uruguay)

    Alejandro Balbis y “La Gaditana que Volvió” (Uruguay)

    El reconocido músico uruguayo Alejandro Balbis junto a Nicolás Assandri, presentaron su proyecto ante Ibermúsicas con el objetivo de llevar al Concurso del Carnaval de Cádiz 2020 en el mítico Teatro Falla una comparsa con impronta murguística uruguaya.

    Con la firme convicción de que el carnaval es siempre una herramienta para el pueblo, “Tirando la Bohemia” nace a partir de la iniciativa de Nicolás Assandri y Alejandro Greder de crear una murga uruguaya residente en Madrid, en el año 2013. El proyecto fue desarrollando solidez y profesionalidad durante estos años, llevando a la agrupación a participar en destacados eventos del ámbito carnavalero internacional.

    La propuesta de llevar la murga uruguaya a Cádiz surgió, según cuenta Nicolás Assandri, luego de haber visitado varias veces la ciudad durante su carnaval junto a otros murguistas. Tras adquirir un conocimiento profundo de sus distintas categorías, chirigotas, comparsas, coros y cuartetos, llegaron a la conclusión de que la murga uruguaya englobaba todas ellas, motivando así la transformación de la murga “Tirando la Bohemia” hacia la modalidad de comparsa con el fin de participar en el Carnaval de Cádiz 2020 bajo el nombre de “La gaditana que volvió” en alusión a la famosa y pionera murga “La gaditana que se va”:

    “La conexión entre el carnaval de Cádiz y el de Montevideo es de raíz. El uruguayo surgió de aquel, es su hijo y su nueva expresión”, señala Agustín Zavala, y agrega, “En 1908, cuando el Estado uruguayo empezaba a afianzarse y hacía apenas unos años habíamos dejado las revueltas rurales, en algunos teatros de la capital uruguaya comenzaba a actuar “La gaditana que se va” con un éxito marcado. El conjunto pionero de la murga uruguaya surgió gracias a un grupo de amigos, liderado por Antonio Garín, considerado el primer director del género murguero en Montevideo”.

    Alejandro Balbis fue el invitado especial para participar como cantante y arreglador de esta nueva e innovadora propuesta: “La Gaditana que Volvió”. Reconocido cantante, compositor, guitarrista y productor uruguayo, ha participado en murgas como cantor, como libretista y director, entre otras de Contrafarsa, Falta y Resto, Saltimbanquis, A Contramano, Asaltantes con Patente y Don Timoteo. Los integrantes de “La Gaditana que Volvió” y el maestro trabajaron juntos en la creación de un espectáculo para ser llevado al concurso del carnaval de Cádiz. Balbis compuso toda la despedida y parte del popurrí para lo cual tuvo que interiorizarse profundamente en el estilo y las formas propias del carnaval gaditano.

    Balbis narra que hay una relación histórica muy estrecha entre la comparsa de Cádiz y la murga de Uruguay que tiene que ver con los orígenes. Sin embargo, un acercamiento muy importante por parte del público gaditano y de los hacedores de las comparsas, las chiricotas, los coros y los cuartetos, se dio desde el año 2007 donde el gran Carlos Aragón hizo la murga comparsa Araka la Kana en homenaje a la murga Araca la Cana de Uruguay. Fue entonces que el carnaval gaditano empezó a mirar al carnaval montevideano y descubrió que son los gaditanos los originarios y fundadores de eso que germinó en Uruguay a partir de la migración gaditana de 1880 y la relación de los puertos de Montevideo, de Cádiz y el de Santiago de Cuba. Esa triangulación fue muy importante a nivel cultural:

    “En esos barcos no sólo viajaban esclavos sino también su música y su manera de ver el mundo, primero desde su mentalidad tribal y luego como búsqueda de preservar su pertenencia. La situación de esclavitud se grabó muy a fuego en la genética cultural uruguaya. El carnaval no es solamente esos cuatro días de aquelarre y de dejarse llevar, también carga con una historia de altísimas tragedias como sustento de un arraigo cultural. Por eso existe el carnaval como una especie de válvula de escape a nivel social, donde se canaliza y se hace una catarsis durante esos cuatro días”.

