Categoría: Noticias generales

“Suite Inmigrante” es el nuevo proyecto de la flautista y compositora Leticia Malvares con Cary Rosa en el violonchelo y la voz, Ivan Mellén en la percusión, Laura Pedreira en el piano y la propia Leticia en las flautas, además de la idea, composiciones y arreglos de toda la música.

 

El proyecto presenta la suite, que es un EP dividido en 5 movimientos, y un video, dirigido y realizado por Elena del Real. La hermosa portada del EP fue realizada por la gran artista Natália Alves. Con influencias de la música universal, de la escuela de la que procede Leticia, del flamenco, de la cultura popular brasileña y del llamado jazz brasileño, el resultado es una música fresca, rítmica, con armonías coloridas y con espacio para la improvisación, que es también uno de los pilares de la formación de la compositora, y que busca expresar las penas y las delicias de una vida de inmigrante desde un punto de vista muy personal.

 

 

Ver y escuchar en:

https://youtu.be/cVByXe35kxk

https://open.spotify.com/album/1hsOohuHGhjwVTklSSAAkB?si=BrV_Q6vqSD-5c05sfNRUJQ

 

Comenzando el 30 de septiembre y durante todo el mes de octubre se estará realizando la Capacitación Profesional para Archivistas y Bibliotecarios Musicales que se ofrece desde RIOS – la Red Iberoamericana de Orquestas Sinfónicas en articulación con MOLA (Major Orchestra Librarians’ Association) para el sector musical de la región. Estas capacitaciones están a cargo de Claudia Restrepo (Sinfónica de Utah) y Angels Martinez (Metropolitan Opera). La actividad cuenta con la participación de más de 120 profesionales de 11 países representando a más de 70 instituciones musicales.

La Red Iberoamericana de Orquestas Sinfónicas – RIOS impulsa el desarrollo de la música sinfónica propiciando la integración y la cooperación, con herramientas que aportan al fomento de la música orquestal, al intercambio de conocimiento, a la identificación de desafíos y a la coordinación de agendas fortaleciendo las instituciones y al sector en general. Está integrada actualmente por 34 orquestas de 15 países y se encuentra abierta de forma permanente a la incorporación de nuevas instituciones que busquen formar parte de la Red.

RIOS también ofrece oportunidades de formación profesional homologada que responden a las muy específicas necesidades de las y los artistas, del personal administrativo y técnico de las orquestas. Dentro de este marco es que se está realizando la primera capacitación profesional dedicada al perfeccionamiento de archivistas y bibliotecarios musicales en articulación con MOLA (Major Orchestra Librarians’ Association).

La Universidad Nacional Autónoma de México a través de la Dirección General de Divulgación de la Ciencia (DGDC), invitó a la artista argentina Belén Pasqualini a realizar una amplia gira con su espectáculo “Christiane – Un Bio-Musical Científico” por los escenarios de los distintos Museos de Ciencia del país.

 

“Christiane – Un Bio-Musical Científico”  es la vida de Christiane Dosne Pasqualini, una figura fundamental a nivel internacional en la investigación de la leucemia. Christiane nos sumerge en el viaje de su protagonista, quién, cual amazona salvaje, llega a la “pampa argentina” en 1942, becada, para sumarse a las filas del Premio Nobel, Bernardo Houssay. Francesa, criada en Canadá y argentina por adopción, CDP fue la primera mujer que integró la Academia Nacional de Medicina. Su pasión por los ratones de laboratorio y su vida, que atraviesa buena parte del siglo XX, son de un vigor y una humanidad apasionantes. Mujer, científica, madre, esposa, “Christiane”, es una gran excusa para conocer a una mujer única.

 

Belén Pasqualini es actriz, cantante y compositora. Becaria Fulbright / Fondo Nacional de las Artes. Recientemente,formada en Lee Strasberg Theater and Film Institute de Nueva York. Licenciada en Artes Dramáticas (UNA) de Buenos Aires, Argentina, estudió paralelamente con Ricardo Bartís, Cristina Banegas y Raquel Sokolowicz. Vocalmente, se formó con Susana Rossi, Roxana Amed y Marcelo Velasco Vidal. Es creadora e intérprete del multipremiado unipersonal musical Christiane, un bio-musical científico con el cual ya recorrió Argentina, Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

 

 

