Catálogo musical

Guilherme Lamas

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Guilherme Lamas – Violão de 7 Cordas de Aço É doutor e mestre em música pela Unicamp, formado no Conservatório de Tatuí, tendo o foco de seu trabalho o Violão 7 Cordas de acompanhamento e solista. Tocou ao lado de músicos como: Monica Salmaso, Eduardo Gudin, Paulo Aragão, Carlos Chaves, Altemar Dutra Jr., Luiz Carlos da Vila, Toinho Melodia, Valter Silva, Valdir Silva, Alessandro Penezzi, Alexandre Ribeiro, entre outros. Participou dos programas televisivos “Sr. Brasil” / Rolando Boldrin, “Milagres de Santa Luzia” da TV Cultura, “Conexão Cultural” da TV Câmara, entre outros. Indicação “Melhores Instrumentistas da Música Brasileira 2017” e “Menção Honrosa” pelo Embrulhador. Produziu ao longo de sua carreira: 2023/24 Concertos: 7 de Aço Solo 2022 Álbum: Bem acompanhado 2022 EP: Melhor que isso só arroz com ovo 2021 WebVídeos: Uma dica pra quem “Fica em Casa” 2020 Programa: Choro no Quintal 2019 Projeto: “Obrigado, Radamés” 2018 Álbum: Idas e Vindas 2017 Álbum: O Alvorecer, homenagem a Ernesto Nazareth 2016 Concertos: “Violão 7 Cordas Solo 2015 WebVídeos: Sinal dos Tempos, homenagem a Garoto 2014 Álbum: “Aos Domingos na Casa da Vó (e do Vô também)”

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Ireri Almonte

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Ireri Almonte es el nombre del proyecto solista como cantautora de Ireri Mejía Almonte: filósofa, multinstrumentista, músico tradicional y cantautora. Originaria de Morelia, Michoacán, proviene de una familia de músicos tradicionales desde 3 generaciones atrás de ella. Es por ello que se ha dedicado a interpretar, difundir y hacer vivir la música tradicional que aprendió a tocar, bailar y cantar desde su infancia. Con su familia (sus cinco hermanos y sus padres) conformaron el grupo de música tradicional mexicana “Media Luna” con quienes han sido ganadores, en dos ocasiones, de convocatorias del FONCA en México y con quienes cuentan con dos producciones discográficas y, actualmente, se encuentran en la producción de la tercera producción que saldrá este año. Han realizado presentaciones en gran parte del territorio mexicano así como en Chicago, Las Vegas, Dallas y Los Ángeles en EUA. Comenzó su proyecto solista como cantautora en julio de 2018 y recientemente publicó en todas las plataformas digitales su álbum debut “Ouróboros”. Ha realizado presentaciones en festivales internacionales, así como en principales teatros municipales, centros culturales y foros en Brasil, Perú, Colombia, Argentina, Chile y Paraguay, además de haber recorrido gran parte de su país con su proyecto solista en festivales, teatros y foros culturales. Se ha presentado con cancionistas de talla internacional como Manuel García y Rosario Alfonso de Chile, Lalá y Alejandro y Maria Laura de Perú, Ezequiel Borra, Sofía Campos, Facu Jofré de Argentina, Roberto Camargo y Solo Valencia de Colombia, Vivir Quintana y Leiden de México, entre otros. Además del proyecto con su familia y su proyecto como cantaora, actualmente forma parte también del ensamble de voces femeninas y percusión corporal “Aliento y Latido” bajo la dirección de Leika Mochán (miembro del Sistema de Creadores de México) y del ensamble femenil de música de Tierra Caliente, Mich., La Tolvadera.