    Tal y como existen grandes puntos de contacto también hay importantes diferencias entre la comparsa gaditana y la murga uruguaya, reflexiona el maestro Balbis: “La primera es de carácter vocal, del lugar en el que se coloca la voz. El gaditano es un canto mucho más galante. El canto de la murga montevideana es mucho más rústico. Mucho más fuerte de volumen y en cierto punto más desprolijo porque lo que sucede con el coro de la murga uruguaya está en la totalidad de su sonido. Los gaditanos tienen otra elegancia: hay vibratos y arabescos que vienen probamente del flamenco con todo el mestizaje milenario que tiene esa zona, habida cuenta de que Cádiz fue durante siglos uno de los puertos más importantes del mundo. En cuanto a la composición de las letras tienen una raíz menos ideologizada que la de la pluma uruguaya. Aunque sí son críticos pero desde un costado distinto. Y muchos de ellos se meten con instituciones muy intocables en España. Musicalmente son muy distintas las cosas ya que en Cádiz tienen el espectáculo mucho más regulado. Al menos en lo que se refiere al ámbito del concurso. Tienen un sistema más rígido y la estructura está predefinida. En la murga uruguaya también se hace una presentación, cuplé y despedida. Pero dentro de esa estructura es mucho más libre la división de cuadros, las rítmicas que se usan, la musicalidad, la entrada y salida de personajes. La murga uruguaya se mueve creativamente con otra libertad. En la comparsa hay establecida presentación, luego dos pasos dobles, dos cuplés breves y el popurrí con tres cuadros musicales, uno de ellos es la despedida. El tiempo está rígidamente establecido y no está permitido pasarse”.

    Así fue cómo durante el mes de febrero de 2020 la murga “Tirando la Bohemia” se transformó en comparsa gaditana y fue la primera agrupación del carnaval uruguayo en participar en el histórico Carnaval de Cádiz, lo que dio como resultado un verdadero intercambio carnavalero entre las dos orillas, entre dos ciudades hermanadas por la música, dos puertos donde florece el canto.

    “Si no fuese por Ibermúsicas no habría sido posible. Ojalá siga ese Programa porque de otra forma habrá un montón de proyectos interesantísimos que no van a suceder. Es un programa absolutamente fundamental y necesario. Todos los países del mundo con relevancia cultural lo hacen. Y a su vez, tienen esa relevancia cultural, gracias a los programas como Ibermúsicas. Los Estados tienen que financiar a los artistas que le generan cultura internacional. Por eso es importante porque van a otros países a enraizar su propia cultura y tener llegada, ganar adeptos y así el país tiene más interés a nivel mundial. Un programa como Ibermúsicas genera un montón de cosas, y las necesitamos. Además me parece súper importante que Ibermúsicas esté encima de lo que suceda, no solamente para saber qué se hace con lo que financió sino porque eso genera un ida y vuelta de respaldo para el que está del otro lado del mundo solo, desarrollando un proyecto”. Alejandro Balbis

    “Nosotros le tenemos que agradecer mucho a Ibermúsicas. Fue un proyecto que llevó mucha inversión y fue fundamental para que Alejandro pudiera estar con nosotros. La verdad es que lo que hacen ustedes está buenísimo. Es único lo que hacen para impulsar a los artistas, realmente maravilloso.  Nada de lo que hicimos hubiera sido posible sin un programa como Ibermúsicas y te lo digo con total sinceridad, sino no te lo diría”. Nicolás Assandri

  • Trío Nueva Colombia (Colombia)

    Trío Nueva Colombia (Colombia)

    El Trío Nueva Colombia, bajo la dirección del pianista y compositor Germán Darío Pérez, brindó una Master Class y una serie de conciertos en el Mérida Fest 2020.

    En enero de 2020, la ciudad de Mérida, Capital del Estado de Yucatán, México celebró los 748 años de su fundación con una nueva edición del Mérida Fest, festival que se lleva a cabo en 39 sedes de la ciudad con un total de 140 espectáculos que congregan  distintas disciplinas desarrolladas por maś de 650 artistas.

    El Mérida Fest es una de las iniciativas llevadas adelante por el Ayuntamiento de Mérida, es una fiesta donde los meridanos y los visitantes se apropian del espacio público durante más de 20 días con actividades gratuitas que garantizan la accesibilidad universal a toda la sociedad y enfocadas hacia todo tipo de públicos. Conciertos, serenatas, trios, bailes, eventos tradicionales, danza, vaquería, bailes, talleres, conferencias, lecturas, seminarios, presentaciones de libros y revistas, documentales, exposición de pinturas, fotografías y artesanías son algunas de las manifestaciones artísticas en torno a las cuales se congregan grupos musicales con   artistas de nivel internacional.

    El Trío Nueva Colombia, dirigido por el pianista y compositor Germán Darío Pérez participó en el Mérida Fest entre los días 21 y 24 de enero de 2020 realizando una Master Class en el Auditorio del Centro Cultural Olimpo y dos conciertos. La actividad académica y los conciertos permitieron que el Trío Nueva Colombia transmitiera, tanto a los espectadores como a estudiantes y músicos profesionales, conocimientos importantes en torno a los nuevos desarrollos de la música colombiana de la región andina.