15 de octubre Universum, Ciudad de México

16 de octubre Constituciones, Ciudad de México

17 de octubre ENES-J, Juriquilla

18 de octubre Laberinto, San Luis Potosí

20 de octubre Universidad de la Salud, Ciudad de México

21 de octubre  C.C.Teopanzolco, Cuernavaca

22 de octubre Auditorio Ilhuicalli, Tepoztlán

24 de octubre CEMA, Cuernavaca

25 de octubre Rehilete, Hidalgo

26 de octubre Gota de Plata, Hidalgo

27 de octubre Museo Universum VIP, Ciudad de México

28 de octubre Museo del Desierto, Saltillo

29 de octubre Museo del Desierto, Saltillo

4 de octubre Feria del libro y la rosa, Morelia

5 de noviembre Museo Lázaro Cárdenas, Jiquilpan

La música de Amor Elefante explora la canción pop a través de diversos géneros y universos sonoros. En sus composiciones conviven delicadas armonías vocales con guitarras expresivas, baterías melódicas, ritmos folclóricos, paisajes caribeños y un incipiente romance con el electro-pop.

 

Amor Elefante es una agrupación formada en el barrio de Banfield (Buenos Aires) en 2009 por Rocío Bernardiner (voz, guitarra), Rocío Fernández (voz, batería) e Inés Copertino (voz, teclados). En 2013, se suma a la banda Andrés Merlo (bajo) y consolidan su formato actual.

 

A lo largo de su carrera, han lanzado dos EPs y cuatro discos de estudio. Han realizado giras por Europa, Chile y Argentina, pasando por los principales escenarios de Buenos Aires como Niceto, La Tangente, CCK, CCR y Tecnópolis.

 

Actualmente, Amor Elefante se encuentra trabajando en su próximo material discográfico y cerrará el 2022 con una presentación en el festival Primavera Sound Buenos Aires.

 

Sábado 15 Octubre, 20:00 hrs. en MFEST, Matucana 100, Santiago, Estación Central, Santiago, Chile

Tawayra es un quinteto a capella que difunde la riqueza cultural a través de una amplia gama de colores, timbres, tonalidades y ritmos de América Latina. El objetivo principal de este ensamble es dar a conocer, a través de adaptaciones contemporáneas, la gran variedad de música existente en el continente americano como lo son los diversos sones, tanto cubano como mexicano, el tango, el candombe, la bossa nova; música de origen africano de todas las costas, tanto del Pacífico, del Atlántico y del Caribe; música de origen indígena; y del continente norteamericano, canciones que son propias del jazz, del blues, del reggae, etc.

 

En Viaje Musical Feelin’ Guacamaya nos invita a un recorrido por tierras mexicanas en un viaje que es también una aventura por las músicas del continente.

 

https://www.youtube.com/watch?v=cMvE6R9sV2Q

Sábado 15 de octubre 19 hs (hora de México)

 

“Ngoma” significa tambor en lenguas africanas bantúes, que es la familia de instrumentos sagrados homenajeada en este encuentro internacional lusófono entre Selma Uamusse (Mozambique/Portugal) y la Foli Griô Orquestra (Brasil). Ambos artistas han investigado los ritmos tradicionales de sus países y la combinación de estos conocimientos generó este poderoso y bailable resultado, que habla de celebración. La letra está inspirada en el poema “Quiero ser Tambor” de José Craveirinha (Mozambique).

Selma Uamusse es una cantante mozambiqueña nacida en 1981, que vive en Portugal desde 1988. Canta profesionalmente desde que era una adolescente, teniendo una carrera musical muy diversa. Uamusse explora las raíces de su país de origen, utilizando ritmos mozambiqueños y letras en lenguas nativas e instrumentos tradicionales como timbila y mbira, combinándolo todo con timbres electrónicos y otras referencias que reflejan sus diversas influencias.

Foli Griô Orquestra es un grupo musical de Río de Janeiro que surgió en 2015. El grupo está compuesto por 10 músicos y explora la integración de ritmos tradicionales brasileños (como Maracatu de Baque Virado, o Boi, Jongo, Candomblé) con Afrobeat nigeriano. El primer álbum del grupo, Ajo, contó con la participación de Lenine y fue nominado al Grammy Latino 2019 en la categoría de Mejor Álbum de Música Raíz en portugués.

 

15 octubre 2022 en https://open.spotify.com/artist/5LzjkRAGnEbfmZkt2CAiNl

El trabajo de Iván Gutierrez Cachullani  pretende poner a disposición del estudiante y del músico de bandoneón herramientas estandarizadas y organizadas, prácticas de digitación y posición de los acordes más utilizados teniendo en cuenta los criterios de uso, comodidad y equilibrio sonoro, facilitando y acelerando el proceso de aprendizaje y evitando así el largo y tedioso proceso de “inventar la rueda una y otra vez”.