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Esteban

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.Nacido en La Plata, Argentina, comenzó sus estudios de canto en ese país con Elsa Paladino, Rina Nigri y Nino Falzetti, y se especializó más tarde en los Países Bajos, en el Departamento de Música Antigua del Conservatorio Real de la Haya, En Europa, debutó como solista operístico en el rol de Apollo con la ópera Gli amori di Apollo e di Dafne de Francesco Cavalli, presentada en el Concertgebouw de Brujas, el Stadtschouwburg de Groningen y de Amsterdam, y como apertura del Kunsten Festival des Arts de Bruselas. Ha sido dirigidos por maestros de la talla de Christina Pluhar, Gabriel Garrido, Marcelo Birman, Andrés Gerszenszon y Antonio Russo entre otros. Participó en varias producciones del CeTC (Centro de Experimentación del Teatro Colón) entre las que destacan las óperas Breve sueño de Patricia Martínez y El limonero real basada en la novela homónima de José Saer, compuesta y dirigida por Ezequiel Menalled. Es miembro fundador junto al laudista Sergio Casanovas de la agrupación Cappella del Plata que se especializa en la música del período barroco. También forma parte del ensamble PBBA (Proyecto Bach Buenos Aires) dirigido por el clavecinista Jorge Lavista. Junto a otros músicos especializados en Renacimiento y Barroco, es uno de los creadores de Me La Amargates Tú, ensamble cuya original propuesta combina los aspectos folklóricos de la música sefardita con elementos musicales del período final de dicha comunidad en la Península Ibérica. Ha realizado junto a ellos giras por diferentes países incluyendo Israel, Holanda, Grecia, Suiza, Estados Unidos y Bélgica entre otros.Sus últimos conciertos con dicho ensamble, tuvieron lugar en noviembre de 2017 y 2019 en Saint Paul, Minnesota; Eau Claire, Wisconsin y en Zurich, Bélgica y Suiza en el mes de noviembre de 2021. En mayo de 2024, se presentaron como invitados especiales en el Festival Zamus en Köln, Alemania

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La habitación de Ludwig

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La lectura de Beethoven como ícono cultural y el sinnúmero de usos variados que tiene su obra, delinean los caracteres del artista moderno, no sólo en la posibilidad de ofrecer una lectura de las tensiones artísticas y sociales de su tiempo, sino también en las proyecciones que -desde él- se perfilan a futuro. Beethoven en este sentido es el compositor paradigmático emergente desde las revoluciones burguesas de los siglos XVIII y XIX, que desde la política y la industria, han conducido la conformación de un mercado global. Beethoven fue uno de los primeros artistas que puso en juego los ideales de la Ilustración y que se volcaron en el ideario revolucionario para la configuración de un nuevo concepto de hombre y ciudadano en la Modernidad. Así la tríada Libertad, igualdad y fraternidad fueron los conceptos que despuntaron desde la revolución francesa como origen de todo un universo de utopías que mostraron su fracaso en todas las violencias que desplegó el siglo XX , y de allí a nuestros días. Si Beethoven fue una de las últimas voces que elevaron su discurso a una humanidad que podría reencontrarse en una totalidad, ¿que nos queda de aquellas viejas ensoñaciones? En segundo lugar la crisis de la experiencia que fuera largamente descripta por la escuela de Frankfurt en dos de sus máximos representantes Walter Benjamin y T.W. Adorno guían nuestro enfoque. Adorno en particular fue uno de los grandes exegetas de la figura de Beethoven. ¿Es posible tener experiencias en el mundo actual? Hoy nuestra cotidianidad mediada por múltiples dispositivos nos traen literalmente el «mundo a la mano» pero no pareciera ser aquél Zuhandenheit (tener a la mano) del que hablaba Martin Heidegger y que fundaba el «saber hacer» del artesano. Tiempo después de estas reflexiones y ante la emergencia de las IA, conceptos como los de creación, sujeto y arte se ven asimismo puestos en cuestión. La habitación de Ludwig es una Opera que se desarrollará en un espacio escénico de caja negra, a la manera de una disco donde los personajes y la pantalla de video puntúan la narración. Dramaturgia: La figura de Beethoven como ícono que es el artista, un historiador y un filósofo además de un soprano cyber como voz para el «Himno a la alegría». Además de una pantalla de video que interactúa con los personajes. Todo este conjunto encerrado en el espacio escénico donde discurren imágenes, música e ideas en una «teoría ficción» … como una suerte de «Cerebro» de Beethoven, es decir: la habitación del compositor. Personajes: Beethoven joven (pianista) (BJ) Malena Levin El filósofo (actor) (F) Germán Retola Beethoven pianista compositor (pianista) (BPC) Juan Pablo Scafidi Beethoven tardío (actor) (B) Ricardo «Mono» Ibarlín El Historiador (actor)(H) José Ielpi Soprano cyber (tenor ligero) (SC) Esteban Manzano Ensamble instrumental: Dos pianos, dos percusionistas. Dispositivo de sonidos electrónicos y pantalla de video. Toda la música ha sido compuesta por el compositor Luis Menacho a excepción de las partes teatrales, de interacción entre (F, H y B) donde se programará dispositivos de IA para la creación de música.