    A lo largo de su carrera musical, Germán Darío Pérez se ha dedicado al rescate, renovación y divulgación de la música colombiana de la región andina, tomando como aspecto esencial la posibilidad de ponerla a la altura de las músicas más reconocidas del mundo.  El Trío Nueva Colombia, incorpora el lenguaje jazzístico y universal del piano y el contrabajo, unidos al tiple que aporta el elemento diferencial de su música. Con su hermoso repertorio de bambucos, pasillos y danzas, el trío es reconocido como uno de los ensambles de más alto nivel musical en Latinoamérica. Han logrado fusionar la música de las montañas colombianas con elementos de otros lenguajes y otras estéticas musicales dentro de un formato llamativo donde vibran la música académica y lo jazzístico.

    “La participación del Trío Nueva Colombia en el Mérida Fest 2020 resultó una oportunidad única para la circulación y difusión de nuestra música. El Trío Nueva Colombia tuvo  la oportunidad de mostrar sus condiciones artísticas y la grandeza de nuestra música en este nuevo recorrido internacional. Indiscutiblemente las oportunidades de circulación nacional, e internacional brindan a los artistas la posibilidad de difundir su trabajo, vender sus producciones discográficas y relacionarse con nuevos agentes del mercado musical, lo que podría redundar en nuevas oportunidades de circulación del producto artístico”.

  • Grecia Albán (Ecuador)

    Grecia Albán (Ecuador)

    Entre el 27 de Enero y el 2 de Febrero de 2020 se llevó a cabo en la ciudad de San Carlos de Bariloche, la 2da edición del Festival Mujeres a la Patagonia que contó con la presencia, entre muchas otras artistas, de la cantante ecuatoriana Grecia Albán

    El Festival Mujeres a la Patagonia, es un encuentro itinerante que propone potenciar las expresiones musicales de mujeres que trabajan en la música de raíz latinoamericana, y que ya se ha constituido en una plataforma de conexión entre mujeres músicas de América del Sur. El Festival está vinculado con varias luchas sociales argentinas que tienen que ver con la no violencia hacia las mujeres y la reflexión sobre la historia de los pueblos originarios de la Patagonia. También genera instancias de formación y experiencias de convivencia grupal en contacto con la naturaleza.

    Grecia Albán viajó a la ciudad de Bariloche, en la Patagonia Andina Argentina, para realizar una serie de conciertos y participar en diversos talleres. Grecia comparte profundamente los valores del festival, no sólo como artista performática sino también por el vínculo que mantiene en Ecuador con el Encuentro de mujeres Cantoras Sinchi Warmikuna (mujeres fuertes).

    Aprovechando su visita a la Argentina para participar en Mujeres a la Patagonia, Grecia Albán extendió su gira para presentarse en San Martín de los Andes y en Junín de los Andes (otras dos localidades de la Patagonia Andina en la provincia de Neuquén), en Plottier, localidad cercana a la capital neuquina y para el cierre de la gira, un concierto en la Ciudad de Buenos Aires, en el barrio de San Telmo y otro en Ituzaingó, en el oeste del gran Buenos Aires. En estos dos últimos compartiendo escenario con la artista argentina Soema Montenegro. En todos los conciertos estuvo acompañada por Daniel Pacheco en acordeón y Cristóbal Piña en guitarra.

    Grecia Albán combina música tradicional ecuatoriana, folklore latinoamericano, improvisación libre y más influencias contemporáneas. Celebra el mestizaje latinoamericano en una propuesta de alto contenido poético. Mamahuaco, su primer trabajo discográfico como solista, integra sonidos de la música tradicional ecuatoriana con elementos de la música contemporánea y abre la memoria del antiguo potencial femenino que protege la herencia de los ancestros andinos y los defiende con amor, dignidad y música. Para Grecia esta música está en sus raíces, es la música que escuchó desde niña en Cotopaxi, su lugar de origen.

    Después de una amplia carrera musical que ha incluido participaciones con músicos y bandas afines a todo tipo de sonoridades, Gracia Albán lanzó Mamahuaco, así titulado en refernecia a un personaje de un mito Inca que representa a la mujer insumisa, que no teme al frío, al trabajo y que es libre. Trae consigo un mensaje sobre el poder de la oralidad y sobre las formas en que resuena dentro de quien lo escucha. “Yo soy chola, yo soy longa, yo soy andina, yo soy mestiza, yo soy negra, yo soy todo. Todo eso está adentro mío”. Mamahuaco también es una celebración del mestizaje, de la mezcla de lo ancestral con lo contemporáneo, de lo andino con lo global.