 

El primer acercamiento musical de la mayoría de las personas a la guitarra o al piano – solo por citar dos instrumentos conocidos – está caracterizado por el uso de los conocidos gráficos que facilitan al estudiante la ejecución de acordes y melodías de forma idiomática para cada instrumento sin la necesidad de tener conocimientos teóricos musicales previos. Estas herramientas gráficas no sólo resguardan, aprovechan y transmiten el conocimiento empírico de la historia del uso de cada instrumento, sino que son la razón fundamental por la cual las personas sin conocimientos teóricos musicales previos (la mayoría de las personas) pueden ejecutar un instrumento y tener un acercamiento amigable con el mismo en una primera instancia.

 

Iván Gutierrez Cachullani es Licenciado en Composición y profesor de bandoneón. Su primer libro “Bandoneón para compositores: acústica, organología y escritura idiomática” tuvo un impacto muy positivo en la comunidad musical, ya que logró con creces el objetivo de fomentar la composición para bandoneón e instruir a la comunidad aficionada sobre un instrumento patrimonial argentino. Este nuevo libro será presentado en la Escuela Superior de Música de Salta, Argentina.

 

 

15 de octubre

https://ivangutierrezcachullani.com/en/

https://www.facebook.com/Ivan-Gutierrez-Cachullani-2024177487649938

Origami es un festival independiente, mutante e itinerante, con programación nacional e internacional, que prioriza lo emergente con una concepción popular e integradora de la escena musical. Tiene por objetivo ser un referente en la región sur del continente, un puente cultural y un agente de cambio.

 

Entre el 13 y el 16 de octubre se realizará en Montevideo la 5ta edición del festival. En esta oportunidad de carácter internacional con una grilla mayormente integrada por artistas extranjeros del MERCOSUR. Esta edición internacional ofrece una propuesta conceptual atractiva y novedosa: una variada grilla integrada por 12 proyectos musicales con artistas de tres países (6 de Argentina, 3 de Uruguay y 3 de Brasil), más DJs locales, que se presentarán en vivo, formato solo set, generando así una proximidad casi “íntima” entre el público y las y los artistas.

 

El Festival tiene como casa y escenario central a la prestigiosa Sala Camacuá de Montevideo. Allí, el Festival ofrecerá durante tres días consecutivos variados espectáculos de primer nivel y con entrada popular. Además, habrá shows de sus artistas en diversos escenarios alternativos de la ciudad, así como fiestas musicalizadas por DJs nacionales. El Festival estará programando también diversas actividades alternativas de carácter gratuito: mesas de encuentro y diálogo, y charlas de formación para artistas y otros agentes musicales.

 

El ORIGAMI Music Fest nació en 2018 en Montevideo, Uruguay donde se presentaron excelentes artistas, solistas y bandas, de Uruguay, Argentina y Brasil.

 

13, 14 y 15 de octubre

https://origamigestioncultural.webnode.es/

https://www.instagram.com/origamicultura/

@origamimusicfest

Este encuentro propone un proceso de creación de partituras e investigación sonora, en el marco de la residencia artística virtual de Ernesto Anaya desde México y Guadalupe Urbina desde Costa Rica, para la transcripción de partituras del repertorio infantil del proyecto del Vol. III Cancionero Tradicional Anónimo de Guanacaste Parrandeando con Güilas.

 

“Tengo una colección de 32 rondas y canciones, hay mucho más en el repertorio tradicional, que no alcancé a sistematizar aún. Mi mayor deseo es que surjan personas y proyectos que puedan visibilizar este legado. Mi objetivo en realidad no fue específicamente recoger canciones infantiles de la tradición oral, sino que vinieron solas, de un gran repertorio recogido entre personas adultas mayores, niños y niñas” Guadalupe Urbina.

 

Guadalupe Urbina invitó al maestro, cantante, compositor, arreglista y productor mexicano Ernesto Anaya, para la transcripción de las partituras. Ernesto Anaya y Guadalupe Urbina, viven en los dos puntos extremos de Mesoamérica. Culturalmente todo el istmo centroamericano tiene un denominador común; el cultivo, cosecha y elaboración del maíz y los procesos de colonización y neocolonización. A su alrededor florecieron y siguen floreciendo las culturas rurales comunitarias. Se dice que Guanacaste es la frontera Sur de Mesoamérica. Cuando Guadalupe Urbina escuchó los sones huastecos interpretados por Ernesto Anaya quedó impactada por la similitud que los sones huastecos y jarochos, tenían con las parranderas de su provincia. Por ello pensó que era la persona perfecta para establecer este puente.