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Son Palenque

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El 30 de agosto de 1979, un grupo de jóvenes de San Basilio de Palenque encabezados por Justo Valdés Cásseres (n. 1951), hijo del tamborero Cecilio Valdés Simanca “Ataole”, dieron vida a una de las agrupaciones más importantes en la mezcla entre la música de la región, la champeta y los sonidos africanos. Cuenta Valdés, pionero de esa aventura, que una madrugada salía de una fiesta en Marbella, en Cartagena, junto con amigos como Luciano Torres, Enrique Tejedor, Ángel Herrera, Lorenzo Díaz “Malanga” y Rafael “El Teniente” Reyes. En plena playa Valdés se puso a entonar un tema propio llamado “Gele Gele (para gozá)”. Así recuerda ese instante: “Cuando empecé a cantar, Luciano se puso a hacer coro y Enrique cogió una lata y empezó a hacer percusión”. Ese fue el inicio de una aventura musical que hoy completa 45 años de existencia. Ya desde su adolescencia en Cartagena, Valdés se había dado a componer canciones. Mientras, se había convertido en un asiduo espectador de los conciertos de cantadoras como Estefanía Caicedo e Irene Martínez, y además se interesó en la danza tras conocer a Delia Zapata Olivella. Algunas de las inspiraciones tempranas del cantante y compositor palenquero, como “El sapo” y “Dame un trago” se convirtieron luego en parte fundamental del repertorio de lo que se llamaría, desde esa improvisación en la playa hasta hoy, Son Palenque. Con más de 12 trabajos discográficos a su haber y una carrera que los ha llevado por diferentes lugares del mundo, la agrupación Son Palenque es un semillero de artistas dedicados a la champeta en la ciudad de Cartagena. Por sus filas pasaron Viviano Torres (Anne Swing), Charles King. Melchor Pérez y Casimiro Valdés “el Kassiva”. Todos ellos son conscientes de la importancia que tuvo para su carrera el paso por la institución. Así reseñaba el espíritu de las primeras presentaciones del grupo el periodista Rubén Darío Álvarez Pacheco en su libro “La fuga del esplendor: Conversación con la música cartagenera de los años 80”: “En un principio no hubo aplausos ni gritos de aprobación, lo cual no significaba desprecio o indiferencia. Todo lo contrario, la propuesta de Son Palenque extasiaba por lo alegre de su sonido percutivo, sin las gaitas o los clarinetes que acompañan a otras manifestaciones musicales del Caribe colombiano. La cadencia, la profundidad y el lamento de la música palenquera eran poco conocidos en las tarimas del entretenimiento cartagenero, y mucho menos en las programaciones radiales de aquellos tiempos”. Desde 1980, Valdés y compañía han grabado con sellos como Fonobosa, CBS, Felito Records y Palenque Records. Álbumes como “Los trotamundos del sabor” (1983), “Larepa’sa” (1984), “Ane jue” (1985), “Afric erotic” (1986), “Dame un trago” (1996) y “Kutu Prieta pa Saranguia” (2017) hacen parte ya del patrimonio musical caribe colombiano. Los llamados “kamajanes de la música palenquera” siguen dándole vida a una agrupación de referencia en nuestra historia. Movido por el agradecimiento a la Fundación Transformemos, que le enseñó a leer y a escribir hace algunos años, Justo Valdés suele lanzar producciones discográficas a nombre de dicha fundación, y también mantiene lazos estrechos con el productor Lucas Silva y su sello, Palenque Records, gracias al cual ha logrado que su música se escuche en todo el mundo por medio de alianzas con sellos como el español Vampi Soul y el inglés Soundway, que han reeditado en esos lugares la música de Son Palenque. Como nunca antes en sus 45 años de existencia, Justo Valdés y compañía están llenos de planes y actividades. Hoy continúan trabajando con una nueva nómina que incluye los hijos del propio Justo y en ocasiones a su hermano, Pánfilo Valdés, miembro fundador del colectivo. Y en la celebración de este aniversario han prometido el lanzamiento de una nueva producción discográfica en vinilo con 15 temas, de regreso a ese formato en el cual lanzaron buena parte de sus producciones desde principios de la década del 80 hasta mediados de los años 90. El 30 de agosto se cumplen 45 años de la formación de Son Palenque, agrupación pionera de la champeta criolla.