    “Ibermúsicas nos dio la posibilidad de dar a conocer nuestra cultura a través de la música ecuatoriana contemporánea, generar vínculos internacionales para poder proyectar más conciertos y talleres, una base de datos de gente interesada en formarse con música hecha en ecuador y conocer otros modelos de gestión, artistas independientes que están en el mismo proceso de crecimiento, vincularse con managers y productores de la escena local e internacional”

  • Samuel Cedillo (México)

    Samuel Cedillo (México)

    Samuel Cedillo es un compositor mexicano de origen Mazahua que fue campesino y artesano en su infancia. Estudió composición en el Conservatorio de las Rosas de Michoacán con Germán Romero. De sus principales influencias formativas posteriores a Romero, Cedillo considera principalmente a Emmanuel Nunes y Pierluigi Billone. Ha revisado su obra con compositores mexicanos y extranjeros. Su música se programa principalmente en Europa, Estados Unidos y América Latina. Su trayectoria cuenta con premios, reconocimientos, becas, grabaciones, comisiones, residencias y cursos.

    Parte de su actividad pedagógica la dedica al trabajo comunitario dentro de comundiades indígena al lado de un equipo de músicos purhépecha. Es fundador del Conservatorio Purhépecha, institución única en su formato y modelo educativo, proyecto independiente dedicado a la formación de músicos tradicionales.

    Desde el 2008, es guía del taller libre de creación musical para jóvenes compositores, con sede en Páztcuaro Michoacán. Actualmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores de México.

    Durante 2019 realizó una residencia artística en Tallin, Estonia que consisitió en trabajar junto al Ensemble for New Music Tallinn, para la creación, montaje y estreno mundial de la obra “CANON. A, para violín, viola, chelo y contrabajo a tres ejecutantes”.

    El Ensamble Tallinn para la Nueva Música, con sede en la ciudad de Tallinn, Estonia, fue fundado en 2012 por Arash Yazdani. El ENMT es una plataforma para el montaje de música nueva y recién escrita destinada a una nueva generación de público y profesionales. El conjunto está formado por un núcleo de miembros principales que se expande hacia un cuerpo más grande de colaboradores o artistas invitados. El objetivo principal del ensamble es promover lo mejor de la música nueva y actuar como puente alternativo para músicos, compositores y público. En este sentido el ENMT ofrece experiencias únicas y radicales para su audiencia presentando aspectos diferentes y menos descubiertos de la nueva música al público estonio y mundial. Además de encargar nuevas piezas a compositores prometedores y talentosos estonios e internacionales, el ENMT ha sido responsable de estrenos en Estonia de varias obras importantes de Georg Friedrich Haas, James Tenney, Michael Maierhof y Alvin Lucier, entre otros, compositores de primer orden a nivel mundial.  ENMT ha tenido actuaciones y colaboraciones con MIXTUR Festival Barcelona, reMusik.org Festival, así como una serie de conciertos en San Petersburgo, Fylkingen Stockholm, Varske heli festival Sugisfest, Tallinn Music Week; serie de conciertos en Resonancia París, museo de arquitectura FUGA; y serie de conciertos en Budapest.

    Como el mayor énfasis del Ensemble for New Music Tallinn siempre ha sido la presentación de nuevos y diferentes tipos de música contemporánea, tratan de llegar a las más nuevas generaciones del público con la convicción de que es posible mantener la más alta calidad de la música artística y aún así atraer a un público más amplio para disfrutar de la música en sus propuestas más radicales y vanguardistas.

    Además de montar repertorio contemporáneo de compositores ya clásicos, el  Ensemble for New Music Tallinn ha realizado el estreno de dieciocho obras escritas especialmente para el ensamble. El ENMT es hoy en día un referente innegable en la escena nacional de Estonia respecto a la promoción y difusión de la música contemporánea dentro y fuera del país; es además una institución promotora e impulsora de nuevos talentos musicales, dando oportunidad a una nueva y pujante generación de compositores alrededor del mundo.

    La residencia con el Ensamble Tallinn culminó con un concierto en el que a parte del estreno mundial del “CANON A para violín, viola, cello + contrabajo a tres ejecutantes” de Samuel Cedillo fueron interpretadas “I funerali dell’anarchico Serantini”  de Francesco Filidei, “One for violin solo” de Nam June Paik, “Motion Harmony #6” de Jeff Brown y “Complainte” de Georges Aperghis.

    En los conciertos de poesía sonora para voz sola realizados en Estonia y también en la Casa de Japón en la Ciudad Internacional Universitaria de París, Samuel Cedillo presentó su propia obra “ Máquina parlante, Monólogo VI” junto a “Estudio del alma. Voz sola no. 1” de Abraham Ortiz, “Avanzi col capo voltato sempre all ́indietro?” de Nolan Krell y Verbo de “Eduardo Partida”

    Se trata de cuatro obras dentro de la línea de la vanguardia que exploran universos acústicos vocales expansivos, alternos; piezas que abren los recursos vocales, expresivos del lenguaje, hacia territorios nuevos y propositivos. La fuerza acústica, la energía vocal, corpórea, la intensidad física es característica de todas las obras incluidas en el programa. Todas ellas con un alto nivel de exigencia técnica vocal; la exigencia se extiende al espectador en el sentido de que cada pieza reta al escucha a la resistencia psíquica y perceptual.