 

Guadalupe Urbina es gestora cultural, cantante, compositora, escritora e investigadora costarricense. Su creatividad musical, literaria, visual y la profundidad de sus pensamientos, han viajado con ella por el mundo, desde 1987 se ha presentado en muchos lugares, tanto en América Latina como en Europa y África. Ha participado en eventos culturales en varios países de América como El Salvador, Guatemala, México, Canadá, Colombia, Costa Rica, en Senegal y Mali en África y ha viajado por casi toda Europa. Las canciones de Guadalupe se inspiran en sus raíces culturales, las experiencias de la vida y las memorias de su infancia en la provincia de Guanacaste. En 1988 se presentó en el Estadio Nacional de Costa Rica, junto a Bruce Springsteen, Sting, Tracy Chapman, Peter Gabriel y Youssou N’Dour. En 1994 recibió el Premio Gaviota en el Círculo de Bellas Artes de Madrid por su trabajo en la narración oral y en 1995 Radio Francia le otorgó el Premio América de los Descubrimientos, premio que recibió en Senegal de manos de Youssou N’Dour y en donde actuó de nuevo junto a él y a Lokua Kanza. En el 2019 recibió el galardón más importante de la Asociación de Autores y Compositores de la Música (ACAM), el premio Reca Mora.

 

Ernesto Anaya es intérprete de más de treinta instrumentos de cuerda, viento y percusión, entre ellos, la guitarra, el violín, la viola y la jarana. Dedicado a la música principalmente Mexicana y Latinoamericana, Anaya estudió composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Realizó estudios de viola y violín con los maestros Ulises Gómez, Piotr Vodopianov y Javier Montiel en la Escuela de Perfeccionamiento Artístico Ollín Yoliztli. Estudió canto con el maestro Manuel Peña. A lo largo de su carrera, ha colaborado con diversos artistas y grupos como Los Folkloristas, Orquesta Típica de la Ciudad de México, Armando Manzanero, Luis Eduardo Aute, Ana Torroja, Aleks Syntek, Shakira, Amparo Ochoa, Tania Libertad, Lila Downs, Omara Portuondo y Guadalupe Urbina. Fue director musical del proyecto “Musas” en vivo de Natalia Lafourcade, entre otros.

 

12 de octubre, 12 hs.

https://www.youtube.com/channel/UCjHFnCRJ1DGHmgqDKSQTqOQ/videos?sub_confirmation=1

Fiel a su naturaleza y objetivos de diseminar la música nueva del siglo XXI, Low Frequency Trío ha hecho una cuidadosa curaduría, convocando a un distinguido grupo de 8 compositoras Latinoamericanas para colaborar conjuntamente en la creación de obras nuevas para el ensamble.

 

Artistas sonoras de Argentina, Bolivia, Colombia, Costa Rica, Ecuador, Perú, Uruguay, y Venezuela se han lanzado a la búsqueda de sonidos nunca antes escuchados, de formas de organización y transformación frescas, innovadoras, atrevidas e irreverentes.

 

Conformado por Antonio Rosales (clarinete bajo), Juan José García (contrabajo), y José Luis Hurtado (piano), Low Frequency Trio es uno de los pocos ensambles en el mundo que toca música que fue exclusivamente escrita para ellos. Sus integrantes mantienen una intensa actividad Internacional en el ámbito de la música contemporánea de concierto y como trío se han presentado o realizado residencias en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras, Centro de las Artes de San Luis Potosí, Conservatorio de las Rosas de Morelia, Festival Ecos y Sonidos, Festival Internacional Cervantino, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC UNAM, y el Palacio de Bellas Artes en México, en la University of New Mexico en los Estados Unidos, así como en la Universidad Nacional de Quilmes y el Conservatorio Manuel de Falla en Argentina.

 

Desde su fundación en el 2016, LF3 ha colaborado con más de 20 compositores en la creación e interpretación de obras frescas e innovadoras para esta instrumentación única, cuyo sonido colectivo está aún por descubrirse y con un repertorio que, hasta hoy, era prácticamente inexistente.

 

Cada una de las obras será estrenada virtualmente los Jueves de Octubre y Noviembre, a las 20:00 hrs de la CdMx, en el canal de Youtube y la página de Facebook de Low Frequency Trio.

 

6 de octubre, 20 hs. Abismo Blanco de Susan Campos Fonseca – Costa Rica

13 de octubre, 20 hs. Perturbación de Mizky Bernal Miranda – Bolivia

20 de octubre, 20 hs. La velocidad del azul de Sofía Scheps – Uruguay

27 de octubre, 20 hs. Lit little crystal houses de María Laura Disandro – Argentina

3 de Noviembre, 20 hs. Doble de Yoly Rojas – Venezuela

10 de Noviembre, 20 hs Raícesal infinito II de Claudia Sofía Álvarez Perú

https://www.facebook.com/LowFrequencyTrio

https://www.youtube.com/channel/UCuZALFfY62ezJ-gbGJye3ww