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Dúo Maldonado Bosco

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Agrupación emergente que ha trabajado la composición, arreglo e interpretación de música original dentro del estilo de música de cantautor, con canciones que presentan elementos de ritmos latinoamericanos, alusiones a la trova y la nueva canción chilena y arreglos instrumentales para piano y guitarra. Ambos artistas cuentan con una trayectoria que combina la composición, interpretación e investigación en estos estilos, además de una amplia formación instrumental en la tradición clásica, el jazz y la música popular.

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Maisa Bohé

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Maísa Bohé, nacida el 11 de agosto de 1980 en Mar del Plata,Profesora de canto, egresada del Centro de Estudios Musicales (2010) Maestra de Música, egresada del Centro Polivalente de Arte, (1998) Cursó el posgrado Especialización en Lenguajes Artísticos en y actualmente cursa Maestría en estética, teoría y gestión de las artes en la UNLP. Es Regente en la Escuela de Arte de Berisso, profesora de la cátedra de Canto Popular en la Escuela de Arte de Florencio Varela y en la EAB. Se desempeñó como cantante y performer en diversos proyectos de música popular entre los que se destacan Les minon, Canciones lloronas, Dúo Olivero-Bohé, Insurrecta, Ética del Atardecer, Afilado Perfume, La mesa del Silencio. En tareas de producción tuvo participación en proyectos culturales como Las Mamichulas, Cartografías de lo invisible, artística en cortos audiovisuales y producciones locales. Se destaca su formación en cursos, seminarios y talleres de especialización sobre Pedagogía de la voz, método funcional, teatro, yoga y música antigua de India. .

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Body Hack

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Nuestra organización está totalmente dirigida por personas trans, con un equipo dedicado de organizadores, voluntarios y artistas trans que impulsan nuestra misión. Nuestras decisiones estratégicas y presupuestarias son tomadas colectivamente por nuestros organizadores trans, que se reúnen regularmente dos veces al mes para garantizar la alineación con nuestra misión y objetivos.