    También, dentro de las actidades desplegadas en París Samuel Cedillo ofreció una charla en el Conservatorio de Bolougne-Bilancourt a cargo del compositor Jean Luc Hervé.

    Estas presentaciones realizadas en Francia dieron un alcance mucho mayor a su residencia que originalmente había sido planeada sólo para Estonia.

    “La importancia del apoyo como posibilidad para trabajar la pieza de estreno directamente con el ensamble, en un periodo de montaje tan amplio, poco usual, tanto para el compositor como para el instrumentista, devino en un resultado formal, acústico, de alto nivel profesional. La experiencia de ambas partes retroalimentó excepcionalmente nuestra vida musical. Durante toda mi gira artística mi proyección nacional, iberoammericana, internacional, ha tenido mayor alcance. Gracias a este apoyo, mi obra y mi nombre como compositor ocupan un lugar de mucha mayor relevancia. La experiencia profesional, personal, es invaluable. Sin este tipo de apoyos, de incentivos, nuestras carreras serían más complicadas de realizarse apropiadamente en lo que respecta a la vida pública”.

     

  • El David Aguilar (México)

    El David Aguilar (México)

    El David Aguilar es un cancionista del ámbito de la música mexicana independiente nacido en 1983 en Culiacán, Sinaloa. En su obra se percibe la influencia de la música popular mexicana, el canto latinoamericano, la canción brasileña, la canción española y el rock-pop-folk de los 60 a los 2000. A la vez abreva en un estilo de canción moderna que trata de tomar prestados elementos de todas partes a fin de darle a cada canción por separado un estilo único. Sus letras están marcadas por un agudo sentido de observación de la realidad y a la vez ligadas a una percepción altamente poética “…me sitúo como amante de la poesía de existir, es el amor por la existencia, por el cosmos…” dice en un reportaje ante El Universal de México.

    Aparte de en su país natal, se ha presentado con sus canciones en España, Francia, Cuba, Estados Unidos, Argentina y Uruguay. En Noviembre de 2010, ganó la Beca Nacional de composición “María Grever”. En 2018 recibió cinco nominaciones a los Latin Grammy. Ha sido invitado a colaborar en diversos proyectos por renombrados cantautores, tales como Kevin Johansen y Jorge Drexler. Reconoce como sus más fuertes influencias y modelos musicales a un amplio abanico de artistas integrado por nombres tales como Silvio Rodríguez, Chico Buarque, John Lennon, José Alfredo Jiménez, Gabilondo Soler, Bob Dylan, Bob Marley, Violeta Parra, Caetano Veloso, David Bowie, Simón Díaz, Leonard Cohen, Charly García, Joaquín Sabina y Sibylle Baier.

    En el verano de 2019 se presentó en el Festival Serenadas que se realiza cada año en el balneario La Paloma, Uruguay. Fue invitado por Daniel Drexler con quien se conocieron compartiendo escenario en un festival en Chiapas, México. También fueron parte de la programación de esta edición del festival el español Pablo Lesuit, el costarricense Jonathan Méndez, el uruguayo radicado en Chile Federico Wolf y la brasileña Paola Kirst, entre muchos otros artistas argentinos y uruguayos.

    El festival nació a partir de una reunión casual de diversos artistas amigos del músico uruguayo Daniel Drexler que veraneaban juntos en la zona y aceptaron tocar unas canciones para el público local. De ahí en más la iniciativa se convirtió en un festival organizado por Carlota De Micheli que se realiza todos los eneros con artistas que frecuentan el balneario y otros especialmente invitados para la ocasión. La atmósfera que se genera dentro del recinto donde se realizan los conciertos es pacífica y relajada como el entorno mismo del balneario uruguayo. Carlota De Micheli refiere que los artistas son recibidos con mucho respeto y con muchísimo cariño y amor por un público que ovaciona, que conoce las canciones, que al final se levanta y se pone a bailar.

  • Festival Jazz & Blues (Brasil)

    Festival Jazz & Blues (Brasil)

    El quinteto femenino Yamile Burich & Ladies viajó a Brasil para integrar la programación del 21º Festival Jazz & Blues.