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Jorge Espinal

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Jorge Espinal es un guitarrista e improvisador peruano egresado de la carrera de Ingeniería en Sonido en la Universidad Tecnológica de Chile. Desde su llegada a la ciudad de Buenos Aires en el 2007 se ha embarcado en un sinfín de proyectos diversos centrados en la búsqueda sonora y en la ampliación de las posibilidades del uso tradicional de la guitarra. Su proyecto solista investiga los límites de la generación de múltiples voces (guitarra/bombo/cencerro/pedales/laptop) mediante la independencia rítmica de su propio cuerpo. Desde hace más de 10 años forma parte de Ricarda Cometa (Tatiana Heuman), un dúo de improvisación rítmico-ruidosa, y Calato (Agustin Genoud, Javier Areal Vélez, Pablo Verón), un cuarteto que explora la notación musical, partituras gráficas e improvisación libre. Ha tenido la posibilidad de recorrer Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Estados Unidos, Europa, México, Perú y Uruguay junto a distintos ensambles de músicos locales e internacionales así como en formato solista. Mostró su trabajo en festivales en distintos lugares de sudamérica, tales como en el Festival Integraciones 2018 en Lima-Perú, FIME 2017 en Sao Paulo Brasil, Festival Aural 2016 en Ciudad de México, Festival Integraciones 2013 en Lima-Perú y Festival Tsonami 2011 en Valparaíso-Chile. Su música fue editada en los sellos HatHut (Suiza), Buh Records (Perú), Nefarious Industries, Stereo-Neg, Geweih Ritual Documents, Vestibular Records, Pan y Rosas (EEUU), Jardinista!, PSH Ediziones y Nendo Dango Records (Argentina). Se presentó en salas y festivales de Buenos Aires como el Colón Contemporáneo del Teatro Colón, Festival Ruido en el Centro Cultural Kirchner, Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea del Teatro San Martín, Ciclo de Ensambles de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, Centro Cultural Recoleta, ConDiT y el Centro Cultural Rojas. Participó en las residencias Art Omi (Nueva York – 2011) y ConditLab (Buenos Aires – 2015). Se ha visto involucrado en la creación de material sonoro para obras de videoarte e instalaciones, destacan la música y diseño sonoro para la instalación Añoranzas (Yira Yira) – de Joaquín Aras, proyecto realizado gracias al premio CIFO-Ars Electronica (2023), el diseño sonoro para Cenizas quedan. Película super 8 transferida a digital, realizado con el apoyo del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. (2023), el diseño sonoro de video instalación Snuff 1976, con el apoyo de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires 2015, ambas producidas por Aras. Colaboraciones con el artista argentino Tomás Maglione como el diseño sonoro y música para la obra “Tomorrow will worry about itself”, seleccionada para formar parte del Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana de la Bienal de la Imagen en Movimiento 2016 y el diseño sonoro de “Aliento”, muestra expuesta en la galería Ruth Benzacar.

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Manuel Teles

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Manuel Teles (Palmela, 2002) é um saxofonista português com mais de vinte prémios nacionais e internacionais. Licenciado pelo Conservatório Giuseppe Verdi de Milão com Summa Cum Laude, encontra-se atualmente a frequentar o mestrado em performance musical sob a orientação do Professor Mario Marzi na mesma instituição. Iniciou o seu percurso musical no Conservatório de Palmela e na Metropolitana de Lisboa, estudando com João Pedro Silva. A versatilidade de Teles estende-se da música moderna ao repertório clássico saxofonístico, passando pela improvisação e música orquestral. Atua frequentemente em salas como o Centro Cultural de Belém, Teatro Filarmónico de Verona, Casa da Música, Teatro alla Scala, Auditório Parco della Musica Ennio Morricone, MEO Arena, Coliseu do Porto e Gulbenkian. Tem vindo a colaborar com a Kansas University Orchestra, Divertimento Ensemble, MLOrK Milan Laptop Orchestra, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Ensemble mpmp, Orquestra Metropolitana de Lisboa e com o Ensemble Scaligero do Teatro alla Scala. Trabalhou com maestros, intérpretes e compositores como Jacob TV, Mário Laginha, Mikel Urquiza, Luís Tinoco, Maxime Pascal, Pedro Amaral, Daniel Bernardes, António Victorino d’Almeida e Martim Sousa Tavares. O seu interesse paralelo por outras culturas, sobretudo a do sudeste europeu e a indiana, tem sido uma profunda orientação e inspiração para explorar diferentes concepções musicais, levando-o a conhecer e a trabalhar com Robert Olan e Hariprasad Chaurasia. Em 2019, ano em que Palmela foi candidata à Rede de Cidades Criativas da UNESCO, Manuel Teles recebeu a Medalha de Mérito Cultural (Grau Prata). Juntamente com o percussionista Paulo Amendoeira forma o Astrus Duo, com o qual editou quatro discos. Em 2022 lançaram o seu mais recente álbum “Ascolta!”, com etiqueta mpmp, que reúne nova música de Daniel Bernardes, João Pedro Oliveira, João Quinteiro, Telmo Marques e Paulo Jorge Ferreira. Em 2023 publicou “Lisboa-Milano”, com peças para saxofone solo de Salvatore Sciarrino, Luca Francesconi, João Pedro Oliveira, Christopher Bochmann e Vincenzo Parisi, editado pela Stradivarius.

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