    Conciertos, ensayos abiertos, acciones de formación musical y presencia de artistas internacionales marcaron el tradicional Festival Jazz & Blues –edición 21– que se llevó a cabo del 22 al 29 de febrero de 2020 tanto en Guaramiranga, Ceará, un pueblo de montaña ubicado en el Macizo de Baturité, a unos 100 km de Fortaleza y en Maracanaú, en la Región Metropolitana. El quinteto argentino Yamile Burich & Ladies Jazz, realizó dos conciertos, uno en Guaramiranga y otro en Aquiraz. En el Festival, el quinteto conformado por Yamile Burich, Diana María Arias, Analía Ferronato, Patrica Grindfeld y Carolina Cohen, presentó el espectáculo «Alegría», el título del tercer álbum, lanzado en 2019.

    Ya con 21 ediciones realizadas, este Festival es una referencia de gran importancia para la de música instrumental de Ceará y de todo el nordeste brasileño. El evento ganó repercusión nacional por su calidad artística, por la popularidad de sus invitados y por el impacto cultural y socioeconómico que causa en Guaramiranga proponiendo  nuevas sonoridades, generando nuevas emociones y uniendo arte, entretenimiento, educación y desarrrollo social sustentable. Se trata de uno de los festivales más antiguos de Brasil. Desde Guaramiranga y Fortaleza sus valores y beneficios fueron expandiéndose a otros lugares de Brasil. El festival inspiró el nacimiento de varios otros eventos musicales y desarrolló un considerable público en varios puntos del país.

    A partir del año 2000, el Festival se configuró en una alternativa cultural a los carnavales tradicionales de Guaramiranga convirtiéndose en un evento plural y permitiendo una democratización del acceso a la cultura y la promoción con un fructífero intercambio entre artistas locales y extranjeros. Estas acciones significaron un hito para la ciudad, logrando retirar a Guaramiranga del común aislamiento impuesto a las ciudades del interior del país para convertirla en la Capital del Jazz & Blues, título que le fuera concedido por la Assembleia Legislativa do Ceará en 2011 en reconocimiento a la repercusión del evento.

    Considerado el principal escenario de circulación de música instrumental en Ceará, el Festival Jazz & Blues permite el intercambio entre músicos de varios estados y países, mezclando presentaciones de nombres consagrados con talentos regionales. La iniciativa posibilita el conocimiento de la producción de nuevos artistas y aproxima al gran público nuevos estilos musicales contribuyendo a la efectivización de un verdadero pluralismo cultural en la región. El Festival propicia cada año que los estudiantes de música tengan contacto con los artistas y puedan perfeccionarse musicalmente. El evento abrió muchas puertas para músicos que no encontraban espacio en el cual mostrar su trabajo, llevándolos a posicionarse en otro status de reconocimiento tanto del público como de la prensa.

    La descentralización de la cultura desde el eje Sur-sudeste de Brasil hacia el Nordeste es uno de los principales objetivos del Festival. El Festival propone una amplia programación gratuita que acerca a miles de personas la oportunidad de asistir a conciertos de renombrados artistas nacionales e internacionales invitados. De este modo traza nuevos rumbos para el desarrollo socioeconómico y cultural de Guaramiranga y del estado de Ceará. El Festival Jazz & Blues se configura, así como una iniciativa que supera las condiciones de un evento pasajero contribuyendo al desarrollo de Ceará y de Brasil, a la reducción de las desigualdades sociales, a la promoción de la inclusión cultural y a la formación de nuevos públicos.

    Otros artistas internacionales que participaron de esta edición del Festival fueron los integrantes de la banda Black Flower de Bélgica, y los artistas locales del trío Corrente de São Paulo, Nando Cordel, el pianista y compositor Amaro Freitas, una de las revelaciones del jazz brasileño reciente, Nando Aconchego de Pernambuco, Duo Mitre (dúo femenino de piano y vibráfono), el trío Anathema integrado por Antonio Carlos Bigonha, Jorge Helder y Jurim Moreira, el grupo Trinca Brasília, los paulistas del Trio Corrente, Tutuca Viana de Maranhão y Zélia Duncan, una de las cantantes más importantes de la escena brasileña en las últimas décadas quien subió al escenario del Festival acompañada por el gran violonchelista Jaques Morelenbaum. También fueron parte de la grilla los doblemente locales (por ser de Ceará) Lidia Maria, el grupo Casa do Blues, el dúo de guitarras integrado por Cristiano Pinho e Felipe Cazaux, la agrupación De Blues em Quando, el dúo de acordeón y bajo integrado por Nonato Lima e Sérgio Groove y el Quinteto Aqualtune integrado totalmente por mujeres.

    Evidentemente existió en esta maravillosa edición del Festival Jazz & Blues de Ceará una clara preocupación por presentar una programación respetuosa de la paridad de géneros, iniciativa a la que suscriben cada vez más festivales marcando un gesto altamente positivo y un ejemplo digno de ser imitado acorde a un momento histórico en el que la igualdad ha de ser absoluta.

    “El contacto con el grupo argentino trajo nuevas perspectivas para el festival, en el sentido de mantener un intercambio más cercano con los países vecinos de Brasil, fortaleciendo la música latinoamericana. El Jazz & Blues Festival, por ser un evento de género más específico, necesita enfoques como estos para ser desarrollado y reconocido en todo el mundo. La forma simple de acceder a la convocatoria, el servicio y la ayuda de Ibermúsicas fueron muy positivos para nosotros, que hemos estado trabajando con música durante más de 20 años”

  • Leonardo Gómez Jattin (Colombia)

    Leonardo Gómez Jattin (Colombia)

    Además de bajista, contrabajista, compositor, arreglador, productor musical y poeta, Leonardo Gómez Jattin es un apasionado investigador de las relaciones entre las músicas del caribe colombiano y las músicas de la costa atlántica africana. Específicamente del lazo musical que existe entre Colombia y la República Democrática del Congo.

    Ya en 2016, al ganar el Concurso Ibermúsicas de Creación de Canción, compuso su preciosa “De Palenque a Matongé” que es parte de nuestro álbum Itinerario Canción III, en la que no sólo refleja esta hermandad musical entre los dos países sino que en la letra de la canción nos cuenta con lujo de detalles la historia de este encuentro artístico que generó un gran movimiento musical y cultural en la costa colombiana. Es muy difícil escuchar esta canción sin querer ponerse a bailar y sin dejar de cantar su estribillo el día entero.

    Continuando con su trabajo de investigación y de creación en 2019 Jattin presentó ante Ibermúsicas su proyecto de residencia artística en Lubumbashi, República Democrática del Congo. En los primeros meses de 2020 el compositor viajó a África con el objetivo de crear allí, y de estrenar junto a músicos congoleños la obra Katanga.

    “Desde la llegada a Lubumbashi, República Democrática del Congo encontré una enorme conexión con los músicos locales, los lazos históricos que unen la música del caribe colombiano con la música del continente africano siguen vigentes. A pesar de esto los músicos de Lubumbashi se sorprenden por el conocimiento que tenemos en Colombia de las músicas africanas, y los colombianos nos sorprendemos por la facilidad con la que ellos se incorporan a la música colombiana”.

    Además de brindar conferencias en diversos centros culturales sobre los aportes de la cultura africana a la música de las diferentes regiones de Colombia, de encontrarse con músicos locales y de componer su obra, también realizó una grabación espontanea de piezas tradicionales colombianas en el estudio del Centre d’art Waza y dos emotivos conciertos en el Hotel Lubumbashi y en Le Boucher de la ciudad de Lubumbashi. Los músicos congoleses se mostraron interesados en continuar con este proyecto musical transcontinental, tanto en el aspecto de la composición, como el de la interpretación y producción de futuras grabaciones.

    “Esta ha sido una de las experiencias más importantes de mi vida, no sólo desde el punto de vista musical, también desde el aspecto humano, y a la hora de entender el contexto que construye una música tan importante en el desarrollo de las actuales músicas del caribe”.

    El año 2020 ha marcado el inicio de la realización de residencias de Ibermúsicas en el continente africano. La de Leonardo Gómez “Jattin de Colombia en la República Democrática del Congo y le de Mo Maiê de Brasil en Senegal han sido las dos primeras experiencias de artistas beneficiados por Ibermúsicas que viajan a África en busca de las raíces ancestrales de las músicas latinoamericanas.

     

  • Mo Maiê (Brasil)

    Mo Maiê (Brasil)

    En enero de 2020 la compositora, multi instrumentista, investigadora del universo musical transatlántico afroamerindio, educadora por medio del arte, luthier de instrumentos africanos y capoeirista brasileña Mo Maiê comenzó su Residencia Transatlântica en el Complejo Multicultural Sobobade de Toubab Jallaw, Dakar, Senegal. Este proyecto nació del encuentro de Mo Maiê con Sobobade Band, grupo musical conformado por compositores, músicos y maestros de las tradiciones musicales ancestrales del oeste africano. El objetivo de estos encuentros fue compartir vivencias sonoras transculturales, intercambios creativos y experimentaciones entre músicos de diferentes orígenes e identidades africanas y de la diáspora negra.

    Mo Maiê trabaja habitualmente sobre la transversalidad de las artes especialmente en las áreas de la música, la literatura, el video y la performance, conectando ancestralidad, arte de la tierra, nueva tecnologías e inclusión social. Mineira radicada en Bahía es realizadora de la Revista “Terreiro de Griôs” * y de la “Escola Ateliê Nomad Djalô”, ambos trabajos enfocados en la investigación y la educación por el arte a través de la afrocentricidad y la valoración de las culturas originarias. Ha realizado viajes por África, Oriente Medio, Asia y Europa investigando sus músicas y sus manifestaciones culturales y ha llevado adelante múltiples iniciativas, montajes de espectáculos y encuentros colaborativos en su país, siempre en torno a las temáticas que forman parte de su arte y de su vida.

    Esta residencia se inscribe dentro de un amplio proyecto transcultural que conecta una red creativa y experimental de saberes entre músicos, artistas, educadores, productores y comunidades de Brasil y de África posibilitando que la música trascienda su función de mero entretenimiento para acercar realidades culturales que poseen raíces ancestrales comunes que van mucho más allá del ámbito musical expandiendo sus potencialidades y beneficios hacia un ámbito socio-cultural-educacional y reverberando tanto en tierras latinoamericanas como en tierras africanas.

    Resulta digno de destacar que Mo Maiê siendo mujer y música fue recibida en ambientes musicales compuestos en forma casi exclusiva por hombres. El simple hecho de que una mujer haya sido parte de esta propuesta señala una transformación dentro del panorama musical actual, transformación que parte de la propia fuerza interna de las mujeres conectadas por un movimiento femenino de concientización, visibilidad y reconocimiento. Esta experiencia de intercambio cultural es también un antídoto contra el mal, la violencia y la colonización y marca un camino de restauración y reaproximación entre músicos de un lado y otro del océano Atlántico.

    La Residencia Transatlântica celebró el encuentro entre la diversidad del universo musical brasileño y el universo musical afro-mandengue, que representa una parte del continente africano. mostrando una vez más los intensos movimientos de intercambio e hibridaciones que caracterizan los caminos de la música a través de los territorios africanos y de la diáspora negra. La residencia aconteció fundamentalmente en el complejo multicultural Sobobade, situado en Toubab Jallaw, uma pequeña villa de pescadores de Grande Dakar. Creado y dirigido por el multi-artista haitiano Gerard Chenet, Sobobade es reconocido internacionalmente como un espacio de artes, turismo y ecología en el que desde hace más de treinta años se realizan festivales, residencias e intercambios estimulando conexión y creando redes de apoyo entre artistas de todo el mundo. El grupo musical Sobodabe reside en este complejo. Está integrado por músicos africanos de Senegal, Guine Conakri, Mali y Gambia. Tocan instrumentos tradicionales del oeste africano  como Saba, Tama, Kora, Ngoni, Bolon y Balafón.

    Durante su residencia la artista realizó cuatro importantes producciones: el álbum Bambalá, grabado en Dakar y que refleja una propuesta de creación de un repertorio autoral original. El disco será publicado muy pronto en diferentes plataformas internacionales de streaming, la colección Transatlântica, una compilación con la participación de temas de compositores de Brasil, Senegal, Guinea, Mali, Angola, Mozambique, Sudáfrica y Estados Unidos reuniendo a músicos de distintos orígenes que trabajan sobre las raíces musicales africanas y afrodescendientes, la publicación literaria «Transatlântica, O Livro de Areia», que se encuentra en proceso de finalización y la creación de «Podcast Transatlântica . África do Oeste 2020», una colección de más de 60 videos para ser vistos en Youtube.

    En el transcurso de su residencia Mo Maiê tomó clases de kora, balafón, percusión, danzas y luthería con maestros de Gambia, Mali, Guinea y Senegal. Brindó conciertos en festivales y encuentros de música africana. A su vez impartió talleres sobre samba de roda y otras músicas de su país.

    “A partir de esta experiencia realizada con el apoyo de Ibermúsicas pude vivir uno de los momentos más importantes y transformadores en mi carrera como música profesional, compositora, investigadora y educadora por medio del arte. Además de posibilitar ahondar en mis estudios sobre música mandengue con maestros griôs* de fuerte tradición cultural del oeste africano, la residencia nos posibilitó registrar trabajos de compositores y músicos africanos extremadamente talentosos, generando un denso repertorio con mucho potencial de poder tocar la sensibilidad de un amplio y diverso público alrededor del mundo. Otro factor importante fue contar con la posibilidad de viajar hasta Mali, la cuna de la cultura mandengue y compartir vivencias con músicos y griôs* extraordinarios, ampliando así las redes de conexión y contacto realizando a la vez verdaderos y transformadores intercambios artísticos y culturales”.

    El año 2020 ha marcado el inicio de la realización de residencias de Ibermúsicas en el continente africano. La de Mo Maiê de Brasil en Senegal y la de Leonardo Gómez Jattin de Colombia en la República Democrática del Congo, han sido las dos primeras experiencias de artistas beneficiados por Ibermúsicas que viajan a África en busca de las raíces ancestrales de las músicas latinoamericanas.

    *  griôs: voz africana que designa a maestros portadores y custodios de los saberes, historias y valores culturales ancestrales de una comunidad.